Dal 2001 la prima fonte di informazione su internet per
la musica ambient-elettronica-sperimentale-etnica-industriale italiana.
Since 2001 the first internet information resource for
italian ambient-electronic-experimental-ethnic-industrial music.
RECENSIONI IN ARCHIVIO:
REVIEWS
IN ARCHIVE:
Aethere: Pulvis et
umbra sumus... (CD-R 2004)
Aethere: Il giardino
epicureo (CD-R 2005)
Aethere: In coma (CD 2009)
Aglaia: Three
organic experiences (CD 2002)
Aglaia: Sacred
water (CD 2005)
Airchamber 3:
Peripheral (CD 2013)
Aldinucci Giulio: Tarsia (CD
2012)
Alio Die: Sit tibi
terra levis / Introspective (CD 1990/1991)
Alio Die:
Under an holy ritual (CD 1992)
Alio
Die/Ora: The door of possibilities (CD 1993/1994)
Alio Die: Password
for entheogenic experience (CD 1997)
Alio Die: Le stanze
della trascendenza (CD 1999)
Alio Die: Incantamento
(CD 2001)
Alio Die: Leaves
net (CD 2001)
Alio Die: Il tempo
magico di Saturnia Pavonia (CD 2003)
Alio Die/Zeit: Sunja
(CD-R 2003)
Alio Die: Khen
introduce silence (CD-R 2003)
Alio
Die/Saffron Wood: The sleep of seeds (CD-R 2003)
Alio Die: Sol Niger
(CD-R 2004)
Alio Die/Paladino Francesco: Angel’s fly souvenir (CD 2005)
Alio Die/Durand Werner: Aqua planing (CD 2006)
Alio Die/Festina Lente: Il sogno di un piano veneziano a Parigi (CD 2006)
Alio Die/Daini Luciano: End of an era (CD 2007)
Altieri Corrado/Favaron Gianluca: The system of objects (CD
2013)
Amon/Never
Known: Live at
Molto (CD-R 1997)
Amon: Mer (CD-R
2000)
Amon: Foundation
(2 CD 2005)
Amon/Nimh: Sator (CD 2007)
Amon: El khela al’akhdar (2 CD 2016)
Antikatechon: Privilegium martyrii (CD 2011)
Antikatechon: Chrisma crucifixorum (CD 2012)
Antikatechon: Woe is the reward (CD 2014)
Antikatechon: I feel nothing but
repulsion (CD 2016)
Apart: Across
the empty night (CD 2008)
Aqua Dorsa: Cloud lands (CD 2009)
Archetti Luigi: Transient places (CD 2004)
Archetti Luigi: Februar (CD
2005)
Archetti Luigi: Fragments on speed, slowless
and tedium (CD 2008)
Balbo Fausto: Login (CD 2012)
Balestrazzi Simon: The sky is full of kites (CD 2012)
Becuzzi Gianluca/Orsi
Fabio: The stones know everything
(CD 2007)
Becuzzi Gianluca: (B)Haunted (CD 2014)
Berardi Luigi: Un portatore
d’arpa in Cina (CD 2002)
Berardi Luigi: Le arpe
eolie di Luigi Berardi - Notte (CD 2002)
Bianchi Maurizio/Iversen Jan-M.: Rekviem MB-JMI (CD 2011)
Biasthon: Litam
(CD-R 2001) (G. Verticchio, M. Ramassotto, A. Scerna)
Boccardi Alberto: Alberto Boccardi (CD 2012)
Borga Ascanio: Altered states (CD 2015)
Borga Ascanio: Raw science (CD 2016)
Candor Chasma: Rings (CD 2012)
Coma Divine: # 10110
(CD-R 2003) (Subinterior & Nox)
Coniglio Enrico: Sea cathedrals (CD 2010)
Coniglio Enrico/Under the Snow: Dialogue one (CD 2011)
Crìa Cuervos: Cancroregina
(CD-R 2003)
Crìa Cuervos: Leitfossilien
(CD-R 2005)
Crìa Cuervos: Des
tempes qui se vitrifient ou se marbrent (CD-R 2005)
Cris X/KK Null: Proto planet (CD 2012)
Cris X/Higuchi Keiko: Melt (CD 2014)
Dal Bianco Giuseppe: Senza ritorno (CD 2006)
Dal Bianco Giuseppe: Perpetuo vagare (CD 2010)
Day Before Us/Nimh: Under mornful horizons (CD –
2012)
D-Darkradioinduztrie: Appunti
di dolore metropolitani (CD-R 2005)
Eidulon: Idolatriae (CD 2008)
Enten Hitti: La solitudine del sole (CD 2011)
Enten Hitti: Fino alla fine della notte (CD 2015)
Errante Emanuele: Migrations (CD 2006)
Etere-o: Pulviscolo
(CD-R 2000)
Favaron Gianluca: Equivalent XI (CD 2014)
Ferraris Andrea ICS/Russell
John: After dinner (CD 2014)
Ferroni
Andrea: Windproject (CD-R 2003)
Ferroni Andrea: Noises & Voices (CD-R 2004)
Ferroni Andrea/Riccio: Tribal
revolution (CD 2005)
Ferroni Andrea: Ritratto (CD-R 2007)
Fhievel: Nuvole
(CD-R 2001)
Fhievel: Fluctuazione
(CD-R 2002)
Fhievel: Vetri di
carta (CD-R 2003)
Fhievel: Le baptême
de la solitude (CD-R 2005)
Fhievel/Sigurtà Luca: The wheel (CD 2008)
Five
Thousand Spirits: A tapestry for sourcerers (CD
1995) (Alio Die, Raffaele Serra, Runes Order)
Five Thousand Spirits: Quantum consciousness (CD 2006) (Alio Die &
Raffaele Serra)
Five Thousand Spirits: Schwarzschild radius (CD 2006) (Alio Die &
Raffaele Serra)
Fogar Alessandro: Isole (CD-R 1988)
Fogar Alessandro: Songlines (CD-R 1998)
Fogar Alessandro: The stars circle (CD-R 1999)
Fogar Alessandro: Transmutations
(CD-R 2002)
Fogar Alessandro: Prakriti
(CD-R 2003)
Fogar Alessandro: Surface
studies #1-#2 (CD-R 2005)
Formentini Luca: Subterraneans
(CD 2003)
Formentini Luca: Tacet (CD 2007)
Gentile Stefano/Masin Gigi: Il silenzio dei tuoi passi (Book+CD 2016)
Grilli Gianfranco: Il
tempio di Karnak (CD 1998)
Grilli Gianfranco: Le
colline dei druidi (CD-R 2001)
Grilli Gianfranco: Come to the light of day! (CD-R 2006)
Hall of Mirrors: Reflections on black (CD 2007) (Amon & Nimh)
Hall of Mirrors: Forgotten realm (CD 2009) (Amon & Nimh)
Hall of Mirrors: Altered nights (2xCD 2012) (Andrea Marutti &
Nimh)
Hue: Un'estate senza pioggia (CD 2006)
K11/Petite Philippe: The haunting triptych (CD 2010)
K11: The sacred wood (CD 2010)
Konau: Speech from the shadows (CD 2006) (Subinterior &
New Risen Throne)
Laneri Roberto/Ricciardi Claudio: Inside notes (CD 2001)
Lasik Surgery: Cyclo (CD 2010)
Lasik Surgery: As one entity (CD 2011)
Les Jumeaux Discordants: Sang pour sang (CD 2010)
Luminance Ratio: Like little garrisons besieged (CD 2009)
Luminance Ratio: Reverie
(LP with free CD inside 2013)
Maggiore Luciano/Brasini Francesco: Chàsm’ Achanès (CD 2011)
Maggiore Luciano/Brasini Francesco: How to increase light in the ear (CD 2012)
Mare di Dirac: Tupilaq (CD 2014)
Maribor: Atrocity exhibition (CD 2009) (Maurizio Bianchi,
Mauthausen Orchestra, Nimh, Andrea Marutti, Stefano Gentile)
Maribor: De Immenso (CD 2011) (Maurizio Bianchi, Mauthausen
Orchestra, Nimh, Andrea Marutti, Stefano Gentile, Gianluca Favaron)
Marutti Andrea: The brutality of misbreathing (CD-R 2007)
Marutti Andrea: The subliminal relations between planets (CD 2008)
Marutti Andrea/Balbo Fausto: Detrimental dialogue (CD 2010)
Mauri Luca: Between love and hate (CD 2008)
Mauri Luca/Giannico Francesco/Uggeri
Matteo: Pagetos (CD 2012)
Mauthausen Orchestra: Where are
we going? (CD 2008)
Mauthausen Orchestra: Sonic
deprivation (CD 2009)
Mauthausen Orchestra: Digression (CD 2010)
M.B./Nimh:
Together’s symphony box (4 CD BOX - 2005)
M.B.: Elisionem
(CD 2006)
M.B./F.I.C.P.S.: Chaotische fraktale + Letzte technologie (2 CD 2007)
M.B./E.D.A.: Regolelettroniche
(CD 2007)
M.B.: Ludium (CD Silentes 2009)
M.B./M.O.: Spiritual noises (CD 2012)
Meta Led:
Meta Led (CD-R 2002)
Molnija Aura: Utopian suns (CD 2011)
Nefelheim:
Yggdrasill (CD-R
2001)
Nefelheim:
Shadows dwelling (CD-R 2002)
