Dal 2001 la prima fonte di informazione su internet per
la musica ambient-elettronica-sperimentale-etnica-industriale italiana.
Since 2001 the first internet information resource for
italian ambient-electronic-experimental-ethnic-industrial music.
RECENSIONI IN ARCHIVIO:
REVIEWS
IN ARCHIVE:
Aethere: Pulvis et
umbra sumus... (CD-R 2004)
Aethere: Il giardino
epicureo (CD-R 2005)
Aethere: In coma (CD 2009)
Aglaia: Three
organic experiences (CD 2002)
Aglaia: Sacred
water (CD 2005)
Alio Die: Sit tibi
terra levis / Introspective (CD 1990/1991)
Alio Die:
Under an holy ritual (CD 1992)
Alio
Die/Ora: The door of possibilities (CD 1993/1994)
Alio Die: Password
for entheogenic experience (CD 1997)
Alio Die: Le stanze
della trascendenza (CD 1999)
Alio Die: Incantamento
(CD 2001)
Alio Die: Leaves
net (CD 2001)
Alio Die: Il tempo
magico di Saturnia Pavonia (CD 2003)
Alio Die/Zeit: Sunja
(CD 2003)
Alio Die: Khen
introduce silence (CD 2003)
Alio
Die/Saffron Wood: The sleep of seeds (CD 2003)
Alio Die: Sol Niger
(CD 2004)
Alio Die/Paladino Francesco: Angel’s fly souvenir (CD 2005)
Alio Die/Durand Werner: Aqua planing (CD 2006)
Alio Die/Festina Lente: Il sogno di un piano veneziano a Parigi (CD 2006)
Alio Die/Daini Luciano: End of an era (CD 2007)
Amon/Never
Known: Live at
Molto (CD-R 1997)
Amon: Mer (CD-R
2000)
Amon: Foundation
(2 CD 2005)
Amon/Nimh: Sator (CD 2007)
Antikatechon: Privilegium martyrii (CD 2011)
Apart: Across
the empty night (CD 2008)
Aqua Dorsa: Cloud lands (CD 2009)
Archetti Luigi: Transient places (CD 2004)
Archetti Luigi: Februar (CD
2005)
Archetti Luigi: Fragments on speed, slowless
and tedium (CD 2008)
Balestrazzi Simon: The sky is full of kites (CD 2012 - Boring Machines)
Becuzzi Gianluca/Orsi
Fabio: The stones know everything
(CD 2007)
Berardi Luigi: Un
portatore d’arpa in Cina (CD 2002)
Berardi Luigi: Le arpe
eolie di Luigi Berardi - Notte (CD 2002)
Bianchi Maurizio/Iversen Jan-M.: Rekviem MB-JMI (CD 2011)
Biasthon: Litam
(CD-R 2001) (G. Verticchio, M. Ramassotto, A. Scerna)
Coma Divine: # 10110
(CD-R 2003) (Subinterior & Nox)
Coniglio Enrico: Sea cathedrals (CD 2010)
Coniglio Enrico/Under the Snow: Dialogue one (CD 2011)
Crìa Cuervos: Cancroregina
(CD-R 2003)
Crìa Cuervos: Leitfossilien
(CD-R 2005)
Crìa Cuervos: Des
tempes qui se vitrifient ou se marbrent (CD-R 2005)
Dal Bianco Giuseppe: Senza ritorno (CD 2006)
Dal Bianco Giuseppe: Perpetuo vagare (CD 2010)
D-Darkradioinduztrie: Appunti
di dolore metropolitani (CD-R 2005)
Eidulon: Idolatriae (CD 2008)
Errante Emanuele: Migrations (CD 2006)
Etere-o: Pulviscolo
(CD-R 2000)
Ferroni
Andrea: Windproject (CD-R 2003)
Ferroni Andrea: Noises & Voices (CD-R 2004)
Ferroni Andrea/Riccio: Tribal
revolution (CD 2005)
Ferroni Andrea: Ritratto (CD-R 2007)
Fhievel: Nuvole
(CD-R 2001)
Fhievel: Fluctuazione
(CD-R 2002)
Fhievel: Vetri di
carta (CD-R 2003)
Fhievel: Le baptême
de la solitude (CD-R 2005)
Fhievel/Sigurtà Luca: The wheel (CD 2008)
Five
Thousand Spirits: A tapestry for sourcerers (CD
1995) (Alio Die, Raffaele Serra, Runes Order)
Five Thousand Spirits: Quantum consciousness (CD 2006) (Alio Die &
Raffaele Serra)
Five Thousand Spirits: Schwarzschild radius (CD 2006) (Alio Die & Raffaele
Serra)
Fogar Alessandro: Isole (CD-R 1988)
Fogar Alessandro: Songlines (CD-R 1998)
Fogar Alessandro: The stars circle (CD-R 1999)
Fogar Alessandro: Transmutations
(CD-R 2002)
Fogar Alessandro: Prakriti
(CD-R 2003)
Fogar Alessandro: Surface
studies #1-#2 (CD-R 2005)
Formentini Luca: Subterraneans
(CD 2003)
Formentini Luca: Tacet (CD 2007)
Grilli Gianfranco: Il
tempio di Karnak (CD 1998)
Grilli Gianfranco: Le
colline dei druidi (CD-R 2001)
Grilli Gianfranco: Come to the light of day! (CD-R 2006)
Hall of Mirrors: Reflections on black (CD 2007) (Amon & Nimh)
Hall of Mirrors: Forgotten realm (CD 2009) (Amon & Nimh)
Hue: Un'estate senza pioggia (CD 2006)
K11/Petite Philippe: The haunting triptych (CD 2010)
K11: The sacred wood (CD 2010)
Konau: Speech from the shadows (CD 2006) (Subinterior &
New Risen Throne)
Laneri Roberto/Ricciardi Claudio: Inside notes (CD 2001)
Lasik Surgery: Cyclo (CD 2010)
Lasik Surgery: As one entity (CD 2011)
Les Jumeaux Discordants: Sang pour sang (CD 2010)
Luminance Ratio: Like little garrisons besieged (CD 2009)
Maggiore Luciano/Brasini Francesco: Chàsm’ Achanès (CD 2011)
Maribor: Atrocity exhibition (CD 2009) (Maurizio Bianchi,
Mauthausen Orchestra, Nimh, Andrea Marutti, Stefano Gentile)
Maribor: De Immenso (CD 2011) (Maurizio Bianchi, Mauthausen
Orchestra, Nimh, Andrea Marutti, Stefano Gentile, Gianluca Favaron)
Marutti Andrea: The brutality of misbreathing (CD-R 2007)
Marutti Andrea: The subliminal relations between planets (CD 2008)
Marutti Andrea/Balbo Fausto: Detrimental dialogue (CD 2010)
Mauri Luca: Between love and hate (CD 2008)
Mauthausen Orchestra: Where are
we going? (CD 2008)
Mauthausen Orchestra: Sonic
deprivation (CD 2009)
Mauthausen Orchestra: Digression (CD 2010)
M.B./Nimh:
Together’s symphony box (4 CD BOX - 2005)
M.B.: Elisionem
(CD 2006)
M.B./F.I.C.P.S.: Chaotische fraktale + Letzte technologie (2 CD 2007)
M.B./E.D.A.: Regolelettroniche
(CD 2007)
M.B.: Ludium (CD Silentes 2009)
Meta Led:
Meta Led (CD-R 2002)
Molnija Aura: Utopian suns (CD 2011)
Nefelheim:
Yggdrasill (CD-R
2001)
Nefelheim:
Shadows dwelling (CD-R 2002)
Nefelheim:
Earth purification (CD-R 2003)
Neuestrasse: Neuestrasse (CD-R 2006)
Neuestrasse: Introspective black forms (CD 2006)
Never
Known: Dawn of an era (CD-R 1999)
Never
Known: Once in a lifetime (CD-R 1999)
Never
Known: Live at the Cosmic Egg 10.06.2000 (CD-R 2000)
New Risen
Throne: Anointing rite (CD-R 2003)
New Risen
Throne: Flowing ashes (CD-R 2003)
New Risen
Throne: Along endless path of emtpiness (CD-R 2004)
New Risen
Throne/Locust Reign: Prophets from the abyss (CD-R
2004)
New Risen
Throne: Chants for the cold and dying sun (CD-R 2004)
New Risen Throne: Whispers of the approaching wastefulness (CD 2007)
New Risen Throne: Crossing the withered regions (CD 2009)
New Risen Throne: Loneliness of Hidden Structures (CD 2011)
Nimh: Lanna
memories (CD-R 2002)
Nimh: Frozen
(CD-R 2002)
Nimh: The
impossible days (CD 2004)
Nimh/Nefelheim:
Whispers from the ashes (CD 2004)
Nimh: Line
of fire (CD-R 2005)
Nimh: Subterranean
thoughts (CD 2005)
Nimh/M.B.:
Secluded truths (CD 2005)
Nimh/Baghiri:
Entities (CD-R 2006) (Baghiri Amir & Nimh)
Nimh: The missing tapes (CD
2007)
Nimh: The unkept secrets (CD
2008)
Nimh: Travel diary (CD 2009)
Nimh/Mauthausen Orchestra: From unhealthy places (CD 2009)
Nimh: Krungthep archives (CD 2011)
Normality
Edge: Inner photographs
(5 + 1 CD-R box set 2002)
Nosesoul: Angel
ghost & human shades (CD 2006) (Francesco Paladino & Opium)
Olhon: Sinkhole (CD 2006) (Where & Bad Sector)
Opium: The
reborn of the rebel angel (CD 2001)
Opium: Floatdownstream
(CD-R 2005)
Opium/Corder Jason: The present day (CD-R 2006)
Opium: Algorithms (CD 2007)
Opium: Watercolors (CD-R 2007)
Opium/Sostrah Tinnitus: Stain (CD 2011)
Orchestra
Vuota: Naïve music for border-line people (CD-R 2002)
Orchestra
Vuota: Ethnological electronic research volume I° (CD-R
2003)
Ornament:
Adorers (CD-R 1999)
Ornament: Yzaniaveis
(CD-R 2002)
Ornament: Unicorn
lullaby (CD-R 2005)
Papi
Moreno/Tanni: In the beginning (CD 2001)
Papi
Moreno/Smith Monica: Sweet (CD 2004)
Pecorelli
Daniele: Theatrical works (CD-R 2002)
Punck: MU (CD-R
2002)
Punck: A
movie without images (CD-R 2004)
Punck: Nowhere
campfire tapes (CD 2005)
Regivar: Colonna
sonora per un film immaginario (CD-R
2002)
Regivar: Afairytaleelatyriafa
(2 CD-R 2003)
Revglow:
Liquid
Pearls (CD 2009)
Ricciardi Claudio: Blue
outlines (CD-R 2003)
Riparbelli Pietro/Franck Yannick: Whinny Muir (CD 2011)
Saffron Wood: Platonica filososfia della temperanza (CD 2006)
Scala Stefano: Nel mondo
non del mondo (CD 1997)
Scala Stefano: Bagliori dell’anima (CD 2001)
Scala Stefano: Unsui - Il
sentiero dei bambù (CD 2004)
Scala Stefano: Bon Voyage
- Lungo i sentieri dell’Africa (CD 2004)
Scala Stefano: Il tempo del sogno (CD 2006)
Scala Stefano: Impermanence (CD 2008)
Scala Stefano: Nel cuore dell’Amazzonia (CD 2009)
Selaxon Lutberg/Subinterior/Ándreij: Kether (CD-R 2006)
Selaxon Lutberg: Think (CD-R 2006)
Selaxon Lutberg: Cold house
of love (CD 2006)
Serra
Raffaele: Heaven & earth magic feature (CD 1992)
Serra
Raffaele: Our lady of the sphere (CD-R 1998)
Serra
Raffaele: Memories of an unborn baby (CD-R 1999)
Serra
Raffaele: Disappearing music (CD-R 2000)
Serra
Raffaele: Journey around a zero (CD-R 2000)
Serra Raffaele: Theta
experience (CD-R 2000)
Serra Raffaele: Holographic
soundscapes (CD-R 2000)
Serra Raffaele: Molecular
memory (CD-R 2000)
Serra Raffaele/Marutti Andrea/Atto: Frontiere (CD-R 2001)
Serra Raffaele: Hypnagogic
algorithms (CD-R 2001)
Serra Raffaele: Digital
avatar (CD-R 2002)
Serra Raffaele: Europe
endless (CD-R 2002)
Serra Raffaele: Le spectre
de la rose (CD-R 2004)
Serra Raffaele: The third
mind (CD-R 2004)
Sigurtà Luca: Complesso
momento negativo (CD-R 2000)
Sigurtà Luca: Sinusoidale
desiderio informatico (CD-R 2000)
Sigurtà Luca: Triplice
scansione temporale (CD-R 2000)
Sigurtà Luca: La sindrome
di Stoccolma (CD-R 2001)
Sigurtà Luca/Cecconello Manuele: Terre (CD Rom 2002)
Sigurtà Luca: La vera
macchina d’argento (CD-R 2004)
Sil Muir: Sil Muir (CD 2009)
Sola Translatio: Ad
infinitum (CD 2001) (Alio Die & Opium)
Sola Translatio: Enigma (CD 2006) (Alio Die & Opium)
Subinterior: Obstacles
(CD-R 2005)
Subinterior:
Outfall/Insomnie (2 CD-R 2005)
Subinterior: The
chrysalis secret (CD-R 2006)
Subinterior/Selaxon Lutberg:
Spring meeting (CD-R 2006)
Talharion:
Footsteps on dead leaves (CD-R 2003) (Serra Raffaele)
The Last Hour: The last
hour (CD 2008)
Under the Snow: Delta
(CD 2011)
Underwood: Flowing
(CD-R 2006)
Underwood: Hidden reality (CD-R 2008)
Ur: Triadic memories (CD-R
2006)
Ur: Trieb (CD 2008)
Urkuma: Tinnitus
(CD-R 2002)
Urkuma: Misophonia
(CD-R 2003)
Urkuma: A
cricket in the river (CD-R 2003)
Vannucchi Ilario: Didgeridoo
sounds (CD-R 2003)
Vannucchi Ilario: Didjabout
(CD-R 2005)
Vari
Artisti/Various Artists: Beyond the sound (CD-R 2002)
Vari
Artisti/Various Artists: Beyond the darkness (CD-R 2005)
Veneziani Paolo: The puddle
EP (CD-R 1996)
Veneziani
Paolo: The first floor (CD-R 1997)
Veneziani Paolo/Malvezzi Marco: Comini session (CD-R 1998)
Veneziani Paolo: Alphabet
(CD 1998)
Veneziani Paolo: Lambda
suite (CD-R 2000)
Veneziani
Paolo: Loop, are you circular? (CD-R 2002)
Veneziani Paolo: Quadramusic
(CD-R 2002)
Veneziani Paolo: Sea (CD-R
2003)
Veneziani Paolo: 1995-2005
(2 CD-R 2005)
Verticchio
Giuseppe: Fragments from the lost time (CD-R 1998)
Verticchio Giuseppe: Tjukurpa
(CD-R 1999)
Verticchio Giuseppe: Resonant
ambiences (CD-R 2000)
Verticchio Giuseppe: Distant
skylines (CD-R 2001)
Vestigial: Translucent communion (CD 2008)
VipCancro:
Tropico (CD
2010)
Where: Wererat (CD 2006)
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Aethere: Pulvis et Umbra Sumus... (CD-R 2004 - Autoproduzione)
[ lokideformis@yahoo.it ] [ http://www.myspace.com/aethere ]
Opera prima del progetto Aethere di
Loki Deformis, "Pulvis et Umbra Sumus..." ci presenta cinque brani,
collocabili in un'area stilistica attigua al genere dark-ambent di stampo più
"lirico" che non "catacombale", che pur mostrando i limiti
di un lavoro di esordio, soprattutto per quanto riguarda alcune ingenuità
compositive, l'utilizzo di suoni dalla timbrica eccessivamente "sintetica",
e la presenza di parti ritmiche in cui le sequenze e i suoni di metalli
(hit-hat, cymbals) e percussioni (timpani ad esempio) appaiono anche qui
evidentemente innaturali e sintetici, mostra però i segni di una sostanziale
creatività, abilità nel pensare, comporre ed elaborare parti piuttosto
articolate, nonchè capacità nel concepire e concretizzare in forma sonora
atmosfere di grande presa e dal grande potenziale emotivo. Ampie sono infatti
le parti comunque apprezzabili di questo CD-R, a cominciare dal brano
introduttivo "Super Spin Funeral Theory", dove, escludendo i primi
minuti caratterizzati da poco gradevoli cori sintetici, compaiono affascinanti
interventi di chitarra effettata e suggestive parti di voce trattata
elettronicamente. Ancora momenti d'ascolto sicuramente validi nel seguente
"Polvere e Ombra", dalle sonorità gradevolmente elettroniche nella
parte iniziale, cui seguono ancora efficaci interventi di voci trattate,
piacevoli parti ritmiche (seppure affette a tratti da alcuni dei limiti sopra
esposti) e più quiete ed evocative atmosfere ambientali. Ancora
"quiete" in "Funerale alla Luna", brano caratterizzato da
un gorgoglìo d'acqua sintetico di fondo con melodie sovrapposte di pads
"morbidi" piuttosto consueti, che solo oltre il terzo minuto si
aprono in forma più melodica donando al brano attimi di maggiore suggestione.
Situazioni di staticità e atmosfere ambientali sostanzialmente piacevoli anche
nella title track, in qualche modo replicate nella traccia conclusiva
"Perfectum Est", seppure in questo caso delle voci sussuranti e dei
"tocchi" metallici riverberati arricchiscono in modo pregevole la
prima parte del brano, brano che poi evolve con un repentino cambio
d'atmosfera, anticipato dal suggestivo intervento di una voce "satura",
effettata e distorta, cui fa seguito una imprevedibile parte di chitarra
"danzante-spagnoleggiante", sicuramente di grande presa ed
effetto. Sostanzialmente un buon CD-R
di esordio, non esente da limiti e imperfezioni, che fa però sicuramente ben
sperare per il futuro musicale di questo artista...
(Giuseppe Verticchio)
Aethere: Il Giardino Epicureo (CD-R 2005 - Autoproduzione)
[ lokideformis@yahoo.it ] [ http://www.myspace.com/aethere ]
Uno spettacolare album di musica ai
confini del genere dark-ambient che seppure disponibile (almeno per il momento)
soltanto in edizione autoprodotta su CD-R, avrebbe potuto senz'altro fare bella
mostra di sè all'interno di un catalogo come quello della Cold Meat Industry,
senza dover temere troppo il confronto con tanti altri validi artisti dell'area
nord europea proposti dalla stessa label, con i quali peraltro la musica di
Aethere condivide molti elementi stilistici, sonori e compositivi. "Il Giardino Epicureo" infatti si
"allinea", se così vogliamo dire, a quel "filone" della
musica dark-ambient che vede in nomi come Sephiroth, Coph Nia o Desiderii
Marginis alcuni principali punti di riferimento, traendo probabilmente da essi
ispirazione, e sintetizzando in una forma espressiva, comunque molto personale
e ben definita, gran parte delle influenze da essi derivanti. Aethere propone una miscela sonora
continuamente permeata da un senso di forte drammaticità, d'impronta piuttosto
"musicale" e sottilmente melodica, senza apparire però mai troppo
"pomposa", ridondante o peggio ancora melensa e scontata. La
struttura compositiva dei brani è solitamente piuttosto articolata, e non si
inoltra mai in prolisse situazioni ultra-statiche scure e drone-based, pur
ovviamente disegnando suggestivi paesaggi di chiara matrice "dark",
atmosfere talvolta quasi tetre, grondanti di angoscia e disperazione... Le idee
sono molte e ben sviluppate, il
missaggio delle parti curato e dettagliato, i passaggi fluidi, la dinamica è
ampia, la qualità del suono sempre di ottimo livello. Con un solo grande "balzo" in avanti Aethere supera abilmente tutti i limiti e le
più o meno piccole "ingenuità" che era stato possibile riscontrare
nel suo "Pulvis et Umbra Sumus...", raccogliendo della sua esperienza
precedente soltanto gli aspetti che avevamo maggiormente apprezzato e che ci
avevano dato modo di intuire la
possibilità di future interessanti evoluzioni per quanto riguarda la musica di
questo artista... Sei brani davvero tutti
splendidi tra i quali è difficile esprimere preferenze. Forse la traccia più
spettacolare, e che da sola rappresenta in modo esemplare l'intero lavoro, è la
quarta, e cioè "We Are All Losers", un brano che, in una progressiva
e insuperabile alternanza di soluzioni diverse, propone istanti di maggiore
quiete e staticità ambientale-atmosferica, splendide ed eteree parti vocali,
emozionanti ma discrete aperture melodiche di pads, ora più "morbidi"
ora caratterizzati da una più "sofferta" e "ricca" timbrica
elettronica, angoscianti voci roche e sussurrate cantanti/recitanti, suoni di
pelli tese di frame drums e potenti parti ritmiche a base di percussioni
tuonanti, sequenze spettrali di accordi d'organo.... Ma anche il più
"quieto" brano introduttivo "Dream (of an epicurean
garden)" è di grande impatto e grande suggestione, con i suoi inserti di
parti corali, pads, suoni di metalli e sottili melodie-guida di synth. Ottimo anche il molto "toccante", lento e malinconico
"Phenomenology of the Misery"; fortemente evocativo e suggestivo
"Psyco-pathos", con le sue ritmiche un po' "spezzate", le
voci sussurrate, i tintinnìi metallici, e gli efficaci inserti di chitarra
trattata, strumento che in forma diversa, ma con eguale fascinoso apporto,
compare anche nella traccia conclusiva "Formatted God & Lost Forever", in questo caso
sovrapposta ad ambienze "ventose"che si spostano nel panorama stereo
con un movimentato effetto auto-pan, tra suoni di organo e ad altre melodiche
sequenze di sinth. Un CD-R assolutamente consigliato, che consacra Aethere tra
i più interessanti, validi, e promettenti artisti emergenti nell'area
dark-ambient (e dintorni...) italiana, e che ci auguriamo possa trovare presto
il supporto di una altrettanto valida etichetta interessata a produrre e
distribure ufficialmente su supporto CD questo meritevolissimo lavoro...
(Giuseppe Verticchio)
Aethere: In Coma (CD 2009 - Rage in Eden)
[ lokideformis@yahoo.it ] [ http://www.myspace.com/aethere ]
Un CD assolutamente impressionante,
di qualità superba e dalla resa sonora impeccabile. Con "In Coma"
Aethere torna a sorprendermi così come già aveva fatto in passato con "Il
Giardino Epicureo", uscito nel 2005 come autoproduzione su supporto CD-R e
purtroppo ancora mai pubblicato su CD "ufficiale". In qualche modo ascrivibile stilisticamente
ad una Dark Ambient "d'impatto", "In Coma" non si allinea
però agli stereotipi del genere, e grazie ad un'impronta molto personale e
facilmente riconoscibile per chi segue il progetto "Aethere" dai suoi
esordi, si sviluppa con originalità e grande drammaticità intorno al tema che
fa da filo conduttore per tutta la durata del CD, e cioè quella linea sottile,
misteriosa e dai contorni ignoti che separa la vita dalla morte... La capacità
di Emanuele Ratti, alias Aethere, di organizzare, assemblare e plasamare il
materiale sonoro è straordinaria, così come non comune è la sua particolare
capacità nel saper scegliere i suoni "giusti", elaborarli con grande
efficacia, e inserirli con maestria e sensibilità all'interno delle
composizioni. Il risultato è un album che, per tutti i suoi cinquanta minuti
scarsi di durata, lascia letteralmente senza fiato, alternando parti più
statiche a momenti di grande impatto, suoni e atmosfere più "morbide"
e rarefatte a distorsioni e suoni più aspri e aggressivi, esplosioni dinamiche
a imprevedibili quiescenze e suggestivi inserti melodici... L'impressione che
spesso si ha, durante l'ascolto, è che la musica tenda ad evocare uno stato
percettivo/emozionale profondamente alterato, al limite estremo tra coscienza e
incoscienza, che a tratti sembra cedere, annientarsi per sprofondare verso il
Buio Assoluto e l'Inconoscibile, e a tratti sembra invece
"recuperare" faticosamente istanti di offuscata lucidità, frammenti
di memoria, "schegge" di realtà, in un disperato tentativo di ritorno
alla Luce e alla Vita... Trattandosi di un "concept" album, non mi
soffermo a descrivere nel dettaglio le singole tracce, giacchè ognuna di esse è
da considerare come elemento assolutamente parziale di un "disegno"
sonoro, compositivo e tematico più ampio, completo e articolato; ad ogni modo
voglio comunque segnalare la terza traccia, un esempio di perfezione assoluta
sotto ogni punto di vista. Imperdibile.
(Giuseppe Verticchio)
“In coma” is the last work
of Aethere, an act of Emanuele Ratti from Milan who in the last 4 years brought
to perfection his dark ambient - space music hybrid, starting from a Cold Meat
Industry style and finishing with sophisticated personal music, binding dilated
atmosphere, typical for space music, with the more compact, oppressive style,
characteristic for swedish masters. “In coma” is the end of Aethere, an album
created on the really feeble equilibrium between life and death: the EEG sound
walks through the six tracks until the acme of the mass-sounds. When the EEG
becomes a flat line, Aethere dies.
(Rage in Eden)
Aglaia: Three Organic Experiences (CD 2002 - Hic Sunt Leones)
[ aglaiamusici@libero.it ]
Un CD di pura ambient music di
impronta statica, dai movimenti lenti e fluttuanti, suddivisa in tre lunghe
suites per un totale di 67:30 minuti.
Il primo brano, "The Mysterious Fish Named Kun", mi ha riportato
alla mente alcuni lavori di autori che, tra la seconda metà degli anni
'80 e l'inizio degli anni '90, proponevano un' ambient-music intrisa di umori
più o meno melodici e caratterizzata da atmosfere di impronta analoga... Tra
essi mi sono venuti in mente Aeoliah, Michael Danna, Tim Clement; tutti autori
che hanno accompagnato con i loro suoni molti momenti della mia vita, ma che
con il passare del tempo ho via via perso di vista, avendo progressivamente orientato
le mie scelte musicali verso situazioni più "di ricerca", più
sperimentali, in qualche modo più innovative... Non parlo di vera e propria
"similitudine"sia chiaro, ma soltanto di analogie relative ad alcuni
suoni e ad alcune soluzioni adottate, che ho in parte riscontrato anche nel
successivo "The Tribe of the Flying Monkeys". E' certamente nel brano
di chiusura "Seven Ancient Glacieres" che questo CD offre il meglio
di sè: 27 minuti di paesaggi sonori in
continua mutazione, praticamente quasi la metà della durata del CD, nei quali
le atmosfere non cambiano sostanzialmente, ma i suoni, i missaggi e i
trattamenti si fanno più curati, nitidi, ricercati, e nei quali gli autori
sembrano aver riversato la parte preponderante e migliore delle proprie idee. Il
progetto "Aglaia" esordisce dunque con un CD in grado di regalare a chiunque dei buoni
momenti d'ascolto. Quello che forse mi
sentirei di suggerire agli autori, è di "osare" un po' di più nelle
loro future produzioni, per trovare una dimensione musicale più
"personale", muovendo la
propria ricerca sonora e le proprie sperimentazioni verso soluzioni in grado di
conferire ai propri lavori un'impronta più caratteristica...
(Giuseppe Verticchio)
Aglaia is one of the
Chariti. The "Cariti" are goddess of beauty, generally represented as
three sisters. They live upon Olympus mountain toghether with Muses, with whom
sometimes they sing chorus. They pleasently follow the tracks of Apollo, god of
divination and music. Their father is Zeus, their mother is Eurinome, the
daughter of the Ocean. It is generally considered that "Cariti" exert
every sort of influence upon works of mind and art. Charis means living artís
work. In some tradition they are daughters of Erebo and of the Night and love
to dance under the pale moon light. The concept of Aglaia is to create long
musical instants, apparently motionless, but with inside the movement of
hundreds of nuances, micro-variations , pulsations. A fluid, sonoruous tapestry
with a never ending motion. The music was thought like a magma of raw materials
to refine throught an infinite number of sonorous passages. The listening of
"Three Organic Experiences" behave towards the micro-particle that
compose our subtle individual plot, in a world where nothing is firm and
nothing is really moving.
(Hic Sunt Leones)
Aglaia: Sacred Waters (CD 2005 - Hic Sunt Leones)
[ aglaiamusici@libero.it ]
Con il nuovo "Sacred
Waters" il duo Aglaia torna a proporre, con una formula sostanzialmente
invariata rispetto al precedente "Three Organic Experiences", un
gradevole album di ambient music, costituito di tre lunghi brani di circa 20
minuti l'uno di durata, basati su miscele di pads, drones e suoni "ad
onde" integrati con altri suoni di varia origine che si sovrappongono,
emergono, si intersecano e si dissolvono in varia forma all'interno delle
omogenee ma continuamente cangianti tessiture sonore di sottofondo. Tra i suoni
aggiunti abbiamo field recordings, suoni di ambienti naturali, rumori concreti,
tintinnìi metallici, pulsazioni sintetiche, rumori di folla e vociare di
persone, corde pizzicate e suoni flautati di qualche strumento di probabile
origine orientale; nel terzo brano compare a tratti un canto armonico molto
profondo e gutturale che riporta alla mente antichi cerimoniali sacri tibetani...
La qualità della registrazione è sempre molto buona, e la gamma di suoni e
campioni utilizzati è molto interessante, ampia e variegata, seppure
all'interno di ogni singolo brano, data la lunga durata degli stessi, è
possibile nel corso dell'ascolto cogliere una certa ricorrenza e ciclicità
nell'uso dei medesimi campioni sonori (spesso della durata di pochi secondi),
generando alla lunga una lieve sensazione di prevedibilità e ripetitività. In
ogni caso il CD scorre in modo molto fluido e piacevole, descrivendo surreali
ed evocative atmosfere di una staticità solo apparente, volte a creare uno
stato di rilassato coinvogimento e di progressivo abbandono, simili ad una
sorta di spirale sonora entro la quale lasciarsi passivamente condurre,
seguendone in stato di assoluta quiete interiore il sospeso, lento e continuo
moto circolare... Adatto anche per ascolti di sottofondo, grazie alla struttura
molto lineare e priva di improvvisi "colpi di scena", "Sacred
Waters" non mancherà di affascinare chi già abbia apprezzato il precedente "Three Organic
Experiences", e chiunque si avvicini per la prima volta alla musica di
Aglaia ricercando atmosfere ambientali quiete e dilatate, suoni eleganti,
curati e ricercati, privi di particolari velleità sperimentali o marcatamente
innovative...
(Giuseppe Verticchio)
The textural ambient
project Aglaia have finally released their second album. After a very good
feedback from the first CD "Three Organic Experiences", "Sacred
Waters" is the new offertoires to introduce more and more in the amniotic
sound dimension, of their music. The layers's quality become more deep here..in
breathing circles where processed voices and acoustic instruments, appear to be
evocative and fragmented like in a dream, or just like what an echo can play
with sounds in an open landscape, coming from far distances with the wind. The
electronics/analog sounds are waves of flowing energy with a powerful relaxing
quality, and behind them you can hear sometimes an indian flavour like an
incense stick burning. By the way it's not possible at all to explain and
describe the originality of this music, his poetry and his psychoacoustic
properties, but if you start to listen, it invites you to stay inside yourself,
in the motionless and timeless space that induce, bathing in the Sacred Waters
of the infinite ocean of peace and inspiration.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die: Sit Tibi Terra Levis/Introspective (CD 1990/1991 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Frammenti da un Sogno. Questo è il
titolo di uno dei brani contenuti in questo storico CD di Alio Die, ma è anche
la definizione più adatta a descrivere questo capolavoro assoluto della musica
italiana. Un disco da isola deserta. Una raccolta di brani registrati tra 1990 e il 1991, realizzati da un artista che in Italia può
essere considerato il primo indiscusso erede di quel Brian Eno che, in altra parte del mondo, già nel lontano
1978, aveva cominciato a concepire quella splendida "ambient music"
destinata a fare storia. E così come "On Land" continua anno dopo
anno a superare la prova del tempo, rimanendo a tutt'oggi un'opera di assoluta
attualità, così "Sit Tibi Terra Levis" mantiene ancora assolutamente
intatto il proprio valore artistico, descrivendo un'ambient music dalle tinte
oscure, mai monotona o ripetitiva, che può essere apprezzata oggi esattamente
come allora... Nulla sa di vecchio, nulla che (ad un ascoltatore ignaro...)
possa suggerire l'idea che tale musica sia
stata realizzata dal nostro Stefano Musso più di dieci anni fa... In un
momento come quello attuale, nel quale
ancora tanti autori sembrano attingere dalle visioni di Eno la linfa vitale
della propria musica, l'ispirazione per le loro esplorazioni dello spazio statico,
gli elementi fondamentali per le composizioni musicali che in questo stesso
momento stanno realizzando, l'ascolto di questo straordinario "Sit Tibi
Terra Levis" può farci capire quanto fosse già andato oltre Alio Die più
di dieci anni fa... Sedici frammenti di sogno che hanno trovato uno spazio nel mio cuore esattamente nove anni
fa (quando acquistai e ascoltai questo CD per la prima volta...), che in tanti
anni nessun altro artista, italiano o straniero, è mai riuscito a
soppiantare... Se ancora non possedete
"Sit Tibi Terra Levis", e amate l'ambient-music, prima di acquistare
l'ennesimo CD del nuovo artista ambient straniero di turno, chiedete a Stefano
una copia di questo suo splendido lavoro...
(Giuseppe Verticchio)
Beautiful ambient sounds
and textures which provide a though provoking athmosphere. A subtle power
follows music and features some excellent aural works.
(N.D. - Texas)
Alio Die: Under an Holy Ritual (CD 1992 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Undici brani, registrati nei primi
quattro mesi del 1992, nei quali la musica di Alio Die cambia leggermente
direzione. Le atmosfere si fanno meno rarefatte e astratte, e propendono per
progressioni più ipnotiche e rituali, spesso costituite da elementi sonori di
diversa natura, stratificati su eteree basi di loops. E' la struttura evolutiva
dei singoli brani che cambia leggermente di forma, ma in "Under an Holy
Ritual" si ritrova intatta la caratteristica impronta musicale di Alio
Die, così come abbiamo potuto conoscerla e apprezzarla sul suo precedente
lavoro. Tra i frammenti da sogno che certo anche qui non mancano, desidero
menzionare in particolare lo stupendo "Global Construction" con le
sue atmosfere cangianti e suggestive,
le sonorità oscure e inquietanti di "The Secret of Shady
Gorges", la tensione sottile di "Axis Mundi", le pulsazioni
rituali e ipnotiche di "Invocation of the Source of Life"...