Nefelheim:
Earth purification (CD-R 2003)
Neuestrasse: Neuestrasse (CD-R 2006)
Neuestrasse: Introspective black forms (CD 2006)
Never
Known: Dawn of an era (CD-R 1999)
Never
Known: Once in a lifetime (CD-R 1999)
Never
Known: Live at the Cosmic Egg 10.06.2000 (CD-R 2000)
New Risen
Throne: Anointing rite (CD-R 2003)
New Risen
Throne: Flowing ashes (CD-R 2003)
New Risen
Throne: Along endless path of emtpiness (CD-R 2004)
New Risen
Throne/Locust Reign: Prophets from the abyss (CD-R
2004)
New Risen
Throne: Chants for the cold and dying sun (CD-R 2004)
New Risen Throne: Whispers of the approaching wastefulness (CD 2007)
New Risen Throne: Crossing the withered regions (CD 2009)
New Risen Throne: Loneliness of Hidden Structures (CD 2011)
Nimh: Lanna
memories (CD-R 2002)
Nimh: Frozen
(CD-R 2002)
Nimh: The
impossible days (CD 2004)
Nimh/Nefelheim:
Whispers from the ashes (CD 2004)
Nimh: Line
of fire (CD-R 2005)
Nimh: Subterranean
thoughts (CD 2005)
Nimh/M.B.:
Secluded truths (CD 2005)
Nimh/Baghiri:
Entities (CD-R 2006) (Baghiri Amir & Nimh)
Nimh: The missing tapes (CD
2007)
Nimh: The unkept secrets (CD
2008)
Nimh: Travel diary (CD 2009)
Nimh/Mauthausen Orchestra: From unhealthy places (CD 2009)
Nimh: Krungthep archives (CD 2011)
Nimh: This crying era (LP 2012)
Nimh/Antikatechon: Out hunting for teeth (CD 2013)
Nimh: Black silences (CD 2015)
Nimh: Circles of the vain prayers (CD 2016)
Normality
Edge: Inner photographs
(5 + 1 CD-R box set 2002)
Nosesoul: Angel
ghost & human shades (CD 2006) (Francesco Paladino & Opium)
Olhon: Sinkhole (CD 2006) (Where & Bad Sector)
One Sound Duo: The way becoming (CD 2014)
Opium: The
reborn of the rebel angel (CD 2001)
Opium: Floatdownstream
(CD-R 2005)
Opium/Corder Jason: The present day (CD-R 2006)
Opium: Algorithms (CD 2007)
Opium: Watercolors (CD-R 2007)
Opium/Sostrah Tinnitus: Stain (CD 2011)
Orchestra
Vuota: Naïve music for border-line people (CD-R 2002)
Orchestra
Vuota: Ethnological electronic research volume I° (CD-R
2003)
Ornament:
Adorers (CD-R 1999)
Ornament: Yzaniaveis
(CD-R 2002)
Ornament: Unicorn
lullaby (CD-R 2005)
Papi
Moreno/Tanni: In the beginning (CD 2001)
Papi
Moreno/Smith Monica: Sweet (CD 2004)
Pecorelli
Daniele: Theatrical works (CD-R 2002)
Punck: MU (CD-R
2002)
Punck: A
movie without images (CD-R 2004)
Punck: Nowhere
campfire tapes (CD 2005)
Regivar: Colonna
sonora per un film immaginario (CD-R
2002)
Regivar: Afairytaleelatyriafa
(2 CD-R 2003)
Revglow:
Liquid
Pearls (CD 2009)
Ricciardi Claudio: Blue
outlines (CD-R 2003)
Riparbelli Pietro/Franck Yannick: Whinny Muir (CD 2011)
Saffron Wood: Platonica filososfia della temperanza (CD 2006)
Scala Stefano: Nel mondo
non del mondo (CD 1997)
Scala Stefano: Bagliori dell’anima (CD 2001)
Scala Stefano: Unsui - Il
sentiero dei bambù (CD 2004)
Scala Stefano: Bon Voyage
- Lungo i sentieri dell’Africa (CD 2004)
Scala Stefano: Il tempo del sogno (CD 2006)
Scala Stefano: Impermanence (CD 2008)
Scala Stefano: Nel cuore dell’Amazzonia (CD 2009)
Selaxon Lutberg/Subinterior/Ándreij: Kether (CD-R 2006)
Selaxon Lutberg: Think (CD-R 2006)
Selaxon Lutberg: Cold house
of love (CD 2006)
Serra
Raffaele: Heaven & earth magic feature (CD 1992)
Serra
Raffaele: Our lady of the sphere (CD-R 1998)
Serra
Raffaele: Memories of an unborn baby (CD-R 1999)
Serra
Raffaele: Disappearing music (CD-R 2000)
Serra
Raffaele: Journey around a zero (CD-R 2000)
Serra Raffaele: Theta
experience (CD-R 2000)
Serra Raffaele: Holographic
soundscapes (CD-R 2000)
Serra Raffaele: Molecular
memory (CD-R 2000)
Serra Raffaele/Marutti Andrea/Atto: Frontiere (CD-R 2001)
Serra Raffaele: Hypnagogic
algorithms (CD-R 2001)
Serra Raffaele: Digital
avatar (CD-R 2002)
Serra Raffaele: Europe
endless (CD-R 2002)
Serra Raffaele: Le spectre
de la rose (CD-R 2004)
Serra Raffaele: The third
mind (CD-R 2004)
Sigurtà Luca: Complesso
momento negativo (CD-R 2000)
Sigurtà Luca: Sinusoidale
desiderio informatico (CD-R 2000)
Sigurtà Luca: Triplice
scansione temporale (CD-R 2000)
Sigurtà Luca: La sindrome
di Stoccolma (CD-R 2001)
Sigurtà Luca/Cecconello Manuele: Terre (CD Rom 2002)
Sigurtà Luca: La vera
macchina d’argento (CD-R 2004)
Sigurtà Luca: Bliss (CD 2012)
Sigurtà Luca/Lòpez Francisco: Erm (CD 2013)
Sil Muir: Sil Muir (CD 2009)
Sola Translatio: Ad
infinitum (CD 2001) (Alio Die & Opium)
Sola Translatio: Enigma (CD 2006) (Alio Die & Opium)
Sorrentino Sergio/Machinefabriek: Vignettes (CD
2013)
Subinterior: Obstacles
(CD-R 2005)
Subinterior:
Outfall/Insomnie (2 CD-R 2005)
Subinterior: The
chrysalis secret (CD-R 2006)
Subinterior/Selaxon Lutberg:
Spring meeting (CD-R 2006)
Talharion:
Footsteps on dead leaves (CD-R 2003) (Serra Raffaele)
Terrapin: Killing
HF Harlow (CD 2012)
The Last Hour: The last
hour (CD 2008)
Twist of Fate: Tales
from a parallel universe (CD 2014)
Twist of Fate: September winds (CD 2016)
Uggeri Matteo/Moita Nuno: Batalha (CD 2013)
Ulna: Ligment (CD 2012)
Uncodified: Document (CD 2012)
Under the Snow: Delta
(CD 2011)
Under the Snow: The other room (CD 2012)
Under the Snow: Popsongs (CD 2016)
Underwood: Flowing
(CD-R 2006)
Underwood: Hidden reality (CD-R 2008)
Ur: Triadic memories (CD-R
2006)
Ur: Trieb (CD 2008)
Urkuma: Tinnitus
(CD-R 2002)
Urkuma: Misophonia
(CD-R 2003)
Urkuma: A
cricket in the river (CD-R 2003)
Uncodified: Document
(CD 2012)
Vannucchi Ilario: Didgeridoo
sounds (CD-R 2003)
Vannucchi Ilario: Didjabout
(CD-R 2005)
Vari
Artisti/Various Artists: Beyond the sound (CD-R 2002)
Vari
Artisti/Various Artists: Beyond the darkness (CD-R 2005)
Veneziani Paolo: The puddle
EP (CD-R 1996)
Veneziani
Paolo: The first floor (CD-R 1997)
Veneziani Paolo/Malvezzi Marco: Comini session (CD-R 1998)
Veneziani Paolo: Alphabet
(CD 1998)
Veneziani Paolo: Lambda
suite (CD-R 2000)
Veneziani
Paolo: Loop, are you circular? (CD-R 2002)
Veneziani Paolo: Quadramusic
(CD-R 2002)
Veneziani Paolo: Sea (CD-R
2003)
Veneziani Paolo: 1995-2005
(2 CD-R 2005)
Verticchio
Giuseppe: Fragments from the lost time (CD-R 1998)
Verticchio Giuseppe: Tjukurpa
(CD-R 1999)
Verticchio Giuseppe: Resonant
ambiences (CD-R 2000)
Verticchio Giuseppe: Distant
skylines (CD-R 2001)
Vestigial: Translucent communion (CD 2008)
Vipcancro:
Tropico (CD
2010)
Vipcancro:
Gamma (CD 2013)
We
Promise to Betray: Nothing is as it seems (CD 2017)
Where: Wererat (CD 2006)
Zbeen: Stasis (CD 2012)
Zbeen: Eigen (CD 2013)
Zoloft Evra: Negative infliction pleasure
(CD 2015)
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Aethere: Pulvis et Umbra Sumus... (CD-R 2004 - Autoproduzione)
[ lokideformis@yahoo.it ] [ http://www.myspace.com/aethere ]
Opera prima del progetto Aethere di
Loki Deformis, "Pulvis et Umbra Sumus..." ci presenta cinque brani,
collocabili in un'area stilistica attigua al genere dark-ambent di stampo più
"lirico" che non "catacombale", che pur mostrando i limiti
di un lavoro di esordio, soprattutto per quanto riguarda alcune ingenuità
compositive, l'utilizzo di suoni dalla timbrica eccessivamente
"sintetica", e la presenza di parti ritmiche in cui le sequenze e i
suoni di metalli (hit-hat, cymbals) e percussioni (timpani ad esempio) appaiono
anche qui evidentemente innaturali e sintetici, mostra però i segni di una
sostanziale creatività, abilità nel pensare, comporre ed elaborare parti
piuttosto articolate, nonchè capacità nel concepire e concretizzare in forma
sonora atmosfere di grande presa e dal grande potenziale emotivo. Ampie sono
infatti le parti comunque apprezzabili di questo CD-R, a cominciare dal brano
introduttivo "Super Spin Funeral Theory", dove, escludendo i primi
minuti caratterizzati da poco gradevoli cori sintetici, compaiono affascinanti
interventi di chitarra effettata e suggestive parti di voce trattata
elettronicamente. Ancora momenti d'ascolto sicuramente validi nel seguente
"Polvere e Ombra", dalle sonorità gradevolmente elettroniche nella
parte iniziale, cui seguono ancora efficaci interventi di voci trattate,
piacevoli parti ritmiche (seppure affette a tratti da alcuni dei limiti sopra
esposti) e più quiete ed evocative atmosfere ambientali. Ancora
"quiete" in "Funerale alla Luna", brano caratterizzato da
un gorgoglìo d'acqua sintetico di fondo con melodie sovrapposte di pads
"morbidi" piuttosto consueti, che solo oltre il terzo minuto si
aprono in forma più melodica donando al brano attimi di maggiore suggestione.
Situazioni di staticità e atmosfere ambientali sostanzialmente piacevoli anche
nella title track, in qualche modo replicate nella traccia conclusiva
"Perfectum Est", seppure in questo caso delle voci sussuranti e dei
"tocchi" metallici riverberati arricchiscono in modo pregevole la
prima parte del brano, brano che poi evolve con un repentino cambio
d'atmosfera, anticipato dal suggestivo intervento di una voce
"satura", effettata e distorta, cui fa seguito una imprevedibile
parte di chitarra "danzante-spagnoleggiante", sicuramente di grande presa
ed effetto. Sostanzialmente un buon
CD-R di esordio, non esente da limiti e imperfezioni, che fa però sicuramente
ben sperare per il futuro musicale di questo artista...
(Giuseppe Verticchio)
Aethere: Il Giardino Epicureo (CD-R 2005 - Autoproduzione)
[ lokideformis@yahoo.it ] [ http://www.myspace.com/aethere ]
Uno spettacolare album di musica ai
confini del genere dark-ambient che seppure disponibile (almeno per il momento)
soltanto in edizione autoprodotta su CD-R, avrebbe potuto senz'altro fare bella
mostra di sè all'interno di un catalogo come quello della Cold Meat Industry,
senza dover temere troppo il confronto con tanti altri validi artisti dell'area
nord europea proposti dalla stessa label, con i quali peraltro la musica di
Aethere condivide molti elementi stilistici, sonori e compositivi. "Il Giardino Epicureo" infatti si
"allinea", se così vogliamo dire, a quel "filone" della
musica dark-ambient che vede in nomi come Sephiroth, Coph Nia o Desiderii
Marginis alcuni principali punti di riferimento, traendo probabilmente da essi
ispirazione, e sintetizzando in una forma espressiva, comunque molto personale
e ben definita, gran parte delle influenze da essi derivanti. Aethere propone una miscela sonora
continuamente permeata da un senso di forte drammaticità, d'impronta piuttosto
"musicale" e sottilmente melodica, senza apparire però mai troppo
"pomposa", ridondante o peggio ancora melensa e scontata. La
struttura compositiva dei brani è solitamente piuttosto articolata, e non si
inoltra mai in prolisse situazioni ultra-statiche scure e drone-based, pur
ovviamente disegnando suggestivi paesaggi di chiara matrice "dark",
atmosfere talvolta quasi tetre, grondanti di angoscia e disperazione... Le idee
sono molte e ben sviluppate, il
missaggio delle parti curato e dettagliato, i passaggi fluidi, la dinamica è
ampia, la qualità del suono sempre di ottimo livello. Con un solo grande "balzo" in avanti Aethere supera abilmente tutti i limiti e le
più o meno piccole "ingenuità" che era stato possibile riscontrare
nel suo "Pulvis et Umbra Sumus...", raccogliendo della sua esperienza
precedente soltanto gli aspetti che avevamo maggiormente apprezzato e che ci
avevano dato modo di intuire la
possibilità di future interessanti evoluzioni per quanto riguarda la musica di
questo artista... Sei brani davvero
tutti splendidi tra i quali è difficile esprimere preferenze. Forse la traccia
più spettacolare, e che da sola rappresenta in modo esemplare l'intero lavoro,
è la quarta, e cioè "We Are All Losers", un brano che, in una progressiva
e insuperabile alternanza di soluzioni diverse, propone istanti di maggiore
quiete e staticità ambientale-atmosferica, splendide ed eteree parti vocali,
emozionanti ma discrete aperture melodiche di pads, ora più "morbidi"
ora caratterizzati da una più "sofferta" e "ricca" timbrica
elettronica, angoscianti voci roche e sussurrate cantanti/recitanti, suoni di
pelli tese di frame drums e potenti parti ritmiche a base di percussioni
tuonanti, sequenze spettrali di accordi d'organo.... Ma anche il più
"quieto" brano introduttivo "Dream (of an epicurean
garden)" è di grande impatto e grande suggestione, con i suoi inserti di
parti corali, pads, suoni di metalli e sottili melodie-guida di synth. Ottimo anche il molto "toccante", lento e malinconico
"Phenomenology of the Misery"; fortemente evocativo e suggestivo
"Psyco-pathos", con le sue ritmiche un po' "spezzate", le
voci sussurrate, i tintinnìi metallici, e gli efficaci inserti di chitarra
trattata, strumento che in forma diversa, ma con eguale fascinoso apporto,
compare anche nella traccia conclusiva "Formatted God & Lost Forever", in questo caso
sovrapposta ad ambienze "ventose"che si spostano nel panorama stereo
con un movimentato effetto auto-pan, tra suoni di organo e ad altre melodiche
sequenze di sinth. Un CD-R assolutamente consigliato, che consacra Aethere tra
i più interessanti, validi, e promettenti artisti emergenti nell'area
dark-ambient (e dintorni...) italiana, e che ci auguriamo possa trovare presto
il supporto di una altrettanto valida etichetta interessata a produrre e
distribure ufficialmente su supporto CD questo meritevolissimo lavoro...