(Giuseppe Verticchio)
Return to the overground
ruins of our civilization, where the previous inhabitants speak through sounds
that drift like samples of the soul. An ambient masterpiece.
(Projekt - USA)
Alio Die/Ora: The Door of Possibilities (CD 1993/1994 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Questo lavoro raccoglie quattro brani
di Alio Die, due brani di Ora (Darren Tate & Andrew Chalk) , ed una traccia
realizzata in collaborazione tra gli artisti, il tutto relativo ad un periodo
che va dal marzo 1993 al marzo 1994. Apre il CD Alio Die, con lo spettacolare
"Looking Towards", un brano che ci conduce immediatamente tra
atmosfere eteree e suggestive, ma al tempo stesso estremamente concrete e
"terrene"... Il seguente brano di Ora sembra abbandonare gli elementi
più morbidi ed eterei di quello che lo ha preceduto, addentrandosi tra atmosfere più cupe e oscure, tese, quasi
sotterranee, mentre rumori concreti vanno ad arricchire il paesaggio sonoro,
tendendo in molte parti a prevalere sugli altri suoni, e divenendo l' elemento
costitutivo principale della composizione… Torna quindi Alio Die, con
"Bestiole Nascoste tra il Muschio e le Alghe", costituito da fragili
linee melodiche sovrapposte a lontani pulsazioni percussive, e al rumore dello
scorrere dell'acqua di un torrente... Un brano dolcissimo e ipnotico, un altro
frammento da sogno... Segue "The Door of Possibilities", sempre di
Alio Die, brano nel quale ritorna il rumore dell'acqua, questa volta
miscelato ad onde di tappeti sonori,
voci indistinguibili, morbidi suoni di flauti distanti, reverberati, anch'essi
quasi indistinguibili, e piccoli rumori percussivi... Un altro suggestivo
quadro sonoro, un altro piccolo capolavoro...
Alio Die e Ora insieme, nel seguente "In Shore", sembrano
riprendere laddove era terminato il precedente brano di Ora... Di nuovo atmosfere
inquiete e oscure e forte presenza di rumori
concreti, ma il tutto sviluppato su progressioni più lente e dilatate
che troveranno ampio spazio nei 22 minuti della durata del brano. Quindi
l'ultimo breve gioiello di Stefano Musso, "Stone Voice", poco più di
due minuti e mezzo di musica costruita con l'uso di voci cantilenanti dal
sapore rituale... Conclusione del CD affidata ad Ora: ancora dieci minuti di
atmosfere surreali e inquietanti, che chiudono in bellezza il risultato di
questa straordinaria collaborazione…
(Giuseppe Verticchio)
Lush ambient textures and
natural sounds. This CD includes one
collaborative piece, two pieces by Ora alone, and four shorter Alio Die pieces.
This collaboration between Alio Die and Ora (here Andrew Chalk and Darren Tate) is a beautiful shimmering synthesis
of dark ambience and organic droning.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die: Password for Entheogenic Experience (CD 1997 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Un CD molto diverso dai precedenti,
costituito da un' unica traccia della durata di 64 minuti, caratterizzata da progressioni lente e
dilatate, onde sonore che emergono, si incrociano e si dissolvono, atmosfere
sognanti apparentemente statiche ma pur sempre in continua, graduale
evoluzione... Così come è vero che
questo CD si lascia apprezzare per la classe e il grande stile con il quale
Alio Die è riuscito a condurre un'ora di incessante, quanto coinvolgente,
ambient music di impostazione statica, dimostrando la propria capacità
nell'esplorare universi musicali diversi da quelli già percorsi nel passato,
c'è però da dire che l'adesione dell'artista a questo modello formale ha
portato alla realizzazione di un CD dall'impronta leggermente più “anonima”,
meno riconoscibile, nella quale risulta meno evidente la forte personalità musicale
dell'autore. L'assenza, in questo lavoro,
di tanti elementi che hanno contraddistinto la musica di Alio Die nei
suoi CD precedenti, rende quest'opera
un po' meno rappresentativa di quello che è lo stile, o meglio
"l'universo musicale" più significativo e individuale di Stefano
Musso. Un CD che comunque si lascia
ascoltare con grande piacere... Spegnete la luce, e lasciatevi condurre per mano verso paesaggi sonori dall'aspetto
forse un po’ meno inconsueto, ma pur sempre magnifici da visitare, emozionanti,
e dipinti dall'autore con grande e
indiscutibile capacità artistica...
(Giuseppe Verticchio)
Alio Die: Le Stanze della Trascendenza (CD 1999 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Seconda parte di una trilogia ambient,
iniziata con “The Hidden Spring”, per la Crowd
Control, e che si concluderà con il successivo “Leaves Net”,
autoprodotto per la Hic Sunt Leones. Questa trilogia vede Alio Die alle prese
con materiale sonoro derivante da vecchie registrazioni, rielaborato e
processato attraverso tecnologie più moderne. Un territorio nel quale Stefano
si muove con grande padronanza, realizzando questo interessante CD, che vede nel lungo brano “Melancholic Roots”
il suo apice espressivo: ventiquattro minuti di grande musica ambient, con
progressivi e perfettamente equilibrati cambi di atmosfera e di sonorità… Un
inizio che ricorda un po’ la musica “discreta” di Brian Eno (come anche il
meraviglioso brano “Cicada’s Loop”), che si fa via via più oscuro e inquieto
(mi viene ancora in mente l’Eno di “On Land”) per poi approdare a una lunga
parte statica, dove ritornano alcuni suggestivi interventi vocali che regalano
momenti di grande emozione… La stasi torna poi a chiudersi su atmosfere più
oscure, tese e rituali, qualcosa che può ricordare il miglior Peter Andersson
nelle vesti di Raison D’Etre. Altri
momenti molto interessanti la già menzionata “Cicada’s Loop”, il brano
introduttivo “Alternate Realities” e la pur breve “Desire (Instrumental)”,
mentre ho trovato forse un po’ meno suggestivi gli ultimi sei minuti circa
del brano di chiusura, “Molecular Dance”.
(Giuseppe Verticchio)
The second chapter in an
ambient trilogy started with "The Hidden Spring", characterized by
old sounds and recordings manipulated
and reworked using modern technologies. A fantastic CD.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die: Incantamento (CD
2001 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Se mi limitassi a parlare di questo
CD come di un lavoro di ambient statica, suddiviso in due lunghe suites
(“Lunae” e “Waters”) costruite fondamentalmente su loops, drones, suoni
dilatati e rumori naturali (cicale, acqua...) sicuramente avreste l'impressione
di non trovarvi di fronte a qualcosa di particolarmente nuovo e significativo
(quanti CD sono stati costruiti negli ultimi quindici anni con ingredienti
analoghi?), e non riuscirei probabilmente a suscitare il vostro interesse e la
vostra curiosità per quest'opera... Una strada già percorsa da molti,
apparentemente semplice da seguire, soprattutto considerando che Stefano ha da
sempre dimostrato di essere un
"maestro" nella scelta e nel trattamento dei suoni, nonchè
nella costruzione delle progressioni e nel mixaggio degli elementi sonori stessi...
Ma è esattamente questo il punto... Quello che fa la differenza tra questo CD e
tanti altri lavori di artisti che hanno percorso strade analoghe, è quello
dell'impareggiabile sensibilità, dello stile, della capacità
creativa-compositiva del "nostro" Alio Die, il quale riesce a dare "anima"
e "vita" a quegli stessi ingredienti che, manipolati da altri autori,
hanno generato negli anni decine di CD simili fra loro di discutibile qualità
artistica o comunque facili da dimenticare,
ma che invece raccolti,
elaborati e messi insieme da questo fondamentale autore italiano, hanno portato alla realizzazione di un CD
che si eleva al disopra di tante produzioni soltanto apparentemente simili, e
che sicuramente lascerà traccia di sè nella memoria dei fortunati che avranno
modo di ascoltarlo...
(Giuseppe Verticchio)
"Incantamento"
provides two long drifting pieces of naturalistic ambience, adding the
occasional pluck of guitar strings to the rich bed of aquatic sounds and
droning loops. The packaging contains dried stems and flowers instead of a tray
card to underscore the organic nature of the music.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die: Leaves Net (CD 2001 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Terzo e ultimo capitolo della
trilogia ambient di Alio Die, a chiudere il ciclo iniziato con "The Hidden
Spring" e con "Le Stanze della Trascendenza". Una raccolta di 10
brani costituita da materiale sonoro di
vecchia data unito a composizioni più recenti, comparso in parte su compilations
e sul vecchio Mini-CD "The Flight of Real Image", spesso rielaborato,
riadattato e rimasterizzato per l'occasione. Le sonorità prevalenti tornano ad
essere quelle del primo Alio Die, così come anche la durata e la struttura dei
brani. Nonostante il lavoro di "ricomposizione" in un unico CD di
materiale registrato in periodi e occasioni diverse, l'opera suona estremamente
omogenea, come se in realtà tutta la musica inclusa fosse stata concepita e
realizzata nel medesimo periodo e destinata fin dall'inizio a far parte dello
stesso CD. Un piacevole ritorno dunque alle atmosfere che hanno accompagnato i
conoscitori di Alio Die fin dai tempi di "Sit Tibi Terra Levis",
"Introspective", e il già citato "The Flight of Real
Image", dal quale sono estratti
due brani, uno dei quali, "Leaves Net", rielaborato e scelto come
titolo per questa nuova realizzazione. Nella zona centrale del CD forse i
momenti più suggestivi dell'opera, tutta comunque di ottimo livello, in
quell'ampia parte che, in un crescendo emotivo, vede susseguirsi brani come
"First Perception", "Leaves Net", "A Chaos of
Desire", "A Fragments of Fire", e l'eccezionale "The Way of
Fire". Chi ama Alio Die, e soprattutto lo stile musicale che ha
caratterizzato i suoi esordi, non può mancare
l'acquisto di questo CD.
(Giuseppe Verticchio)
"Leaves Net"
presents short pieces, many of them recomposed from compilation appearances and
other obscurities, in the third installment of his trilogy (started with
"The Hidden Spring" & "La Stanze delle Transcendenza")
of re-examined ambient music.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die: Il Tempo Magico di Saturnia Pavonia (CD 2003 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Pur non potendo parlare di una vera
"svolta" nella produzione musicale di Alio Die, giacchè gli
ingredienti e le soluzioni adottate in questo CD rispecchiano in modo
abbastanza inalterato quanto già proposto dall'autore fin dai tempi
dell'esordio con lo splendido e storico "Sit Tibi Terra
Levis/Introspective", mi sembra
comunque di scorgere in questo "Il Tempo Magico di Saturnia Pavonia" un
certo desiderio di rinnovamento, una nuova carica di energia, una nuova linfa
vitale... L'autore attinge ancora ad elementi già utilizzati molte volte nel
passato, prevalentemente registrazioni di rumori naturali e sonorità tenui e
discrete in lento movimento disposte a strati, ma aggiunge ad esse anche altri
nuovi ed efficaci suoni inediti, che in diverse parti emergono
coraggiosamente in primo piano, regalando momenti di grande emozione, attimi davvero magici che mirano dritto al
cuore, e che colpiscono la mia sensibilità come molti anni fa accadde durante l'ascolto dello stesso "Sit
Tibi Terra Levis/Introspective" sopra citato... Forse lo stesso Alio Die,
che è stato tra i primi in Italia a proporre un certo tipo di ambient music,
sente ora in un qualche modo la necessità di rinnovarsi; sta raccogliendo nuove
idee e nuove fonti di ispirazione, e
questo "Il Tempo Magico di Saturnia Pavonia" è il punto di
partenza per le sue future esplorazioni
sonore... Il CD è suddiviso in 10 brani, e tra essi le mie preferenze vanno per
l'impareggiabile "The Circular Development of Time", lo splendido
"Brace di Trasformazione", l'altrettanto splendido "Acqua che
Brucia", ma cito volentieri anche il brano introduttivo "A Gift",
e "Fragile-Struggente".
Davvero un buon lavoro, sicuramente uno dei miei preferiti tra le
produzioni più recenti dallo stesso autore...
(Giuseppe Verticchio)
In this new CD Stefano
Musso display ten new tracks of powerful layers of sound, acoustic and real.
Magic of sounds was invited and respected during rites of composition, and as
usually it have the priority and guide of the creative process. Then spirits of
life come, in a sensitive and creative space, attitude is purified and deeply
desired is the focus by the soul, quiet and almost transparent is the mind. Ok,
this is deep music you can listen while you are looking into the fire, walking
in the wild, or when you need an accurate ispirational space for poetry,
paintings, research, making love and meditation, and in every activities where
you need expanding time and sensibility, and you would really like to be here!
Oh... yes, you should be in the meantime in some other layers of consciousness,
looking for some special gift to magically convert these crazy days into a
better time!
(Hic Sunt Leones)
Alio Die/Zeit: Sunja (CD 2003 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Questo lavoro propone due lunghe
suites nate da un' idea abbastanza semplice. Immaginate un substrato armonico
piuttosto statico sul quale, in varia forma e con soluzioni diverse, si
incrociano, emergono, si dissolvono,
quindi tornano nuovamente in primo piano, suoni, talvolta rielaborati, di
strumenti come il khen, la fisarmonica, lo zither, nonchè registrazioni
ambientali di rumori naturali quali cicale, acqua, richiami di uccelli. Alio
Die è da tempo un abile manipolatore di suoni, ed ha un gusto particolarmente
raffinato nel saper sfruttare al meglio, e con grande eleganza, qualsiasi tipo
di frammento sonoro; ha inoltre una grande capacità nell'evocare in musica
"paesaggi" e atmosfere dalle tinte tenui e crepuscolari, scenari da
sogno ricostruiti attraverso miscele di suoni di varia origine sapientemente
elaborati e combinati tra loro... Grazie a queste sue capacità l'artista, questa
volta in collaborazione con Zeit (Tommaso Cimò), è riuscito a realizzare un
lavoro che, pur nascendo da un approccio compositivo piuttosto semplice,
risulta comunque ben fatto e piacevole all'ascolto, prestandosi soprattutto come "colonna sonora di
sottofondo", da utilizzare in
momenti in cui si richieda alla musica di accompagnarci nei nostri pensieri o
nelle nostre altre attività quotidiane, e non piuttosto un ruolo da
"protagonista" assoluto cui dedicare in modo esclusivo il nostro
tempo libero...
(Giuseppe Verticchio)
Magic has blown its
precious spores in the air. A human rite, humble and quiet, has evoked a red
hot globe that gently illuminates the path
toward the borders of Sunja, the dream place where all vibrations start.
Sometimes the light comes down from the
sky, clear like a crystal. Sometimes it
climbs slowly from the earth's depths, but it's always comforting.
Crossing the thresholds of Sunja is
like landing on an uncontaminated island, furrow its white sea-shores lapped by tepid foamy waters,been inebriated
with wide floral smells and saltiness in secret places of the inland and in
caves dug from time, gain the top of the plateau from which it is possible
to see beyond... Sunja is creative
strength enclosed in two long tracks of incredible intensity, rich in levels of
knowledge, pure enchantment and beauty. The deep sound has an extraordinary
symbolic and evocative power and it has arrived to a supreme purification owing
to millenial percolations across the
rock. Music shines, beholds, resounds at the bottom of ourselves, lives and spreads out. We realize, in
listening, that a light warmth closes
in upon us, everything loses its own original sense, the gates open...
the road is beaten! Stefano Musso plays: zither, samples and
loops, buzzer , fields recordings. Tommaso Cimò plays: khen (mouth-organ),
accordion, rattles, bird calls, bells.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die: Khen Introduce Silence (CD 2003 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Il Khen, o mouth-organ, è uno strumento a fiato molto diffuso nella
musica tradizionale del Laos e della vicina Thailandia, territori da cui trae
origine. E' costituito di una serie di sottili canne di bamboo (16 nel formato
più comune) di varie dimensioni, affiancate in due file, ordinate per
lunghezza, e assemblate con l'ausilio
di una resina nera all'interno di una speciale parte forgiata in legno, dotata
di un apposita imboccatura nella quale l'esecutore soffia o aspira per emettere
il suono. Ogni canna presenta un foro e una sottile ancia di metallo. Suonando
lo strumento è possibile chiudere con le dita l'apposito foro per mettere in
vibrazione l'ancia, ottenendo così l'emissione di una nota, ovviamente diversa
per ogni canna. Il suono del Khen ha sicuramente qualcosa di magico, ed è
particolarmente affascinante sia nell'uso comune che se ne fa nei territori
d'origine, sotto forma di assoli a base di velocissime sequenze melodiche o in
accompagnamento ad altri strumenti tradizionali, sia nell'uso sicuramente meno
consueto che ne fa Alio Die in questo suo nuovo lavoro. Qui infatti il suono
del khen è trattato elettronicamente in modo tale da renderlo morbido e fluido,
lieve e dilatato, e si accosta con discrezione a strati sonori dalle movenze
lente e progressive in piena coerenza con lo stile ormai consolidato di questo
artista, costruiti con "ingredienti" d'uso più comune come drones,
loops, registrazioni ambientali... Se
volete avvicinarvi al suono di questo affascinante strumento, senza andare alla
ricerca di registrazioni di musica tradizionale Laotiana o Thailandese, e
rimanendo all'interno di un contesto musicale più vicino all'erea di interesse
di "Oltre il Suono" e quindi probabilmente anche più vicino ai vostri
gusti, procuratevi questo "Khen Introduce Silence".
(Giuseppe Verticchio)
Taking basic improvisations
only from sounds produced by Khen (mouth-organ from Thailand/Laos) and
processed by different controls like
filters, pan and multi-effects, Stefano Musso looks for a vibrational enviroment
that is like a special point of view,
where time changes his meaning and sometimes becomes absolutely
relative, finding a place for contemplation, like being in the clouds and
breathing with the sound of the spheres.
Observe the circular harmony of seasons in his never ending flow, it
speaks like old poetry that is familiar to the soul. Stefano Musso plays: khen,
drones and loops, enviromental recordings taken in Thailand and in
Lunigiana/Italy.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die/Saffron Wood The Sleep of Seeds (CD 2003 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Volendo comparare in qualche modo
questo nuovo lavoro di Alio Die con gli altri due titoli usciti in
contemporanea sempre per la Hic Sunt Leones ("Sunja" e "Khen
Introduce Silence"), debbo dire che la mia preferenza va probabilmente al
presente "The Sleep of Seeds", album realizzato sfruttando
registrazioni effettuate con strumenti e oggetti vari (flauti, zither,
fisarmonica, conchiglie, sonagli, campanelli...) da Alio Die e Lorenzo
Scopelliti/Saffron Wood, su cui poi quest'ultimo ha sovrapposto ulteriori strati sonori, questa volta di origine
elettronica. Il tutto è stato poi "montato" e rielaborato utilizzando
computer e Pro-tools. Ciò che mi fa preferire questo titolo ai due precedenti è
sicuramente la maggiore varietà di suoni, atmosfere e situazioni che è
possibile riscontrare in "The Sleep of Seeds", la maggiore
articolazione delle diverse parti che lo compongono, il maggiore impatto
emotivo che è in grado di trasmettere, l'elaborazione più curata delle
progressioni sonore, sia all'interno dei singoli brani, sia considerando il CD
nel suo insieme. Volendo esprimere ancora preferenze, questa volta
relativamente ai brani contenuti, ho trovato sicuramente più "magica"
e affascinante la lunga chiusura affidata a "A Dream of Mother
Ground", brano nel quale i suoni e le atmosfere sono d'impronta
spiccatamente "rituale", e nel quale l'ampia gamma di rumori concreti
utilizzati si sposa perfettamente con suoni di flauti, fisarmonica, loops,
drones e trame sintetiche...
(Giuseppe Verticchio)
The title is also the
opening track of this macroscopic journey into a world which spontaneously engages us when we travel through
it. A link between life and earth, a
passageway between time and change. A melodius itinerary in which a time
hourglass often makes no sense but only the sound of articulated and
fragmentary notes...50 minutes between a seed and a grain of soil to wander
into an infinite space while listening to a far away earth longing sound. Recorded
in Savona Italy august 2002, with
different flutes, tubes, accordion, various objects, rattles, shells,
bells... Drones and loops, effects,editing and mastering on Pro-tools, at
Temple studio Milano, spring 2003.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die: Sol Niger (CD 2004 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Splendido lavoro questo "Sol
Niger" di Alio Die, probabilmente la sua migliore produzione da "Il
Tempo Magico di Saturnia Pavonia" fino ad oggi, che condivide con
quest'ultimo una maggiore originalità
rispetto ad altri suoi più recenti lavori, un più accentuato spirito di
ricerca, risultando probabilmente più
ispirato, ed evidenziando chiaramente una
vena creativa più fervida... Laddove ne "Il tempo Magico di
Saturnia Pavonia" la presenza di suoni di strumenti etnici ed acustici si
faceva più evidente, e gli stessi suoni, spesso rielaborati in modo molto
lieve, erano stati portati coraggiosamente in primo piano donando alle
composizioni di Alio Die un fascino nuovo e tutto particolare, in "Sol
Niger" è invece la forte presenza di altri suoni inediti a caratterizzare
le nuove esplorazioni sonore dell'artista. Parlo di disturbi radio,
interferenze, echi di confuse voci umane, sibili, registrazioni ambientali di
origine più "urbana" e "tecnologica", moderati rumorismi
elettronici... L'utilizzo di tali elementi, usati in modo sempre molto discreto
e misurato, sicuramente non invadente, perfettamente miscelati ad articolate ed
efficaci trame sonore di sottofondo, molto curate e "d'atmosfera", e
in abbinamento a suoni di origine acustica più o meno rielaborati, dona a
quest'opera un' impronta più spiccatamente sperimentale, segnando un nuovo
splendido punto di arrivo (o forse di partenza?) nell'affascinante universo
musicale di Alio Die. Un artista che instancabilmente, da ormai quasi quindici
anni, dedica con grande passione la propria vita alla musica, riuscendo in
qualche modo a sopravvivere a ogni
"moda" e a mantenere intatto il proprio inconfondibile stile, ma
riuscendo al tempo stesso a rinnovarsi e a trovare, seppure con momenti di
maggiore o minore efficacia, ancora nuove idee e fonti di ispirazione per
regalarci la migliore ambient music che è possibile trovare attualmente in
circolazione... Ascoltare per credere!
(Giuseppe Verticchio)
Alio Die/Paladino Francesco: Angel's Fly Souvenir (CD 2005 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Un album di "classica"
ambient music, costituita fondamentalmente da substrati armonici eterei e
fluttuanti, tessiture sonore discrete e sognanti, fluide ma astratte e nebulose
allo stesso tempo, arricchite di suoni di strumenti etnici, corde pizzicate,
fiati, rumori concreti, registrazioni di elementi naturali, e altri interventi
acustici di indecifrabile origine e classificazione. Un' ambient music
interpretata secondo quello stile tipico e immediatamente riconoscibile che
Alio Die ha con il tempo elaborato e consolidato, che va idealmente a
proseguire il percorso già portato avanti con lavori quali "Sunja",
"Khen Introduce Silence" o anche "The Sleep of Seeds".
Ovviamente anche in questo caso ci sono alcuni elementi distintivi che marcano
la differenza con quanto è già stato prodotto e ascoltato in passato. Se nel
citato "Khen Introduce Silence" è l'utilizzo fondamentale del suono
del magico strumento di origine laotiana/thailandese a condurre il gioco, e in
"The Sleep of Seeds" sono spesso gli interventi elettronici di
Saffron Wood ad emergere e caratterizzare maggiormente il CD, questa volta ad
assolvere il ruolo di "variante fondamentale" rispetto agli schemi
troviamo Francesco Paladino, che con i suoi
frequenti interventi rumoristici-vocali-nasali-gutturali propone nuove
possibilità espressive, nuove sonorità, nuovi scenari, nuovi sentieri da
esplorare... Pur se suggestivi e solitamente ben integrati ai diversi substrati
sonori, c'è da osservare che gli interventi di Francesco Paladino risultano
però più efficaci laddove la voce e i suoni emessi rimangono in secondo piano,
dove appaiono più confusi, più effettati, più rarefatti, più
"morbidi"... laddove insomma risulti anche più difficile ricondurre
ad un intervento vocale "umano" la sorgente sonora degli stessi
suoni/rumori percepiti. Entrando nel dettaglio dei singoli brani, ho
sicuramente apprezzato molto "Whispers
and Recalls Near the Temple", con la sua multitudine di strane e confuse
sonorità tra le quali sembrano apparire dei cembali, dei suoni di ottoni, degli
strani stridìi metallici... Spicca
ancora tra tutti il brano "Flowing Up from the Core of the Mountain",
che colpisce per l'andamento teso, statico e ipnotico, per gli occasionali
interventi di percussioni rituali distanti e profonde, ma più di tutto per il
fantastico canto di Chako dei Jack or Jive che "guida" e caratterizza
l'intero brano. Voglio inoltre citare "Ancient Consciousness of the
End", ottima traccia costruita su suoni base di In Gowan Ring, con
sequenze melodiche in lenta evoluzione di un indefinito strumento che potrebbe
anche essere un flicorno armonizzato, su cui si sovrappongono in una
combinazione lievemente dissonante altri strani suoni, tra i quali forse una
chitarra elettrica molto "morbida" e molto effettata, e corde
metalliche tese allo spasimo, strofinate e debolmente pizzicate, di qualche
altro indecifrabile e forse arcaico strumento musicale...
(Giuseppe Verticchio)
Alio Die/Durand Werner: Aqua Planing (CD 2006 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Capita talvolta di ascoltare dei CD
nei quali la durata dei singoli brani appare eccessiva rispetto alle idee
riversate negli stessi; tracce che che avrebbero potuto tranquillamente e più
efficacemente essere sintetizzate in tempi almeno dimezzati, evitando
ricorrenti lungaggini e ridondanze. Ci sono invece casi, come questa volta, in
cui mi viene da pensare esattamente l'opposto. Casi in cui ascoltando un brano
di pochi minuti di durata mi viene da pensare che con le sole idee e suoni
utilizzati in esso si sarebbe potuto invece realizzare un intero CD, tanta è
l'intensità e l'emozione che la musica
concentrata in un così breve frammento di tempo è riuscita a trasmettermi
all'ascolto... Ed è così che il breve viaggio notturno in treno verso Bangkok,
evocato appunto in "Night Train to Bangkok" e sintetizzato in meno di
otto minuti di durata, avrebbe invece potuto idealmente durare davvero
un'intera notte, essere "espanso" a dismisura rievocando istante dopo
istante ogni frammento di vita vissuto, ogni rumore e suono percepito, ogni
emozione, ogni pensiero, odore, colore, sensazione provata... Forse memore di tanti viaggi notturni su
imprevedibili e scalcinati treni lungo la tratta Surat Thani-Bangkok e
viceversa, sistemato su cigolanti cuccette, protetto da un' insufficiente
coperta di lana infeltrita fornita come servizio dalle ferrovie per contrastare
il gelo dell'implacabile aria condizionata sempre stabilizzata su temperature
polari, disturbato dal rumore del russare continuo dei vicini di posto o di
voraci mandibole che sgranocchiano poco dietetici "snack" a base di
lardo fritto condensato dall'aspetto simile alle nostre patatine Cipster,
nonchè dal nauseabondo odore di durian che impietosamente qualche viaggiatore
alloggiato un paio di vagoni più avanti
ha scelto di portare con sè, le immagini sonore evocate da "Night
Train to Bangkok" hanno colpito a fondo nel mio cuore e nei miei ricordi,
facendomelo apparire come il brano più straordinario, per quanto altrettanto
straordinariamente semplice, dell'intero CD... Un CD, nato dalla collaborazione
di Werner Durand con Alio Die, perfettamente riuscito ed elaborato.
Affascinante e coerente nelle atmosfere, fluido nel suo incedere, emozionante
nel suo descrivere, eccezionalmente evocativo per chi abbia vissuto esperienze
di viaggio e permanenza in paesi così
lontani e diversi dal nostro, quali ad esempio la stessa Thailandia dove Alio
Die ha catturato le registrazioni ambientali presenti in quasi tutte le tracce
del CD, e dove ha probabilmente acquistato il khen, l'affascinante organo a
bocca che sprigiona tutta la sua semplice e crepuscolare magia in brani come il
già citato "Night Train to Bangkok" e nell'incantevole "La
Grotta nella Valle Dimenticata". Molto efficace nell'introdurre le
atmosfere del CD il breve brano introduttivo "Luftspiegelungen"; più
articolata, lunga e "composta" l'emozionante title track; più
"discreta", eterea, effettivamente un po' "spettrale" e
"distaccata" la finale "Ghost". "Spirito"... "spettro"... o più brevemente
"pi"... come è possibile sentirlo chiamare su quello stesso treno
diretto a Bangkok...
(Giuseppe Verticchio)
Alio Die/Festina Lente: Il Sogno di un Piano Veneziano a
Parigi (CD 2006 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
CD costruito essenzialmente su
improvvisazioni di Alio Die e Festina Lente (Michele Brieda) allo zither e al
pianoforte, successivamente rielaborate e arricchite in studio con altri suoni,
effetti, field recordings, rumori. Chi ha già avuto modo di apprezzare il brano
"Extract from Suite 1" di Alio Die e Michele Brieda nella compilation
"Beyond the Darkness" pubblicata nel 2005 da "Oltre il
Suono", potrà riconoscere in "Nei Meandri più Remoti del Sogno di
Scarabeo", lungo brano introduttivo della durata di 34 minuti, una
versione estesa e più articolata di quanto già ascoltato nella suddetta compilation.
Il "mood" in questa nuova versione rimane sostanzialmente inalterato,
così come l'approccio molto minimale alla composizione e alla scelta dei suoni,
e il risultato finale è infatti una mezz'ora abbondante di pura ambient music
dalla sonorità elettrocaustiche tenui e delicate, adatta soprattutto per
ascolti di sottofondo a basso volume e in repeat. "Movimenti nel Cielo
Sotto" inizia tra atmosfere tese e drone-based, si arricchisce piano piano
di suoni di gongs e metalli, rumori concreti di oggetti di varia natura, occasionali
note di pianoforte, per poi ridiscendere progressivamente e prendere una piega
decisamente più astratta e frammentaria, talora dissonante, sicuramente desueta
e inaspettata. I venti minuti del successivo brano "L'orlo, la fune, il
niente" costituiscono sicuramente la parte più riuscita dell'intero CD. I
suoni si fanno variegati, originali e imprevedibili, e in un continuum di
tensione sonora senza attimi di cedimento si odono straordinarie miscele di
ronzìi, ovattati suoni percussivi, metalli, gongs, campanelli, cicale, legni,
distanti voci umane... L'atmosfera si
fa poi più rarefatta, e le note basse di un pianoforte riverberato sembrano
condurre ai confini di una dark-ambient inquieta, spettrale e sospesa sull orlo
di un oscuro precipizio... Quindi di nuovo il ritorno di voci e rumori, segnali
di presenze umane e altri strani e indecifrabili suoni spalancano le porte su
un nuovo paesaggio sonoro, che con momenti di grande suggestione evolverà sul
finale in un oscuro quasi-silenzio, lasciando spazio soltanto a rumori di
cicale, agghiaccianti stridìi metallici, distanziate e risonanti note di
pianoforte... Il breve brano "The Emptiness Behind Seasons" rimane su
fondi sonori d'impronta oscura, su cui si sovrappongono ancora tocchi di piano,
zither, voci e rumori concreti, ma alleggerisce comunque la tensione precedendo
lo splendido "L'Oblio nella Culla Dorata", un acquarello sonoro dalle
tinte tenui e delicate costruito su un bel fondo ambientale di riverberata
"musica discreta" e da inserti di voci, legni, fruscii, cinguettìi di
uccelli, voci di bambini, e ancora note lievi note di zither e pianoforte...
(Giuseppe Verticchio)
Alio Die/Daino Luciani: End of an Era (CD 2007 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Nuova uscita (sempre su Hic Sunt
Leones) di Alio Die, che continua ad espandere il raggio delle proprie
collaborazioni artistiche realizzando il presente "End of an Era" a
fianco di Luciano Daini. Utilizzando come di consueto un'ampia gamma di
strumenti acustici, salterio e zither per quanto riguarda Alio Die,
violoncello, corni, flauti metalli, percussioni e sonagli per quanto riguarda Luciano Daini, i due mettono a
punto un'ambient music piuttosto variegata e a tinte a volte piuttosto oscure,
grazie ovviamente anche ad un accurato trattamento elettronico delle sorgenti
sonore, ad un complesso lavoro di ri-composizione, editing delle singole parti
e ad un articolato lavoro di missaggio/montaggio audio. Atmosfere meno
"rilassanti" e "luminose" rispetto ad altri recenti lavori
firmati da Alio Die, "End of an Era" richiama talvolta alla memoria
echi di antichi e oscuri rituali spesso evocati in passato dall'artista,
soprattutto in album di vecchia data ("Sit Tibi Terra
Levis/Introspective", "Under an Holy Ritual" ad esempio...) che
tutt'ora rimangono un riferimento assoluto nella discografia di Alio Die e in
senso più generale anche nella storia della musica ambient dell'ultimo
ventennio. Molte le tracce di grande suggestione, "End of an Era",
"Crucibulum" e "Il Volo Assunto" solo per citarne alcune,
ma al di là del valore dei singoli brani ciò che si apprezza e che
"conquista" è l'efficacia del CD inteso nel suo insieme, nel suo
progressivo e lento fluire, nelle sue varie sfaccettature, nella corretta scelta
dei "tempi" e nell'accostamento di diverse soluzioni sonore, che si
intersecano e si alternano tra loro con grande gusto ed eleganza. Un CD che
sicuramente non deluderà chi già conosce e apprezza Alio Die. Una
collaborazione artistica sicuramente riuscita, un' esperienza da replicare.
(Giuseppe Verticchio)
Amon/Never Known: Live at Molto (CD-R 1997 - Afe)
[ afeman@aferecords.com ] [ http://www.aferecords.com/ank ]
Questo CD-R ripropone la
registrazione di una performance live tenuta presso un club di Milano nell’aprile del 1997. Un
concerto dalle sonorità prevalentemente oscure e dalle evoluzioni lente e
progressive. Il CD-R è suddiviso idealmente in sette tracce, ma non ci sono
interruzioni reali tra un brano e l’altro, e tutta l’opera scorre come un
continuum sonoro fluido e organico. I passaggi tra le diverse atmosfere sono
eleganti, discreti, misurati; le parti più incisive e sature di suono vengono a
formarsi in modo graduale, seguendo un’ evoluzione così naturale da risultare
quasi inavvertibile nel suo incedere, mentre anche nelle zone di maggiore ombra
e staticità si distinguono chiaramente diversi e curati strati sonori di
sottofondo che si incrociano, si alternano e si confondono, creando tessiture
sempre nuove e cangianti, immagini sonore mai immobili e monotone...