(Giuseppe Verticchio)
Aethere: In Coma (CD 2009 - Rage in Eden)
[ lokideformis@yahoo.it ] [ http://www.myspace.com/aethere ]
Un CD assolutamente impressionante,
di qualità superba e dalla resa sonora impeccabile. Con "In Coma"
Aethere torna a sorprendermi così come già aveva fatto in passato con "Il
Giardino Epicureo", uscito nel 2005 come autoproduzione su supporto CD-R e
purtroppo ancora mai pubblicato su CD "ufficiale". In qualche modo ascrivibile stilisticamente
ad una Dark Ambient "d'impatto", "In Coma" non si allinea
però agli stereotipi del genere, e grazie ad un'impronta molto personale e
facilmente riconoscibile per chi segue il progetto "Aethere" dai suoi
esordi, si sviluppa con originalità e grande drammaticità intorno al tema che
fa da filo conduttore per tutta la durata del CD, e cioè quella linea sottile,
misteriosa e dai contorni ignoti che separa la vita dalla morte... La capacità
di Emanuele Ratti, alias Aethere, di organizzare, assemblare e plasamare il
materiale sonoro è straordinaria, così come non comune è la sua particolare
capacità nel saper scegliere i suoni "giusti", elaborarli con grande
efficacia, e inserirli con maestria e sensibilità all'interno delle
composizioni. Il risultato è un album che, per tutti i suoi cinquanta minuti
scarsi di durata, lascia letteralmente senza fiato, alternando parti più
statiche a momenti di grande impatto, suoni e atmosfere più "morbide"
e rarefatte a distorsioni e suoni più aspri e aggressivi, esplosioni dinamiche
a imprevedibili quiescenze e suggestivi inserti melodici... L'impressione che
spesso si ha, durante l'ascolto, è che la musica tenda ad evocare uno stato
percettivo/emozionale profondamente alterato, al limite estremo tra coscienza e
incoscienza, che a tratti sembra cedere, annientarsi per sprofondare verso il
Buio Assoluto e l'Inconoscibile, e a tratti sembra invece
"recuperare" faticosamente istanti di offuscata lucidità, frammenti
di memoria, "schegge" di realtà, in un disperato tentativo di ritorno
alla Luce e alla Vita... Trattandosi di un "concept" album, non mi
soffermo a descrivere nel dettaglio le singole tracce, giacchè ognuna di esse è
da considerare come elemento assolutamente parziale di un "disegno"
sonoro, compositivo e tematico più ampio, completo e articolato; ad ogni modo
voglio comunque segnalare la terza traccia, un esempio di perfezione assoluta
sotto ogni punto di vista. Imperdibile.
(Giuseppe Verticchio)
“In coma” is the last work
of Aethere, an act of Emanuele Ratti from Milan who in the last 4 years brought
to perfection his dark ambient - space music hybrid, starting from a Cold Meat
Industry style and finishing with sophisticated personal music, binding dilated
atmosphere, typical for space music, with the more compact, oppressive style,
characteristic for swedish masters. “In coma” is the end of Aethere, an album
created on the really feeble equilibrium between life and death: the EEG sound
walks through the six tracks until the acme of the mass-sounds. When the EEG
becomes a flat line, Aethere dies.
(Rage in Eden)
Aglaia: Three Organic Experiences (CD 2002 - Hic Sunt Leones)
[ aglaiamusici@libero.it ]
Un CD di pura ambient music di
impronta statica, dai movimenti lenti e fluttuanti, suddivisa in tre lunghe
suites per un totale di 67:30 minuti.
Il primo brano, "The Mysterious Fish Named Kun", mi ha riportato
alla mente alcuni lavori di autori che, tra la seconda metà degli anni
'80 e l'inizio degli anni '90, proponevano un' ambient-music intrisa di umori
più o meno melodici e caratterizzata da atmosfere di impronta analoga... Tra
essi mi sono venuti in mente Aeoliah, Michael Danna, Tim Clement; tutti autori
che hanno accompagnato con i loro suoni molti momenti della mia vita, ma che
con il passare del tempo ho via via perso di vista, avendo progressivamente
orientato le mie scelte musicali verso situazioni più "di ricerca",
più sperimentali, in qualche modo più innovative... Non parlo di vera e propria
"similitudine"sia chiaro, ma soltanto di analogie relative ad alcuni
suoni e ad alcune soluzioni adottate, che ho in parte riscontrato anche nel
successivo "The Tribe of the Flying Monkeys". E' certamente nel brano
di chiusura "Seven Ancient Glacieres" che questo CD offre il meglio
di sè: 27 minuti di paesaggi sonori in
continua mutazione, praticamente quasi la metà della durata del CD, nei quali
le atmosfere non cambiano sostanzialmente, ma i suoni, i missaggi e i
trattamenti si fanno più curati, nitidi, ricercati, e nei quali gli autori
sembrano aver riversato la parte preponderante e migliore delle proprie idee.
Il progetto "Aglaia" esordisce dunque con un CD in grado di regalare a chiunque dei buoni momenti
d'ascolto. Quello che forse mi sentirei
di suggerire agli autori, è di "osare" un po' di più nelle loro
future produzioni, per trovare una dimensione musicale più
"personale", muovendo la
propria ricerca sonora e le proprie sperimentazioni verso soluzioni in grado di
conferire ai propri lavori un'impronta più caratteristica...
(Giuseppe Verticchio)
Aglaia is one of the
Chariti. The "Cariti" are goddess of beauty, generally represented as
three sisters. They live upon Olympus mountain toghether with Muses, with whom
sometimes they sing chorus. They pleasently follow the tracks of Apollo, god of
divination and music. Their father is Zeus, their mother is Eurinome, the
daughter of the Ocean. It is generally considered that "Cariti" exert
every sort of influence upon works of mind and art. Charis means living artís
work. In some tradition they are daughters of Erebo and of the Night and love
to dance under the pale moon light. The concept of Aglaia is to create long
musical instants, apparently motionless, but with inside the movement of
hundreds of nuances, micro-variations , pulsations. A fluid, sonoruous tapestry
with a never ending motion. The music was thought like a magma of raw materials
to refine throught an infinite number of sonorous passages. The listening of
"Three Organic Experiences" behave towards the micro-particle that
compose our subtle individual plot, in a world where nothing is firm and
nothing is really moving.
(Hic Sunt Leones)
Aglaia: Sacred Waters (CD 2005 - Hic Sunt Leones)
[ aglaiamusici@libero.it ]
Con il nuovo "Sacred Waters"
il duo Aglaia torna a proporre, con una formula sostanzialmente invariata
rispetto al precedente "Three Organic Experiences", un gradevole
album di ambient music, costituito di tre lunghi brani di circa 20 minuti l'uno
di durata, basati su miscele di pads, drones e suoni "ad onde"
integrati con altri suoni di varia origine che si sovrappongono, emergono, si
intersecano e si dissolvono in varia forma all'interno delle omogenee ma
continuamente cangianti tessiture sonore di sottofondo. Tra i suoni aggiunti abbiamo
field recordings, suoni di ambienti naturali, rumori concreti, tintinnìi
metallici, pulsazioni sintetiche, rumori di folla e vociare di persone, corde
pizzicate e suoni flautati di qualche strumento di probabile origine orientale;
nel terzo brano compare a tratti un canto armonico molto profondo e gutturale
che riporta alla mente antichi cerimoniali sacri tibetani... La qualità della
registrazione è sempre molto buona, e la gamma di suoni e campioni utilizzati è
molto interessante, ampia e variegata, seppure all'interno di ogni singolo
brano, data la lunga durata degli stessi, è possibile nel corso dell'ascolto
cogliere una certa ricorrenza e ciclicità nell'uso dei medesimi campioni sonori
(spesso della durata di pochi secondi), generando alla lunga una lieve
sensazione di prevedibilità e ripetitività. In ogni caso il CD scorre in modo
molto fluido e piacevole, descrivendo surreali ed evocative atmosfere di una
staticità solo apparente, volte a creare uno stato di rilassato coinvogimento e
di progressivo abbandono, simili ad una sorta di spirale sonora entro la quale
lasciarsi passivamente condurre, seguendone in stato di assoluta quiete
interiore il sospeso, lento e continuo moto circolare... Adatto anche per
ascolti di sottofondo, grazie alla struttura molto lineare e priva di
improvvisi "colpi di scena", "Sacred Waters" non mancherà
di affascinare chi già abbia apprezzato
il precedente "Three Organic Experiences", e chiunque si avvicini per
la prima volta alla musica di Aglaia ricercando atmosfere ambientali quiete e
dilatate, suoni eleganti, curati e ricercati, privi di particolari velleità
sperimentali o marcatamente innovative...
(Giuseppe Verticchio)
The textural ambient
project Aglaia have finally released their second album. After a very good
feedback from the first CD "Three Organic Experiences", "Sacred
Waters" is the new offertoires to introduce more and more in the amniotic
sound dimension, of their music. The layers's quality become more deep here..in
breathing circles where processed voices and acoustic instruments, appear to be
evocative and fragmented like in a dream, or just like what an echo can play
with sounds in an open landscape, coming from far distances with the wind. The
electronics/analog sounds are waves of flowing energy with a powerful relaxing
quality, and behind them you can hear sometimes an indian flavour like an
incense stick burning. By the way it's not possible at all to explain and
describe the originality of this music, his poetry and his psychoacoustic
properties, but if you start to listen, it invites you to stay inside yourself,
in the motionless and timeless space that induce, bathing in the Sacred Waters
of the infinite ocean of peace and inspiration.
(Hic Sunt Leones)
Airchamber
3: Peripheral (CD 2013
– Frattonove)
[
http://www.fratto9.com ]
Finalmente
un CD che colpisce e che rimane immediatamente “impresso”…
Negli
ultimi anni mi capita di ascoltare moltissima musica, spesso ben fatta,
piacevole, interessante… ma nonostante tutto è davvero raro che un album mi
colpisca subito e così profondamente.
Non
nascondo che di diversi CD che ho ascoltato e spesso recensito con piacere, mi
capita sovente, a distanza di tempo, di dimenticarne quasi completamente il
contenuto sonoro, il titolo, e talvolta persino il nome dell’ artista o del
progetto.
Questo
“Peripheral” di Airchamber 3, progetto che vede protagonisti Andrea Ferraris,
Luca Serrapiglio e Andrea Serrapiglio, unitamente ad alcuni amici/ospiti che
hanno collaborato a vari brani, è un CD che sicuramente non si lascerà
dimenticare come tanti altri.
Mi riesce
molto difficile descriverne la musica, perennemente in bilico tra sospese stasi
ambientali, elettronica, libera sperimentazione, improvvisazione, venature
vagamente jazz, acida psichedelia…
Le dodici
tracce, straordinariamente ricche di idee e di “invenzioni”, propongono una
serie di “input sonori” variegati e imprevedibili, talvolta “assemblati” in
forma di composizioni dall’andamento più lento e progressivo, talora riuniti in
forma di più incisive e “spigolose”
“costruzioni sonore”.
Il tutto
risulta comunque ben amalgamato e stilisticamente omogeneo, seppure la mia
preferenza è per i brani dalle sonorità un po’ più “morbide” e dall’andamento
più “progressivo”, come “Funeral March for a Braincell” , “A Body is a Map of
Bruisse”, oppure ancora la splendida, conclusiva, a tratti quasi
“languida” “In the Corner of my Eye
Peripheral Visions”.
Un album
ben concepito e ben realizzato, dalle forte ambizioni e assolutamente al di
sopra della media delle “usuali” produzioni in ambito sperimentale e dintorni.
(Giuseppe Verticchio)
Aldinucci
Giulio: Tarsia (CD 2012
– Nomadic Kids Republic)
[
http://www.giulioaldinucci.com ]
Un album
di ambient music d’impronta abbastanza tradizionale, che, se non fosse stato
pubblicato per la giapponese “Nomadic Kids Republic”, avrebbe potuto trovare
una perfetta collocazione nella “nostrana” Hic Sunt Leones di Stefano
Musso/Alio Die. Costruito attraverso un piacevole e variegato mix di suoni di
strumenti acustici, sintetizzatori, voce e field recordings, caratterizzato da
suoni morbidi e “fluttuanti” e tempi dilatati, “Tarsia” non cerca evidentemente
il suo punto di forza in soluzioni di particolare “immediatezza” o di
“impatto”, né di tipo dinamico né di tipo più prettamente “emotivo”, ma
all’opposto si distingue e si apprezza per le sue “quiete” e “discrete”
progressioni sonore, tra le cui soffuse trame è possibile cogliere a tratti
persino lontani echi di musica cosmica, e semi-sepolte, appena percettibili
esigenze “glitch”. Molte le influenze che ad un ascolto attento è possibile
“scovare” nei sette brani che costituiscono il CD, tutte però elegantemente
“sintetizzate” e “incanalate” in un “modello sonoro” unico e perfettamente
omogeneo, privo di “spigolosità” o di elementi “fuori controllo”, seppure, per
contro, inevitabilmente “ripiegato” all’interno di un modello stilistico non
certo desueto o imprevedibile. Un album sicuramente valido e ben realizzato,
consigliabile in particolar modo agli estimatori di quelle quasi-immutabili
sonorità spiccatamente ambient che Brian Eno aveva cominciato a concepire già
più di trent’anni fa, e che, pur con le inevitabili “varianti” e “mutazioni”,
continuano a influenzare tanta parte della musica non-convenziale contemporanea.
(Giuseppe Verticchio)
...The
aquatic sound of “Castiglione Della Pescaia, Winter 2011” is totally doing it
for me right now. The waves crashing over the gorgeous electronic sounds are
breathtaking. There’s an angelic vibe running through with the occasional
choral sounding vocals which make it all a bit heavenly at times. It’s not a
drone album. It’s a beautiful mix of electronics and neoclassicism creating
textured ambient soundscapes which sounds effortlessly made (quite a talent)
and all the sounds sound natural and organic. Excellent!