Un’ottima prova per un autore che nel
1997 aveva già raggiunto una piena maturità artistica, evidentemente
riscontrabile in questa suggestiva esibizione dal vivo, e che apriva la strada verso una forma stilistica,
nel panorama dell’ambient italiana, che
altri autori, all’epoca ancora alle prese con i manuali del loro primo synth,
avevano da poco iniziato ad esplorare...
(Giuseppe Verticchio)
Amon: Mer (CD-R 2000
- Blade Records)
[ afeman@aferecords.com ] [ http://www.aferecords.com/ank ]
A meno di un anno di distanza da
"The Legacy", CD realizzato per la Eibon, che può essere considerato
uno dei punti di riferimento assoluti per la musica dark-ambient, la Blade
Records propone in formato CD-R, in
edizione limitata a 150 copie, questo splendido lavoro di Amon. Cinque brani che, pur coerenti
stilisticamente e perfettamente integrati tra loro, sembrano però rivelare
cinque aspetti piuttosto diversi dell'universo musicale di Amon. L'affascinante
brano di apertura "Foundation" propone atmosfere drammatiche a base
di onde di drones che emergono e si dissolvono in un progressivo crescendo
sonoro, arricchito via via di nuovi strati ed elementi, tra i quali colpisce
per efficacia un suono di probabile origine elettronica che riporta alla mente
echi di voci umane dal timbro grave e vibrante, confuse immagini di cori di
monaci buddisti recitanti antichi rituali sacri tibetani...
"Osirion", con i suoi suoni ampi e dilatati sembra invece descrivere
il vuoto assoluto, lo spazio infinito, un senso di smarrimento misto ad
angosciosa solitudine, facendoci fluttuare nella cecità del buio totale, in una
aliena dimensione priva di qualsiasi riferimento spazio-temporale...
"Secret Chamber" sembra riportarci di nuovo sulla terra, sempre e
comunque in qualche locazione povera di luce, con atmosfere più statiche e meno
drammatiche. Il brano è infatti costruito su un sottofondo sonoro di drones
piuttosto immobile, sul quale, con movimenti lenti, emergono, si muovono e si incrociano in lontananza echi di altri
suoni di origine indecifrabile... Atmosfere vagamente "spaziali" in
"Darkside Return II", che sembra quasi tornare a descrivere quel
senso di buio assoluto e di infinito già
proposto da "Osirion", ma stavolta dall'oscurità emergono dei
bagliori di luce, dei possibili punti di riferimento, dei suoni elettronici più
distinti, delle pulsazioni più profonde e presenti... forse è la fine del
vuoto... "Gateway", splendido brano di chiusura, sembra avvicinarsi
molto, per le sue sonorità vagamente melodiche e sicuramente meno oscure ed
estreme, all'altro progetto musicale "Never Known" di Andrea Marutti.
Sequenze di accordi di pads dal suono morbido si sovrappongono lungamente ad un
substrato sonoro piuttosto uniforme, mentre lontani e riverberati rumori metallici
dal suono sicuramente meno quieto e rassicurante creano un sottile filo di
tensione che ci accompagnerà fino alla fine del disco... Semplicemente un ottimo lavoro, e una nuova
convincente conferma per Amon.
(Giuseppe Verticchio)
Amon: Foundation (2 CD 2005
- Afe/Eibon)
[ afeman@aferecords.com ] [ http://www.aferecords.com/ank ]
Prodotto in collaborazione tra Afe
(l'etichetta dello stesso Andrea Marutti/Amon) ed Eibon, questo doppio CD,
presentato in una elegante confezione, propone, in versione rimasterizzata e
con alcune variazioni rispetto ai brani contenuti nelle edizioni originali, la
ristampa congiunta del primo CD "Amon" uscito originariamente nel
1996 per Murder Release e il successivo "Mer" uscito in edizione
limitata su CD-R nel 2000 per Blade Records. Relativamente al primo CD, il
brano introduttivo "Regula 1" è stato sostituito da"Prepare to
Leave", precedentemente apparso nel 1997 nella compilation
"Dissolution Fahrenheit" realizzata da Eibon, mentre a proposito del
secondo CD è da segnalare l'inserimento del brano "Lost". Inserendo
il primo CD nel lettore, e procedendo nell'ascolto, ciò che stupisce, prima di
ogni altra cosa, è l'idea che questa musica, concepita e registrata esattamente
dieci anni fa (ad eccezione del brano "Prepare to Leave"), si
mantenga tutt'oggi perfettamente attuale, senza che il tempo trascorso ne abbia
minimamente intaccato lo "smalto", la "proponibilità", il
valore oggettivo... In queste prime registrazioni siglate "Amon"
Andrea Marutti già metteva perfettamente a fuoco la sua idea di un progetto
musicale di impronta fortemente statica e oscura riconducibile a quel genere
comunemente definito dark-ambient del quale, in poco tempo, sarebbe divenuto
uno dei maggiori protagonisti e punti di riferimento a livello internazionale,
grazie anche all'interesse e al supporto di una prestigiosa etichetta come
Eibon, che negli anni a venire avrebbe realizzato altri due capolavori assoluti
nel panorama della musica dark-ambient siglati Amon, l'ormai esauritissimo
"El Khela" (a quando una nuova edizione?) e "The Legacy".
Le masse sonore sprigionate da Amon in queste sei tracce sono letteralmente
devastanti, le onde di basse frequenze fanno vibrare il mio stomaco prima
ancora che la sedia dove sono seduto e le pareti della stanza nella quale mi
sono "ritirato" per l'ascolto, e osservando la risposta
"fisica" dei woofer alle pesanti sollecitazioni sonore mi rallegro di
aver scelto per il mio impianto stereo diffusori con woofer di generose
dimensioni e membrane e sospensioni sufficientemente rigide da poter
"contenere" efficacemente l'aggressione di tanta devastante
potenza... Ma non ci sono solo basse frequenze... Sovrapposte ad esse una
varietà di altri suoni stratificati ora più sommersi ora portati in primo piano
(onde elettroniche, sibili, metalli, boati, suoni sintetici, altri drones...)
restituiscono ad ogni brano un'impronta caratteristica ed una forma diversa, il
tutto per un' ora abbondante di musica (66:54 per l'esattezza, ma poi c'è
ancora il secondo CD da ascoltare...) di grande intensità e drammaticità... Per
quanto riguarda il contenuto del secondo CD, è possibile fare riferimento alla
recensione di "Mer" già pubblicata su Oltre il Suono, e aggiungo
soltanto che l'inserimento dell'affascinante e "profondo" brano
"Lost" (della durata di quasi nove minuti), non presente sulla
precedente edizione, impreziosisce ulteriormente un disco che già avevo
definito ottimo.
(Giuseppe Verticchio)
I think I can see them now:
people in the immediate future, reviewing this double set just after it's out
and writing down dark ambient as if it was the most proper thing to do. I can
see them now, settling for the easiest explanation, classifying and
taxonomizing, the you-know-what of simple references and shiny truth-skipping.
But you know what: the first disc preview went on and on, it was late at night,
I was standing at the window, looking outside: tiny distant stars and the
darkest still shape of the hill guarding the valley below: there was a huge,
shiny grey cloud swallowing half of the landscape: it looked exactly as a
spaceship made of fog. And it was so damn perfect, with Amon trademarks sounds
and scapes eating the whole of my ears: and it struck me: I thought: how about
spaceships made of sound? Damn, the man who played these tracks knew exactly
what he was doing! The fact being: disc one will bring you way afar, lead you
astray onto a cosmic derive: by the end of it, you'll find yourself two-points
shot from Andromeda: and depending on your mood disc two could either push you
further onto black hole regions or bring you unsafely back home should you
really desire it. The box-shaped ticket you're about to buy will grant over two
hours of deep space travel at a time: and you will use it as long as needed,
back and back again. No money-back guarantee here: you won't be needing them
among asteroid belts and comet tails. Space is just a press play away. Consider
yourself warned.
(P. Ippoliti)
Amon/Nimh: Sator (CD 2007 - Eibon)
[ afeman@aferecords.com ] [ http://www.aferecords.com/ank ]
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
L'universo dell'ambient e della
musica sperimentale è sterminato. Ma se ne parla molto poco, e si conosce la
scena anche meno. Ed è facile perdere dischi importanti se non si frequentano
canali privilegiati, quantomeno settoriali. Il caso di dischi importanti che
dovrebbero esulare da un contesto specifico è proprio "Sator". Nato
dalla collaborazione tra due artisti nostrani ben noti alla scena, Amon (Andrea
Marutti), storico progetto di dark-ambient, e Nimh (Giuseppe Verticchio), è
un'affascinante discesa nelle cavità più profonde della terra. E' la
riproposizione di un abisso, delle viscere, di un assordante sprofondare verso
il non conoscibile, verso il mistero ancora irrisolto del quadrato magico del
Sator. Formato da cinque parole di cinque lettere sovrapposte -
ROTAS/AREPO/TENET/OPERA/SATOR - è sicuramente la struttura a palindromi più
nota della storia. E cinque sono i brani presenti nel disco che ripropongono
come titolo i cinque palindromi. Qui si scava a fondo attraverso synth, tools,
sequencer, effettistica e molto altro ancora. Una ricerca che sembra voglia
afferrare perlopiù l'effetto piuttosto che capirne la causa. Sonorità oscure,
maree e flussi in perpetuo movimento, lentamente, che scandagliano
singolarmente ogni elemento chimico che compone la sostanza. Chirurgicamente.
"Sator" è un viaggio rituale più che un disco nel senso letterale del
termine, e come tale fa fatica a rimanere inciso su di un supporto perché ogni
volta che si attiva scopre una dimensione diversa dalla precedente. Un
relativismo irrequieto che non trova motivo specifico di esistere neanche
nell'ambiente in cui si muove. Perennemente distorto e dilatato. Come le
molteplici interpretazioni date al quadrato nel corso degli anni, senza che si
raggiungesse mai un'analisi definitiva e comune. E come tutte le cose che non
hanno una definizione, di cui non se ne conosce lo scopo, anche
"Sator" conserva il suo fascino esplorativo ad ogni ascolto. Un
viaggio lungo le strade dell'indefinibile dove nessun valore è assoluto, ma
tutto, ogni cosa, ha motivo di esistere.
(Andrea "Emo" Punzo -
www.hardsounds.it)
..."Sator" è composto di 5
tracce monolitiche che spaziano dai 10 ai 18 minuti circa, intitolate coi nomi
dei 5 palindromi del suddetto quadrato; tutti i brani sono incentrati su drones
ossessivi e prolungati, samples rielaborati in studio e synths, e tra tutta
questa elettronica svetta un uso particolare delle chitarre, difficilmente
riconoscibili tanto è forte la distorsione e la scarnificazione del suono nelle
tracce 1 e 5. L'ossessione alla base di ogni brano, l'oscura insistenza di
rumori sulfurei, con echi che riconducono alle prime release della Cold Meat
Industry, è legata a doppio filo a motivi alchemico-ritualistici che ricordano
gli esordi dei maestri Ain Soph, sicuramente rivisti in chiave più innovativa e
tecnologicamente avanzata. Il momento più emozionante rimane la fase finale di
"Arepo", in cui un tenue motivo trionfante svetta su una pioggia di
rumori metallici e ancestrali. Musicalmente "Sator" è un viaggio
nelle viscere della terra alla scoperta di segreti che nascono dall'uomo ma ne
superano le capacità basilari, il tutto incentrato sulla creazione di
un'atmosfera terrificante, memore forse della lezione impartita in lavori come
"Dogs Blood Rising" dei Current 93. Eccellente la confezione,
quadrata (guarda caso!), che riproduce in piccolo le fattezze delle vecchie
copertine apribili dei vinili, con annessa copertina interna. Disco consigliato
agli inossidabili fans della dark ambient (che lo apprezzeranno senz'altro) e a
chi ha intenzione di fare o simulare qualsiasi tipo di torbido rituale (non sto
scherzando!).
(Michele Viali -
www.darkroom-magazine.it)
This could be the real
clash of the titans of dark ambient and you just need a sight to their
individual discography and it will tell you more than any word I can write.
Even if both Marutti (Amon/Never Known, headchief of Afe records) and Giuseppe
Verticchio (Nimh) in the recent past have put out many material that's not
strictly dark ambient, here they do what you probably can expect from such an
odd pair. Hence, "Sator" begins with a "concrete"
monumental drone that scares the shit out of the listener as to say ambient can
still be heavy as fuck. The matter of the release but also the sound choice of
this collaboration reminded me of an old Grinzich/Nehil joint ventures but way
more reverberated and dark. The funny thing is that somehow I got the
impression Nimh as been "Amonized", I can't say that firmly but sure
while listening I've found many traces of Marutti's "heavy" hand on
the crime scene. Probably that's just a suggestion since what I can guess they
simply mixed the most obscure and intimist aspect of their individual
personalities finding a common ground they could share for this opus. There's
an abundance of delays/reverbs and a copious use of keyboards even if in some
passages they left them still intelligible but not without burying it under a
heap of thick low noises/echoes leading in the mid of the dark pool. While the
first three tracks of this output present a framework mainly based on
delayed-noises, the dronical-essence rears it's ugly head just with the fourth
"movement" of this cd and it lately disappears in a
"freaky-post-krautian-Schultzesque" sad "sauce" (yes, dark
freaks have a safe ground to walk upon). With the closing chapter of this book
arrives my favorite one: dark ambient in full effect that all of a sudden fades
into a quiet mechanical drone and into a rarefied paste made out of bells?
voices?…anyway, it will blows you brain and resistance out for sure. A first
class recording/package complete this good release, the only things I ask
myself is what if it would have been a bit shorter, but you know many artists
doing this kind of things want to test the guts and the balls of their
listeners, "will you dare to take the whole trip?". If you're into
dark ambient at the edge with some post industrial landscape here's a journey
you can definitely take.
(Andrea Ferraris -
Chaindlk)
In a spirit of experimentation:
The nightly visions turn humane. Can there be a thing like a playful Dark
Ambient album? The relaxed mood in which "Sator" came into existence
certainly already reveals quite a bit about its content. Afe Records founder
Andrea Marutti initially met up with Giuseppe Verticchio of Nimh to simply
record a few tracks together. The mood in the studio and the pleasant nature of
their interaction meant that they ended up with two album's worth of material,
the first of which is now being released on Eibon Records. Of course, the
result is still dark and somber. But underneath the heavy moods, the spirit of
experimentation and the joy of working on something which opens in every
direction imaginable is immanent. This is all the more welcome as Dark Ambient,
despite all of its promises and potential, has become something of a dead end
of lately when it comes to finding new modes of expression. The goal has been
more in refining what has been achieved (which is quite a bit, as it has
greatly matured from its crude beginnings) than in taking things to a new level
- or at least in trying to find a distinctive voice of its own. That
"Sator" would be a more individual affair was kind of clear right
from the start. Marutti has built up Afe as an imprint which focuses on quality
rather than clear-cut genres, even allowing his releases to stray into
rhythmical territory occasionally and preferring multi-faceted artists over
stereotypical ones. Already the long list of instruments used for
"Sator" points to a poly-tentacled approach, in which synthesizers,
sequencers and samplers are merely one of the components in a setup including
e-bow guitars, field recordings, metals and objects, tapes and a Russian Box
Zither. A lot of this colourful equipment is actually treated to a degree that
their original sound properties blend into the mix, leaving only faint traces -
but always enough to make the nightly visions turn somewhat more humane and
rich in texture. In the same degree, special care has gone into the arrangements,
which take the listener through various mental states and through different
stages, never ending at the same place where they began their journey. While
the opening "Rotas" is still a greyish mass of monochromatic
reverberations and high-pitched streaks of light, already the second track,
"Opera" transforms into a vaguely rhythmical and mysteriously occult
offering with discreet cymbal drones and metallic chimings. Going from there,
languid melodies try to fight their way through tectonic plates, electric
chirping melts with futuristically-symphonic ambiances, sweet motives are
slowly buried underneath sonic rubble and muffled voices merge into moments of
spaceous clarity. Marutti and Verticchio (as well as their regular third
collaborator Daniela Gherardi) have concentrated on a select amount of tracks
for each title, which makes them all the more organic. It is also a statement
of intent. Instead of clustering their pieces with endless lines of
manipulations in order to lend them a superficial deepness, they have allowed
them to remain open, giving the listener the chance to fill in the gaps with
his imagination. Maybe "playful" is not really the correct term for
this atmospheric and dense work. But it is certainly one which uses the elements
of the Dark Ambient genre and shuffles them around with all the respect in the
world yet in a mood of trying out different things.
(Tobias Fischer -
www.tokafi.com)
Antikatechon: Privilegium
Martyrii (CD 2011 – Silentes)
[
http://davidedelcol.blogspot.com ]
Un superbo album di oscura, profonda,
in un certo senso “classica” musica dark ambient, contesa tra atmosfere
inquietanti, drammatiche, dense e spettrali, e toccanti ed evocative aperture
melodiche, raggi di luce, flebili barlumi di speranza… Passaggi a tratti quasi “sinfonici”, seppure
mai “pomposi” o ridondanti, “imponenti” nel loro incedere, nei riusciti
crescendo, nelle lente e progressive metamorfosi, che talora si dissolvono in
statiche, fluttuanti, ipnotiche stasi ambientali, per poi sprofondare in un baleno
in claustrofobici, dannati, interminabili tunnel sonori, dominati da potenti
substrati di drones, ritmiche meccaniche, colpi metallici riverberati, dalle
cui trame emergono indecifrabili, disperati e confusi echi di voci umane, loops
di masse metalliche sferraglianti, preludio di una lunga, profonda, tormentata
e irreversibile discesa agli inferi… Un album assolutamente straordinario,
quasi “epico” per l’efficacia della sua “formula” e del suo impatto emotivo,
per un nuovo progetto che vede Davide Del Col, già “titolare” dello storico
progetto “Ornament” e attualmente parte essenziale di progetti collaborativi
quali “Molnija Aura” o “Echran”,
tornare prepotentemente alla ribalta con quelle sonorità e atmosfere marcatamente
oscure e “deep” che quasi 15 anni fa avevano caratterizzato le sue prime
realizzazioni.
(Giuseppe Verticchio)
Thick and spectral dark
ambient, soaked with soft and flowing pads stratifications, wrapped in deep and
penetrating low frequencies spires, enlightened by delicate and touching
melodic inserts, profaned by echoes of reverberating metallic noises, clanging
chains, circular mechanical movements, waves of indecipherable whispers,
distant and suffering human voices... A great debut CD for Antikatechon, a
project that showcases Davide Del Col's eclectic personality, already the
unique mind of the Ornament project, and keyman of other recent collaborative
projects such as Echran and Molnija Aura.
(Silentes)
Apart: Across the Empty
Night (CD 2008 - Final Muzik)
[ http://www.myspace.com/apartlyseconds
]
Dopo aver messo a segno fin dal 2004
diverse produzioni molto interessanti di progetti/artisti quali Teho Teardo,
Mariae Nascenti, Corpoparassita, Maurizio Banchi, We Wait for the Snow,
l'etichetta italiana Final Muzik pubblica ora questo eccellente album di
debutto del progetto "Apart", dietro il quale si cela Francis M. Gri,
ex componente e cofondatore degli All My Faith Lost. Nove tracce estremamente
suggestive, atmosfere crepuscolari e notturne, malinconiche, dolcemente
evocative, dipinte come un acquarello attraverso delicate melodie, suoni
raffinati ed eleganti (sintetizzatori ma anche pianoforte, violoncello...), e
attraverso le affascinanti parti cantate degli "ospiti" Alberto
Milani, Daniele Stefanuto, nonchè Viola Roccagli del già citato progetto All My
Faith Lost che, grazie alla sua splendida voce, contribuisce in particolar modo
alla traccia più straordinaria e incredibile del CD, la conclusiva "Fading
Tears", cha da sola basterebbe a consigliarne l'acquisto... Per gli amanti
del genere assolutamente da non perdere.
(Giuseppe Verticchio)
Apart is the music project
by Francis M. Gri, "Across The Empty Night" is his official debut,
though he already released a few private demo CDs. Francis has been member and
co-founder of well-known ethereal Italian act All My Faith Lost, until "In
A Sea, In A Lake, In A River..." band's official first release.
"Across The Empty Night" is a fabulous dark album, developing new
influences and sound structures. The songs alternate male (by Daniele Stefanuto
and Alberto Milani) and female vocals (by Viola Roccagli of All My Faith
Lost...), building a bridge between the ethereal music past and current
moody/somptous identity. Fans of obscure dark/etehreal sounds, Projekt Records,
cloudy postrock, Antimatter and - of course - All My Faith Lost will 100% love
this album!
(Final Muzik)
Aqua Dorsa: Cloud Lands (CD 2009 - Glacial Movements)
[
http://www.enricoconiglio.com ]
Una piacevole scoperta questo
"Cloud Lands" di Aqua Dorsa. Non che non conoscessi già gli autori…
Conosco molto bene la musica di Gianluigi Gasparetti/Oöphoi fin dai tempi del
suo primo CD "Three Lights at the
End of the World", uscito nel 1996 per la "mitica" etichetta Hic
Sunt Leones di Stefano Musso/Alio Die, e ugualmente ho avuto modo di ascoltare
gran parte della produzione musicale del "collega" Enrico
Coniglio. Non avevo però idea di cosa
aspettarmi da questa collaborazione… Fin da quando tempo fa Enrico mi parlò di
questa possibilità, non riuscivo ad immaginare in che modo i due
"artefici" di questo album avrebbero potuto operare per realizzare la
musica ora qui archiviata, e soprattutto non riuscivo a immaginare quale
"direzione stilistica"
avrebbero potuto intraprendere insieme, apparendomi piuttosto
"distanti" sempre stilisticamente parlando, i lavori in solo dell'uno
e dell'altro artista che avevo già avuto modo di ascoltare. Ebbene…
il risultato di questo primo incontro è sicuramente degno di nota, e
probabilmente superiore alle mie iniziali aspettative. L'impressione che si ha
è che l'abbinamento tra la pluriennale e consolidata esperienza di Gianluigi
Gasparetti, artista legato da sempre ad una musica ambient d'impronta più
"tradizionale" e di forma
spesso "oscura", e l' "energia" e il desiderio di
innovazione di un artista comunque più "giovane" come Enrico Coniglio, sia stato l'elemento
determinante alla buona riuscita di questo album, che unisce in modo elegante,
"snello", efficace e
convincente, gli elementi tipici della musica di Oöphoi, quindi drones, statiche
trame ambientali, sonorità d'impronta più "profonda" e introspettiva,
ad elementi di tipo diverso, quindi suoni più marcatamente elettronici, inserti
ritmici, voci, persino "discrete" e mai invadenti divagazioni
"glitch" (perdonatemi la
"parolaccia"…) che arricchiscono le composizioni e le tessiture
sonore restituendo un risultato che, personalmente, ho trovato molto
suggestivo, coinvolgente, e persino più interessante di quanto prodotto
singolarmente dai due negli anni più recenti.
(Giuseppe Verticchio)
"Cloudlands" is
the collaborative result of two Italian musicians of the ambient scene -
Gianluigi Gasparetti, known as Oophoi and Enrico Coniglio. Unlike the dark and
isolationist tendency of most editions from this fine Roman label, this CD shows
an ethereal and atmospheric sound that you can guess by its title. The seven
tracks of Cloudlands are based on warm drones, often accompanied by metallic
bowls and chimes that seem touched by the breeze, with glitches and clicks a
bit all over the place, but with great economy of means and a never saturated
sound. "Zero Gravity" induces an unhealthy lethargy, evolving in a
way that leaves behind the sound elements until there is no more than remaining
silence. But it is emblematic of Cloudlands album by its construction at
different sound layers, the transparency and depth they have, preserving a
complete sharpness. On the other way, "Syhan" is a track that unfolds
in four significantly different parts, according the loops and samples which
they include. As for "Alone In The Rising Fog", the album's longest
track, it is also the most crepuscular, with a mechanical tone and the
occasional passage of human figures that suggest the future that never happened
- not that future glimpsed through the transcontinental zeppelins of the
Thirties, but the a far more daunting future given by the character of Robur, a
Jules Verne creation at the end of nineteenth century. Cloudlands is, in short,
an album of electronic music that sounds organic, virtually without beats, where
the sound of the guitar, the piano, the bowed instruments, and the distant
voices, transport the listener to a place without time, into a diffuse dream,
where the open spaces of ambient are composed (or decomposed) into particles of
microsound. A unique and successful approach, which is the great achievement of
this AquaDorsa's CD.
(Distorsom)
Archetti Luigi: Transient Places (CD 2004 - Unit Records/Stv-Asm)
[ archetti@bluewin.ch ] [ http://www.luigiarchetti.com ]
Un CD realizzato in coproduzione tra
l'autore e la Unit Records, molto interessante e particolare, suggestivo,
inconsueto, che racchiude in sè in modo chiaro e perfettamente integrato, e in
una forma sicuramente molto personale, le influenze che da anni sono alla base
della musica di Luigi Archetti. Suoni e strutture compositive minimali,
miscelate ad atmosfere di tipo para-ambientale, talvolta scure e drone-based,
alle quali si alternano, o sulle quali si inseriscono, elementi di più spiccato
sperimentalismo, frammenti di rumorismi elettronici e non, feedbacks, strane
risonanze, cupi riverberi, correnti elettriche... "Transient Places"
propone quindici tracce, solitamente di durata piuttosto breve, che pur
caratterizzate da una certa frammentarietà, stupiscono per come riescono ugualmente
a "legare" tra loro, e risultare nel loro insieme e nel loro
susseguirsi estremamente organiche e coerenti, complementari e sostanzialmente
"fluide"... Un album da ascoltare sicuramente con molta attenzione,
con un buon impianto stereo, e ad un volume ragionevolmente sostenuto, e che si
lascia apprezzare maggiormente al secondo ascolto e a quelli ancora successivi,
quando si ha già ben chiara la struttura, la dinamica e la "logica"
della proposta musicale di Luigi Archetti, e non si è quindi in qualche modo
contestualmente "impegnati", durante l'ascolto, a cercare di
coglierne e delinearne l'essenza e la "classificazione", impresa
peraltro piuttosto ardua in quanto si tratta di musica di difficile
"etichettatura". Volendo esprimere delle preferenze, potrei dire che
trovo particolarmente riusciti ed efficaci i brani d'impronta più
"scura" e statica, quelli dai suoni più lunghi e "morbidi",
le situazioni in cui Luigi Archetti riesce a dilatare i tempi d'intervento,
costruendo, per lenta sovrapposizione di suoni in evoluzione, emozionanti
atmosfere "in crescendo"; i
brani che, in sostanza, presentano una struttura meno astratta,
"spezzata" e frammentaria, prediligendo un andamento più
"progressivo" e in un certo senso più "lineare"... Le tracce, prive di titolo, sono identificate solo da un numero progressivo,
e tra esse voglio segnalare in particolare le prime tre, molto statiche, per lo
più oscure e d'impronta "ambientale", l'ottava traccia, molto
"potente" e d'atmosfera, la tredicesima, molto "profonda" e
quasi drammatica nel suo incedere, e la tesa, "gorgogliante" e
"sotterranea" traccia
conclusiva.
(Giuseppe Verticchio)
Music in the here and now.
An event in an everyday situation. A connecting link between actual occurrences
and the deepest depths of one's inner world. A balancing act between total
control and the inexplicable. An acoustic journey through the present. It is
with ears that Luigi Archetti journeys into the guitar's pick-up, to the limits
of the audible. He hears, listens and gathers until he has a whole depot of
sounds at his disposal, which he then process by structured planning or by
unpremeditated layering. Through digital re-mastering various elements like
E-guitar sounds recorded live, string trio sounds and analytical sound worlds
are brough together. The resulting music is one which organizes itself in a
sequence of interwoven sounds and pauses, alternating between iconic and
iconoclastic moments, at the same time referential and confusing. These are
sound-scapes in the present and in memory. Sound - the language and the
material of sound - is what Archetti is interested in. He focused and
crystallizes a quiet listening to the sound and provokes a listening into
oneself, an experiencing of pure sound existence. This is a letting-oneself, the
spaces of one's memories, of longing, of sorrow or joy. This music is a real as
it metaphisycal. The music - it's very presence - is continuously questioned.
It drift along, one cannot hold on to it. One moment it is here and in the next
it is suddendly gone.
(Falk Lenn)
Archetti Luigi: Februar (CD
2005 - Unit Records/Stv-Asm)
[ archetti@bluewin.ch ] [ http://www.luigiarchetti.com ]
Un CD che ho apprezzato a metà.
Durante l'ascolto di "Februar", realizzato in coproduzione tra
l'artista, la STV/ASM (un' associazione di musicisti svizzeri) e la Unit
Records, ho dovuto rilevare, con un po' di dispiacere, che in questo nuovo
lavoro Luigi Archetti ha fatto prevalere, e ulteriormente estremizzato, quegli
aspetti rumoristici, frammentari e astratti che, seppure in forma meno marcata
e preponderante, avevo potuto osservare già nel precedente CD. Composizioni
molto "spezzate" e discontinue, suoni spesso aspri e taglienti,
scricchiolìi e cigolìi, stavolta prendono il sopravvento in molte tracce
presenti sul CD, muovendosi in direzione opposta rispetto alle mie aspettative
e al mio desiderio di una musica ancora
più "coesa" e fluida, più volta al desiderio di far
"emozionare" che non all'obiettivo di "colpire" e in un
certo senso "provocare" l'ascoltatore... Per fortuna non mancano
parti, anche ampie, in cui gli aspetti
che avevo maggiormente apprezzato in "Transient Places" tornano a
farsi apprezzare, parti che possiamo ritrovare in varia forma e misura nei
brani (anche qui identificati solo da un numero progressivo) 1, 2, 4, 5, 10,
11, 13, 14; ma la tendenza che sembra prevalere nel CD è comunque quella di una
musica un po' troppo "sacrificata" al rumorismo e alla
sperimentazione estrema, che certo troverà ugualmente un'ampia schiera di
consensi, ma che personalmente trovo un po' "sterile" dal punto di
vista prettamente emozionale, e che, più semplicemente, "fatico" un
po' ad ascoltare... In attesa di conoscere in quale direzione evolverà la
musica di Luigi Archetti, e quale sarà la "forma" prevalente che essa
assumerà in un futuro CD, mi sento di consigliare "Februar"
soprattutto a chi è solito "nutrirsi" di sonorità piuttosto estreme e
talora quasi "ostiche", tornando a suggerire il precedente
"Transient Places" a chi invece desidera approcciare in modo più
"morbido" ed emozionale alla musica proposta da questo artista.
(Giuseppe Verticchio)
Archetti
Luigi: Fragments on Speed, Slowless and Tedium (CD 2008 - Domizil)
[
http://www.luigiarchetti.com ]
Diciannove
"frammenti" di musica, di una durata variabile da un minuto e mezzo a
sette circa, identificati semplicemente da un numero progressivo. Una
confezione in cartoncino e un'immagine di copertina decisamente semplice ed
essenziale, un titolo invece decisamente meno "sintetico" ma che
descrive già abbastanza compiutamente le intenzioni e l'"impronta"
musicale del CD. Musica che
evidentemente non vuole essere d'impatto, non intende "trascinare",
"emozionare" nel senso stretto del termine, ma che più
"modestamente", in modo piuttosto freddo e apparentemente
"distaccato", ma non per questo necessariamente meno efficace nel
risultato finale, vuole "suggerire" frammenti più o meno lunghi di
materiale sonoro costruito attraverso strutture piuttosto semplici, poco
elaborate, quasi minimali direi, e suoni anch'essi piuttosto
"essenziali" ma al tempo stesso ricercati, ben selezionati e non
affatto banali. Tra le note che accompagnano il CD leggo che la sorgente sonora
dei diciannove "frammenti" è costituita da improvvisazioni di
chitarra elettrica, il cui suono è evidentemente spesso riconoscibile (talora
compaiono frammenti persino "melodici"), ma che, evidentemente
effettata, trattata, rielaborata e in vario modo manipolata, non sembrerebbe
essere, all'ascolto, l'unica ed esclusiva sorgente sonora. Il CD scivola via in
modo fluido, elegante, coerente, sicuramente piacevole e a tratti persino
"accattivante". Certo non fa "sobbalzare" dalla poltrona,
ma non credo proprio che questo tipo di "reazione" rientrasse nelle
intenzioni dell’artista. Nonostante la dichiarata e innegabile
"frammentarietà" delle singole parti costituenti il CD, c'è da dire
che il lavoro nel suo insieme appare invece decisamente omogeneo e coeso,
sostanzialmente ben fatto, e sicuramente consigliabile soprattutto a chi,
avvicinandosi all'ascolto, più che ricercare "forti emozioni", si
aspetti "semplicemente" un'ora circa di piacevole materiale sonoro,
sicuramente fuori dagli schemi, "discreto" ma non anonimo,
"essenziale" ma non semplicistico.
(Giuseppe Verticchio)
Source
material for the nineteen Fragments are recorded improvisations with the
electric guitar. In a process of cutting, re-arranging and transforming, on
which he has worked for several years, Archetti explores the possibilities and
limitations of reduction and the states of transformation of recorded musical
material. Archetti describes his work in Fragments as a process of
crystallisation. In chemistry, this process is described as a liquid-solid
separation technique: Acoustic states transform until they reach their solid
state.
(Domizil)
Balestrazzi
Simon: The Sky is Full of Kites (CD 2012 - Boring Machines)
[
http://www.boringmachines.it ]
Caratterizzato
da una qualità del suono estremamente nitida e dettagliata, che predispone
positivamente all’ascolto fin dai primi minuti, questo album raccoglie tre
lunghe tracce dai movimenti lenti, progressivi e dilatati, costruiti con
un’infinità di suoni stratificati di diversa origine (elettronica, acustica,
suoni concreti…) selezionati e miscelati con
grande gusto e grande cura, tanto da non apparire come il “solito”, più
o meno articolato assemblaggio al PC di
suoni sparsi e improvvisazioni raccolte e riunite in modo pseudorandomico e
molto autoindulgente, ma riesce ad andare “oltre” questo limite che invece molte
produzioni odierne d’impronta analoga non riescono a oltrepassare. L’approccio
compositivo è probabilmente simile, ma in questo caso una certa esperienza e
perizia tecnica, unita alla capacità di “scegliere” suoni non dozzinali,
evitando ad esempio eccessivi
“sintetismi elettronici” e onnipresenti e ridondanti scricchiolìi
“glitcheggianti”, ricercando un suono
generale tanto ricco di elementi diversi quanto “organico” allo stesso tempo
nella sua miscela d’insieme, riescono a restituire un risultato notevole e di
sicuro fascino. E’ comunque nella seconda traccia, “Persistence of Memory”, che
la musica trova la sua espressione più alta e la sua forma più convincente,
grazie sia ad un utilizzo di suoni ancora più particolari, tra i quali emergono
alcuni spunti in qualche modo più
“musicali”, quasi-melodici e
“caratterizzanti”, sia ad una forma compositiva più finemente strutturata ed
emotivamente coinvolgente, che restituisce un efficace senso di “progressione”,
continuità e “tensione” sicuramente più marcato rispetto alle altre tracce,
dipingendo una sorta di “mantra” elettroacustico dai connotati fortemente
ipnotici ed evocativi.