(Norman Records)
Alio Die: Sit Tibi Terra Levis/Introspective (CD 1990/1991 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Frammenti da un Sogno. Questo è il
titolo di uno dei brani contenuti in questo storico CD di Alio Die, ma è anche
la definizione più adatta a descrivere questo capolavoro assoluto della musica
italiana. Un disco da isola deserta. Una raccolta di brani registrati tra 1990 e il 1991, realizzati da un artista che in Italia può
essere considerato il primo indiscusso erede di quel Brian Eno che, in altra parte del mondo, già nel lontano
1978, aveva cominciato a concepire quella splendida "ambient music"
destinata a fare storia. E così come "On Land" continua anno dopo
anno a superare la prova del tempo, rimanendo a tutt'oggi un'opera di assoluta
attualità, così "Sit Tibi Terra Levis" mantiene ancora assolutamente
intatto il proprio valore artistico, descrivendo un'ambient music dalle tinte
oscure, mai monotona o ripetitiva, che può essere apprezzata oggi esattamente
come allora... Nulla sa di vecchio, nulla che (ad un ascoltatore ignaro...)
possa suggerire l'idea che tale musica sia
stata realizzata dal nostro Stefano Musso più di dieci anni fa... In un momento
come quello attuale, nel quale ancora
tanti autori sembrano attingere dalle visioni di Eno la linfa vitale della
propria musica, l'ispirazione per le loro esplorazioni dello spazio statico,
gli elementi fondamentali per le composizioni musicali che in questo stesso
momento stanno realizzando, l'ascolto di questo straordinario "Sit Tibi
Terra Levis" può farci capire quanto fosse già andato oltre Alio Die più
di dieci anni fa... Sedici frammenti di sogno che hanno trovato uno spazio nel mio cuore esattamente nove anni
fa (quando acquistai e ascoltai questo CD per la prima volta...), che in tanti
anni nessun altro artista, italiano o straniero, è mai riuscito a
soppiantare... Se ancora non possedete
"Sit Tibi Terra Levis", e amate l'ambient-music, prima di acquistare
l'ennesimo CD del nuovo artista ambient straniero di turno, chiedete a Stefano
una copia di questo suo splendido lavoro...
(Giuseppe Verticchio)
Beautiful ambient sounds
and textures which provide a though provoking athmosphere. A subtle power
follows music and features some excellent aural works.
(N.D. - Texas)
Alio Die: Under an Holy Ritual (CD 1992 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Undici brani, registrati nei primi
quattro mesi del 1992, nei quali la musica di Alio Die cambia leggermente
direzione. Le atmosfere si fanno meno rarefatte e astratte, e propendono per
progressioni più ipnotiche e rituali, spesso costituite da elementi sonori di
diversa natura, stratificati su eteree basi di loops. E' la struttura evolutiva
dei singoli brani che cambia leggermente di forma, ma in "Under an Holy
Ritual" si ritrova intatta la caratteristica impronta musicale di Alio
Die, così come abbiamo potuto conoscerla e apprezzarla sul suo precedente
lavoro. Tra i frammenti da sogno che certo anche qui non mancano, desidero
menzionare in particolare lo stupendo "Global Construction" con le
sue atmosfere cangianti e suggestive,
le sonorità oscure e inquietanti di "The Secret of Shady
Gorges", la tensione sottile di "Axis Mundi", le pulsazioni
rituali e ipnotiche di "Invocation of the Source of Life"...
(Giuseppe Verticchio)
Return to the overground
ruins of our civilization, where the previous inhabitants speak through sounds
that drift like samples of the soul. An ambient masterpiece.
(Projekt - USA)
Alio Die/Ora: The Door of Possibilities (CD 1993/1994 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Questo lavoro raccoglie quattro brani
di Alio Die, due brani di Ora (Darren Tate & Andrew Chalk) , ed una traccia
realizzata in collaborazione tra gli artisti, il tutto relativo ad un periodo
che va dal marzo 1993 al marzo 1994. Apre il CD Alio Die, con lo spettacolare
"Looking Towards", un brano che ci conduce immediatamente tra
atmosfere eteree e suggestive, ma al tempo stesso estremamente concrete e
"terrene"... Il seguente brano di Ora sembra abbandonare gli elementi
più morbidi ed eterei di quello che lo ha preceduto, addentrandosi tra atmosfere più cupe e oscure, tese, quasi sotterranee,
mentre rumori concreti vanno ad arricchire il paesaggio sonoro, tendendo in
molte parti a prevalere sugli altri suoni, e divenendo l' elemento costitutivo
principale della composizione… Torna quindi Alio Die, con "Bestiole
Nascoste tra il Muschio e le Alghe", costituito da fragili linee melodiche
sovrapposte a lontani pulsazioni percussive, e al rumore dello scorrere
dell'acqua di un torrente... Un brano dolcissimo e ipnotico, un altro frammento
da sogno... Segue "The Door of Possibilities", sempre di Alio Die,
brano nel quale ritorna il rumore dell'acqua, questa volta miscelato ad onde di tappeti sonori, voci
indistinguibili, morbidi suoni di flauti distanti, reverberati, anch'essi quasi
indistinguibili, e piccoli rumori percussivi... Un altro suggestivo quadro
sonoro, un altro piccolo capolavoro...
Alio Die e Ora insieme, nel seguente "In Shore", sembrano
riprendere laddove era terminato il precedente brano di Ora... Di nuovo
atmosfere inquiete e oscure e forte presenza di rumori concreti, ma il tutto sviluppato su
progressioni più lente e dilatate che troveranno ampio spazio nei 22 minuti
della durata del brano. Quindi l'ultimo breve gioiello di Stefano Musso,
"Stone Voice", poco più di due minuti e mezzo di musica costruita con
l'uso di voci cantilenanti dal sapore rituale... Conclusione del CD affidata ad
Ora: ancora dieci minuti di atmosfere surreali e inquietanti, che chiudono in
bellezza il risultato di questa straordinaria collaborazione…
(Giuseppe Verticchio)
Lush ambient textures and
natural sounds. This CD includes one
collaborative piece, two pieces by Ora alone, and four shorter Alio Die pieces.
This collaboration between Alio Die and Ora (here Andrew Chalk and Darren Tate) is a beautiful shimmering synthesis
of dark ambience and organic droning.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die: Password for Entheogenic Experience (CD 1997 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Un CD molto diverso dai precedenti,
costituito da un' unica traccia della durata di 64 minuti, caratterizzata da progressioni lente e dilatate,
onde sonore che emergono, si incrociano e si dissolvono, atmosfere sognanti
apparentemente statiche ma pur sempre in continua, graduale evoluzione... Così
come è vero che questo CD si lascia
apprezzare per la classe e il grande stile con il quale Alio Die è riuscito a
condurre un'ora di incessante, quanto coinvolgente, ambient music di
impostazione statica, dimostrando la propria capacità nell'esplorare universi
musicali diversi da quelli già percorsi nel passato, c'è però da dire che
l'adesione dell'artista a questo modello formale ha portato alla realizzazione
di un CD dall'impronta leggermente più “anonima”, meno riconoscibile, nella
quale risulta meno evidente la forte personalità musicale dell'autore.
L'assenza, in questo lavoro, di tanti
elementi che hanno contraddistinto la musica di Alio Die nei suoi CD
precedenti, rende quest'opera un po'
meno rappresentativa di quello che è lo stile, o meglio "l'universo
musicale" più significativo e individuale di Stefano Musso. Un CD che comunque si lascia ascoltare con
grande piacere... Spegnete la luce, e
lasciatevi condurre per mano verso paesaggi sonori dall'aspetto forse un po’
meno inconsueto, ma pur sempre magnifici da visitare, emozionanti, e dipinti
dall'autore con grande e indiscutibile
capacità artistica...
(Giuseppe Verticchio)
Alio Die: Le Stanze della Trascendenza (CD 1999 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Seconda parte di una trilogia
ambient, iniziata con “The Hidden Spring”, per la Crowd Control, e che si concluderà con il
successivo “Leaves Net”, autoprodotto per la Hic Sunt Leones. Questa trilogia
vede Alio Die alle prese con materiale sonoro derivante da vecchie
registrazioni, rielaborato e processato attraverso tecnologie più moderne. Un
territorio nel quale Stefano si muove con grande padronanza, realizzando questo
interessante CD, che vede nel lungo
brano “Melancholic Roots” il suo apice espressivo: ventiquattro minuti di
grande musica ambient, con progressivi e perfettamente equilibrati cambi di
atmosfera e di sonorità… Un inizio che ricorda un po’ la musica “discreta” di
Brian Eno (come anche il meraviglioso brano “Cicada’s Loop”), che si fa via via
più oscuro e inquieto (mi viene ancora in mente l’Eno di “On Land”) per poi
approdare a una lunga parte statica, dove ritornano alcuni suggestivi
interventi vocali che regalano momenti di grande emozione… La stasi torna poi a
chiudersi su atmosfere più oscure, tese e rituali, qualcosa che può ricordare
il miglior Peter Andersson nelle vesti di
Raison D’Etre. Altri momenti molto interessanti la già menzionata
“Cicada’s Loop”, il brano introduttivo “Alternate Realities” e la pur breve
“Desire (Instrumental)”, mentre ho trovato forse un po’ meno suggestivi gli
ultimi sei minuti circa del brano di
chiusura, “Molecular Dance”.
(Giuseppe Verticchio)
The second chapter in an
ambient trilogy started with "The Hidden Spring", characterized by
old sounds and recordings manipulated
and reworked using modern technologies. A fantastic CD.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die: Incantamento (CD
2001 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Se mi limitassi a parlare di questo
CD come di un lavoro di ambient statica, suddiviso in due lunghe suites
(“Lunae” e “Waters”) costruite fondamentalmente su loops, drones, suoni
dilatati e rumori naturali (cicale, acqua...) sicuramente avreste l'impressione
di non trovarvi di fronte a qualcosa di particolarmente nuovo e significativo
(quanti CD sono stati costruiti negli ultimi quindici anni con ingredienti
analoghi?), e non riuscirei probabilmente a suscitare il vostro interesse e la
vostra curiosità per quest'opera... Una strada già percorsa da molti,
apparentemente semplice da seguire, soprattutto considerando che Stefano ha da
sempre dimostrato di essere un
"maestro" nella scelta e nel trattamento dei suoni, nonchè
nella costruzione delle progressioni e nel mixaggio degli elementi sonori
stessi... Ma è esattamente questo il punto... Quello che fa la differenza tra
questo CD e tanti altri lavori di artisti che hanno percorso strade analoghe, è
quello dell'impareggiabile sensibilità, dello stile, della capacità
creativa-compositiva del "nostro" Alio Die, il quale riesce a dare
"anima" e "vita" a quegli stessi ingredienti che,
manipolati da altri autori, hanno generato negli anni decine di CD simili fra
loro di discutibile qualità artistica o comunque facili da dimenticare, ma che invece raccolti, elaborati e messi insieme da questo
fondamentale autore italiano, hanno
portato alla realizzazione di un CD che si eleva al disopra di tante produzioni
soltanto apparentemente simili, e che sicuramente lascerà traccia di sè nella
memoria dei fortunati che avranno modo di ascoltarlo...
(Giuseppe Verticchio)
"Incantamento"
provides two long drifting pieces of naturalistic ambience, adding the
occasional pluck of guitar strings to the rich bed of aquatic sounds and
droning loops. The packaging
contains dried stems and flowers
instead of a tray card to underscore the organic nature of the music.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die: Leaves Net (CD 2001 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Terzo e ultimo capitolo della
trilogia ambient di Alio Die, a chiudere il ciclo iniziato con "The Hidden
Spring" e con "Le Stanze della Trascendenza". Una raccolta di 10
brani costituita da materiale sonoro di
vecchia data unito a composizioni più recenti, comparso in parte su
compilations e sul vecchio Mini-CD "The Flight of Real Image", spesso
rielaborato, riadattato e rimasterizzato per l'occasione. Le sonorità
prevalenti tornano ad essere quelle del primo Alio Die, così come anche la
durata e la struttura dei brani. Nonostante il lavoro di
"ricomposizione" in un unico CD di materiale registrato in periodi e
occasioni diverse, l'opera suona estremamente omogenea, come se in realtà tutta
la musica inclusa fosse stata concepita e realizzata nel medesimo periodo e
destinata fin dall'inizio a far parte dello stesso CD. Un piacevole
ritorno dunque alle atmosfere che hanno accompagnato i conoscitori di Alio Die
fin dai tempi di "Sit Tibi Terra Levis", "Introspective", e
il già citato "The Flight of Real Image", dal quale sono estratti due brani, uno dei quali, "Leaves
Net", rielaborato e scelto come titolo per questa nuova realizzazione.
Nella zona centrale del CD forse i momenti più suggestivi dell'opera, tutta
comunque di ottimo livello, in quell'ampia parte che, in un crescendo emotivo,
vede susseguirsi brani come "First Perception", "Leaves
Net", "A Chaos of Desire", "A Fragments of Fire", e
l'eccezionale "The Way of Fire". Chi ama Alio Die, e soprattutto lo
stile musicale che ha caratterizzato i
suoi esordi, non può mancare l'acquisto di questo CD.
(Giuseppe Verticchio)
"Leaves Net"
presents short pieces, many of them recomposed from compilation appearances and
other obscurities, in the third installment of his trilogy (started with
"The Hidden Spring" & "La Stanze delle Transcendenza")
of re-examined ambient music.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die: Il Tempo Magico di Saturnia Pavonia (CD 2003 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Pur non potendo parlare di una vera
"svolta" nella produzione musicale di Alio Die, giacchè gli
ingredienti e le soluzioni adottate in questo CD rispecchiano in modo
abbastanza inalterato quanto già proposto dall'autore fin dai tempi
dell'esordio con lo splendido e storico "Sit Tibi Terra
Levis/Introspective", mi sembra
comunque di scorgere in questo "Il Tempo Magico di Saturnia Pavonia"
un certo desiderio di rinnovamento, una nuova carica di energia, una nuova
linfa vitale... L'autore attinge ancora ad elementi già utilizzati molte volte
nel passato, prevalentemente registrazioni di rumori naturali e sonorità tenui
e discrete in lento movimento disposte a strati, ma aggiunge ad esse anche
altri nuovi ed efficaci suoni
inediti, che in diverse parti emergono
coraggiosamente in primo piano, regalando momenti di grande emozione, attimi davvero magici che mirano dritto al
cuore, e che colpiscono la mia sensibilità come molti anni fa accadde durante l'ascolto dello stesso "Sit
Tibi Terra Levis/Introspective" sopra citato... Forse lo stesso Alio Die,
che è stato tra i primi in Italia a proporre un certo tipo di ambient music,
sente ora in un qualche modo la necessità di rinnovarsi; sta raccogliendo nuove
idee e nuove fonti di ispirazione, e
questo "Il Tempo Magico di Saturnia Pavonia" è il punto di
partenza per le sue future esplorazioni
sonore... Il CD è suddiviso in 10 brani, e tra essi le mie preferenze vanno per
l'impareggiabile "The Circular Development of Time", lo splendido
"Brace di Trasformazione", l'altrettanto splendido "Acqua che
Brucia", ma cito volentieri anche il brano introduttivo "A
Gift", e "Fragile-Struggente".
Davvero un buon lavoro, sicuramente uno dei miei preferiti tra le
produzioni più recenti dallo stesso autore...
(Giuseppe Verticchio)
In this new CD Stefano
Musso display ten new tracks of powerful layers of sound, acoustic and real.
Magic of sounds was invited and respected during rites of composition, and as
usually it have the priority and guide of the creative process. Then spirits of
life come, in a sensitive and creative space, attitude is purified and deeply
desired is the focus by the soul, quiet and almost transparent is the mind. Ok,
this is deep music you can listen while you are looking into the fire, walking
in the wild, or when you need an accurate ispirational space for poetry,
paintings, research, making love and meditation, and in every activities where
you need expanding time and sensibility, and you would really like to be here!