(Giuseppe Verticchio)
Becuzzi
Gianluca/Orsi Fabio: The Stones Know Everything (CD 2007 - Digitalis
Industries)
[
http://www.kinetixlab.com ]
[
http://www.fabioorsi.blogspot.com ]
Premetto e
"confesso" che prima d'ora non avevo mai ascoltato nulla di Gianluca
Becuzzi, mentre invece già conoscevo qualcosa di Fabio Orsi, in particolare le
sue prime sperimentazioni sonore realizzate alcuni anni fa in forma autoprodotta
su CD-R, siglate "fAb". Quando ho ricevuto il presente doppio CD,
unitamente al più o meno contemporaneo "Wildflowers Under the Sofa"
(sempre realizzato in collaborazione con Gianluca Becuzzi), ero davvero curioso
di vedere in che modo e in che direzione fosse evoluta nel tempo la musica di
Fabio Orsi, anche perchè avevo avuto modo di leggere impressioni d'ascolto e
giudizi sempre molto lusinghieri da parte di chi, come me, dedica parte del suo
tempo ad ascoltare CD e commentarli in forma di recensione su qualche webzine.
Non nego che sovente mi trovo in netto disaccordo con quanto mi capita di
leggere a proposito di uscite di CD in ambito sperimentale e dintorni, mentre
invece questa volta mi sono trovato in piena sintonia con quanto altri, prima
di me, avevano già scritto di buono a proposito della più recente musica di
Gianluca Becuzzi e Fabio Orsi. Trattasi di una musica che trova un suo perfetto
equilibrio tra "quiete" atmosfere para-ambientali, moderata
sperimentazione, parti un po' più "suonate" e "musicali",
spesso a base di chitarra, sempre ben "dosate" e
"discrete"; il tutto evitando banali e scontati suoni di
sintetizzatori elettronici, evitando il molto diffuso ed eccessivo utilizzo di
field recordings, e riuscendo a restituire un risultato che, pur nella sua
apparente "modestia espressiva", risulta invece estremamante intenso,
"caldo" ed emozionante. Ho parlato di atmosfere
"para-ambientali", ma voglio sottolineare come la proposta di
Gianluca e Fabio si discosti decisamente da quelle specifiche "varianti"
di musica ambient eccessivamente "anonime" e in un certo senso quasi
"trasparenti ", quando non addirittura noiose, spesso adatte soltanto
come sottofondo di "riempimento" e
impiegate più che altro in forma di "tappezzeria sonora". Ciò
che si apprezza inoltre è l'ottima qualità del suono, unita ad una cura
estrema, precisa, millimetrica dei missaggi, degli andamenti, delle dinamiche
dei brani, dei fade-in e fade-out delle singole parti, che dimostra peraltro,
oltre a doti di grande "pazienza" e sapienza tecnica
nell'elaborazione e montaggio del materiale sonoro, anche estremo buon gusto e
senso della misura e della "musicalità", anche laddove non si possa
parlare di "musica" intesa nel senso più tradizionale del termine. "The
Stones Know Everything" è sicuramente uno dei lavori di maggiore spessore
e di maggiore "personalità" che ho avuto modo di ascoltare negli
ultimi tempi. Procuratevelo senza esitazione... ve lo consiglio caldamente.
(Giuseppe Verticchio)
Berardi Luigi: Un Portatore d'Arpa in Cina (CD 2002 - LB)
[ luigi.berardi@libero.it ] [ http://www.luigiberardi.com ]
Un affascinante documento sonoro,
quasi il diario di una straordinaria esperienza artistica e di vita, che, a
partire dalle registrazioni in loco delle 100 arpe eolie installate nel 2000
dall'artista lungo la Grande Muraglia Cinese, nella zona del monte Jiao, si
estende progressivamente alla registrazione del paesaggio sonoro dell'ambiente
circostante, prima tra praterie e ruscelli, stridìi di grilli e cicale, poi
fissando "immagini sonore" di vita quotidiana in ambienti urbani,
villaggi, tra voci umane, passi, rumori di varia natura, canti, racconti
narrati, conte giocose di bambini, suoni di campane e di bacili armonici presso
un monastero, concludendosi poi con la splendida registrazione di un lungo
assolo di Pipa, uno strumento a corde tradizionale suonato dal virtuoso Wang Xuenong, anche direttore del
Museo Archeologico della Grande Muraglia, una breve ed estemporanea
"performance" di Karaoke di Kong Xiangling, organizzatore in loco
dell' evento d'arte "Cento Arpe per la Grande Muraglia", e festosi
canti intorno ad un tavolo sul quale "troneggia" una bottiglia di
grappa cinese... Il CD è corredato da un generoso booklet, riportante note varie relative all'evento, ma soprattutto
ricco di fotografie scattate dallo stesso artista nel momento in cui effettuava
le registrazioni, cosicchè è particolarmente interessante poter avere anche
l'esatta percezione visiva dei singoli contesti ambientali nei quali sono stati
di volta in volta registrati i vari "paesaggi sonori" riportati poi
in forma di tracce sul CD. Per poter comprendere e apprezzare al meglio questo
CD, e il significato dello straordinario evento artistico-culturale al quale
esso fa riferimento, suggerirei vivamente di acquistare anche lo splendido
libro/catalogo "Cento Arpe per la Grande Muraglia", reperibile sempre
presso l'artista, costituito di 60 pagine, contenente delle suggestive foto in
bianco e nero del fotografo Luo Yongjin e degli interessanti scritti di Monica
Demattè, Maurizio Giuffredi e Uta Zorzi, che, oltre a descrivere le arpe eolie,
la struttura di questo inusuale "strumento", i principi di "funzionamento",
descrivono e raccontano la storia, il significato, le circostanze, le
difficoltà, il lavoro grazie al quale Luigi Berardi, con il supporto di un'
ampia schiera di collaboratori, è riuscito a portare avanti e concludere
felicemente un progetto tanto ambizioso quanto inconsueto, un evento davvero
irripetibile, eccezionale, assolutamente unico nel suo genere...
(Giuseppe Verticchio)
Berardi Luigi: Le Arpe Eolie di Luigi Berardi - Notte (CD 2002 - LB)
[ luigi.berardi@libero.it ] [ http://www.luigiberardi.com ]
Descrivere attraverso una recensione
le vibrazioni, le emozioni che può trasmettere l'ascolto delle arpe eolie di
Luigi Berardi è praticamente
impossibile, così come è praticamente impossibile provare a descrivere il suono
che l'artista è in grado di far scaturire, complice soltanto il vento, da
queste incredibili "sculture" sonore che da anni ha imparato a
costruire, accordare ed installare, insieme ad altre altrettanto
affascinanti strutture sonore quali le
macro-conchiglie per "abitare" e ascoltare il mondo, le campane per
"assonare" giardini, gli organi eolici... L'assoluta unicità e
irriproducibilità del suono delle arpe eolie
è forse proprio la ragione principale per cui tali installazioni sonore
ci affascinano e ci stupiscono così tanto... Una corda messa in vibrazione dal
vento produce, oltre alla nota di base stabilita attraverso l'accordatura, una
grande quantità di armonici naturali, variabili in quantità e
"presenza" a livello di volume a seconda della direzione e
dell'intensità del vento... Tale suono, o meglio tale imprevedibile e
continuamente cangiante combinazione di suoni, risulta profondamente diversa da
ciò che un uomo potrebbe ottenere sollecitando manualmente il medesimo
"strumento". Questo fantastico CD di Luigi Berardi , interamente
registrato la notte del 29 aprile 2001 a S. Alberto in provincia di Ravenna sull'argine del fiume Reno durante
l'evento "Le Torri al Vento", contiene quasi un' ora di spettacolari
registrazioni di splendidi suoni di arpe eolie, suddivise in cinque tracce non
ritoccate a livello di volume in fase di editing per non alterare l'effetto delle
dinamiche naturali del vento. Certo il suggerimento migliore che potrei darvi
sarebbe quello di informarvi sui prossimi eventi che vedranno protagoniste le
arpe eolie di Luigi Berardi, e provare direttamente sul luogo delle
installazioni sonore l'emozione dell'ascolto del suono delle sue arpe... Ma se
per qualsiasi ragione non ne avete la possibilità, se non avete la pazienza di
attendere la prossima installazione sonora di Luigi Berardi, o più
semplicemente vi siete incuriositi leggendo dell'attività di questo straordinario
artista e dello splendido suono delle sue arpe eolie, procuratevi subito questo
magnifico quanto inconsueto CD e lasciatevi condurre, attraverso il suono magico delle arpe eolie di Luigi
Berardi, in una ventosa e suggestiva notte d'aprile lungo i margini del fiume
Reno...
(Giuseppe Verticchio)
Bianchi Maurizio/Iversen Jan-M.: Rekviem MB-JMI (CD 2011 – Silentes)
[
http://www.silentes.net ]
Statici e
quieti fondi ambientali monocordi su cui si sovrappongono in alternanza
pulsazioni elettriche, agglomerati di rumore rosa, inserti di ovattate field
recordings, crescendo di profondi drones, fruscii elettronici, scricchiolìi,
disturbi, onde radio, scroscianti maree sintetiche, stratificazioni di loops
riverberati di frammenti melodici tintinnanti, gravi accordi d’organo, sfibrate
e consunte sequenze armoniche … Un’
unica lunga traccia che attraverso progressivi ed efficaci cambi d’atmosfera
sviluppa un affascinante e coinvolgente percorso sonoro, nei territori di una
ricercata post drone-ambient music dal
marcato sapore sperimentale.
(Giuseppe Verticchio)
A
"classic" minimal ambient album; just one long track, a bit obscure,
of a static nature but unarrestable as a matter of fact and slowly developing,
built with layers of soft and “round” sounds, heavily processed and effected,
whose origin seems to be an organ... "Atypical" for sure, if
confrontated with the huge and widely diversified productions of Maurizio
Bianchi, this new album is probably one of the last and not to be missed releases
signed by “M.B.”, since he has already announced his definitive departure from
the musical scene. Another extraordinary collaborative CD, involving this time
Jan-M. Iversen, an artist of international fame who managed to enrich and
elaborate with great effect the "sound materials" provided by
Maurizio Bianchi.
(Silentes)
Biasthon: Litam (CD-R 2001
- Autoproduzione) (G. Verticchio, M. Ramassotto, A. Scerna)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
In Litam viene fatto ampio uso di
strumenti etnici raggranellati ai quattro angoli del pianeta: il risultato
mantiene indubbiamente la vibrante briosità di colori delle musiche etniche,
trasfigurata però dai trattamenti e dall’utilizzo di elettroniche in una sorta
di minimalismo memore di certe operazioni portate a termine dai portoghesi Osso
Exotico.
(Etero Genio - Blow Up)
...About sixteen different
ethnic instruments plus a whole blend of computer tricks have been used to put
this together. There's an insane feeling scattered all over, as if a badly-burned
Throbbing Gristle disc got stuck in the player playing the same fragments in
malicious loops, and then somebody takes over with oblique electronics and
organic wails, that blends quite nice with the rest. Joking apart, this stands
in the dark ambient department, drone-driven and dazingly melodic, lowercase
almost, with occasional full front climaxes, that makes it worth of more than a
few listening... reminded me of Raksha Mancham, if you remember them, not only
for the sound sources used, but also for a similar compositional taste. An
important release, anyway, in which several timelines threads are bound
together and presented as a platform from which the future could easily depart.
High quality colour prints on solid cardboard, sort of how a digipack would
look less the plastic.
(P. Ippoliti)
Coma Divine: # 10110 (CD-R
2003 - Autoproduzione) (Subinterior & Nox)
[ subinterior@email.it ] [http://www.subinterior.tk ]
Interessante ma breve (durata 23:21)
CD-R d'esordio per Coma Divine, progetto musicale che vede gli autori proporre
una miscela sonora d'impronta piuttosto oscura, una sorta di dark-ambient con
sottili venature industrial, nella quale prevalgono a momenti sonorità più
spiccatamente elettroniche. Otto tracce raccolte in un CD-R che si presenta
molto bene, con una grafica molto curata e una copertina dalle immagini molto
suggestive. Introduce efficacemente il
CD-R "To Lead a Cloistered Life", brano dalle atmosfere decisamente
"dark" che sembra condurci immediatamente in quelle stesse ambientazioni
nebbiose e immobili descritte dalle immagini della copertina... In "Murk Part 1" i suoni si fanno
più dettagliati, e gli strati sonori, più ricchi ed elaborati, suggeriscono un
senso di maggiore profondità e tridimensionalità, mentre le atmosfere, sempre
piuttosto oscure, si fanno tese e inquiete... Nel successivo brano
"Empty" compaiono dei movimenti d'impronta decisamente più
elettronica, forse un po' troppo semplici nella loro forma, nell'elaborazione e
nella stessa scelta dei suoni... Anche In "Leak" i suoni sono
spiccatamente elettronici, e ad un drone statico di sfondo si sovrappongono,
nella prima parte del brano, dei disturbi acidi e graffianti un po' troppo
"crudi" e "ad effetto", cui poi vanno a sostituirsi una
pulsazione a base di basse frequenze e altri suoni stratificati e più dilatati,
per lo più elettronici, decisamente più "discreti" ed efficaci... Da
questo momento in poi il CD-R torna nuovamente su quelle atmosfere piuttosto
oscure e molto suggestive già proposte
nei primi due brani. Seguiranno infatti gli splendidi "Internato
32", "Murk Part 2", e
"Deception of Equinox", i tre brani che costituiscono forse il vero
"cuore" di questo lavoro, e il pur sempre efficace il brano di
chiusura "Morbid Emphasis". Il mio giudizio d'insieme a proposito di
"#10110" è decisamente più che positivo. Un semplice consiglio che mi
sentirei di dare agli autori è quello di concentrarsi in futuro soprattutto su
quelle atmosfere più oscure, dilatate, tese,
splendidamente descritte da molti brani presenti in questo CD-R, senza
cedere alla "tentazione" di utilizzare suoni spiccatamente
elettronici troppo d'impatto. Ciò che auspico inoltre è che il prossimo lavoro
di Coma Divine sia un CD-R di durata "normale", caratteristica che consentirebbe
di sviluppare maggiormente e in modo più articolato ed efficace le nuove idee
giacchè, quelle riversate in questo disco d'esordio, risultano essere spesso
eccessivamente "sacrificate", risolvendosi in brani che appaiono
talvolta essere quasi dei brevi "spunti" (comunque molto interessanti
e ben realizzati) per composizioni che avrebbero dovuto essere elaborate
maggiormente e su "distanze"
temporali molto più ampie...
(Giuseppe Verticchio)
Born in 2001, Coma Divine
now debut with this self-released CD-R (with good pro-printed layout) offering
8 tracks for 23' - an uncommonly short length for the genre, but a good sign
since they keep their music tense and to the point. 8 movements, or rather
fragments, of obsessive dark ambient drones, at times verging on industrial for
the heaviness of their textures. Clean keyboard patterns mixed with heavily
processed samples, probably even some mangled field recordings. All sounding
very digital and cold. The result is pretty good, though at times I craved for
something more organic and distinctive - but a good debut nonetheless, let's
say it's in the vein of Bestia Centauri, or Acherontia Styx to stay in Italy.
(Eugenio Maggi - Chain DLK)
[
http://www.enricoconiglio.com ]
Affascinante
album in “classico” stile ritual-ambient dalla matrice oscura, costruito
attraverso cinque tracce dalle sonorità profonde ed evocative, ora più
statiche, fluttuanti, “quiete” e dilatate, ora più incisive, drammatiche,
“trainanti” e coinvolgenti… Nonostante la collocazione stilistica all’interno
di un filone piuttosto “collaudato” e, solitamente, abbastanza
“standardizzato”, c’è da evidenziare che le sonorità appaiono comunque molto
ricercate, le strutture compositive finemente elaborate, e il missaggio di
suoni ed elementi vari sicuramente ben riuscito ed efficace, tanto da far
decisamente “spiccare” questo album, non solo dal punto di vista tecnico ma
anche da quello prettamente “emotivo” rispetto a tanti altri di genere analogo.
Un CD che, nel suo lento e progressivo evolvere, sembra via via “crescere”
anche dal punto di vista “qualitativo”, quasi come se, corrispondentemente allo
sviluppo temporale, in fase di realizzazione progredissero parimenti le buone
intuizioni, l’originalità delle idee, la perizia tecnica e l’abilità nel
ricercare suoni, combinarli insieme, e costruire attraverso essi atmosfere
sempre più efficaci e coinvolgenti. Un album sicuramente consigliato a tutti
gli amanti del genere.
(Giuseppe Verticchio)
The
immense spaces and the abyssal deepness of the sea, but also the sound of the
bowels of the Earth, the colour of the sand of the desert, the energy of the
wind, the strenght of all the Elements, the infinite cycle of day and night, of
life and death… A long circular journey through interchanging atmospheres that
shake and capture, dragging with energy, then leave room for more quiet and
soothing introspective “stasis”, and again become dramatic and overwhelming, A
great, unmissable album of “classic” ritual ambient music.
(Silentes)
Coniglio
Enrico/Under the Snow: Dialogue One (CD 2011 –
Silentes)
[
http://www.silentes.net ]
Spilt
album che vede protagonisti Enrico Coniglio, di cui, sempre in “casa” Silentes,
abbiamo già recensito il recente “Sea Cathedrals”, e Under the Snow, nuovo
progetto collaborativo di Gianluca Favaron (già metà dell’altro progetto “Lasik
Surgery” insieme a Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra) e Stefano Gentile,
della cui musica avevamo potuto fino ad ora avere soltanto un piccolo
“assaggio” nell’uscita su cassetta siglata semplicemente “W”, parte integrante
di una collana di 26 tapes di vari artisti (tra cui anche Enrico Coniglio)
pubblicata da Silentes Tapestry (Collezione del Silenzio – Free Interpretations
of Silent Sounds). Le prime quattro
tracce del CD, firmate da Enrico Coniglio, sorvolano i territori di un’ambient
music abbastanza “classica”, dalle sonorità morbide ma profonde, dall’andamento
quieto e dilatato, seppure abbastanza abbondantemente “sporcate” di suoni di
matrice più “rumorosa” e sperimentale, quindi sibili, scricchiolìi, fruscìi,
crepitìi, talora di origine elettronica, talora derivanti da registrazioni
ambientali, sovrapposti o alternati a rumori concreti, naturali o di
imprecisate attività umane. Quindi un’ unica lunga traccia di Under the Snow,
che pur percorrrendo sentieri “paralleli”, evidenzia approcci e sonorità che da
una parte palesano un’impronta di carattere più sperimentale che non più
tradizionalmente ambient, e dall’altra, per contrasto, si ricompongono intorno
a strutture compositive più tese e drammatiche, sfociando talora in atmosfere e
passaggi dal coinvolgente e prepotente sapore cinematico. Un album/dialogo di
sicuro fascino e vivamente consigliato, nel quale Enrico Coniglio propone una
musica che è sicuramente al vertice rispetto a quanto prodotto dallo stesso in
passato, e nel quale Under the Snow inizia a “segnare” con un’impronta abbastanza definita e
riconoscibile il proprio stile e l’interessante percorso sonoro che questo
nuovo progetto ha appena intrapreso.
(Giuseppe Verticchio)
This
is the first split work between Under the Snow and various artists/friends.
Nearly an hour of suggestive "border" music, equally divided between
the relaxing and ambient atmospheres contaminated with experimental elements
created by Enrico Coniglio, and the low-fi/rough sounds and atmopheres crafted
by Under the Snow (Stefano Gentile and Gianluca Favaron) - not so different but
with a more dramatic, tense and hypnotic doom - built on deep drones
stratifications, often hard and cutting, with a wide collection of noises,
electronic hassles, ununderstandable wispherings, concrete moments... A perfect
join-venture, a mix among two different music projects that gather coherence
and inspiration to "sustain" a split album that showcases a not to be
missed fusion of styles among the involved artists, oriented on parallel
patterns, clearly increasing the value of their own personal and somehow
different sonic directions.
(Silentes)
Crìa Cuervos: Cancroregina (CD-R 2003 - Immanence)
[ criacuervos@libero.it ] [ http://criacuervos.4t.com ]
Prima uscita ufficiale per Eugenio
Maggi/Crìa Cuervos, che grazie alla Immanence Records, etichetta che ha curato
la produzione di questo lavoro, può finalmente proporci cinque affascinanti
brani di musica ambient d'impronta piuttosto statica e oscura, realizzati nel
corso degli anni 2002/2003, e riuniti in un CD-R della durata totale di 57
minuti. Le sonorità prevalenti sono costituite da frequenze basse e profonde,
onde in lento movimento, alcuni suoni più elettronici, inserti di rumori
metallici e altri rumori concreti, confusi echi di voci lontane e indefinite...
Un magma impenetrabile all'interno del quale è spesso molto difficile
distinguere e identificare le diverse componenti sonore, tutte appena
sussurrate, lievemente accennate, e soprattutto uniformemente miscelate alle
altre, inserite come microelementi che non cercano un proprio spazio
indipendente, ma che assumono significato e rilevanza soltanto in quanto
singoli componenti di masse sonore più
complesse e articolate, e in funzione
del proprio marginale, ma non del tutto inifluente, apporto alle
composizioni... In un crescendo di emozioni, che forse "declina"
leggermente soltanto in corrispondenza dell'ultimo brano "Sindrome del
Norte", desidero segnalare "A Seeding of Ghost" e "Ad
Infecta Loca" tra i brani che ho apprezzato maggiormente, e nei quali ho
trovato il migliore connubio tra idee, sonorità, composizione e
realizzazione... Un CD-R da ascoltare con molta attenzione e a volume sufficientemente
sostenuto per non perderne le sfumature più nascoste e difficilmente
percettibili, consigliato soprattutto agli amanti delle sonorità più oscure,
profonde e sotterranee...
(Giuseppe Verticchio)
Taking their name from
Carlos Saura’s classic thriller, Cría Cuervos are the latest new face to arrive
on Immanence Records; active since 1999, the act is the sole work of Eugenio
Maggi. Following some early analogue
experimentations with dark emotions and a split tape release with Eniac, Maggi
took a three-year sabbatical to gather new, digital equipment and further hone
his ability to create chilling, tenebrous atmospheres. The seed of the project
has now come to fruition with “Cancroregina” (“The Cancer Queen”, after the
infamous novel by Tommaso Landolfi) a five-track album filled with bizarre and
terrifying sounds. The opening track
quickly establishes Cría Cuervos’ distinctive sound that, although certainly in
the territory of dark ambient, somehow sounds completely unique. As dark, thick basses and resonance swirl in
the background, strange noises play over the top - the sound of electrified
metal rattling in the void. From this
first hint of obscurity, the album truly gains momentum on following track “A
Seeding of Ghosts”. The main bulk of the ambience is created by occluded,
otherworldly voices which ebb and flow in the heady vortex of sound that
emanates from unknown sources. Slowly,
the track disintegrates to a mere crackling of rubble beneath the ubiquitous
bass surges before re-emerging as a shimmering haze of resonating glass. From
this overt style of experimentation, we are suddenly taken down to very
minimalist phrasing on “Ad Infecta Loca”.
This track sees a low drone take prominence in the track, while we
strain to perceive the subtle nuances of sound beneath it. Again, the strange glass and metal are
present alongside some visceral bodily noises that suck and squelch in agony as
the alien cancer grows. These sounds
continue to grow on the title track where, slowly, guttural rumbles grow
beneath the throbbing bass and ever more gradually, processed sounds of blood
and saliva seep through into the composition.
Everything is then brought to a head on the epic closing track “Síndrome
del Norte”, where the bass vanishes altogether to be replaced by the sound of a
beating heart and the gasping breaths of our internal asphixiatee. After a fashion, the heart develops an
arrhythmia and collapses, while this may be the end for one, the cancerous drone
lives on, rising again; deeper and more oppressive than before, it builds
slowly upwards through the frequency spectrum until eventually, with a final
blast of aggressive noise, it has consumed all. This is certainly not what you
would expect from a dark ambient album, as it adheres to none of the genre’s
conventions while taking in the most obscure moments of Wilt and Nurse With
Wound to create a wholly disorientating and disturbing passage through the
outreaches of sound.
(Gavin Lees - Immanence)
Crìa Cuervos: Leitfossilien (CD-R 2005 - Mystery Sea)
[ criacuervos@libero.it ] [ http://criacuervos.4t.com ]
Una conferma per Crìa Cuervos, che con questo nuovo
"Leitfossilien", prodotto dall' etichetta belga Mystery Sea, prosegue
la propria ricerca musicale in territori al confine tra il genere dark-ambient
d'impronta statica-amelodica e isolazionismo. Un' unica lunga traccia della
durata di circa 34 minuti, costruita con drones, sibili, registrazioni
ambientali elaborate elettronicamente, suoni naturali, atmosfere cupe e strane
ambienze ricostruite con grande precisione e ricchezza di idee, seppure in un
contesto para-statico e, solo in apparenza, molto minimale. Si apprezza in particolar modo la scelta dei
suoni, ben miscelati tra loro, ricchi di vibrazioni armoniche e piuttosto
"corposi" nella loro sempre apparente essenzialità, mai eccessivi,
estremi o invadenti, nè troppo glaciali, sintetici o "asettici", in grado di trasmettere emozioni senza
ricorrere nè a rumorismi troppo marcati, nè a suoni ed effetti
"speciali", nè a strutture melodiche e "suoni" più
propriamente detti, d' impronta più evidentemente musicale... Il brano evolve
perfettamente nel tempo, con grande fluidità ed efficacia, i passaggi
sono ben costruiti, misurati, legati tra loro. Il tutto risulta molto
equilibrato, curato ed evidentemente
"ponderato" anche nei minimi dettagli, nei missaggi, nei
tempi, nella dinamica... Con "Leitfossilien" Crìa Cuervos supera
sicuramente i già validi risultati ottenuti con il precedente
"Cancroregina", evidenziando come, in un' area musicale piuttosto
"affollata" da artisti, talvolta anche sicuramente più
"blasonati", che solo raramente riescono ad emergere dalla diffusa
mediocrità (alcuni presenti anche in "casa" Mystery Sea) vuoi per
mancanza di idee e personalità, vuoi per eccessiva "leggerezza" e
autoindulgenza nel comporre e proporre la propria musica, vuoi per semplice
scarsa capacità artistica e/o tecnica, sia invece ancora possibile trovare
artisti in grado di concepire e realizzare lavori di grande spessore e di
estremo interesse, con un impegno, un'attenzione, una cura ed una
"professionalità" che sicuramente supera anche quella dei veri
professionisti, solitamente intenti a far musica, appunto, più per professione
che non per reale, libera e assolutamente incondizionata vocazione ed istintiva,
naturale esigenza espressiva. Se debbo ancora aggiungere qualcosa... posso solo
esortarvi a procurarvi "Leitfossilien" e ad ascoltarlo a volume
ragionevolmente sostenuto, per poterne apprezzare al meglio dettagli e
sfumature, con il vostro migliore impianto stereo o con una buona cuffia: sono
assolutamente certo che non potrete rimanerne delusi...
(Giuseppe Verticchio)
"Leitfossilien"
is all low drawn late night pulses, an helix structured movement, a long
addictive trace of sound disfiguring its support, like a cryptic &
forgotten imprint… a song of ancient shells & memories trapped,
reverberated in tranquil, resurgent waves… a growing fluidic embracing
entity… "Leitfossilien" is a
viral sea with a metabolism of its own… an ascent to some pure hidden, unspoken
language… an alcove experience with transfiguring strength…
(Mystery Sea)
Crìa Cuervos: Des Tempes qui se Vitrifient ou se Marbrent
(CD-R 2005 - Taâlem)
[ criacuervos@libero.it ] [ http://criacuervos.4t.com ]
A pochi mesi di distanza dall'uscita
di "Leitfossilien" per Mystery Sea, l'attivissima etichetta francese
Taâlem mette a disposizione il nuovo Mini CD-R di Crìa Cuervos "Des Tempes
qui se Vitrifient ou se Marbrent". Circa 21 minuti di musica, che
definirei semplicemente "perfetta", ancora in un contesto stilistico
d'impronta statico-isolazionista/dark-ambient. Difficile aggiungere altro...
Come nel precedente “Leitfossilien" Crìa Cuervos mostra una grande
sensibilità e una grande abilità nello scegliere i suoni, nell'elaborarli, missarli,
stratificarli, nel farli ora emergere ora sprofondare, nel fonderli insieme e
dar loro progressivamente forma, generando pazientemente amalgami sonori che
stupiscono per ricchezza, profondità,
dinamica, espressività, qualità intrinseca del suono... Se è relativamente
"facile" lavorare con suoni drone-based e realizzare CD comunque
piacevoli da ascoltare, ciò che si apprezza nuovamente in questo lavoro di Crìa
Cuervos è la capacità di andare "oltre", di non fermarsi a
semplici/semplicistiche sovrapposizioni di parti scure e ronzanti, ma di andare
piuttosto a decomporre e ricompore finemente gli strati, di ricercare e isolare
l'essenza stessa dei suoni, per poi rielaborarli, trasfigurarli, renderli
sempre più "corposi", variegati, ricchi di vibrazioni armoniche... Il
tutto con una cura estrema della qualità generale del suono, e una attenzione
quasi maniacale per la fluidità dei passaggi e delle progressioni.
Semplicemente ottimo.
(Giuseppe Verticchio)
Dal Bianco Giuseppe: Senza Ritorno (CD 2005 - Autoproduzione)
[ info@giuseppedalbianco.it ] [ http://www.giuseppedalbianco.it ]
Giuseppe Dal Bianco, flautista
diplomato nel 1985 in flauto traverso e avente all'attivo una significativa
esperienza concertistica in Italia e all'estero, ha cominciato da tempo ad
interessarsi allo studio di strumenti a fiato etnici. Ha già realizzato in
collaborazione con il chitarrista Federico Mosconi un CD, "Altrove",
nel quale i suoni delle origini si fondono con elementi elettronici, e presenta
ora questo nuovo CD autoprodotto in 1000 copie che lo vede unico protagonista.
Basato sull'utilizzo di una vasta gamma di strumenti etnici, non solo a fiato,
"adagiati" su tessiture elettroniche che assolvono principalmente
alla funzione di "sostegno" e "riempimento" ricreando al contempo
suggestive ambientazioni e atmosfere, il CD propone una musica di grande
spessore che non sacrifica però nulla alla piacevolezza d'ascolto. Pur
estremamente "godibile", la musica di Giuseppe dal Bianco appare
lontana anni luce dalle logiche di tanta musica
"finto-etnico-elettronico" argutamente progettata a tavolino per
ascolti di tipo più "massale" o comunque più "facile"; non
"saccheggia" disinvoltamente la tradizioni e le sonorità etniche, ma
piuttosto attinge da esse linfa vitale e sincera, rispettosa ispirazione,
trasfigurandone l'essenza in una forma espressiva estremamente attuale e
personale, seppure non mancano certo punti di contatto e adiacenze con quanto
già prodotto in passato da tanti artisti, soprattutto statunitensi,
riconducibili all'area ambient-etnico-rituale. Giuseppe dal Bianco sa miscelare
sapientemente il nuovo e l'antico, le componenti evocativo-ambientali con
quelle più spiccatamente melodico-musicali, in nove tracce nelle quali è possibile ascoltare il suono di una gran varietà
di strumenti etnici: flauti, percussioni, tampura, didgeridoo, duduk, fujara,
benas, sanza, dulcimer, e tra gli altri ancora segnalo in particolare il khene
laotiano, strumento che amo particolarmente per il suo suono magico, dolce,
"discreto" e introspettivo, con il quale è stata realizzata una delle
più suggestive tracce dell'intero CD, "Nel Silenzio, respiro". Tutti
i brani sono sicuramente affascinanti, meticolosamente composti e perfettamente
registrati, ed in tal senso c'è da sottolineare come l'ottima qualità del suono
valorizzi significativamente la proposta musicale di Giuseppe dal Bianco. Tra
essi comunque desidero segnalare in particolare l'emozionante
"Evocazione", brano in cui il trattamento e il mix delle varie
sorgenti sonore risulta particolarmente riuscito e, appunto
"evocativo"; "Segreto Inviolabile", traccia in cui si
sovrappongono suggestive trame sonore di tampura, suoni di flauti e fondi
percussivi; "Invocazione", lungo brano in cui trovano ancora spazio
movimenti ritmici d'impronta rituale "posati" su drones elettronici,
anticipati da fascinose parti di flauto in argilla e di uno straordinario duduk
tra le quali per alcuni istanti emerge inaspettatamente anche un canto
mediorientale. Forse un po' più articolate nella struttura la title track
introduttiva e "Il Bambino e la Conchiglia", tracce sempre molto ben
realizzare e di grande fascino. A proposto di quest'ultima aggiungo di aver
apprezzato particolarmente la scelta di inserire una toccante parte di benas,
antico strumento sardo ormai quasi dimenticato, "parente" stretto
delle più conosciute launeddas, dal suono arcaico, straordinario e
inconfondibile...
(Giuseppe Verticchio - Yidaki News)
Dal Bianco Giuseppe: Perpetuo Vagare (CD 2010 – D.B.)
[ http://www.giuseppedalbianco.it ]
A volte l’intensità, il valore di certa musica, è così grande, quasi immenso, da farci sentire infinitamente piccoli anche soltanto a stare lì, fermi sulla poltrona ad ascoltarla… Figuriamoci a tentare di scriverne, a ricercare improbabili e pur sempre inadeguate e insufficienti parole per poterla in qualche modo descrivere, per poter mettere insieme le poche righe necessarie ad una recensione… E così, per quanto difficile, debbo necessariamente parlarvi in qualche modo di questo splendido disco, una produzione estremamente curata sotto ogni aspetto, che si presenta in un’ elegante confezione, arricchita da un eloquente booklet di 16 pagine nel quale, oltre alle note abitualmente presenti su ogni CD, trovano posto suggestive immagini fotografiche e un’accurata descrizione di tutti gli strumenti etnici/tradizionali utilizzati da Giuseppe dal Bianco. Diplomato in flauto traverso, ma amante e virtuoso utilizzatore anche di strumenti a fiato provenienti da ogni angolo del pianeta (hulusi, bawu, khene, satara, benas, tambin…), nelle otto tracce presenti su “Perpetuo Vagare” Dal Bianco unisce in modo toccante e suggestivo il suono dei medesimi strumenti (quindi flauti, oboi, organi a bocca, di diversa origine e fattura), con discreti e “morbidi” sottofondi sintetici e ben calzanti e trainanti trame percussive ad opera per lo più di Luca Nardon. Il tutto con il decisivo supporto tecnico di Giampaolo Borin, che ha curato le registrazione e i missaggi, restituendo al CD una qualità sonora straordinaria, in grado di valorizzare al meglio la “voce”, il timbro, le sottili sfumature e vibrazioni che strumenti purtroppo così poco conosciuti ai più sono in grado di emettere e trasmettere. Nonostante gli otto brani “vivano” evidentemente di suoni, atmosfere ed elementi così interconnessi alla musica etnica, c’è da sottolineare che le composizioni sono, ad eccezione dell’ultima traccia, tutte dello stesso Giuseppe Dal Bianco. Un estasiante ed emozionante “viaggio” il cui sostanziale filo conduttore è l’appassionata e genuina ricerca sonora, attraverso l’utiliizzo di spesso piccoli, “misteriosi” e apparentemente insignificanti manufatti artigianali in grado, attraverso la “semplice” emissione del fiato, di produrre suoni e melodie che, sapientemente dirette e organizzate, possano, come in questo caso, toccare le “corde” più profonde della nostra sensibilità… Un CD consigliato indistintamente a tutti.
(Giuseppe Verticchio)
D-Darkradioinduztrie: Appunti di Dolore Metropolitani (CD-R 2005 - Autoproduzione)
[ ddrinduztrie@email.it ]
D-Darkradioinduztrie ci presenta
questo suo primo lavoro, autoprodotto in CD-R, costituito di 5 brani per una
durata totale di quasi un'ora. Ciò che sorprende positivamente fin dal
primo ascolto, è il
fatto che D-Darkradioinduztrie
sembra aver trovato già in questa opera prima una sua caratteristica e ben definita impronta sonora personale,
senza aver tentato ("tentazione" piuttosto comune a chi si appresti a
registrare il proprio primo
lavoro...) di emulare
questo o quell'artista già noto, o questo
o quel genere musicale
già abbondantemente collaudato
e/o stereotipato. D-Darkradioinduztrie invece, pur dimostrando di "attingere" a
livello di ispirazione, atmosfere e sonorità, a tanta musica di matrice
fondamentalmente industriale, dark-ambient e sperimental-rumoristica, riunisce
tali influenze in una forma compositiva davvero personale, particolare, e
abbastanza al di fuori dagli schemi, arrivando a proporre una miscela sonora e
una sequenza di 5 brani in grado di colpire per impatto emotivo, per varietà di
suoni, per ricchezza di idee. Le atmosfere sono sempre molto oscure, decadenti,
inquiete, a tratti quasi "lugubri".
Sonorità aspre, loops di movimenti ritmici che evocano immagini di
imponenti macchinari industriali, voci distanti e metalliche, pulsazioni di
basse frequenze, distorsioni invadenti e segnali saturi, crepitìi, masse sonore
"sgranate", trovano alcuni momenti di stasi attraverso passaggi a
base di più morbidi pads o accenni vagamente melodici descritti attraverso note
di pianoforte e chitarra... Atmosfere surreali e oniriche sono perfettamente
descritte da una musica che, dall'inizio alla fine del disco, non appare mai a
corto di idee, e che invece stupisce istante dopo istante, passaggio dopo
passaggio, brano dopo brano, per il suo straordinario potenziale evocativo e
per la sua capacità di rinnovarsi continuamente con nuove trovate, nuove
soluzioni, nuove sonorità... Un vero vulcano di idee Kriztianzeta, in grado di
riunire in modo omogeneo e coerente molte influenze e un'ampia gamma di suoni,
senza che questo appaia, come spesso purtroppo avviene, una "forzatura" troppo concettuale
o troppo semplicistica, un tentativo musicalmente maldestro di far convivere
elementi e influenze troppo diverse e difficilmente conciliabili tra loro...
Qualcosa in più era ancora probabilmente possibile fare per quanto riguarda la
qualità del suono, ma considerato il genere musicale proposto, che spesso fa
della propria "cruda" immediatezza
un elemento di distinzione e traino, e considerando che si tratta della
prima uscita per D-Darkradioinduztrie, mi sento comunque di poter
"promuovere" a pieni voti questi "Appunti di Dolore
Metropolitani".
(Giuseppe Verticchio)
Eidulon: Idolatriae (CD 2008 - Malignant)
[ eidulon@eidulon.net ] [ http://www.eidulon.net ]
Alcuni giorni fa, terminato di
ascoltare questo CD, facevo fra me e me una riflessione... Nell'ambito della
musica sperimentale/ambient/elettronica italiana, conosco alcuni presunti
"artisti" i cui nomi circolano da anni, ma che nonostante abbiano
fatto di tutto per attirare l'attenzione e apparire credibili, attraverso siti
internet personali, facendo decine di presunti "concerti" nei più
malmessi e caotici centri sociali, improvvisando talvolta rozze e quasi
patetiche etichettine di produzione molto ma molto "homemade",
tenendo in rete dei Blog sui quali talvolta non mancano persino di sfogare
l'invidia repressa verso chi è stato più in gamba di loro, alla fine, dopo
tanti anni e tanto "affannarsi", data la sostanziale inconsistenza di
quanto in grado di proporre, sono rimasti esattamente al punto di partenza...
Qualche CD-R per lo più auto(mal)prodotto... delle cosiddette "releases
MP3"... un brano in quella compilation... una partecipazione al CD-R di un
amico/artista... un "remix" del brano di un'altro... Tanto fumo negli
occhi per far "abboccare" gli ingenui insomma, ma andando a tirare le
somme... non c'è assolutamente nulla di davvero "concreto" e un
minimo significativo. Neanche un concerto degno di essere definito tale e
tenuto in un contesto un minimo qualificante. Neanche un CD "vero"
stampato e pubblicato, salvo magari quando il "presunto artista" ha
anche qualche soldino da spendere, e allora alla fine, disperato per il (logico
e comprensibilissimo) disinteresse da parte delle etichette di produzione,
arriva a decidere di produrselo da solo. Ci sono invece Artisti con la
"A" maiuscola che lavorano quasi "in sordina" per anni, con
umiltà ma con rigore, passione e ambizione; artisti che non "sfoggiano"
sfacciatamente il Nulla per anni, ma che invece costruiscono passo dopo passo e
con lungimiranza piccole gemme sonore che attendono pazientemente di essere
riunite in forma di un prezioso gioiello, pronti a cogliere il momento giusto e
l'occasione favorevole per darlo alla luce e renderlo pubblico in una forma che
renda piena giustizia al valore dell'opera stessa, e all'impegno che per anni è
stato riversato nel suo concepimento e nella sua "concreta"
realizzazione... Francesco Gemelli, l'artista che sta dietro al progetto Eidulon,
è sicuramente uno di questi ultimi, e il primo straordinario frutto di tanti
anni di lavoro, il CD "Idolatriae", è stato finalmente (e
meritatamente) pubblicato in una pregiata edizione digipack a 6 pannelli dalla
"storica" e prestigiosa etichetta statunitense Malignant. Sette
tracce che, seppure stilisticamente possiamo ricondurre al genere dark-ambient,
non appaiono come l'ennesima, sterile e anonima "ripetizione" di
quanto già ascoltato e riascoltato all'interno di questo genere musicale, ma
piuttosto traggono da esso linfa vitale, spunto, profondità e ispirazione, per poi svilupparsi lungo un
percorso sonoro che "attinge" anche ad influenze altre, evidenziando
una spiccata personalità e, soprattutto, l'intento fermo e deciso di non
adagiarsi su soluzioni "facili" e stereotipate, come statici e alla
lunga ridondanti drones su frequenze ultrabasse tipici della dark-ambient di
matrice più "deep", o magari prevedibili melodie sintetiche tipiche
di quella dark-ambient più "orecchiabile" che vorrebbe risultare al contempo
drammatica ed "evocativa", ma che il più delle volte finisce per
apparire piuttosto simile a mediocri sottofondi sonori per films o documentari.
In "Idolatriae" sono presenti ovviamente sia drones che parti
melodiche, ma tutto appare estremamente "misurato", ben calibrato e
dosato, opportunamente miscelato a suoni di altra origine, ora più aspri e
distorti, ora più "morbidi" e "ambientali", ora più
sintetici e trattati, ora più concreti e "naturali"... Un imponente
CD d'esordio per Francesco Gemelli/Eidulon, che ne ha personalmente curato
anche le suggestive grafiche, a perfetto complemento "estetico" di
un'opera che, sono certo, non potrà assolutamente lasciarvi indifferenti nè
tanto meno deludervi... Da non perdere assolutamente.
(Giuseppe Verticchio)
With the release of
Eidulon's debut CD Idolatriae, we at Malignant are pleased to welcome another
new project into the cozy confines of our slowly expanding roster. 7 tracks of
ultra bleak, abstract atmospheres, with sounds and textures that seem to seep
from catacomb walls and come slithering out of subterranean chambers.
Certainly, this can be classified as a dark ambient record, but at it's core,
it's more than just that simple classification. There's a gritty, more jagged
edge here, with tetonic shifts, deep rumblings, and crackling, climatic squalls
buried under a bed of ghostly reverb and haunting tonal resonance. Fits in
nicely with past Malignant releases such as R|A|A|N's "The Nacrasti",
Heid's "Arktogaa", and even Caul's "Crucible" CD. In elegant
6 panel digipak, with stark black and white, carefully arranged illustrations
inspired by Taschism and Spatial art.
(Malignant)
Errante Emanuele: Migrations (CD 2006 - Apegenine)
[ http://www.e-errante.com ]
Un album di ambient music piuttosto
"leggera" e orecchiabile, ma non per questo necessariamente scontata
o banale. Otto brani costruiti in modo semplice ma gradevole, con pochi suoni
essenziali, in parte di derivazione acustica, in parte da sorgenti elettroniche
(seppure queste ultime appaiono sempre in forma molto "discreta" e
non risultano mai invadenti) nei quali si è fatto marcato utilizzo della
tecnica dei "loops". La forma generale dei brani non appare
estremamente articolata, seppure le composizioni risultano ugualmente curate,
ben "strutturate", e fluide nelle loro progressioni. Dovendo
esprimere preferenze direi che tutti i brani presenti nella seconda metà del CD
(rispettivamente "Calabria", "Migrations",
"Terra" e "Waltzing Chiara") sono i miei favoriti, forse
per la scelta un po' più "ricercata" dei suoni e del loro
trattamento, e per l'impronta un po' più "sperimentale" che
evidenziano, seppure, è bene precisarlo a scanso di equivoci, la ricerca sonora
e la sperimentazione non sembrano certo essere tra gli elementi
"chiave", fondamentali, ispiratori e "trainanti" di questo
lavoro. Un CD di musica ambient sicuramente ben fatto dunque, semplice,
piacevole da ascoltare, adatto però soltanto a chi non sia alla ricerca di
suoni e atmosfere oscure e drone-oriented o di musica a spiccata vocazione
avanguardista/sperimentale.
(Giuseppe Verticchio)
Migrations is the debut
album from newfound artist Emanuele Errante. "Migrations" is an eight
track album of interesting, intelligent mature chilled tunes, all of which are
well suited to intimate environment such as a candlelight dinner, relaxing in
the backyard on a deck chair, or even taking much needed time out in the chill
tent at a festival. One thing this music is, though, is original. You will need
to listen to this CD to know what I mean. It is mood music that can almost
control your emotions, taking you to another place. It sounds corny I know, but
believe me, it is surprisingly powerful sounds. "Rugiada" opens the
CD and places the listener into a sense of deep foreboding, yet it also applies
a sense of rolling serenity. String chords slide along the majesty of this
track before moving into "Nubes", track two. The deep vibe carries
through, accompanied by more subtle keyboard, and all you need to do is close
your eyes and be taken away before moving into hypnosis on the third tune,
"Wheels". The rest of the album takes this approach, soaring the
listener through an empathic aural experience of all manner of emotions. The
middle of the CD moves more into a happier style of chill. "Migrations",
coming in at track six, is quite an aptly named song, as one could almost feel
their subconscious doing just that. We are then taken full circle, back to a
foreboding feel on the second to last track, before concluding on an extremely
uplifting and passionate climax, "Waltzing Chiara", which is by far
the masterpiece of the CD. What stands out is the deep, passionate, resonating
backings that are the core of Emanuele Errante's work. It is emotive, calming
and extremely creative. On first listen some may say it is just more chilled
music, but if you listen that bit closer you will be able to piece together the
true genius behind it. If you like it chilled out, different or original,
"Migrations" will more than suit your taste. Even if this is not your
preferred genre, treat your ears to this and let the music influence you.
(In the Mix)
Etere-o: Pulviscolo
(CD-R 2000 - Autoproduzione)
[ fradaell@novanet.it ]
Nelle variopinte vicissitudini che
negli ultimi anni hanno portato Fausto Radaelli dai Kripthästesie agli
Olographic Landscapes, fino all’attuale progetto solista denominato “Etere-o”,
bisogna cogliere l’urgenza espressiva di un estro libero ed irrequieto. Le
quattro tracce racchiuse in “Pulviscolo” palesano la volontà di andare ben
oltre la pur caparbia ricerca psichedelica delle precedenti esperienze.
Computer, tamboura e chitarra elettrica sono gli ingredienti di un’opera
ammaliante, sospesa tra avanguardismo minimalista e suggestioni
post-industriali: musica soavemente cosmica che fa da eco al moto misterioso ed
inarrestabile del nostro universo.
(Fabio Massimo Arati - Mucchio Selvaggio)
Ambient music was a music of solitude and
imagination. Fausto Radaelli’s newest album is a gorgeous addition to this
genre’s long history. With Radaelli’s quietly spaced compositions one is
allowed the ability to disconnect from the world and participate into the
another consciousness - a personal journey for each participant. This is no
small feat these days. With this kind of music, the smallest ill-placed sound
can break the soundscape. Luckily Radaelli not only keeps his sounds simple,
but more importantly understands how to affect the space that is present by
letting it exist along side the sounds. This space is vital for the listener to
enter.
(Ramon Medina)
Ferroni Andrea: Windproject (CD-2003 - Autoproduzione)
[
andrea.mail@ciaoweb.it ] [
http://www.windproject.it ]
In questo CD-R, Andrea Ferroni ci
presenta un lavoro a base di didgeridoo piuttosto "puro", privo per
intenderci di "intereferenze" o contaminazioni di strumenti
elettronici o comunque moderni, e con un approccio stilistico che, ugualmente,
rimane abbastanza "fedele" nell'insieme alla natura originaria
piuttosto "primitiva" e arcaica dello strumento, che non cerca di
introdurre forti elementi d'innovazione che possano in qualche modo rifarsi a
generi musicali d'impronta contemporanea. Questa caratteristica non è affatto
da considerarsi come elemento negativo, anzi dimostra una certa
"purezza" e "genuinità" nello spirito con cui Andrea
Ferroni si è avvicinato a questo strumento; purezza che si esprime attraverso una serie di brani dai
quali emerge chiaramente una grande preparazione tecnica, la capacità di
proporre una gamma espressiva piuttosto ampia, e soprattutto una straordinaria
abilità nell'eseguire parti di didgeridoo piuttosto complesse, spesso anche
molto veloci e articolate. Ad eccezione di un unico brano, peraltro molto
interessante, interamente eseguito con una jew's harp vietnamita, per il resto
Andrea Ferroni ci propone il suono dei suoi diversi didgeridoos a volte in
assolo, e qui voglio citare "Berna", "Vesuvio" e “Monviso”
tra i brani che mi hanno maggiormente colpito, a volte abbinati ad altri
didgeridoos e diversi strumenti etnici quali rainstick, click sticks, djembe,
bells e shakers, suonati da altri
strumentisti e collaboratori. I limiti maggiori di questo CD-R sono da
riscontrare in un certo senso di "approssimazione" nella struttura e nella elaborazione di alcuni
brani (per lo più quelli in cui compaiono altri collaboratori), nonchè nella qualità della registrazione non
estremamente curata e sicuramente migliorabile. Quest'ultimo fattore può magari
non disturbare troppo nei brani di assolo di didgeridoo, che in qualche modo
possono ricordare il suono di tante registrazioni effettuate sul campo di
suonatori aborigeni reperibili su CD che certamente tutti gli appassionati di
questo strumento hanno avuto modo di ascoltare, ma diviene invece un elemento
piuttosto critico nei brani dove compaiono anche suoni di altri strumenti, in particolare in "Notte
Ancestrale", brano di chiusura molto d'atmosfera e ricco di un fascino
tutto particolare, che avrebbe tratto gran beneficio da una registrazione più nitida e dettagliata, e, in senso generale,
di maggiore qualità.
(Giuseppe Verticchio)
Ferroni Andrea: Noises & Voices (CD-R 2004 - Autoproduzione)
[ andrea.mail@ciaoweb.it ] [ http://www.windproject.it ]
Prima di tutto è necessario precisare
che questo nuovo lavoro di Andrea Ferroni, a causa della rilevante presenza, in
molti brani, di parti ritmiche d'impronta moderna che definirei, molto
genericamente e senza entrare nei dettagli dei diversi "stili",
piuttosto "dance-oriented",
non è probabilmente molto in linea con quanto di solito è possibile trovare su
"Oltre il Suono", ma in attesa di conoscere in che direzione evolverà
in futuro la musica di questo artista, avendo apprezzato molto il precedente
"Windproject", ed essendo pienamente consapevole del grande talento
di Andrea Ferroni, ho desiderato comunque dedicargli uno spazio e una
recensione. Fatta questa doverosa premessa, necessaria soprattutto per chi
segue da anni "Oltre il Suono" e quindi non si aspetterebbe mai di
vedere recensito un CD-R che contenga al suo interno ampie parti di brani in
qualche modo "ballabili", c'è da dire come "Noises &
Voices" conferma senza ombra di dubbio le mie iniziali impressioni sulle
incredibili capacità di questo artista nell'utilizzo del didjeridoo, tanto da
poter dire che Andrea Ferroni è forse il più capace, fantasioso, eclettico e
"disinvolto" suonatore italiano di didjeridoo che abbia mai avuto
occasione di ascoltare fino ad ora. I brani in cui il suono del didjeridoo è
protagonista praticamente assoluto, "Solitaire", "Improvisation
1", "Improvisation 2" e
"Seaside", sono probabilmente i più adatti (oltre che i miei
preferiti in questo CD-R) a rendersi conto delle stupefacenti capacità tecniche
e interpretative, dell' impareggiabile "scioltezza", dell’assoluto
controllo e della grande padronanza nell'uso di questo strumento che Andrea
Ferroni, in un periodo di tempo davvero breve, è riuscito ad acquisire. Tali
capacità emergono abbastanza chiaramente anche nei brani in cui compaiono parti
ritmiche di tipo moderno, brani comunque ben realizzati, sicuramente d'impatto
ed efficaci, e nei quali Andrea Ferroni
mostra una grande capacità nel far convivere, anche con trovate fantasiose, il
suono del didjeridoo con situazioni musicali ben diverse da quelle più
tipicamente etniche e tradizionali. Non so dire se in futuro la musica di
Andrea Ferroni viaggerà su binari adiacenti a quelli su cui viaggia la musica
solitamente promossa da "Oltre il Suono", orientata a situazioni e
atmosfere d'impronta sicuramente più introspettiva, profonda, statica,
crepuscolare, meno "leggera" e "d'intrattenimento" insomma,
ma indipendentemente da questo sono assolutamente certo che Andrea Ferroni, in
compagnia magari soltanto di un ramo cavo di eucalipto, farà molta molta
strada, e soprattutto noi che amiamo (e rispettiamo...) questo antico strumento
australiano, sentiremo parlare spesso di lui...
(Giuseppe Verticchio)
Ferroni Andrea/Riccio: Tribal Revolution (CD 2005 - ACY)
[ andrea.mail@ciaoweb.it ] [ http://www.windproject.it ]
Un CD autoprodotto attraverso
l'associazione culturale Yidaki di cui lo stesso Andrea Ferroni è fondatore,
nel quale l'artista, in compagnia del percussionista Riccio, alterna nuovamente
brani d'impronta più acustica e dalle sonorità pan-etniche, costituiti
fondamentalmente da parti di didjeridoo,
talvolta in assolo e talvolta accompagnate dal suono di djembe, piffero
peruviano, darbouka, canto, a brani d'impronta ritmica e più moderna, nei quali
lo strumento di origine australiana si
sovrappone sostanzialmente a parti ritmiche di batteria pre-programmate. Pur
riconoscendo a Ferroni una indiscutibile capacità tecnica nell'eseguire parti
di didjeridoo veloci e complesse che riescono ad inserirsi efficacemente anche
in contesti di stampo moderno, continuo senz'altro a preferire e ad attribuire
maggior valore artistico a quei brani in cui l'esigenza del "nuovo"
appare meno marcata, e cioè ad esempio nell' ottimo e "incalzante"
brano introduttivo di solo didjeridoo "Bees Drone", nel seguente
"Intrigue", in cui il suono
delle pelli del djembe suonato da Riccio si sposa perfettamente con
l'esecuzione di Ferroni al didjeridoo, o ancora in "Eea", altro
affascinante brano in cui tornano le percussioni a base di djembe stavolta
integrate dal suono di un piffero peruviano e dalla voce. Molto interessante e
molto particolare il risultato ottenuto in "Abstrait", brano in cui
la ricerca di nuove soluzioni va a concretizzarsi in una desueta combinazione
di didjgeridoo e didgeribone che restituisce attimi e suoni di particolare
suggestione, in una soluzione tecnica e compositiva che meriterebbe di essere in
futuro ripresa e ampliata, coniugando così ancora più efficacemente il
"vecchio" e il "nuovo", l'essenza di una matrice
"tradizionale" con l'esigenza di rinnovamento e di una ricerca
sonora, che è imprescindibile per chiunque faccia musica con impegno e dedizione,
e non intenda allinearsi passivamente a standard e "modelli" musicali
preconfezionati e stereotipati. Tra i brani d'impronta ritmica più moderna che,
per quanto distanti dalle mie ordinarie abitudini d'ascolto e da quanto
solitamente recensito su "Oltre il Suono", ho trovato comunque più
riusciti, menzionerei il conclusivo "Electropipe", un brano in stile
drum'n bass costituito da una struttura sonora più ricca ed elaborata, la cui
soluzione compositiva non risulta, come in altri brani, limitata al solo
binomio parte-ritmica-programmata/didjeridoo. La qualità media del suono appare
sicuramente migliorata rispetto ai precedenti lavori di Ferroni, così come
probabilmente la sua ormai già "mitica", in Italia, capacità tecnica
nel suonare il didjeridoo...
(Giuseppe Verticchio)
Ferroni
Andrea: Ritratto
(CD-R 2007 - ACY)
[
andrea.mail@ciaoweb.it ] [
http://www.windproject.it ]
Nel suo
precedente CD "Breaking Through", realizzato con la collaborazione di
diversi artisti, Andrea Ferroni aveva colto l'occasione per espandere il
proprio raggio d'azione, esplorando in diversi brani i territori di una musica
di matrice decisamente più sperimentale rispetto a quanto era stato possibile
ascoltare nei suoi precedenti lavori. In "Ritratto", seppure in modo
molto diverso, e senza l'ausilio dei molti musicisti che lo avevano
accompagnato in "Breaking Through", Andrea Ferroni sembra voler
riprendere il filo della sperimentazione sonora, e messe da parte (quasi) del
tutto le sonorità/strutture/composizioni "ultra-tecniche" a base di
didgeridoo che hanno caratterizzato la maggior parte della propria produzione
artistica, sposta il proprio interesse verso la ricerca sonora, verso un modo
di utilizzo dello strumento in contesti più "aperti", desueti e
differenziati, sfruttando talora, come nel primo brano "Quiete dopo la
Tempesta", le possibilità offerte dal processamento elettronico (anche
massiccio) delle fonti, attraverso applicazione di effetti ed editing audio con
l'ausilio del computer. La struttura dei singoli brani rimane comunque
piuttosto semplice, nel senso che non c'è un ampio e preponderante utilizzo di
sovraincisioni e missaggi, e questa caratteristica consente ai brani di
conservare quel senso di "immediatezza" che viene invece
inevitabilmente a mancare in tanta musica che viene realizzata attraverso un
ampio, sofisticato, articolato e "ponderato" lavoro di
stratificazione/missaggio/montaggio al computer. Sicuramente non si tratta di
un CD intenzionalmente destinato ai "puristi" dell'affascinante
strumento australiano, a o chi giudichi negativamente l'utilizzo del didgeridoo
in un contesto musicale/culturale così espressamente distante da quello
"tradizionale" nel quale per secoli ne hanno fatto uso i nativi
australiani. Ma è sicuramente un CD consigliato a chi invece, prescindendo da
considerazioni di tipo etico-storico-culturale, vede in questo strumento, o
meglio ancora nella vasta gamma delle "varianti" di quello che è
l'originale Yidaki australiano, un interessante e potente mezzo espressivo che,
come qualsiasi altro "oggetto" in grado di produrre suoni, può essere
liberamente ed efficacemente impiegato, anche integrandone l'utilizzo con altri
strumenti e con l'ausilio delle moderne tecnologie elettroniche, per produrre
musiche e vibrazioni al di fuori dell'ordinario e del "già sentito".
Particolarmente riuscito ed interessante il brano che dà il titolo all'album,
ottenuto attraverso la "semplice" ma efficace sovrapposizione di due
note di didgeridoo continue non perfettamente intonate, diversamente
posizionate nel panorama stereo, una fissa e una in continuo glissare, e il
brano "Suono Continuo", il quale, pur non facendo uso nè di
didgeridoo nè di effetti elettronici, essendo stato realizzato soltanto
sovrapponendo tre tracce di Dan Moi (scacciapensieri vietnamita), mostra invece
delle sonorità che a tratti sembrerebbero invece sorprendentemente proprio di
derivazione elettronica, e a tratti, altrettanto sorprendentemente, ottenute
attraverso l'uso di un didgeridoo...
(Giuseppe Verticchio)
Fhievel: Nuvole (CD-R 2001
- Autoproduzione)
[ fhievel@noisysoul.com ] [ http://www.noisysoul.com ]
Splendido CD-R d'esordio per Fhievel,
di breve durata (16:33) ma decisamente "intenso" nei contenuti,
suddiviso in quattro tracce, che restituiscono comunque all'ascolto un perfetto
senso di continuità. Ciò che stupisce particolarmente, oltre ai suoni,
prettamente elettronici ma molto ricercati e mai dozzinali, è la
"misura" e la grande capacità compositiva. Stupiscono le evoluzioni,
le pause, le riprese, l'assoluta imprevedibilità... Un'imprevedibilità che non
nasce dall'aggressività, dal "distruggere" repentinamente le
atmosfere appena costruite con facili interventi ad impatto...
Un'imprevedibilità che nasce dall'impressione che in qualsiasi momento
dell'ascolto "stia per succedere qualcosa"... E in effetti succede
sempre qualcosa, ma non è mai ciò che ci saremmo aspettati, e non è mai un
"qualcosa" di "plateale" come magari avremmo immaginato...
Si apprezza il rifiuto di adottare schemi facili e collaudati, senza però
cadere mai nella casualità o nella pseudo-casualità, che in fondo non sono
altro che due ulteriori collaudatissimi schemi... Belle le atmosfere, i suoni,
gli incastri, i rari e discreti interventi ritmici dalle sonorità quasi
aliene... Buona la qualità della registrazione. Poco più di sedici minuti di musica dietro ai quali, ne sono
certo, l'autore ha passato decine e decine di ore di meticolosa ricerca e di
lavoro compositivo sofferto e intenso...
(Giuseppe Verticchio)
Fhievel: Fluctuazione (CD-R
2002 - Autoproduzione)
[ fhievel@noisysoul.com ] [ http://www.noisysoul.com ]
Un breve CD-R della durata di 15
minuti, suddiviso in 5 tracce, musicalmente unite tra di loro, e che
all’ascolto appaiono quindi come un unico brano. La prima cosa che colpisce è
la registrazione eccellente: l’assenza totale di fruscio, i suoni (di origine
esclusivamente sintetica) dalla timbrica nitida e cristallina, la cura del
dettaglio, del posizionamento nel panorama stereofonico degli elementi sonori,
le frequenze alte chiare e i bassi profondi, avvolgenti, caldi, ma
adeguatamente “frenati”. La musica penso possa essere descritta come una
elettronica “pura”, facente largo impiego di suoni “pungenti”, evidenti,
dinamici, “prepotentemente” presenti, “graffianti”, ma al tempo stesso sempre molto
eleganti, usati in modo deciso ma equilibrato, anche piuttosto originale, e
sapientemente combinati, miscelati, organizzati in sequenze. La musica scivola
via in un continuo e repentino alternarsi di effetti elettronici, pulsazioni,
disturbi, sibili, frammenti ritmici, brevi attimi di stasi che forse avremmo
potuto desiderare di durata leggermente maggiore, per offrire qualche istante
di “quiete” in più in questo pur elegantissimo e affascinante caleidoscopio di
“stimoli sonori sintetici”. Davvero un ottimo lavoro comunque, e considerato
che personalmente non sono (in genere…) particolarmente attratto da opere di
“elettronica pura” in questo stile,
prediligendo ascolti d’impronta più “ambient” e dai tempi più dilatati,
questo mio giudizio estremamente positivo assume un valore di merito ancora
maggiore. “Fluctuazione” in questi ultimi giorni ha girato diverse volte nel
mio lettore, e questo non succede molto spesso con gli altri CD, tanto meno
quando ho (come infatti avevo…) almeno un paio di CD appena acquistati, di
“blasonatissimi” artisti stranieri, ancora da ascoltare per la prima
volta... Un ottimo lavoro per Fhievel,
dal quale però mi aspetto in futuro un CD-R di durata più “impegnativa”...
(Giuseppe Verticchio)
First thing I appreciated
most about this short-lenght release is the almost relaxed compositional
instinct shown. All tracks on this debut CD-R shows no hurry, no sign nor wish
to go anywhere, except maybe a little circumnavigation of the surroundings. You
may define it digital electronics: simple to write and completely void as an
explanation. Luca Bergero, the man behind this project, programs the source
sounds in C-sound, to ensure they have nothing to do with things you can hear
in reality, and then sequences them and add a little fx's here and there
(mostly delay). But the result, all together, is very human. Reminded me a lot
of Future Sound of London, with a peculiar taste for microscopic melodies and
some glitch paraphernalia scattered all over and smoothed by eq'ing, like some
abyssal creature swimming around the ruins of some submerged cities in a
faraway future, without nothing particular to do, except existing. And also
(but I may completely be wrong here) Ozric Tentacles, downloaded into one
single person and a computer, engaged into exposing only the bare bones of
compositional dynamics. Good, makes a worthwhile listening in a serene
afternoon like this. Comes into a slim-case and a high quality full colour
printed sleeve.
(P. Ippoliti)
Fhievel: Vetri di Carta (CD-R 2003 - Autoproduzione)
[ fhievel@noisysoul.com ] [ http://www.noisysoul.com ]
Premetto che questo CD-R è un lavoro
sicuramente più "difficile" dei precedenti. La "forma"della
musica in questo caso è infatti molto meno "ad impatto", e chi nei
precedenti lavori si è fatto affascinare esclusivamente da alcuni elementi
quali l'ampia dinamica, i suoni di basso caldi e profondi, le elegantissime
sequenze ritmiche, potrebbe rimanere disorientato dall'ascolto di questo nuovo
lavoro. Aggiungo subito che Fhievel ha finalmente realizzato un CD-R di durata
"normale", quattro tracce per un totale di circa 48 minuti, elemento
che aggiunge in partenza valore all'opera, dimostrando di essere in grado di
sviluppare ed elaborare le sue idee in modo molto più ampio, e distaccandosi
dal concetto del "Mini-CD", concetto che il più delle volte (ma con
le dovute eccezioni...) cela dietro di sè una certa difficoltà nell'affrontare
prove più "impegnative", e adottato per lo più da autori che stiano
ancora alla ricerca di una direzione precisa, di una propria definitiva identità musicale, e, se vogliamo, anche
di un certo grado di maturità artistica, di una propria consapevolezza.
"Vetri di Carta" può essere definito come un lavoro costruito prevalentemente
con "microsuoni", e cioè generando e "assemblando"
frammenti sonori elettronici di breve e brevissima durata, per lo più suoni
acuti e a volte un po' striduli, su frequenze alte e medio alte. Immaginate di
dover colorare un foglio di carta con dei pennarelli, ma che per scelta, invece
di disegnare dei tratti e riempire degli spazi vuoti muovendo la punta del
pennarello sulla superficie del foglio, decideste di disegnare una serie
infinita di piccoli punti ravvicinati, usando prevalentemente pennarelli di
simile tonalità di colore... Qualcosa
di analogo alla tecnica di pittura adottata da millenni dai nativi
australiani... I primi punti saranno piuttosto distanti tra loro, userete colori chiari, e cambierete
raramente il colore del pennarello, e l'immagine iniziale risulterà piuttosto
indefinita e astratta, ancora in cerca di forma: questo è ciò che si percepisce
ascoltando il primo brano del CD, circa tredici minuti di
"microsuoni" ancora in posizione apparentemente "sparsa"...
Poi piano piano, aggiungendo nuovi punti, che si faranno sempre più
ravvicinati, andrete a riempire tutti gli spazi bianchi del foglio...
Cambierete spesso colore del pennarello, e agli iniziali colori chiari si
sostituiranno a tratti colori più scuri e intensi che daranno profondità
all'immagine e aiuteranno a definire i contorni e le forme della stessa...
Questo è ciò che accade nel secondo e nel terzo brano del CD-R, ed è proprio
nella terza parte che il plasma sonoro raggiunge la sua forma più evoluta, la
sua dimensione migliore, le sembianze più chiare, riconoscibili e definite...
In questa fase Fhievel è comunque abile nel costruire rapidamente, in pochi
secondi, paesaggi e atmosfere che il più delle volte, in modo altrettanto
rapido, si dissolveranno nel nulla negli istanti immediatamente successivi.
Tale soluzione può a tratti lasciare un po' disorientati, soprattutto quando
l'atmosfera appena disegnata stava cominciando a toccare "nel vivo"
le nostre emozioni: ma questa è una
caratteristica che ha sempre fatto parte della musica di Fhievel, e che, a
seconda dei punti di vista, può essere considerata il suo maggior pregio o un
suo limite... Nella quarta parte i suoni si fanno di nuovo più rarefatti, come
se l'autore stesse cercando di far emergere di nuovo il colore bianco del
foglio, come se in qualche modo si stia cercando di cancellare parte di ciò che
si è disegnato, per ritrovare un contatto con la situazione originale...
"Vetri di Carta" è un album che, seppure a tratti può apparire un po'
"scarno", è in realtà abilmente sviluppato e finemente elaborato. Mi sarebbe piaciuto poter
ritrovare, almeno da qualche parte, nei 48 minuti di durata del CD-R, alcuni
elementi che avevo particolarmente apprezzato nei lavori precedenti e cui ho
già fatto cenno: l'ampia dinamica, i suoni di basso caldi e profondi, le discrete
e curate sequenze ritmiche... Nell'insieme comunque si tratta di un CD-R di
sicuro fascino e di grande interesse... La "barriera" della breve
durata è stata finalmente abbattuta, e se nel prossimo lavoro Fhievel riuscirà
ad integrare in un contesto musicale analogo anche quegli elementi sopra indicati dei quali ho sentito
un po' la mancanza, potremo con certezza consacrare Fhievel come uno degli
autori più interessanti e innovativi nel panorama della nuova musica elettronica
italiana...
(Giuseppe Verticchio)
Fhievel: Le Baptême de la Solitude (CD-R 2005 - Petite Sono)
[ fhievel@noisysoul.com ] [ http://www.noisysoul.com ]
Glaciale, nitida e scientifica, la
musica di Fhievel era la più ‘nordica’ fra quelle prodotte in Italia. Questo
nuovo disco, che giunge dopo due CD-R autoprodotti ed un terzo CD-R licenziato
dalla defunta S’agita Recordings, mostra un’evoluzione, da intendere non tanto
come una crescita - Fhievel è un musicista nato già adulto, qualche secolo fa
avremmo parlato di ‘enfant prodige’ - quanto come un piccolo spostamento nello
spettro dei modelli espressivi. Tale spostamento, direi, non è determinato
tanto dal cambiamento dei punti d’osservazione o di quelli osservati quanto
dall’ottica utilizzata che, in precedenza, poteva essere definita come micro
mentre adesso è decisamente macro. Innanzi tutto è presente un più marcato
aspetto compositivo, e questo comporta in parte l’abbandono di un’ottica
ultra-minimale in favore di costruzioni che prevedono la sovrammissione e
l’intreccio di differenti punti e linee sonore, mantenendo comunque un tratto
distintivo definibile come ‘eleganza’. V’è poi un più ampio utilizzo di suoni
lunghi, e questi continui vanno a riempire i vuoti tipici della vecchia
parcellizzazione, con un mood che si fa più ‘concreto’ rispetto all’astrazione
precedente; e pure si tratta di una concretezza non riferibile tanto ai
materiali utilizzati quanto ad un suono che riesce ad evocare situazioni
vissute, magari non quotidiane, ma comunque vissute: il passaggio di un treno,
una folata di vento, lo scalpiccio di passi o di ruote su un selciato, un coro
di cicale, una porta che si chiude, sassi che rotolano…. Va rilevato anche il
senso di movimento che Fhievel è riuscito ad imprimere ai suoni, sia per quanto
riguarda la dinamica interna ai suoni stessi sia per quanto riguarda la
dinamica vista in un’ottica più complessa da riferire all’intera scultura
sonora. Ma quello che più avvince, infine, è l’alzarsi occasionale di una
nebbia mistica che toglie al lavoro quel tanto di scientificità sufficiente a
renderlo un po’ più passionalmente mediterraneo. “Le baptême de la solitude” è
una realizzazione importante, sia per il musicista sia per la musica
sperimentale italiana, anche perché esce per un’etichetta canadese, seppur
piccola, e allarga così a quattro il numero dei dischi 'italiani' pubblicati
recentemente da quelle parti.
(Etero Genio - Sands Zine)
Fhievel is the moniker for
Italian electronic musician Luca Bergero. Or maybe the term electroacoustic is
more appropriate: Fhievel combines electronic acoustic sounds with field
recordings in a very controlled and composed way. His use of the different
materials is without question and feels absolutely natural. This CD-R contains
three tracks ranging from over 10 to over 15 minutes, which is not so long, but
that is very good. The music is demanding: the listener has to focus and
concentrate. This is not to say that Fhievel's music is difficult, quite the
contrary. But there is a gentleness and quietness about it that simply needs attention
to be fully appreciated. With the use of his ingredients Fhievel arrives at an
almost narrative structure, but without getting too bold. Yes, this is very
suggestive and also beautiful music.
(Roel Meelkop - Vital Weekly)
Fhievel/Sigurtà
Luca: The Wheel
(CD 2008 - Creative Sources)
[
fhievel@noisysoul.com ] [
http://www.noisysoul.com ]
Eccellente
documento sonoro, concepito da Luca Bergero/Fhievel e Luca Sigurtà per la
mostra sonora "La fabbrica e la sua voce - trame sonore dell'industria
tessile", realizzato utilizzando registrazioni microfoniche effettuate
all'interno della "Fabbrica della ruota" (ex Lanificio Zignone) di
Pray, uno dei più significativi esempi di archeologia industriale del Biellese.
Articolato in quattro tracce, rappresentanti quattro diverse "zone
sonore" (sala della ruota, tessitura, mensa operaia e carderia), il CD è
costituito di una vasta gamma di rumori/suoni registrati nei medesimi ambienti,
interagendo in vario modo con macchinari, attrezzature e strutture, e cercando
di catturarne la "voce", l'essenza sonora, le vibrazioni...
Assolutamente sorprendente la qualità delle registrazioni, caratterizzate da
una straordinaria nitidezza sulle frequenze medie e alte, da drones e frequenze
basse calde e profonde, da una eccezionale gamma dinamica, nonchè da una resa
panoramica di grande impatto e notevole tridimensionalità. Un lavoro davvero di
grande pregio e grande intensità, soprattutto considerando che spesso a
interessanti idee di tipo prettamente concettuale, quali installazioni sonore e
simili, non corrisponde poi, alla prova
dei fatti, un altrettanto interessante risultato e una corrispettiva
piacevolezza d'ascolto quando la medesima esperienza viene estrapolata dal suo
contesto originale e "trasportata" su "normale" CD audio da
fruire in momenti, ambienti, situazioni e condizioni assolutamente diverse.
Elegante il booklet, in bianco e nero e composto da sedici pagine, ricco di
note e suggestive fotografie scattate nei medesimi ambienti. CD sicuramente
consigliato, ovviamente soprattutto a chi, negli ascolti, non senta comunque la
necessità di qualche elemento musicale/melodico, in questo caso del tutto
assenti, se si eccettuano alcuni suoni dilatati e armonici di origine
evidentemente metallica (vagamente simili al suono di ciotole tibetane
strofinate) presenti nella prima traccia del CD.
(Giuseppe Verticchio)
This
duo from Novara joins a couple of complementary musicians involved in sound art
and experimental music, as you can easily guess from the inside notes of this cd,
they're also involved in sonorizations. You may remember them for their past
participation to the Pocket Progressive experience where Claudio Rocchetti was
the third part of the triumvirate, you will find some similarities but in
general the project is a little bit different. While generally Sigurtà tends to
be more rough and Fhievel is probably the one of the few purest "minimal
electronics" exponents hailing from Italy, during the composition of this
work they converged trying to resuscitate the voice of the old machines they
found inside the factory "Fabbrica della ruota" of Prey and
simultaneously they accomplished the result to give it all an oniric dimension.
The target has been hit and the outcome is brilliant since for the whole recording
you've the impression the audio work is part of a soundtrack and in some way
their modus operandi related to the process of sonirization is quite classic.
The sound definition is wonderful and natural reverbs paint the audio trip of a
spectral atmosphere, the sharpness of some sounds (Fhievel?) ties the knot with
some grey, dronical cluds (Sigurtà?), they didn't pierce silence but they've
been flirting with it constantly which means there's no "tension
building" or "waiting game", but it's enveloped all around most
of the sounds "happening" during the trip. Considering this whole
recording concerns "the factory and its voice - sounds and textures of the
textile industry" it's not heavy at all, it has been probably designed to
be accessible to a big range of people therefore forget those
hyper-intellectualized works by this or that "sound artist wonna be".
"Simple" doesn't mean "naïve" and I'm still quite surprised
by the great sound effect they managed to create for what concerns sound
definition, sure you've to considered you won't hear all the machine
"speaking" at the same time as an Orchestra (Russolo can feel safe
wherever he rests) but every ghost is there to remember when the worker will
die we'll hear his voice thru that of the machine he's been working with for a
whole life…"part animal, part machine" for the last
time..forever.
(Andrea Ferraris - Chain DLK)
Five
Thousand Spirits: A Tapestry for Sourcerers (CD 1995
- Hic Sunt Leones) (Alio Die, Raffaele Serra, Runes Order)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Questo CD rappresenta in pieno il mio
ideale di musica ambient: atmosfere tendenzialmente statiche e oscure, ma al
tempo stesso evocative; musica che nasca da vere idee, e che non si trascini
avanti stancamente nell'intento di "coprire" a tutti i costi lo
spazio scrivibile di un CD. Musica mai completamente immobile e, soprattutto, mai noiosa... "A
Tapestry for Sourcerers" risponde a pieno a tutti questi requisiti,
eccelle nella scelta dei suoni, nelle costruzioni, nelle progressioni… I primi
due brani sono spettacolari, con
l'introduzione di "From sea to sea" e le stupende pulsazioni
elettroniche e acustiche del seguente "Enter, so far from this sky".
Questo ultimo brano forse è il mio preferito: i primi 5 minuti in particolare
davvero magici... Seguono ancora gli splendidi “Alphamantra” e “Onyx”, che
chiudono i primi 20 minuti abbondanti di ascolto del CD che non esito a
definire entusiasmanti... Quindi "Eskdalemuir", un lungo brano di 16
minuti, durante il quale si susseguono diversi cambi d’atmosfera e di sonorità,
prima più rituali, poi più elettroniche, quindi più statiche, che trovano
nella seconda parte del brano i momenti più riusciti e suggestivi… Seguono l'inquietante “Lais”, le discrete aperture
melodiche di “Haat-Lunis”, quindi “Limahians”, brano di chiusura del CD dalle
sonorità oscure e vagamente psichedeliche… “A Tapestry for Sourcerers” è il
primo CD che vede Raffaele Serra avvicinarsi con grande stile a quei territori
musicali prettamente ambient che Alio
Die, suo compagno di squadra in Five Thousand Spirits, è invece solito
percorrere già da alcuni anni… Un incontro felice fra due grandi artisti
italiani che, anche con la collaborazione di Runes Order, hanno scritto un
capitolo indimenticabile nella storia della musica ambient italiana...
(Giuseppe Verticchio)
Five
Thousand Spirits: Quantum Consciousness (CD 2006- Sempiterna Mutatio) (Alio Die & Raffaele Serra)
[
aliodie@tiscali.it ] [
http://www.aliodie.com ]
Attesissimo
ritorno questo del duo Alio Die/Raffaele Serra e del loro progetto Five
Thousand Spirits, rimasto in stand-by per quasi un decennio, dell'uscita cioè
del precedente CD "Mesmeric Revelation". Chi conosce da anni e
approfonditamente i due artisti, sa come Alio Die si sia sempre distinto per
aver proposto musica caratterizzata da sonorità molto fluide,
"morbide", discrete, misurate, mentre Serra ha orientato la sua lunga
carriera artistica verso una ricerca sperimentale più estrema, variegata,
energica e imprevedibile. Se nei primi minuti di ascolto di questo CD sembra
prevalere un sound "generale" più vicino a quello tipico di Alio Die,
soltanto arricchito da alcuni suoni, pulsazioni, e movimenti elettronici
"circolari" che sembrerebbe plausibile attribuire alla
"mano" di Serra, in realtà già dal secondo brano il suono tende a
farsi molto più estremo, psichedelico, "rumoroso", ipnotico,
spiccatamente sperimentale, a tratti quasi "allucinato", quasi a
richiamare echi di storici capolavori del primo Raffaele Sera, quello di
"Our Lady of the Sphere" e di
"Memories of an Unborn Baby", o quello del più recente
"The Third Mind". Anche nel proseguio dell'ascolto del CD, che non
manca di riservare grandi sorprese e soluzioni davvero imprevedibili, questa
marcata matrice sperimentale sembra solitamente prevalere, tanto da la lasciar
credere che Alio Die abbia scelto di lasciare ampio spazio a Serra, soltanto
"guidandolo" lungo questo lungo viaggio sonoro, aggiungendo substrati
atti a fare da "collante" tra i variegati e suggestivi interventi del
collega, e dedicando a sè soprattutto alcuni parti d'impronta più statica che
di tanto in tanto attenuano la tensione, lasciando i suoni, e i flussi delle
emozioni, decadere lentamente... In realtà però credo che Alio Die abbia fatto
molto più di quanto superficialmente possa apparire, e sono abbastanza certo
che abbia piuttosto colto l'occasione di questa nuova "reunion" con
Serra per "osare" in prima persona più di quanto abbia fatto finora
nella musica siglata soltanto a proprio nome, elaborando ed inserendo in questo
nuovo lavoro, di propria iniziativa e di propria mano, elementi sonori di
matrice più elettronica, sperimentale e rumoristica che fino ad ora non avevano
mai "contaminato", o lo avevano fatto in modo assolutamente
marginale, la musica prodotta come "Alio Die". Non ci è dato di
sapere, e a dire il vero neanche ci appare così importante approfondire, chi
dei due artisti abbia apportato cosa, e in che misura. Preferiamo ascoltare, e
godere questo affascinante, attesissimo, nuovo CD dei Five Thousand Spirits...
e tanto ci basta...
(Giuseppe Verticchio)
Five
Thousand Spirits: Schwarzschild Radius (CD 2006- Sempiterna Mutatio) (Alio Die & Raffaele Serra)
[
aliodie@tiscali.it ] [
http://www.aliodie.com ]
"Quantum
Consciousness" e ll presente "Schwarzschild Radius" escono
sostanzialmente in contemporanea per la medesima etichetta (Sempiterna Mutatio,
sub-label della Hic Sunt Leones) e quest'ultimo titolo è il logico
proseguimento del primo, tanto che i due CD, simili per sonorità e stile,
nonchè per grafiche e confezione,
avrebbero anche potuto anche essere pubblicati come opera unica raccolti
in doppio CD. Quasi impossibile immaginare dunque di acquistarne e possederne
soltanto uno, e inevitabile quindi un confronto fra i due titoli; e a tale
proposito, pur sottolineando l'indubbio fascino, il "coraggio", e
l'innegabile originalità che caratterizza "Schwarzschild Radius",
debbo dire di aver preferito il primo "capitolo". Non cambia molto
nella "sostanza" rispetto a "Quantum Consciousness", e la
formula, pur con le ovvie variazioni sul tema, appare simile. In
"Schwarzschild Radius" però tende ad emergere e spesso a prevalere,
soprattutto nella seconda parte del CD, una struttura sonora di fondo più
spiccatamente rumoristica e pseudo-caotica (caos controllato naturalmente...),
che miscelata alla scelta di alcuni suoni d'impronta marcatamente elettronica,
a volte peraltro (come nel quarto e quinto brano...) in abbinamento a sibili su
frequenze molto alte e stridenti, mi hanno fatto preferire il più
"misurato" e sicuramente meno "estremo" "Quantum
Consciousness". Molto accomuna comunque i due CD, e anche
"Schwarzschild Radius" presenta momenti di grande efficacia e
suggestione, come nella parte iniziale di "Fog Pumas" caratterizzata
da alcuni potenti e strabilianti "colpi" pulsanti a bassa frequenza,
o nell'ascesa della parte ritmica e di sequencer dell'evocativa "Sirius
Remembered", cui segue in chiusura di brano (e inizio del seguente
"Blackwater Days") una zona molto tesa e oscura a base di onde di
drones, o ancora nelle venature quasi "cosmiche" che fanno da
introduzione al primo brano del CD, "Immaculate Perception", brano
che poco oltre evolve in una forma più "quieta" e ambientale, anche
con la sovrapposizione di delicate tessiture acustiche a base di arpeggi di zither...
Molte belle sorprese anche qui dunque, e seppure personalmente ho espresso
preferenza per "Quantum Consciousness", non escludo, e sono anzi
certo, che altri ascoltatori potranno pensarla in modo completamente diverso,
prediligendo alla maggiore "moderazione" del primo titolo il
"coraggio" e la vocazione più "estrema" ed
"intransigente" di "Schwarzschild Radius"...
(Giuseppe Verticchio)
Fogar Alessandro: Isole
(CD-R 1988 - Autoproduzione)
[ sfogar@inwind.it ] [
http://www.fogar.it ]
Semplicemente un ottimo lavoro.
Ancora più interessante se si pensa che è stato concepito e realizzato più di
dieci anni fa, e che nasce, ce lo spiega la copertina, come installazione
multimediale per nastri e dispositivi controllati via midi. Tenendo tra le mani
una vecchia rivista, contenente un generoso servizio su Alessandro Fogar, leggo
che quest’opera è stata influenzata da
Luigi Nono, e che è nata dall’osservazione acustica dell’ambiente circostante…
Ma al di lè delle informazioni di tipo tecnico e concettuale, quello che si
apprezza principalmente in questo lavoro è la musica stessa (anche se il
termine “musica” in questo ambito suona un pò improprio…), e le emozioni che riesce e regalare; e i due
brani contenuti nel CD-R, simili per struttura e sonorità, evocano immagini e
atmosfere che certo non mancheranno di emozionare gli ascoltatori...
(Giuseppe Verticchio)
Another installation
soundtrack, as Fogar seems to be very active in this field, presenting us with
two tracks, the live and studio version of it. Crispy dramatic dronings, and
something that appears to be breathing unheard in the background, mixed over
looped field recordings - resulting in a meditative texture. The studio version
though, miss that environmental hiss and depth that sort of enriches the live
one. Jewel case and full colour inserts, with a painting by Marina Bosio.
(P. Ippoliti)
Fogar Alessandro: Songlines (CD-R 1998 - Autoproduzione)
[ sfogar@inwind.it ] [
http://www.fogar.it ]
Questa volta Alessandro non tocca
quelle vette potenzialmente raggiungibili con le proprie capacità artistiche.
Forse l’opera ha risentito un po’ troppo del fatto di essere nata
dall’esperienza di un’ installazione sonora e di non essere stata concepita
direttamente come CD musicale. L’impressione
che si ha dall’ascolto del CD, è quella di un certo numero di
campionamenti, riprodotti e miscelati randomizzandone la sequenza e
l’intervallo temporale di esecuzione, che non riescono però, combinati
attraverso questo meccanismo, a generare un tessuto sonoro abbastanza
coinvolgente. Da appassionato di cultura aborigena inoltre, considerando che il
CD è dichiaratamente ispirato a tale cultura (molto bella l’immagine della
copertina!), mi aspettavo di trovare, anche per quanto riguarda il contenuto
musicale, qualche elemento direttamente riconducibile a tale contesto (magari
qualche suono di didjeridoo, bullroarer, click sticks, o campionamenti di canto
aborigeno…), che invece risulta essere completamente assente. Talvolta le
installazioni sonore, ed anche altre
idee ed esperienze basate su un approccio più concettuale e sperimentale, non
si sposano abbastanza felicemente con le esigenze, più prettamente musicali,
della realizzazione di un CD che sia soltanto ’da ascoltare’, e che richiede
invece una maggiore attenzione per quanto riguarda l’aspetto compositivo e la
ricerca dei suoni e delle progressioni.
(Giuseppe Verticchio)
Definitely, there must be
something between Australia and some italian electroacoustic composers.
Possibly inspired by the Bruce Chatwin's book by the same title, this is an
installation soundtrack from 1998, and having missed the thing at the time, i
am left with the sounds: two tracks that shows little difference between
themselves, at least to my ears; made in PD, long pad sounds, mildly droning,
water and cricket samples, the occasional plucked string, and an italian text
that depicts how aboriginal songlines should help reading the whole of
Australia like a score. Comes in a jewel case, with full colour inserts and the
original aboriginal painting that inspired the tracks title.
(P. Ippoliti)
Fogar Alessandro: The Stars Circle (CD-R 1999 - Autoproduzione)
[ sfogar@inwind.it ] [
http://www.fogar.it ]
Forte di un’attività di installatore
multimediale e di un retroterra colto che passa attraverso ascolti e letture di
Nono, Cage, Oliveros, e Xenakis, il compositore goriziano è autore di un album
dai decisi contorni elettro-ambient. Suoni naturali, sussurri, crepitii e
sciabordii sono stati elaborati con l’ausilio di uno dei tanti software di sintesi
granulare (Csound) e successivamente spazializzati a completare un immenso
affresco di sostanza oscura e contemplativa in bilico tra platonica musica
delle sfere e meditatività di impronta cosmica (Voto 6).
(Nicola Catalano - Blow Up)
A studio work, aptly
subtitled “sonic meditation”: four tracks that goes down heavy on rumbling
stellar drones, darker than everything else i've heard from him and showing
variations and evolution, unlike the most static installation work, and getting
sort of lighter, melodic as the end approaches. Intended to be listened to
while lying down looking at the stars, forming a circle with other listeners,
i've found it quite enjoyable anyway, though i was alone in front of my
computer screen, debugging my poorly written html and writing text, and had it
looped on headphones for quite a while. Full colour sleeve in a jewel case.
(P. Ippoliti)
Fogar Alessandro: Transmutations (CD-R 2002 - S'agita Recordings )
[ sfogar@inwind.it ] [
http://www.fogar.it ]
"Transmutations" è sicuramente
il lavoro più interessante e maturo di Fogar fin dai tempi di
"Isole". Sette tracce in tutto, ognuna della durata di sette minuti,
che propongono un efficace misto di field recordings, più o meno rielaborate
elettronicamente, abbinate a parti e suoni di apparente origine sintetica. Ciò
che si apprezza in particolar modo in "Transmutations", soprattutto
comparando questo lavoro alle precedenti prove dell'artista, è la maggiore cura
e attenzione rivolta alla scelta e all'utilizzo dei suoni, che risultano
sicuramente più variati, ricercati, ben trattati e combinati tra loro,
dipingendo paesaggi sonori che, soprattutto in alcune parti, risultano davvero
ricchi di suggestione ed emotivamente coinvolgenti. L'approccio a volte
piuttosto frammentario e "cinematografico" sembra ricordare a tratti
un certo tipo di sperimentazione sonora che il "nostro" Raffaele
Serra porta avanti ormai da circa un decennio, e che ha trovato la sua massima
espressione nel 2004 con "The Third Mind”. Tale analogia è comunque riscontrabile
solo in alcune parti del CD-R, e indipendentemente da questo parallelismo c'è
da sottolineare come con "Transmutations" Fogar mette di certo a
punto un CD-R di grande interesse, che rappresenta un' importante tappa e
probabilmente una svolta decisiva per quanto riguarda la propria esperienza
artistica musicale.
(Giuseppe Verticchio)
Fogar Alessandro: Prakriti (CD-R 2003 - Ants)
[ sfogar@inwind.it ] [
http://www.fogar.it ]
Per realizzare questo lavoro Fogar ha
raccolto e trasformato suoni naturali derivanti da field recordings
integrandoli con drones statici ottenuti rielaborando pesantemente suoni
orchestrali. Il risultato finale nasce attraverso l'utilizzo di un sistema in
tempo reale che produce infinite e diverse combinazioni di eventi sonori,
mentre l'artista "controlla" al tempo stesso l'evoluzione del pezzo
mixando e spazializzando le stratificazioni degli stessi eventi. Il CD-R,
proposto dalla Ants in una splendida confezione in jewel box con stampa della
copertina di ottima qualità, sicuramente ai vertici per quanto riguarda le
produzioni su supporto CD-R, contiene un'unica traccia della durata di 42:41
interamente realizzata attraverso i "meccanismi" descritti poco
sopra. Alessandro Fogar è un artista multimediale attivo da molti anni in
questo tipo di ricerche e sperimentazioni, e pur considerando i limiti
intrinsechi di tali esperienze, sia a livello prettamente "musicale"
e "compositivo", sia per quanto riguarda la "trasposizione"
su prodotto CD-R di situazioni sonore che sicuramente trarrebbero maggior vantaggio dalla fruizione in forma di
performance dal vivo, si può senza dubbio affermare che l'artista è riuscito a
trovare una "formula" davvero equilibrata, attraverso la quale riesce
a conciliare l' esigenza di una ricerca e sperimentazione d'impronta fortemente
"tecnologica" e in una certa misura anche concettuale, con l'esigenza
di ottenere un risultato finale che sia in qualche modo anche particolarmente
piacevole e valido a livello puramente "uditivo", concentrandosi
sulla qualità della proposta musicale in sè stessa e prescindendo da tutto ciò
che c'è stato a monte della sua realizzazione. La pluriennale esperienza di
Alessandro Fogar in questo tipo di sperimentazione rivela sicuramente in
"Prakriti" la sua più evidente consistenza, consegnandoci un CD-R che
sarà sicuramente apprezzato da chiunque conosca e stimi da anni questo artista,
ma anche da chi si avvicini per la prima volta al suo inconsueto universo
musicale..
(Giuseppe Verticchio)
Fogar Alessandro: Surface Studies #1-#2 (CD-R 2005 - Afe)
[ sfogar@inwind.it ] [
http://www.fogar.it ]
Ennesima conferma per Alessandro
Fogar, che grazie alla Afe Records ci propone un nuovo affascinante CD-R contenente due lunghe tracce per una
durata totale di 49:35. Portando avanti quello che potrei definire un
"nuovo ciclo", quello sicuramente più maturo e significativo
nell'intera carriera dell'artista, iniziato con "Transmutations" e
seguito da "Prakriti", "Surface Studies #1-#2" torna a
proporre splendide miscele sonore costituite in parte preponderante da
registrazioni ambientali, superbamente
rialaborate in vario modo e sapientemente miscelate tra loro in aggiunta
a suoni di natura elettronica. La prima traccia, a mio parere la migliore, è stata
registrata in studio nel 2005, mentre la seconda risale ad una installazione
sonora interattiva registrata del vivo nel 2003. Gli elementi utilizzati, per
lo più drones bassi e profondi, gorgoglìi d'acqua, vento, crepitìi, sfregamenti
di masse pietrose e rumori di altri oggetti vari, sono sostanzialmente
condivisi dalle due tracce, tanto da apparire come due diverse
"interpretazioni" di un medesimo "soggetto sonoro", due
variate soluzioni di trattamento e montaggio audio del medesimo (o quasi)
materiale di origine. In realtà le differenze tra le due tracce
("Sand" e "Stream") sono maggiori di quanto possa apparire
ad un ascolto superficiale, ma certa è l'estrema omogeneità in termini di
sonorità per quanto riguarda il materiale proposto su questo CD-R, che per
impronta e struttura appare all'ascolto come un possibile punto d'incontro tra
Eric La Casa, Nick Parkin, e ancora, per l'andamento fortemente
"cinematografico" che lo caratterizza, il "nostro" Raffaele
Serra di matrice più sperimentale. La buona qualità generale del suono,
dell'equalizzazione e della dinamica aggiungono ulteriore valore e piacevolezza
all'ascolto di questo CD-R, che mi sento senza dubbio di consigliarvi per i
vostri futuri acquisti...
(Giuseppe Verticchio)
Alessandro Fogar is an
electronic musician and multimedia/software designer based in Grado (Go),
Italy. He operates in the field of electronic music and multimedia art, with a
marked interest in natural sounds, spatialization and interactive systems. He
has explored various approaches to sound generation, recording and production,
the resulting compositions are often studies in transforming, mutating existing
sounds. "Surface Studies" are a series of works focused on the study
of surfaces. The microphone is used as a microscope, in order to catch the most
intimate resonance, the most secret rustles, the essence of nature. Field
recordings are metabolized, tranformed, distorted, decomposed. In
"Sand" rich textures are extracted from sea sounds recorded on a
small island located in the Grado lagoon. In "Streams" sounds of water
and pebbles, recorded beneath the river Torre, are tranformed, distorted and
mixed in real time with the sounds of the river Torre which are decomposed and
pitch shifted using a sort of granular treatment. The sound objects thus
generated are used to fill a sort of sound canvas so that the inner
architecture of sounds, with its intimate time structures, becomes the
controlling metaphor of the works.
(Afe Records)
Formentini Luca: Subterraneans (CD 2003 - Auditorium)
[ luca@unguitar.com ] [ http://www.unguitar.com ]
Quasi settantatrè minuti di musica,
suddivisa in sedici tracce, in un CD per la Auditorium realizzato in
coproduzione tra lo stesso artista Luca Formentini e Claudio Chianura. Sedici
brani, basati principalmente su suoni di chitarre acustiche, elettriche e
fretless, spesso pesantemente processate, ascoltando i quali si percepisce
chiaramente l'influenza che artisti come Brian Eno o Harold Budd hanno avuto
nella formazione artistica di Luca Formentini. Ascoltando le numerose e
diversificate atmosfere che l'artista
riesce a ricreare in questo suo lavoro, le molteplici sfaccettature di una
musica che, pur nascendo dal suono di uno stesso strumento, appare estremamente
variegata e fantasiosa, osservando come, attraverso diversi approcci, trattamenti
e tecniche esecutive, l'autore riesce a "plasmare" il suono
rendendolo ora più oscuro, ora lievemente melodico, ora più ipnotico, ora più
sperimentale, ora più aggressivo e drammatico, ora più frammentario e
"spezzettato", ora più statico e dilatato, ascoltando alcune brevi
sequenze, o anche semplici frammenti sonori, vengono a tratti in mente nomi di
altri artisti come Michael Brook,
Daniel Lanois, Robert Fripp, Jeff Pearce... I brani sono ora più scarni ed essenziali,
ora più articolati ed elaborati;
generalmente di breve durata, intorno ai quattro minuti circa. Spesso
appaiono in forma di brevi "bozzetti" sonori, a volta più astratti, a
volte dalla struttura più precisa e dai contorni più definiti; talvolta brani
già di per sè molto brevi sembrano essere addirittura costituiti di due, tre
parti, anche piuttosto diverse tra loro... Talvolta i tempi si fanno meno precipitosi, e le durate e le
evoluzioni sonore sono più lente e progressive, come nello splendido brano
"118", nel sempre affascinante "Su Me", o nel conclusivo
"Gio's Lake". La gamma di suoni e situazioni che Formentini riesce a
proporre è davvero ampia, ma il tutto nasce fondamentalmente dalle corde di una
chitarra, rielaborata in vario modo, e arricchita qua e là da suoni di drum
machine, registrazioni ambientali, e altri campionamenti... Se desiderate scoprire le molteplici
possibilità espressive di questo strumento, interpretate dalla particolare
sensibilità di un artista che mostra di non essere certo a corto di idee,
"Subterraneans" è il CD che fa per voi...
(Giuseppe Verticchio)
Formentini Luca: Tacet (CD 2007 - Extreme)
[ luca@unguitar.com ] [ http://www.unguitar.com ]
Quando alcuni anni fa scelsi un nome
per il sito "Oltre il Suono - Musica di Confine", avevo in mente un
ideale di musica che fosse davvero "coraggiosa", realmente
"avanti", al di fuori di ogni stereotipo ma al tempo stesso intrisa
di una forte emozionalità e non "svenduta" alla sperimentazione
"spicciola" e a grana grossa così diffusa in questo periodo. Con
"Tacet", di recente uscita per la prestigiosa etichetta australiana
Extreme, Luca Formentini ha realizzato un CD di musica così straordinaria,
ricercata, al di fuori dagli schemi ma al tempo stesso estremamente
"calda" ed emozionante, che probabilmente, se in questo momento
dovessi scegliere il CD più adatto a rappresentare il progetto "Oltre il
Suono" e quell'ideale di musica che avevo in mente allora come adesso,
senza grandi esitazioni credo che sceglierei proprio il presente
"Tacet" di Luca Formentini. Nato con la collaborazione di artisti
come Markus Stokhausen, Steve Jensen, Steve Lawson, Deborah Walker e Frank
Moreno, "Tacet" raccoglie elementi, influenze e strumenti derivanti
da diverse esperienze e da diversi generi musicali, riunendoli in una forma
sonora e compositiva al di fuori di ogni possibile definizione stilistica che
però non lascia nulla al caso e all'improvvisazione, integrando con creatività
e grande capacità i vari "ingredienti", "fissando" su CD una proposta musicale assolutamente
originale e di grande spessore. Musica "vera" proposta da un artista
"vero"; tredici brani in cui alla chitarra di Luca Formentini, spesso
splendidamente effettata/trattata, vanno ad accostarsi di volta in volta suoni
di violoncello, parti di batteria elettronica, basso elettrico, tromba, voce,
armonica... Atmosfere per lo più "morbide", spesso rarefatte e
ambientali, ma non per questo troppo minimali, "semplici" o peggio
ancora insignificanti. Straordinarie emozioni dall'inizio alla fine, sonorità
inedite, soluzioni intelligenti, argute, spesso imprevedibili... Un'opera che
soltanto chi ha le orecchie violentate e assuefatte da tanta musica
finto-sperimentale/vera-spazzatura circolante in questi ultimi anni potrebbe
non comprendere e non apprezzare. Tra i brani assolutamente imperdibili citerei
l'insuperabile "Deep Test", un vero pozzo di idee, il più ritmico
"Frame", il trainante e "drammatico" "The Fragile
Second", il quasi "psichedelico" "Skin for the Angel";
ma ancora non dimenticherei il malinconico e "notturno" "Jealous",
l'evocativo "Layer (Resonance)", il variegato "Sensing the
Mirror", il suggestivo "Misha"... A questo punto mi rendo conto
di aver già citato quasi tutti i titoli dei brani del CD, quindi interrompo
opportunamente l'elenco, e cercando di trovare di getto un unico aggettivo che
possa esprimere in sintesi estrema il mio giudizio definitivo su questo CD mi
viene in mente una solo termine: "Superiore".
(Giuseppe Verticchio)
Grilli Gianfranco: Il Tempio di Karnak (CD 1998 - Amplexus)
[ gianfranco.grilli@libero.it ]
Interessante CD che descrive le
suggestioni evocate dalla maestosità di
questo antico tempio egizio dedicato al dio Ammone, e lo fa
avventurandosi in territori sonori dall'impronta spiccatamente ambient, senza
disdegnare però l'utilizzo di parti più armoniche e musicali, a tratti anche
melodiche. Con il solo uso di sintetizzatori, e utilizzando questo tipo di
approccio, Gianfranco ha realizzato i due affascinanti e lunghi brani che
costituiscono questo CD senza cadere in banalità e senza comunque mai cedere a
tentazioni esageratamente "New Age". Volendo indicare la
"misura" delle parti più
armoniche rispetto alle porzioni più statiche e tipicamente ambient, e volendo
citare un riferimento di tipo stilistico che può anche aiutare a descrivere la musica contenuta ne "Il
Tempio di Karnak" e nel successivo "Le Colline dei Druidi", non
posso fare a meno di nominare il grande e recentemente scomparso artista
tedesco Rudiger Lorenz, e alcuni suoi lavori come "Pazifica",
"Atoll", e in particolare "Coral Sea". La musica di
Gianfranco suona certamente meno aspra e meno elettronica rispetto a quella di
Lorenz, e non ne condivide alcune componenti ritmiche fortemente presenti nei
lavori di quest'ultimo, ma è ugualmente in qualche modo comparabile ad essa,
per alcune strutture, per alcuni suoni usati, per i passaggi, per le misurate e
occasionali aperture melodiche, per
alcune soluzioni adottate... Questa,
sia beninteso, non vuole essere assolutamente una critica, piuttosto un sincero
complimento, giacchè Gianfranco ha composto "Il Tempio di Karnak"
senza aver mai conosciuto e ascoltato i lavori di questo fantastico artista
tedesco ormai scomparso. Un CD sconsigliato soltanto a chi è assolutamente
intransigente in fatto di "musicalità", e che non riesce a concepire lavori di musica ambient che
contengano al loro interno anche alcuni elementi più prettamente
"armonici" e descrittivi. Un CD invece ovviamente consigliato a tutti
gli altri...
(Giuseppe Verticchio)
Citing a fascination with
archeological sites and ancient ruins, Grilli outlines the inspiration for this
disc. The ancient temple of Karnak is truly one of the most amazing
discoveries. This disc is like a trek through that landscape, a tour through
the houses of it's ghosts, an audience before it's long-dead half-gods. Ambient
caverns extend beyond either sides vision, growing. Distant water reacts
quietly, a lake of unknown size. But the vision that's most prevalent is the
old, dusty walls, the statues, the dark, toppled place where people lived their
lives out and then turned into dirt for the rest of time. These specters are
the lifeblood of 'Il Tempio Di Karnak', the voices that inform the journey that
is this excellent disc of dark tribal ambient. Limited edition of 500, each
numbered, in slim-artpaper jacket.
(Manifold)
Grilli Gianfranco: Le Colline dei Druidi (CD-R 2001
- 21CM)
[ gianfranco.grilli@libero.it ]
In questo CD-R, prodotto con la
collaborazione dell' associazione culturale 21st Century Music, Gianfranco
Grilli torna su sonorità e soluzioni abbastanza simili a quelle del suo
precedente "Il Tempio di
Karnak", quindi in un contesto ambient-elettronico abbastanza
"suonato", descrittivo, dove però gli elementi melodici, e questa
volta soprattutto gli elementi ritmici e dinamici, tendono ad emergere
maggiormente. In ogni caso Gianfranco riesce nuovamente ad utilizzare questi
elementi in modo elegante, generando paesaggi sonori e ambientazioni suggestive
e coinvolgenti, conducendoci in modo quasi "visivo" tra le "colline
dei druidi" evocate dal titolo del CD-R.
Di nuovo trovo delle sorprendenti analogie tra la musica di Gianfranco e
quella di Rudiger Lorenz, e per alcuni istanti la mia mente si è trovata
proiettata all'improvviso lontano dalle "colline dei druidi", rievocando invece immagini da quegli atolli
polinesiani descritti più volte nei lavori dell'artista tedesco... Un lavoro davvero buono, che in questi
giorni ha girato molte volte nel mio lettore CD, e non soltanto per trarne
elementi utili a preparare queste poche righe di recensione, ma per il puro e
semplice piacere dell'ascolto… Forse ogni tanto, dopo tanta ambient statica,
suoni di field recordings ed esperimenti acustici ed elettronici di vario
genere, un "viaggio" sonoro attraverso paesaggi sonori più prettamente
"musicali", specie se così efficacemente disegnati, può aiutarci a
ritrovare un certo tipo di sensazioni ed emozioni che da molto tempo avevamo
smesso di cercare e quindi anche di provare... Un elogio particolare per la
magnifica copertina, costituita da un grosso foglio di cartoncino elegantemente
stampato su due lati e ripiegato più volte su sè stesso, contenente al suo
interno il CD-R, sulla cui superficie argentata serigrafata è raffigurata
l'mmagine di una mappa geografica....
(Giuseppe Verticchio)
Grilli
Gianfranco: Come to the Light of Day! (CD-R 2006 - Tantric
Harmonies)
[
gianfranco.grilli@libero.it ]
Con
"Come to the Light of Day!", album costituito da cinque
"invocazioni" e ispirato al libro dei morti degli antichi egizi,
Gianfranco Grilli riprende in qualche modo il discorso tematico sull'Egitto,
già affrontato nel suo primo CD "Il Tempio di Karnak", uscito nel
1998 per la "storica" etichetta italiana Amplexus. Anche dal punto di
vista prettamente musicale poco è cambiato, e l'artista torna a proporre
eleganti sonorità d'impronta ambientale e d'atmosfera intrise da un forte senso
di musicalità e da componenti più "tradizionalmente" (ma pur sempre
misuratamente) melodiche, talora arricchite da interventi ritmico-percussivi
piuttosto "discreti" che non diventano mai eccessivamente
"presenti" né tanto meno invadenti. Chi ha apprezzato il già citato
CD d'esordio di Grilli e il successivo "Le Colline dei Druidi",
sicuramente non potrà non apprezzare anche il presente lavoro, che risulta
sostanzialmente simile per "approccio" e stile (pur con le ovvie
"varianti" del caso) e ugualmente valido e convincente dal punto di
vista prettamente qualitativo e artistico. Gianfranco Grilli mostra infatti
ancora una volta grande capacità tecnica e una grande sensibilità nell'assemblare
i suoni e costruire composizioni piuttosto complesse e articolate, seppure,
unico "limite" che mi pare di cogliere, costruite ancora con
sostanziale prevalenza di suoni di sintetizzatori elettronici. Particolarmente
affascinante e riuscita soprattutto la prima metà del CD-R, mentre ad essere
sincero ho trovato meno efficace il quarto brano "A Prayer to
Osiris", traccia penalizzata forse da un uso troppo "disinvolto"
di suoni di datati pads sintetici "ad onde" e dall'impiego di alcuni
suoni elettronici troppo "ad effetto" d'impronta
spaziale/fantascientifica, peraltro apparentemente non troppo coerenti con le
atmosfere generali del CD-R. Al di là di questi piccoli dettagli si tratta
comunque di un lavoro che sarà sicuramente apprezzato da chi ama musica
d'atmosfera curata, elegante, articolata e ben composta, realizzata quasi
esclusivamente con suoni di synth, e che, pur senza apparire mai troppo
"leggera", banale o addirittura melensa, sia comunque chiaramente
caratterizzata da una prevalente impronta melodico-musicale. Il lavoro non
potrà invece soddisfare chi predilige musica più sostanzialmente orientata alla
sperimentazione e ad una più marcata, attenta, originale e sofisticata ricerca
sonora, che non sia quindi concepita e composta utilizzando in via quasi
esclusiva soltanto suoni "in scatola" di sintetizzatori elettronici e
macchine affini.
(Giuseppe Verticchio)
Hall
of Mirrors: Reflections on Black (CD 2007 - Silentes) (Amon & Nimh)
[
afeman@aferecords.com ] [
giuver@yahoo.com ] [ http://www.myspace.com/hallofmirrorsonline
]
Credo che
sia la prima volta che su Sodapop venga recensito un lavoro di Andrea Marutti
e/o di Giuseppe Verticchio, visto che non si tratta proprio di due sbarbatelli
alle prime armi, direi che se già non li conosceste con i loro nomi di
battesimo si tratta di gente anche nota come Nimh, Amon, Never Known. Per
quanto la collaborazione Amon/Nimh sia ancora fresca di stampa, esce a ruota
quest'altro progetto intitolato Hall Of Mirrors e che vede nuovamente all'opera
il "dinamico duo" anche se in "abito" diverso.
Differentemente da quanto ci si possa aspettare questo disco è molto diverso da
"Sator", non per nulla invece di usare i singoli moniker i due danno
un nome vero e proprio al progetto. Dove il primo era più duro e monumentale,
"Reflection On Black" è più dilatato ed a tratti persino melodico.
Credo che più che parlare di dark ambient dovremmo parlare di musica ambientale
con venature dark visto che anche se con le dovute differenze possa comunque
essere inserito in un contesto più tipicamente ambient (anche se fino ad un
certo punto). Un disco per nulla roccioso ma da superamento della
"twilight zone" anche i titoli sono stringati perché c'è poco da
interpretare: i suoni, i delay, gli echi in dissolvenza e le melodie sono fin
troppo esplicite. Ma proprio i titoli tutto sommato possono rappresentare un
buon appiglio per cercare di capire di che tipo di disco si tratti, infatti se
l'apertura, cupa fin quanto volete, è ancora melodica, con "Descent"
i rumori si fanno più distanti e monta un'atmosfera degna del migliore
Carpenter, però niente incubi, la melodia ritorna anche in questo caso, ma non
prima dello scorrere di alcuni minuti. Ribadisco non si tratta di un disco che
può essere ascoltato da tutti, nonostante si distanzi dall'essere estremo come
la precedente collaborazione (non per nulla forse esce su Silentes invece che
su Eibon), le melodie ci sono e quando vengono fatte entrare non passano
decisamente in secondo piano, ma sicuramente si tratta di melodie cupe.
L'apertura alla luce ritorna con le due tracce conclusive in cui Verticchio e
Marutti si lasciano andare alla loro naturale propensione per la musica
ambientale ma non senza qualche intervento particolare in
"Transmutation" (che per i miei gusti è anche la traccia meglio
riuscita del disco) e nella malinconica "Recovery". Direi che oltre a
trattarsi di un lavoro molto distante da Nimh/Amon, l'esordio di Hall Of
Mirrors sia molto più virato verso la forma di colonna sonora, tanto che potrei
quasi azzardare che si tratti di musica per documentari.
(Andrea Ferraris - Sodapop)
After
the mammoth Amon/Nimh CD on Eibon, Andrea Marutti and Giuseppe Verticchio are
back with a collaborative project, which will feature different guests with
every release (this time, they are Giulio Baggi/Nefelheim at synths and guitar
and Daniela Gherardi at synth and voice). Since it's impossible not to use
"Sator" as a reference, I'll start by saying that "Reflections
on Black" obviously shares most of its characteristics, but is also
looser, more varied and at times unpredictable. There's a feel of jamming that
in the above mentioned work was hidden by the monolithic construction of the
pieces. In "Entrance", the deep cavernous drones, dotted by electric
bursts, give way to a half-buried string plucking, introducing a more
melancholic passage, eventually overshadowed by a brooding distorted wall.
"Descent" begins with suffocating wind gusts, but a layering of
frequencies, upbeat rhythms and higher tones slowly changes the atmosphere from
oppressive to cosmic, leading to a second part occupied by a liquid drone.
"Transmutation" and "Recovery" stray even further from
plain dark ambient territories, the former featuring warm waves of synths and
guitar feedback, the latter with Verticchio lingering on depressive guitar
picking, accompanied by some weird crackling noises (treated vocals, maybe?).
(Eugenio Maggi - Chaindlk)
In Hall of
Mirrors confluiscono le forze di Andrea Marutti (Amon) e Giuseppe Verticchio
(Nimh), in questo caso affiancati da Giulio Biaggi (Nefelheim) e Daniela
Gherardi. "Reflections On Black" ha fascino discreto col suo piglio
marcatamente meditativo, e nell'iniziale "Entrance" il nero del
titolo dell'album suggerisce più pur lacerate visioni modellate dalla nostra psiche
in immote notti imperturbabili ed insonni che incombenti oscurità che ci
minacciano togliendoci oltre al sonno anche il respiro. Nella prima metà di
"Descent" invece, dietro una minimale traccia melodica in superficie,
si scatenano inesauste bufere e veleni metallici che lasciano emergere una più
ruvida matrice industriale destinata a diradarsi nell'impalpabilità, con una
sostanziale quiete che si espande altresì sui due episodi successivi,
"Transmutation", che segue il percorso inverso increspandosi nel
tragitto, e "Recovery", in cui piuttosto sorprendentemente la
chitarra si erge sul resto e si concede apertamente ad un'emotività palesata
come fragile.
(Paolo Bertoni - Blow Up)
Hall
of Mirrors: Forgotten Realm (CD 2009 - Silentes) (Amon & Nimh)
[
afeman@aferecords.com ] [
giuver@yahoo.com ] [
http://www.myspace.com/hallofmirrorsonline ]
Non c'è
pace né consolazione nella musica degli Hall Of Mirrors. Giuseppe Verticchio
(Nimh) e Andrea Marutti (Amon) hanno dato un seguito alla loro lungimirante collaborazione
pubblicando il successore di
“Reflections On Black" e pregiando ancora la scena elettronica
sperimentale italiana di un vero e proprio manifesto di arte contemporanea.
Questa volta al fianco dei due artisti troviamo Andrea Freschi (Subinterior,
Konau) e Andrea Ferraris (Ur, Sil Muir) che caratterizzano le stratificazioni
elettroniche disposte nella sala degli specchi. “Forgotten Realm” è suddiviso idealmente in cinque capitoli che
rappresentano altrettante escursioni nei meandri del nostro animo attraverso
una serie di immagini che fanno parte del passato e della quotidiana realtà.
“The Crossing” e “Among The Ruins” sono i due estratti che più si conciliano
col materiale del debutto mentre “Gates Of Namathur”, “Decadent Splendour” e
“The Fortress” si immolano come magnifici esempi di tecnica asservita al genio
sperimentale. Calarsi nell'universo degli Hall Of Mirrors sarà come immergersi
negli abissi che le tenebre hanno riservato a mente e corpo per raggiungere la
redenzione completa.
(Lorenzo Becciani “Divine” - Dagheisha)
“Forgotten
Realm” is the second album published by the duo Andrea Marutti (Never Known,
Amon, Sil Muir) and Giuseppe Verticchio (Nimh) under the project name “Hall of
Mirrors”. In this new release, they are seconded by guest musicians Andrea
Feschi and Andrea Ferraris who provided some field recordings and some guitar
parts. If their first offering was a shadowy heavily lugubrious atmospheric
ambient manifest (made of static, ferocious, muted dreamscapes), “Forgotten
Realm” is much more a primal-alchemical music procession that could be
nocturnal hyms to the genesis, to the ancient time. Consequently the dynamic
dronescapes and textural electronic waves are profundly expressive and
intuitively beatific. The serene and deeply absorbing ethno-electronic pieces
are stylistically closed to the most ascentional synthesised works by Alio Die,
Vidna Obmana, Harold Budd (...) but with much more emphasise on nocturnal
motives. Thus it is less luminous and most vertiginous with a constant
association to memnonic traces, fractured living memories and melancholic
visions. The opening track is an organic classic ambient piece with long
chordal dronespheres. “Gates of Namathur” is partly uses acoustic instruments
that seem to flow in a magic whorship. “Decadent splendour” is a moody-funereal
sanctified music ritual for echoing guitar chords and foggy harsh noises. This
is among my favourites, the perfect way to experience contemplative ecstasy
through music. “Among the ruins” is a detached soundscape that connects us to
some other worlds. The atmosphere is progressively charged with some kind of
high tension including buzzing noises and doom like feelings. During the last
minutes we go back to the heavenly origins with superb acoustic flute lines.
The album closes with an utterly dark and primordial synthscape, admitting
hermetic cyclical melodies into it and guitar epic dreaminess. “Forgotten
Realm” is a voluptuous-essential vertical trip in cristal like spheres and lost
paradises.
(Philippe Blache - Progarchives)
Hue:
Un'Estate Senza Pioggia
(CD 2006- TraZeroeUno/Grey Sparkle)
[
hue@greysparkle.com ] [
http://www.greysparkle.com/hue_index.htm ]
Si tratta
del'estate del 2003. Un'estate che personalmente ricorderò per sempre in modo
particolare e con grande piacere non tanto perchè, come fa intendere il titolo
del CD, fu una stagione estremamente arida e povera di pioggia, quanto perchè,
durante una vacanza in Abruzzo, vennero a trovarmi, ed ebbi occasione di
incontrare per la prima volta e conoscere di persona, Matteo Uggeri/Hue,
l'autore di questo CD, e Andrea Marutti, più noto come Amon per il suo storico
progetto di musica dark ambient. Soggiornammo piacevolmente insieme in Abruzzo
per alcuni giorni, come amici di vecchia data, e in questo periodo, in momenti
e circostanze diverse, Hue raccolse con il suo Mini Disc portatile alcune
registrazioni ambientali che successivamente sono confluite in questo lavoro,
riunite e organizzate insieme ad altre field recordings che l'autore raccolse,
durante la stessa estate, in altri luoghi e in compagnia di altri amici. Questa
dunque l'essenza di questo lavoro. Quasi una raccolta di "cartoline
sonore", dei ricordi in forma di suoni, voci, rumori ambientali, di cui si
è voluta mantenere traccia non solo nella memoria, ma anche in forma fisica,
organizzandoli e "fissandoli" per sempre su un supporto sonoro... Una
serie di tappe, una serie di luoghi, paesini, situazioni... Pensieri, ricordi,
riflessioni... Medelana, Laterina, Ariccia, Casaline... Nomi di località il cui
nome può dire poco, ma che in questo CD si concretizzano davanti ai nostri
occhi in forma di delicati e poetici acquarelli sonori che evocano immagini,
paesaggi, scenari di vita... Lo scrosciare dell'acqua vicino una cascata, il
rumore dei passi sul terreno, frammenti di suoni di radio e TV,
l'attraversamento di una strada trafficata, la quiete dei boschi, il frusciare
delle fronde degli alberi... E poi bisbiglii, dialoghi... la telefonata di un
amico al cellulare, voci di preghiera in una chiesa, un canto liturgico... Arpeggi di chitarra, note di pianoforte e di
organetto, il suono profondo e rauco di un didgeridoo... Rumori di sassi
lanciati in un pozzo, metalli percossi, canti di cicale, altri frammenti di
musica, un carillon che intona un po' frettolosamente la melodia di
"Yesterday"... E poi
finalmente il rombo dei tuoni e lo scroscio di quella pioggia che, tanto
attesa, torna a cadere e a donare ristoro e sollievo ad una terra secca e riarsa...
alle erbe, ai fiori, agli alberi, alle piante, e a tutte le forme di vita che
da essa ogni giorno attingono e dipendono... "Un' Estate Senza
Pioggia" è un CD che, seppure basato fondamentalmente su field-recordings,
differisce enormemente da tanta (anche troppa direi...) produzione musicale di
genere analogo, riuscendo a sintetizzare registrazioni ambientali e contenuti
d'impronta più prettamente musicale-melodico in una formula articolata ma
straordinariamente fluida, estremamente gradevole, emozionante, poetica... Da
segnalare il contributo particolarmente significativo di Davide Valecchi/Aal,
che con i suoi interventi di chitarra, presenti in varie parti del CD, ha
firmato i momenti di liricità più suggestivi dell'intero lavoro.
(Giuseppe Verticchio)
"...
The title translates as 'A Rainless Summer' and is a quite nice work of some of
the more daring areas of ambient music. Traditional instruments of ambient
music, such as guitars, organs and didgeridoo, play the more recognizable and
accessible part of this work, but there is also lots of space for elements from
the world of glitch and the processings of field recordings - still the
starting point of this work. Sometimes warm (pun intended) and joyous, some
with the chirping of insects and dogs and a desolate guitar, empty and
spacious. Not an album of major surprises, but a fine release on the brink of
seasons changing."
(Frans De Waard - Vital Weekly)
During
the summer of 2003 I went on holiday completely alone for the first time. I spent my time travelling by car around the
central regions of Italy, from Emilia Romagna to Tuscany, than to Lazio and
finally to Abruzzo, visiting very small villages. I brought with me a
microphone and a minidisc, and, alone or with the people I met (family and
friends), I recorded every kind of sound. That's what is usually called 'field
recordings', with voices, occasional chants, "street sounds" and
more. One year later, I went again to Laterina, one of the places I had been to
in 2003, and there, with my friend musician Davide Valecchi (Aal), we played
guitar and other instruments, and recorded melodies that I then mixed with the
field recordings from the year before. The summer of 2003 was the hottest
summer of the last century in Italy and most of Europe, and the disc somehow
reflects all of this, and that's why it's titled "A Rainless Summer."
During that trip I met other musicians, such as Giuseppe Verticchio (aka Nimh),
Andrea Marutti (Never Known/Amon), who participated to the recordings. I'm very
grateful to all of them.
(Hue)
K11/Petit
Philippe: The Haunting Triptych (CD 2010 – Boring Machines)
[
http://www.pt-r.com ]
Straordinaria
collaborazione tra Pietro Riparbelli/K11 e Philippe Petit, uniti nella
realizzazione di un CD che definirei “impressionante”, tanta è l’energia,
l’immediatezza e l’impatto emotivo in grado di descrivere. Dal punto di vista
stilistico, almeno per dare un’idea, si potrebbe in modo molto riduttivo
ascrivere al genere dark-ambient drone oriented, ma non aspettatevi i “soliti”
tre quarti d’ora (o più, come spesso accade) di cupe, anonime, stracollaudate e poco fantasiose basse
frequenze. Qui i drones sono solo un mezzo, non un fine… Alle potenti “scariche elettriche”, onde
radio e nitide field recordings fornite da Pietro Riparbelli, si sommano altre
registrazioni ambientali, elaborazioni di suoni di sorgenti acustiche e
tessiture elettroniche apportate da Philippe Petit; un magma sonoro ricco,
elaborato, “gorgogliante”, di potenza dinamica e impatto devastante, che vede
non solo nella ineguagliabile scelta dei suoni, nella loro varietà, e nel loro
accurato e fantasioso missaggio il maggior pregio, ma anche nella indiscutibile
capacità di dare “forma” alle composizioni, attraverso un continuo e trainante
susseguirsi di eventi, cambi d’atmosfera, “esplosioni” sonore, evoluzioni, che
lasciano letteralmente con il fiato sospeso dall’inizio alla fine
dell’ascolto… Semplicemente uno dei
migliori CD che abbia avuto la fortuna di ascoltare negli ultimi anni.
(Giuseppe Verticchio)
“The
Haunting Triptych” is a collaboration between Pietro Riparbelli aka K11 and
Philippe Petit, a haunted soundtrack giving an impression that some ghosts are
lurking around… Dragging listeners inside a world full of malevolent creatures.
Not unlike some works of Lustmord or Nurse With Wound the sound is heavy and claustrophobic
and the downward spiral brings you to the final end where the last sound you
hear before losing your senses is the beast eating your flesh.
(Boring Machines)
K11: The Sacred Wood (CD 2010 – Old Europa Cafè)
[
http://www.pt-r.com ]
Estremamente
affascinante e ricco di arcane suggestioni, questo nuovo CD di Pietro
Riparbelli/K11 le cui registrazioni di base, poi evidentemente trattate,
lavorate e mixate in studio, sono state effettuate in un luogo almeno
altrettanto suggestivo e “magico”, il cosiddetto “parco dei mostri” di Bomarzo.
Ma al di là delle suggestioni evocate dalla fantastica ambientazione e quindi
dal “concept”, c’è da rilevare come K11 si confermi con quest’album uno dei più
attivi ed interessanti progetti nell’attuale panorama della musica sperimentale
e d’avanguardia. Quella migliore e più ambiziosa però, che non concede nulla al
caso, all’ approssimazione, alla spesso inutile e insignificante
improvvisazione spicciola … Non quella fin troppo diffusa “sperimentazione”
assolutamente sterile, autoreferenziale, autoindulgente, “stanca”, spesso
caotica e fine a sè stessa… Ma quella sperimentazione sonora più “genuina” ,
sincera e ricercata, che esplora con entusiasmo, lungimiranza e genialità nuovi
o poco battuti “sentieri”, piuttosto che uniformarsi alla massa dei
“ricercatori” e percorrere territori pseudo-sperimentali già così
abbondantemente calpestati da non lasciare più crescere un solo filo di erba,
un solo germoglio di novità… Ho avuto modo
di scoprire Pietro Riparbelli soltanto con il già recensito “The Haunting
Triptych” (in collaborazione con Philippe Petit), e tutto ciò che ho ascoltato
a seguire, il CD-R “Waiting for the Darkness” uscito per Afe, la MP3 release “4
Churches” per la Touch, l’anteprima di un nuovo album che sarà pubblicato da
Silentes nel 2011, nonché ovviamente il presente “The Sacred Wood”, ha sempre confermato le mie impressioni
iniziali, e cioè l’estremo valore di quanto Pietro Riparbelli è arrivato a
concepire e produrre in questi ultimi anni. Con ingredienti soltanto
apparentemente “semplici” e limitati,
quali registrazioni ambientali, segnali radio e voci, con “The Sacred Wood” K11
mette a punto un’ altra opera di grande impatto e di grande efficacia.
Coinvolgente, dinamica, trainante, “toccante”… Inutile cercare altri aggettivi
per descriverla ed elogiarla. Più semplicemente… procuratevi questo CD,
mettetelo nel lettore del vostro migliore impianto HI FI, e lasciatevi
trascinare…Più semplicemente… procuratevi questo CD, mettetelo nel lettore del
vostro migliore impianto HI FI, e lasciatevi trascinare…
(Giuseppe Verticchio)
K11
(aka Pietro Riparbelli) can be compared and in our opinion is the new Bad
Sector. Sound sources and intents are different but the end results are ending
in a very similar sound layer. The sound soursces for this album was recorded
at the enchanting park of Monsters of Bomarzo. The park of Monsters of Bomarzo
was devised by the architect Pirro Ligorio (he completed the Cathedral of Saint
Peter in Rome after the death of Michelangelo and built Villa d'Este in Tivoli)
on commission of Prince Pier Francesco Orsini, called Vicino, only to vent the
heart broken at the death of is wife Giulia Farnese. The park was born in 1552
as "Villa of Wonders" to be the only one of it's kind in the world.
Incredible but true, the Park of Monsters remained in complete oblivion till
1954 and only few people was aware about all the fantastic treasures contained
within the park for over 400 years! K11 was recording the soul of this park of
Monsters and Wonders and after re-working the sounds he delivers us a trip
between reality and dream. Psychedelic, ritual ambient music from an other
space, from an other era, from an other land...
(Old Europa Cafè)
Konau:
Speech from the Shadows (CD 2006 - Eibon)
(Subinterior & New Risen Throne)
[
subinterior@email.it ] [
stielh@stielh.com ] [
http://www.konau.tk ]
Primo
straordinario e "abissale" CD in stile dark-ambient del progetto
Konau, dietro il quale si celano Subinterior e New Risen Throne. Del primo
abbiamo avuto occasione di parlare anche recentemente, a proposito della
ristampa, ad opera di Silentes, di un CD-R contenente "Outfall" e
"Insomnie", i primi due lavori di Subinterior originariamente usciti
come autoproduzioni. New Risen Throne ha già all'attivo una nutrita
discografia, e dopo numerosi CD-R, alcuni dei quali prodotti da etichette come
Alarming Echo Beats, Deserted Factory e God is Myth, è approdato alla sua prima
realizzazione su CD con "Shadows Over Humanity", uno split insieme a
Cruel Harvest, uscito anch'esso per la statunitense God is Myth. Dall'incontro
tra Subinterior e New Risen Throne nasce il progetto Konau, che vede in questa
prima realizzazione, prodotta da Eibon, una perfetta sintesi dello stile e
delle influenze dei sue artisti, un incredibile album di ispirata e
raffinatissima dark-ambient, che non si limita ad esplorare nel profondo i
territori delle basse frequenze, ma che si conforma in strutture fortemente
articolate, finemente "scolpite" ed elaborate, grazie ad una accurata
ed originale scelta dei suoni, ad un sapiente missaggio delle parti, alla
presenza di efficaci elementi moderatamente melodici, ad un lavoro estremamente
meticoloso per quanto riguarda la composizione, lo "studio" delle
evoluzioni, i passaggi, le dinamiche, le pause, la scelta della sequenza dei
brani... Dark ambient allo stato dell'arte, emozionante e di grande impatto, ma
allo stesso momento estremamente misurata, fluida, perfettamente
equilibrata. Musica molto oscura ed
evocativa, inquietante, a tratti perfino tetra nelle atmosfere, ma mai
eccessivamente "pesante", ridondante o ossessiva... Volendo
esprimere, con molta difficoltà, delle preferenze tra i brani, segnalarei
senz'altro il molto "cinematografico" "Contemplation", l'ottima
title track "Speech from the Shadows", e ancora il fantastico brano
di chiusura, "Crawling Darkness", che attraverso una straordinaria
alternanza di atmosfere e suoni (drones oscuri, accordi ovattati di pads,
confusi substrati sonori di indecifrabili rumori ambientali, distanti cori
eterei, lugubri dialoghi di voci umane deformi, rumori metallici, profondi
boati di tuonanti colpi percussivi di timpano, lievi tocchi melodici...)
rappresenta nei suoi dieci minuti di durata la parte più incredibile, ma forse
anche la più "lugubre" e scioccante dell'intero CD.
(Giuseppe Verticchio)
Laneri Roberto/Ricciardi Claudio: Inside Notes (CD 2001 - World Music)
[ ricciardi@katamail.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/alberochecanta
]
Questo prezioso CD, proposto in
abbinamento al numero 50 della rivista bimestrale "World Music",
raccoglie nei suoi quasi 70 minuti di durata, nove registrazioni di vario
genere, incentrate fondamentalmente sul canto armonico di Roberto Laneri e sul
didjeridoo di Claudio Ricciardi,
avvenute tutte tra il 2000 e il 2001, fatta eccezione del lungo brano
"The Tail of the Tiger", risalente addirittura al lontano 1978. Nel primo brano, "From this
side...", registrato nel 2001, Claudio Ricciardi, con il suo didjeridoo,
fornisce suggestivi strati sonori a base di basse frequenze sui quali Roberto
Laneri interviene con affascinanti sequenze di clarinetto basso. Nei due pezzi che seguono, "Brain Message
2"e "Brain Rythm 1" entrambi registrati nel 2000, la voce di
Roberto Laneri è la protagonista assoluta: 10 minuti circa di canto armonico
ipnotico e vibrante, onde sonore
suggestive e continuamente cangianti, seppure in un ambito di apparente stasi e
immobilità... Quindi "Alba Uterina",
un altro brano di Laneri del 2000, nel quale compare la splendida voce di
Francesca Cassio: ancora cinque minuti di emozioni vocali davvero intense...
Cambio d'atmosfera e di sonorità con il brano che segue, "Colored Rain
(Blu Version)", registrato nel 2000 dal solo Claudio Ricciardi. Una
registrazione nitida e dettagliata nella quale l'autore si esibisce in uno splendido pezzo
interamente eseguito al didjeridoo, antichissimo strumento di origine
australiana di cui Ricciardi è profondo conoscitore nonchè anche abile
costruttore, sovrapponendone il suono a suggestive ambienze
"naturali" ricreate con il solo utilizzo di un rainstick. Nei
seguenti "Organum" e "Undifluus" torna di nuovo
protagonista il canto armonico di Laneri, insieme ad altri artisti che
costituiscono l'ensemble vocale "In Forma Di Cristalli". Due
splendide registrazioni datate entrambe 2001. Quasi come un "tributo"
all'altro storico e più noto ensemble vocale, "Prima Materia", che
vide come principale protagonista Laneri a fine anni '70, il successivo brano
"The Tail of the Tiger" propone una registrazione live effettuata a Roma
nel 1978 da tale formazione. Ricordiamo che anche Claudio Ricciardi faceva
parte dell'ensemble, e quindi anche la sua voce è presente, tra le altre, nei quindici minuti di durata di questo
eccezionale documento sonoro. A
conclusione del CD giunge "... To the Other Side", brano registrato
nel 2001, nel quale il suono del didjeridoo di Ricciardi va ad unirsi e a
miscelarsi con grande efficacia al canto armonico di Laneri, creando sequenze e
passaggi sonori di grande presa e di grande fascino.
(Giuseppe Verticchio)
Lasik
Surgery: Cyclo
(CD 2010 - Silentes)
[
http://www.silentes.net ]
Notevole
album d’esordio per il nuovo progetto Lasik Surgery, dietro il quale si celano
Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra, sicuramente già ben noto ai più (vedi anche
precedenti recensioni su Oltre il Suono) e Gianluca Favaron, eclettico
manipolatore di suoni e macchinari elettronici, già attivo da anni in altri
progetti musicali di vario genere (Ab'she, Under the Snow, Metal Music
Machine), e già artefice delle fasi di compilazione, missaggio e pre-mastering
del precedente CD dello stesso Mauthausen Orchestra “Digression”. Le sonorità di “Cyclo” sono orientate
fondamentalmente ad un’ambient music oscura dai movimenti lenti e progressivi,
che alterna con efficacia atmosfere tese e drammatiche a stasi più “quiete” e
introspettive, distaccandosi dalle sonorità più “energiche “, “pesanti” di
stampo industrial / power electronics che caratterizzano solitamente la
produzione del solo Mauthausen Orchestra. Quindi ampio spazio a drones, suoni
“fruscianti”, onde su basse frequenze, accurate ed elaborate stratificazioni di
suoni di varia origine, movimenti circolari, inserti di elementi elettronici
comunque mai troppo aggressivi o invadenti… Una miscela efficace e coinvolgente,
racchiusa in un CD di sei tracce, per una durata di circa quaranta minuti,
ulteriormente valorizzata, dal punto di vista “visivo”, dalla presenza nella
confezione di un DVD contenente la versione video, firmata Enrico Bressan, di
due tracce già presenti nel CD.
(Giuseppe Verticchio)
Tense
electronic plots, calm ambiental stasis, inserts of sharp and harsh metallic
sonorities, distorsions, filaments of subliminal melodies, masses of dark and
penetrating low frequency drones. The journey of Lasik Surgery starts with a
whirlwind of atmospheres and perpetually prismatic sonorities that have a big
impact on the listener. This project was born from the minds of Pierpaolo
Zoppo/Mauthausen Orchestra, the memorable noise-power electronic author who
firmly came back to the fore in the recent years, and Gianluca Favaron, a
skilled master controller and sound assembler with a long experience, already
active under other aliases (Ab'she, Under the Snow, Metal Music Machine). The
first exciting chapter of Lasik Surgery - a name that will surprise us again in
the future for sure - comes with a free DVD that includes two videclips created
by Enrico Bressan.
(Silentes)
Lasik Surgery: As One Enity (CD 2011 – Menstrual
Recordings)
[
http://www.menstrualrecordings.org ]
Dopo il CD
“Cyclo”, rilasciato da Silentes nel 2010, il progetto Lasik Surgery (alias
Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra e Gianluca Favaron) mette a segno un nuovo
“potente” album che conferma gli ottimi presupporti evidenziati dal già
notevole album d’esordio. Un’introduzione energica, dinamica e accattivante con
“As One Entity Part 1”, nel quale, da iniziali field recordings con voci umane
e rumori vari di sottofondo, viene ad emergere un suono elettronico pulsante in
loop dalla timbrica e dinamica simile a quella di un didjeridoo. Le trame
sonore vanno poi via vai ad arricchirsi di strati di altri suoni, altrettanto
energici e “potenti”, per poi lentamente scemare, in congiunzione col seguente
“Aktion”. Qui le atmosfere si fanno più statiche, dilatate, seppure ancora
costruite con field recordings e sovrapposti suoni e drones di matrice
spiccatamente elettronica. Più aspri, “massicci” e d’impronta power-industrial
i suoni del seguente “As One Entity Part 2”,
seppure convogliati in un un “tunnel sonoro” che nel suo percorso non
“apre” a furiosi “assalti rumorosi” come invece si potrebbe prevedere… In
“Silence” un inizio costruito con onde e altre parti di glaciali suoni
sintetici lascia successivamente il passo ad atmosfere più statiche e
“fruscianti”. Le dinamiche e le variazioni d’atmosfera sono lente e ben
calibrate, cosicchè ci si ritrova quasi inaspettattamente in una zona
“terminale” del brano nella quale spicca una lenta e profonda cadenza ritmica,
debolmente violata da aspri suoni elettronici in progressiva dissolvenza.
Freddi, pulsanti e sintetici anche gli elementi di “Sonnenwende”, di fatto un
breve brano/inserto che funge da ponte verso il più lungo ed elaborato “As One
Entity Part 3”. Qui, ad un inizio abbastanza “quieto” , segue un incisivo “crescendo”
in cui i suoni si fanno via via più aspri, distorti, “distruttivi”, confusi,
mentre sibili su frequenze acute e scariche elettriche interferiscono con le
aggrovigliate masse sonore in continuo movimento; un brano di grande effetto
che chiude efficacemente questo nuovo e consigliatissimo capitolo del progetto
“Lasik Surgery”.
(Giuseppe
Verticchio)
Les Jumeaux Discordants: Sang Pour Sang (CD 2010 – Athanor)
[
http://www.lesjumeauxdiscordants.it ]
Visionario,
allucinato, cupo, a tratti quasi “orrorifico”…
Suoni, melodie, parti vocali, ritmiche di devastante impatto, di marcata
drammaticità… Tutto appare molto
“trascinante”, enfatico, quasi “teatrale”, intenzionalmente “prepotente” nel
suo incedere, sorprendere, stupire istante dopo istante. Un suono “ricco”,
finemente elaborato, dettagliato, estremamente sofisticato, impreziosisce e
valorizza ulteriormente le idee, le composizioni, i passaggi, le
atmosfere. I testi, ora cantati ora
recitati in diverse lingue (italiano, francese, inglese, tedesco…), sono in
parte della stessa Aimaproject (voce del progetto “Les Jumeaux Discordants”,
l’altra metà è Roberto Dal Vecchio, artefice della parte più prettamente
compositiva, “sonora” e musicale…), in parte di Angelo Tonelli, in parte
estratti da scritti di autori di diversa origine ed epoca storica. Il risultato
di questo “mix” di elementi è un’ opera estremamente coinvolgente, qualcosa che
già dopo i primi secondi di ascolto ti “scrolla” letteralmente dalla poltrona e
si lascia seguire con il fiato sospeso fino alla fine, in grado di mantenere
costantemente teso quel sottile filo di tensione che impedisce di distogliere
l’attenzione dall’ascolto, di pensare ad altro, di concentrarsi su qualcosa che
non siano esclusivamente gli “eventi sonori” che, con efficacia, originalità e
spesso anche imprevedibilità, si susseguono attimo dopo attimo… Chiedo scusa
agli autori se, per personale “attitudine” d’ascolto, ho preferito lasciarmi
coinvolgere quasi esclusivamente dal mero impatto sonoro/emotivo che la musica
del CD è stata in grado di trasmettermi, piuttosto che “sforzarmi” di
comprendere più compiutamente il senso specifico e più “profondo” del concept
dell’album e dei testi (comunque riportati nel booklet) che ne sono parte
integrante e sicuramente sostanziale. Chi mi conosce da tempo sa che da sempre
preferisco ricercare le emozioni più nei “suoni” (e nei rumori…) che non nei
significati delle parole, e quindi, pur avendo sicuramente apprezzato il ruolo
che, dal punto di vista prettamente “musicale” ed evocativo, ha svolto
nell’album la splendida voce di Aimaproject, lascerò volentieri ad altri
recensori il compito di commentare più nel dettaglio quegli aspetti inerenti il
“concept” e i testi che in qualche modo ho preferito “trascurare”…
(Giuseppe
Verticchio)
“Sang
pour Sang” is a work based on the ancient concepts of Katàbasis and Anàbasis
and it’s divided in those two sections: the first is made by obscure and
sinister atmospheres; the second is more lyrical. About the theme, LJD faces up
to the Angelo Tonelli’s poetry: the founder of the Ritomodernist wave, a
cultural Italian wave fighting for the Tradition. Besides the cooperation of
this great personality of the contemporary philosophy there’s the cooperation
of the famous Swiss cellist Zeno Gabaglio and Daniela Bedeski from Camerata
Mediolanense.
(Les
Jumeaux Discordants Website)
Luminance Ratio: Like Little Garrisons Besieged (CD 2009 – Boring
Machines/Fratto9 Under the Sky)
[
ics_ferraris@libero.it ] [
http://www.myspace.com/luminanceratio ]
Volendo descrivere
con poche ed essenziali parole il presente CD, lo definirei “semplicemente” un
suggestivo e ispirato album di musica ambient abbastanza “tradizionale”… A
scanso di equivoci, ci tengo subito a precisare che l’uso del termine
“tradizionale” non è un espediente lessicale “diplomatico” e “strategico” per
sottintendere altri aggettivi, quali ad esempio “anonimo”, o “noioso”, che
invece vedrei più opportunamente attribuiti a tanta altra musica ugualmente
definita “ambient” che circola da anni sul nostro mercato discografico. Se
questa mia definizione potrà apparirvi un po’ “riduttiva” e quasi banale,
ugualmente scontato potrà sembrare il fatto che, volendo trovare un termine di
paragone per ”inquadrare” meglio lo “stile”
e il “mood” della musica contenuta nel CD, pur con i dovuti distinguo,
il riferimento che subito mi viene in mente è il nome di Brian Eno e di alcuni
suoi vecchi album del periodo di “On Land”,
o “Music for Films”. So che questo paragone potrà apparire quanto meno
“azzardato”, sia a chi (come me) continua a considerare Eno e la sue produzioni
di quel periodo storico qualcosa di assolutamente straordinario e irripetibile,
sia a chi invece, avendo sposato la “causa” della sperimentazione sonora
estrema ad ogni costo, potrebbe considerare addirittura “degradante” aver
utilizzato un paragone di questo genere per parlare della musica di Luminance
Ratio… Resta il fatto che ascoltando più volte le sei tracce di questo disco,
le crepuscolari tessiture sonore, i fragili e delicati inserti melodici spesso
a base di chitarra, a volte dalla calda e luminosa timbrica acustica, a volte
invece più “fluida”, “ammorbidita” e dilatata attraverso l’utilizzo di effetti,
perdendomi tra suoni sobriamente elettronici, evocative field recordings,
rumori concreti, gorgoglìi d’acqua, rumori di passi nell’erba, drones profondi,
tintinnìi, “respirando” atmosfere ora più cupe, ora più luminose, ma sempre dal
marcato sapore introspettivo, più volte mi è venuto da pensare che se oggi
Brian Eno trovasse la sua migliore ispirazione per tornare a lavorare ad nuovo
album che, idealmente e stilisticamente, si ricolleghi alle sue esperienze
sonore del periodo sopra citato, ciò che verrebbe fuori potrebbe probabilmente
somigliare molto a quanto è possibile ascoltare in questo “Like Little
Garrisons Besieged” di Luminance Ratio.
(Giuseppe
Verticchio)
Luminance
Ratio is a collaborative effort joining sound artists Eugenio Maggi (Cría
Cuervos, Slave Auction), Gianmaria Aprile (Ultraviolet Makes Me sick,
Fratto9under the sky records) and Andrea Ferraris (Airchamber 3, Ur, Ulna, John
Russel, Sil Muir). "Like
Little Garrisons Besieged" brings them far from their respective
discographies and finds them sailing in the apparently quiet waters of
free-folk, electroacoustics and minimal drones. The music, resulting from live
sessions and painstaking studio work, is meticulously thought to combine
electronics with analog/traditional instruments: laptop, acoustic and electric
guitars, cardiod and contact microphones, vibraphone, melodica, glockenspiel,
minidisc, rimshot and cymbals, analog synth, percussion, kaoss pad and pedal
effects. Featured on this release is Paul Bradley (Twenty Hertz, Monos, etc.)'s
personal reinterpretation of their collective work, assembling an expanded
"remix concrète" out of the single tracks.
(Fratto9
Under the Sky)
Maggiore Luciano/ Brasini Francesco: Chàsm' Achanès (CD 2011 - Boring Machines)
[
http://www.boringmachines.it ]
Un'unica
lunga traccia, registrata in presa diretta da Luciano Maggiore (nastri e apparecchiature
elettroniche) e Francesco "fuzz" Brasini (chitarre elettriche).
Atmosfere affascinanti, lente, progressive, dall'andamento ipnotico e rituale,
che anche attraverso la ripetizione ciclica di un suono dal timbro simiile a
quello di antiche trombe tibetane, sembra evocare immagini di sacri rituali,
scorci di antichi e indecifrabili cerimoniali… Sullo sfondo drones, rumori
concreti e scricchiolìi elettronici, feedbacks, trame ambientali, note di
chitarra ora tese e dilatate, ora più pulsanti, marcate ed incisive… Il substrato sonoro va via via crescendo,
arricchendosi di nuovi strati, di nuovi elementi, mentre altri suoni scompaiono
dissolvendosi progressivamente nelle profondità, lasciando infine spazio a cupe,
rimbombanti e più informi masse di drones, correnti elettriche distorte
attraversate da sibili e imprevedibili quanto misurati e ben amalgamati
disturbi elettronici… Quindi
l'inevitabile decadimento… le masse sonore si spengono, lascando posto, prima
che al silenzio, a residue onde di vibrazioni elettriche in risonanza… Una performance estremamente suggestiva,
trainante e di grande impatto. Un altro ottimo album reso disponibile da
un'etichetta, la Boring Machines, che negli ultimi tempi ha pubblicato diversi
altri titoli estremamente interessanti (Andrea Marutti/Fausto Balbo:
Detrimental Dialogue; K11/Philippe Petit: The Haunting Triptych; Mamuthones:
Sator…) già recensiti su "Oltre il Suono".
(Giuseppe
Verticchio)
Maribor: Atrocity Exhibition (CD 2009 - Silentes) (Maurizio
Bianchi, Mauthausen Orchestra, Nimh, Andrea Marutti, Stefano Gentile)
[
info@silentes.it ]
"Atrocity Exhibition" is a new project formed by a handful of notorious artists coming from the arena of italian underground experimental music. Conceptually "Atrocity Exhibition" is like a demonic, blasting industrial-sceptical machinery of war which infiltrates the optical-geometrical-metrical territories of life. The music produces magmatic-turbulent electronic stratas, simultaneously trangressive and remarkably abstract. This active process of organised musical chaos is interrupted by unpredictable ecstatic moods. The artists gathered for the occasion work in interdependance. The recognizable original facets of their respective musical signature are intertwined in the process of creation. Giuseppe Verticchio's ethno-ritual music perspectives interact with PierPaolo Zoppo's "Dante-esque" hell-ish bruitist tapestries, Maurizio Bianchi's neurotic minimalism, Andrea Marutti's abyssal blackened ambientscapes and with Stefano Gentile's touching aerial guitar parts. The title track is a majestic-nightmarish soundscape that grows into dark industrial vapours, toxic menacing noises, transfigured by fluidistic emotional e-guitar arpeggios and ghostly resonances. The piece Terrifica Praedicatio is an other tempetuous-power electronic epic admitting heavenly-sacred ethno sounds which can be perceived in a foggy distant atmosphere. The album closes with an exalted-eerie guitar piece covered by charged noisy electronic clouds. To sum up things, Atrocity Exhibition reveals some powerful electronic densities and a raging intensity which seems to restore the self by a cathartical maneuver. The slow moving droning-abrasive electronic textures are constantly in flux, describing the dynamic and paradoxal nature of subjectivty, its potential of disruption and protest against fixed positions and earthly trivialities. This is music as a metaphor, the language of sounds as a mirror of humanity's ineffable experiences. A tremendous-trembling-fluxuous musical voyage.
(Philippe
Blache - Progarchives)
Maribor: De Immenso (CD 2011 - Silentes) (Maurizio Bianchi, Mauthausen
Orchestra, Nimh, Andrea Marutti, Stefano Gentile, Gianluca Favaron)
[
http://www.silentes.net ]
Aprendo il
pregevole packaging mi imbatto in una pagina strappata de "Gli Eroici
Furori" di Giordano Bruno e ritorno indietro nel tempo a termini come
l'averroismo, il neoplatonismo e il materialismo antico. La pluralità dei mondi
che spesso viene evocata nella cultura moderna era già presente nelle sue
teorie che lo portarono alla condanna al rogo per mano dell'inquisizione
ecclesiastica. Nel tomo in questione il filosofo individuava tre modalità di
passioni umane: quella per il sapere, quella per il vissuto concreto e quella
per il vissuto speculativo. Quest' ultima è certamente materia di interesse per
Stefano Gentile la cui anima «rapita sopra l'orizzonte de gli affetti naturali,
vinta da gli alti pensieri, come morta al corpo, aspira ad alto». Suo in
concept di "De Immenso" che vede la collaborazione attiva di
musicisti come Maurizio Bianchi, Andrea Marutti, Giuseppe Verticchio, Gianluca
Favaron e Pierpaolo Zoppo. Alcuni di loro li abbiamo imparati a conoscere su
queste pagine per la loro attitudine sperimentale e l'approccio "visivo"
delle loro opere. Esclusivamente guidato dal "furore eroico", Maribor
ci regala quattro tracce guidate da un "solo" pensiero, un approccio
unico e distaccato che travolge l'ascoltatore per ottanta minuti. Un crescendo
industrial ambient che conduce fino all'ipnosi pura di "1600".
(Lorenzo
Becciani "Divine" - Dagheisha)
Maribor
is a throbbing-post-nuclear noisy drone super project founded years ago by
Stefano Gentile with the contribution of highly acclaimed artists from the
Italian underground industrial movement (Maurizio Bianchi/M.B., Mauthausen
Orchestra/Pierpaolo Zoppo, Nimh/Giuseppe Verticchio, Andrea Marutti and
Gianluca Favaron). De Immenso is their second offering. This time, the
conceptual background seems to be openly related to the universal and philosophical
hermeticism of Giordano Bruno, to his dangerous work under the pressure of the
hegemonic religious dogma. This album offers to the listener a volcanic and
sonorous arcane of bleak crashing noises delicately punctuated by eerie drones
and proggy orientated embellishments. This musical procession opens with a
dense and buzzing meditative piece covered by hypno-ish circular guitar motives
and soft clouds of drones. The second track opens with peaceful repetitive
guitar chords, some kind of dreamy tones rapidly followed by an avalanche of
field recordings, intrusive black drones. The last minutes contains a dialogue
between suspenseful-goth-somnanbulic guitars and rolling crashing noises. Track
3 is a creeped out ambient piece in the pure classy vein of the genre. The last
tune is a deep-rumbling heart touching piece mainly built around the guitars
and effects. This album follows the path written by the previous Maribor effort
but admits much more variations / solid interferencies between the ambient /
noisy facets. A thundering-hauntingly bleak industrial musical adventure that
can seduce fans of early demonic drones from Lustmord, Atrax Morgue, Sigillum S
but also relaxing post-rockin airs from Jasper TX, Tim Hecker.
(Philippe
Blache - Progarchives)
Marutti Andrea: The Brutality of Misbreathing (CD-R 2007 - Opaco)
[
afeman@aferecords.com ] [
http://www.aferecords.com/am ]
Un lungo,
ininterrotto flusso sonoro di musica di matrice oscura e drone-based
particolarmente consigliata a chi, durante gli ascolti, non sia troppo
impaziente, istante dopo istante, di scoprire cosa accada "più in
là"... Tempi infatti estremamente dilatati per questo CD-R di Andrea
Marutti (già noto per i suoi progetti Amon e Never Known) realizzato a partire
dalla registrazione di una performance live successivamente rielaborata in
studio, anche con aggiunta di ulteriore materiale. Movimenti lenti,
progressivi, metamorfosi sonore che si compiono gradatamente e senza alcuna
fretta, con assoluta noncuranza dello scorrere del tempo... Pur diviso
idealmente in quattro tracce, le profonde e impattanti masse sonore si
perpetuano senza interruzione alcuna, soltanto occasionalmente placate da
momenti di lento decadimento e maggiore stasi, la cui principale funzione
sembrerebbe quella di lasciar prendere fiato per alcune manciate di minuti e
attenuare lievemente la tensione emotiva in attesa della successiva, lenta ma
inevitabile "invasione" a base di imponenti, gorgoglianti e
ribollenti agglomerati magmatici su frequenze basse e ultrabasse, violate
talora da emergenti, sferraglianti e riverberati suoni aspri e metallici. Un
affascinante, suggestivo viaggio sotterraneo, proposto su CD-R in una edizione
ben curata dalla giovane ma valida etichetta italiana Opaco Records.
(Giuseppe
Verticchio)
"The
Brutality of Misbreathing" is Andrea Marutti's first full-lenght release
published under his own name. He is better known for his Amon and Never Known
projects and as Afe Records label owner. His music has been published by Eibon
Records, Amplexus, Drone Records, Taâlem, etc. This album is a one hour journey
between dramatic dark atmospheres and drone-based ambiences in slow and
continous evolution. Echoes of reverbered metallic sounds and sharp circular
loops, electronic elements and saturated signals close to distortion emerge
each now and then from the disquieting sound mass. The music flows in a
persistent alternation of majestic crescendos and quiet discreet stases; a
sense of tension and discomfort permeates the whole disc, just like being stuck
in a long and appearently never-ending bad dream...
(Opaco)
Marutti Andrea: The Subliminal Relations Between
Planets
(CD 2008 - Nextera)
[
andrea.marutti@aferecords.com ] [
http://www.aferecords.com/andreamarutti ]
Un'altro
"classico" CD di musica dark ambient/drone oriented ad opera di
Andrea Marutti, che con il presente "The Subliminal Relations Between
Planets" sembra riprendere il percorso sonoro esattamente laddove lo aveva
interrotto con il precedente "The Brutality of Misbreathing". Molti
gli elementi in comune tra queste due releases... La scelta di firmarle a
proprio nome e non utilizzando uno dei numerosi moniker con i quali ha siglato
molti dei suoi precedenti lavori (Amon, Never Known, Afeman, Spiral, Lips Vago,
solo per citarne alcuni...), il fatto che entrambi i CD nascano da materiale
registrato dal vivo successivamente rieditato e "ottimizzato" in
studio, il fatto che in entrambi i casi
la musica fluisce ininterrottamente dall'inizio alla fine senza pause tra le
tracce. Ma a parte questo sono in realtà il "sound" generale, le
dinamiche, i tempi, le progressioni, l'approccio, l'intento, la forma e la
struttura compositiva che, pur con le ovvie variazioni del caso, risultano
convergere in modo assoluto, e appartenere chiaramente ad un unico progetto, ad
un immutabile "disegno sonoro", tracciato con la consueta abilità
dalle mani esperte di uno dei maggiori maestri nell'ambito della musica
dark-ambientale, italiana e non solo. Il nuovo "viaggio" di Andrea
Marutti, questa volta alla scoperta delle subliminali relazioni tra i pianeti,
continua ancora una volta nella più inviolata e inviolabile oscurità...
(Giuseppe
Verticchio)
"...
He too operates in the area that we could loosely identify as drone music, or
ambient, but unlike his German counterparts on the other CD this is of a much
darker nature altogether. It's hard to tell what it is that he does; be it
synthesizers, samplers, computer processing or just tons of sound effects, in
the end the effect is a seventy-minute opus of dark, utter dark electronic
music. The planets mentioned in the title may give away some of some of the
darkness, and perhaps its all too easy to say that its pitch black as the stars
by night, but on christmas eve, with stars bright and almost full moon, these
sort of references may count. Think Lustmord meeting Mirror, the darkest
fantasy of Klaus Schulze or such cosmic hero from yesteryear, and Andrea
Marutti is your man..."
(Frans
De Waard - Vital Weekly)
Marutti Andrea/Balbo Fausto: Detrimental Dialogue (CD 2010)
[ http://www.aferecords.com
]
Strane e
spesso stranianti atmosfere, dominate per lo più da suoni freddi e sintetici,
ma spesso arricchite da drones elettronici dalla timbrica più calda e profonda
e talora da altrettanto calde, pulsanti e suggestive sequenze di basso
elettrico, suono probabilmente anch'esso sintetico, ma la sostanza non
cambia… Talora i brani assumono una
forma più "tradizionalmente composta", e le stesse atmosfere evolvono
con lente, trainanti e coinvolgenti progressioni, e queste sono comunque le
parti che ho personalmente preferito. Talvolta i suoni più spiccatamente aspri
ed elettronici prendono prepotentemente il sopravvento, assumendo una forma più
"caotica" e pseudo-confusionale, e sfociando in derive
para-rumoristiche che, almeno ai primi ascolti, ho avuto più difficoltà ad
apprezzare. Il fatto è che questo album non è certo musica di facile ascolto.
Le sue sonorità assolutamente particolari e ricercate, l'assoluta impossibilità
di ricondurne lo stile a questo o quel "genere" musicale, e la
apprezzabile intransigenza e "onestà intellettuale" per così dire,
che ha condotto Marutti e Balbo a mettere a punto un album sicuramente non
"facile", ma che al tempo stesso non si "adagi" su
soluzioni ipercollaudate e di immediata presa, fanno sì che per forza di cose
anche l'ascoltatore più "navigato" e dalla mentalità più aperta
necessiti di più ascolti per poterlo apprezzare al meglio e nella sua
completezza. Non è facile insomma, nell'immediato, comprenderne le logiche e il
"disegno", e aggiungo ancora che per uno come me, che per gusto
personale non ama troppo le sonorità spiccatamente sintetiche, è stato forse
ancora più difficile superare questa sorta di "ostacolo". Alcune
parti però mi apparivano così assolutamente trascinanti e straordinarie fin dal
primo ascolto da invogliarmi a rimettere più volte il CD nel lettore, fino a
che, d'un tratto ho visto il cerchio chiudersi... il "puzzle"
completarsi con ogni singolo elemento, il "disegno sonoro"
complessivo finalmente mostrarsi chiaro e nitido ai miei occhi, prendere solida
forma nella mia mente. Difficile dire o provare a spiegare di più… Un CD da ascoltare, più volte, e da
"imparare ad apprezzare". E se ci riuscirete… scoprirete
probabilmente una nuova porta….
(Giuseppe
Verticchio)
This
collaborative effort puts together ambient, dark ambient, electronic hero and
Afe Records head-chief Andrea Marutti and Fausto Balbo that maybe some of you
remember for having played in a hardcore band called Jesus Went To Jerusalem
and later in the electronic-metal duo Der Tod. During the last years Balbo has
produced and played some electronic music made out of synths, samples,
incredible self made kalimbas and a full load of great taste, so no surprise he
musically tied the know with Marutti. Even if the length of the tracks may
suggest an heavy influence of the ambient musician, I think many of the sounds
crossing the scene will show how this collaboration is the result of a mutual
work. The first synth driven suite start as an ambient piece to leave room to some
unexpressive white noises and sounds and to resurface a simple fragmented
keyboard melody, as the rest of the music the track is hyper arranged and not
so immediate. The second episode offers the same kind of cocktail you will sip
for the whole length of the CD, but beside the ambient frameworks coming in and
going and together with these sharp and/or fragmented electronic noises the
used some bass lines, sometimes the impression is they put together some old
IDM, Pan Sonic and cold experimental electronics, also thanks to its structure
this track is my personal favorite. With the closing tracks the atmosphere of
the release becomes more rarefied and abstract, bringing in the "space is
the place" element to the music, so if you're into that "we're floating
in the universe" feel you love these closing chapters, above all the last
one where this dynamic duo hypnotizes and scares the shit out of the listener,
avoiding dark or gothic influences which it's a result itself. An electronic
post-ambient, post-kraut, cold but yet analog-sounding release... Can you
imagine that?! A listen may help above all if you consider this is definitely
interesting and not a conventional output.
(Andrea
Ferraris - Chain DLK)
Mauri Luca: Between Love and Hate (CD 2008 - Creative
Sources)
[
luc.mauri@gmail.com ] [
http://betweenlove-hate.blogspot.com ]
Un album
piacevole ed equilibrato, realizzato con l'uso esclusivo di chitarra, piatti
metallici ed effetti, che alterna e coniuga con efficacia atmosfere dilatate ed
eteree d'impronta più "quieta" e ambientale con sonorità che si fanno
ora più "aggressive" e distorte, ora più scure e drone-oriented, ora
più "pulsanti" e ipnotiche, ora basate su arpeggi e loops d'impronta
più discretamente "musicale". A tratti i suoni di piatti (ride,
snare, crash...) arricchiscono di suggestioni ritmiche le composizioni,
variando le soluzioni, e conferendo ancora maggiore personalità ad una proposta
sonora che, grazie anche alla spiccata abilità di Luca Mauri nel riuscire,
attraverso il solo uso della chitarra e pochi altri suoni, a creare paesaggi
sonori coinvolgenti e talvolta addirittura "accattivanti", riesce a
non apparire mai noiosa, banale o eccessivamente anonima. In tempi in cui
l'approccio sperimentale in un certo senso un po' "spicciolo" di
scegliere un'unica sorgente sonora e cercare di costruire attraverso essa
qualcosa di davvero "diverso" ed "originale", ha ormai da
tempo palesato i suoi limiti oggettivi, partorendo negli anni passati centinaia
di CD tanto poveri di idee quanto anonimi e confondibili l'uno con l'altro,
nonchè insignificanti nella sostanza, questo "Between Love and Hate"
di Luca Mauri, che pure si "concentra" quasi esclusivamente su suoni
di chitarra, si eleva in modo sostanziale dalla "massa", dimostrando
che, anche laddove i margini di potenziale innovazione e originalità si fanno
sempre più ristretti, una mente davvero "pensante", che abbia anche
una particolare sensibilità e significative capacità espressive e tecniche, può
ancora "dare" qualcosa di notevole laddove, in molti, hanno già
spesso (e piuttosto pigramente aggiungerei...) fallito.
(Giuseppe
Verticchio)
Mauthausen
Orchestra: Where Are We Going? (CD 2008 - BloodLust!)
[
mr_zoppo_private@libero.it ] [
http://www.myspace.com/mauthausenorchestra ]
Un grande
ritorno per M.O./Mauthausen Orchestra. Impossibile parlare di questo nuovo CD
senza premettere, per chi già non lo conoscesse, che il progetto nasce quasi
trenta anni fa dalla mente di Pierpaolo Zoppo, un vero pioniere della
sperimentazione elettronica più estrema, "a cavallo" tra noise,
power-electronics e industrial, il quale, in anticipo sui tempi e in età ancora
molto giovane, registrava e "fissava" su nastro magnetico inaudite
esperienze sonore, visionarie, violente e allucinogene... Non mi soffermo ulteriormente
sulle note biografiche, se non facendo cenno al fatto che nel corso di tutti
questi anni non sono mancati lunghi periodi di inattività artistica, che in
tempi recenti il progetto sembra essere tornato ad una significativa, vitale e
ispirata rinascita, e sottolineando che, nonostante le numerose produzioni, la
quasi totalità di esse è uscita esclusivamente su cassette a nastro o su vinile
da 7, 10 o 12 pollici, e quindi la pubblicazione su CD, da parte di BloodLust!,
del presente "Where Are We Going?", è da considerarsi un evento di
notevole importanza. Quello che emerge, dall'ascolto del CD, è che la nuova
musica sembra essere l'esatta proiezione, ai tempi attuali, delle originali
sperimentazioni sonore dell'Orchestra di Mauthausen, soltanto "attualizzate"
grazie alle migliorate tecnologie per la la registrazione, per la generazione
dei suoni e per la loro manipolazione e trattamento, e grazie anche ad una
visione artistica più
"matura" e consapevole che, pur conservando intatto lo spirito
originario, l'immediatezza, l'istintività e l'impatto delle vecchie
registrazioni, torna ora a generare nuove visioni elettroniche soltanto un po'
più "morbide" e meno "intransigenti", facendo sicuramente
in questo modo un grosso balzo in avanti, e restituendoci un album che unisce,
a tutti i pregi della musica del passato, delle migliorate qualità sonore e
tecniche (i decenni evidentemente non sono passati invano...) e una
attualissima e rinnovata sensibilità e vitalità artistica che il tempo non è
minimamente riuscito a scalfire. Assolutamente da non perdere.
(Giuseppe Verticchio)
M.O.,
aka Mauthausen Orchestra; the first full-length release in over ten years!
Pierpaolo Zoppo returns with seven new songs, recorded for BloodLust! in 2006,
as a follow-up to his "Smooth Hate" 7-inch, which immediately sold
out of its limited edition of 100 copies --- and the "Forbidden
Ground" private series 7-inch, which is also nearly gone. Perfectly cold,
austere, and dark analog synth material --- for fans of Zoppo's outstanding,
evolving contemporary work --- yet carrying enough weight behind it to please
all but the most close-minded and jaded fans of his early, violent, primitive,
and raw Mauthausen Orchestra recordings. This CD is packaged in a handsome
black and white and color four-panel Digipak. Approximately 46-minutes in
length; Released in 2008.
(BloodLust!)
Mauthausen Orchestra: Sonic Deprivation (CD 2009 - Silentes)
[
mr_zoppo_private@libero.it ] [
http://www.myspace.com/mauthausenorchestra ]
Parallellamente
alle altre recenti uscite di Mauthausen Orchestra, che includono materiale
sonoro di nuova produzione, la ristampa
ad opera di Silentes di materiale "storico" del progetto di Pierpaolo
Zoppo appare scelta quanto mai apprezzabile e di lodevole intento, giacchè larga
parte della più "pionieristica" musica di M.O. registrata tra la fine
degli anni '70 e l'inizio degli anni '80 è rimasta troppo a lungo
"relegata" a produzioni quasi "artigianali" su
audiocassetta di limitatissima tiratura e diffusione. La riedizione di parte
pur limitata di quel materiale, sottoposto ad un accurato intervento di
"pulizia", raccolto in un CD in versione completamente
rimasterizzata, e presentato in una elegante edizione in digipack, viene a
colmare almeno in parte questa lacuna, rendendo finalmente disponibile ad un
pubblico più ampio una significativa panoramica di quanto la mente di Pierpaolo
Zoppo/M.O. concepiva e registrava su nastro negli anni della sua più
"energica" e ambiziosa giovinezza. Musica di grande impatto, estrema,
intransigente, a tratti estremamente "pesante" e sicuramente
"rudimentale" nella concezione e nella forma; "musica" che
è molto difficile anche definire tale, giacchè interamente costruita attraverso
"rumori" ed elementi sonori ben lontani dall'idea tradizionale di
"musica", arte che nell'interpretazione più "convenzionale"
(nonché limitata e tutto sommato sostanzialmente ottusa) del termine si
immagina sempre associata ad elementi prettamente melodici (generati attraverso
l'uso di strumenti musicali propriamente detti…) o a combinazioni
ritmico-melodiche. Nulla di tutto questo. Pierpaolo Zoppo/M.O, fortunatamente,
già allora era andato molto "oltre", e il presente "Sonic
Deprivation" testimonia efficacemente le visioni futuristiche e anticonformiste
di un artista che il tempo non riesce ancora a scalfire…
(Giuseppe
Verticchio)
A
fantastic selection of archive materials from the "golden age" of
Mathausen Orchestra, the Italian power-electronic project born in the early 80s
from the mind of Pierpaolo Zoppo, recently back in full to his artistic
activity (see also the other CD Silentes SME0932, Nimh/Mauthausen Orchestra:
From Unhealthy Places). Coming as a wonderful digipack CD, these six tracks
collected from his very first cassette releases (Murderfuck, Mafarka, Anal
Perversion, Host Sodomy, From Homicide to Slaughter) are released in a
completely restored and remastered edition that finally does justice in full to
the incredible and futuristic visions of one of the most significant Italian
experimental artists of the last thirty years. Unthinkable and apocalyptic
sonic masses pushed to the extreme, an endless flux of strong emotions, a
violent and devastating impact... Absolutely not to be missed.
(Silentes)
Mauthausen Orchestra: Digression (CD 2010 - Silentes)
[ mr_zoppo_private@libero.it
]
Grande ritorno per Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra, che, ancora su Silentes, mette a segno questa volta un album di nuovo materiale inedito. In un'unica lunga traccia, efficacemente mixata da Gianluca Favaron, il “nostro” esplora non solo collaudati percorsi adiacenti (seppure sicuramente meno estremi…) quelle sonorità noise/power electronics che hanno caratterizzato le sue prime, storiche produzioni e ne hanno fatto un personaggio di culto, ma anche inediti e sorprendenti paesaggi più spiccatamente elettronici, ora addirittura pulsanti e quasi “ritmici”, come nei primi suggestivi minuti di inizio CD, ora più “spaziali” e “siderali”, ora dilatati e oscuri, ai confini di una dark-ambient di impronta statica e dalle sonorità estremamente “sintetiche”. In copertina una foto in bianco e ne