Oh... yes, you should be in the meantime in some other layers of consciousness,
looking for some special gift to magically convert these crazy days into a
better time!
(Hic Sunt Leones)
Alio Die/Zeit: Sunja (CD-R 2003 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Questo lavoro propone due lunghe
suites nate da un' idea abbastanza semplice. Immaginate un substrato armonico
piuttosto statico sul quale, in varia forma e con soluzioni diverse, si
incrociano, emergono, si dissolvono,
quindi tornano nuovamente in primo piano, suoni, talvolta rielaborati, di
strumenti come il khen, la fisarmonica, lo zither, nonchè registrazioni
ambientali di rumori naturali quali cicale, acqua, richiami di uccelli. Alio
Die è da tempo un abile manipolatore di suoni, ed ha un gusto particolarmente
raffinato nel saper sfruttare al meglio, e con grande eleganza, qualsiasi tipo
di frammento sonoro; ha inoltre una grande capacità nell'evocare in musica
"paesaggi" e atmosfere dalle tinte tenui e crepuscolari, scenari da
sogno ricostruiti attraverso miscele di suoni di varia origine sapientemente
elaborati e combinati tra loro... Grazie a queste sue capacità l'artista,
questa volta in collaborazione con Zeit (Tommaso Cimò), è riuscito a realizzare
un lavoro che, pur nascendo da un approccio compositivo piuttosto semplice,
risulta comunque ben fatto e piacevole all'ascolto, prestandosi soprattutto come "colonna sonora di
sottofondo", da utilizzare in
momenti in cui si richieda alla musica di accompagnarci nei nostri pensieri o
nelle nostre altre attività quotidiane, e non piuttosto un ruolo da
"protagonista" assoluto cui dedicare in modo esclusivo il nostro
tempo libero...
(Giuseppe Verticchio)
Magic has blown its
precious spores in the air. A human rite, humble and quiet, has evoked a red
hot globe that gently illuminates the path
toward the borders of Sunja, the dream place where all vibrations start.
Sometimes the light comes down from the
sky, clear like a crystal. Sometimes it
climbs slowly from the earth's depths, but it's always comforting.
Crossing the thresholds of Sunja is
like landing on an uncontaminated island, furrow its white sea-shores lapped by tepid foamy waters,been inebriated
with wide floral smells and saltiness in secret places of the inland and in
caves dug from time, gain the top of the plateau from which it is possible
to see beyond... Sunja is creative
strength enclosed in two long tracks of incredible intensity, rich in levels of
knowledge, pure enchantment and beauty. The deep sound has an extraordinary
symbolic and evocative power and it has arrived to a supreme purification owing
to millenial percolations across the
rock. Music shines, beholds, resounds at the bottom of ourselves, lives and spreads out. We realize, in
listening, that a light warmth closes
in upon us, everything loses its own original sense, the gates open...
the road is beaten! Stefano Musso plays: zither, samples and
loops, buzzer , fields recordings. Tommaso Cimò plays: khen (mouth-organ),
accordion, rattles, bird calls, bells.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die: Khen Introduce Silence (CD-R 2003 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Il Khen, o mouth-organ, è uno strumento a fiato molto diffuso nella
musica tradizionale del Laos e della vicina Thailandia, territori da cui trae
origine. E' costituito di una serie di sottili canne di bamboo (16 nel formato
più comune) di varie dimensioni, affiancate in due file, ordinate per
lunghezza, e assemblate con l'ausilio di
una resina nera all'interno di una speciale parte forgiata in legno, dotata di
un apposita imboccatura nella quale l'esecutore soffia o aspira per emettere il
suono. Ogni canna presenta un foro e una sottile ancia di metallo. Suonando lo
strumento è possibile chiudere con le dita l'apposito foro per mettere in
vibrazione l'ancia, ottenendo così l'emissione di una nota, ovviamente diversa
per ogni canna. Il suono del Khen ha sicuramente qualcosa di magico, ed è
particolarmente affascinante sia nell'uso comune che se ne fa nei territori
d'origine, sotto forma di assoli a base di velocissime sequenze melodiche o in
accompagnamento ad altri strumenti tradizionali, sia nell'uso sicuramente meno
consueto che ne fa Alio Die in questo suo nuovo lavoro. Qui infatti il suono
del khen è trattato elettronicamente in modo tale da renderlo morbido e fluido,
lieve e dilatato, e si accosta con discrezione a strati sonori dalle movenze
lente e progressive in piena coerenza con lo stile ormai consolidato di questo
artista, costruiti con "ingredienti" d'uso più comune come drones,
loops, registrazioni ambientali... Se
volete avvicinarvi al suono di questo affascinante strumento, senza andare alla
ricerca di registrazioni di musica tradizionale Laotiana o Thailandese, e
rimanendo all'interno di un contesto musicale più vicino all'erea di interesse
di "Oltre il Suono" e quindi probabilmente anche più vicino ai vostri
gusti, procuratevi questo "Khen Introduce Silence".
(Giuseppe Verticchio)
Taking basic improvisations
only from sounds produced by Khen (mouth-organ from Thailand/Laos) and
processed by different controls like
filters, pan and multi-effects, Stefano Musso looks for a vibrational
enviroment that is like a special point of view, where time changes his meaning and sometimes becomes absolutely
relative, finding a place for contemplation, like being in the clouds and
breathing with the sound of the spheres.
Observe the circular harmony of seasons in his never ending flow, it speaks
like old poetry that is familiar to the soul. Stefano Musso plays: khen, drones
and loops, enviromental recordings taken in Thailand and in Lunigiana/Italy.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die/Saffron Wood The Sleep of Seeds (CD-R 2003 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Volendo comparare in qualche modo
questo nuovo lavoro di Alio Die con gli altri due titoli usciti in
contemporanea sempre per la Hic Sunt Leones ("Sunja" e "Khen
Introduce Silence"), debbo dire che la mia preferenza va probabilmente al
presente "The Sleep of Seeds", album realizzato sfruttando
registrazioni effettuate con strumenti e oggetti vari (flauti, zither,
fisarmonica, conchiglie, sonagli, campanelli...) da Alio Die e Lorenzo
Scopelliti/Saffron Wood, su cui poi quest'ultimo ha sovrapposto ulteriori strati sonori, questa volta di origine
elettronica. Il tutto è stato poi "montato" e rielaborato utilizzando
computer e Pro-tools. Ciò che mi fa preferire questo titolo ai due precedenti è
sicuramente la maggiore varietà di suoni, atmosfere e situazioni che è
possibile riscontrare in "The Sleep of Seeds", la maggiore
articolazione delle diverse parti che lo compongono, il maggiore impatto
emotivo che è in grado di trasmettere, l'elaborazione più curata delle
progressioni sonore, sia all'interno dei singoli brani, sia considerando il CD
nel suo insieme. Volendo esprimere ancora preferenze, questa volta
relativamente ai brani contenuti, ho trovato sicuramente più "magica"
e affascinante la lunga chiusura affidata a "A Dream of Mother Ground",
brano nel quale i suoni e le atmosfere sono d'impronta spiccatamente
"rituale", e nel quale l'ampia gamma di rumori concreti utilizzati si
sposa perfettamente con suoni di flauti, fisarmonica, loops, drones e trame
sintetiche...
(Giuseppe Verticchio)
The title is also the
opening track of this macroscopic journey into a world which spontaneously engages us when we travel through
it. A link between life and earth, a
passageway between time and change. A melodius itinerary in which a time
hourglass often makes no sense but only the sound of articulated and
fragmentary notes...50 minutes between a seed and a grain of soil to wander
into an infinite space while listening to a far away earth longing sound.
Recorded in Savona Italy august 2002, with
different flutes, tubes, accordion, various objects, rattles, shells,
bells... Drones and loops, effects,editing and mastering on Pro-tools, at
Temple studio Milano, spring 2003.
(Hic Sunt Leones)
Alio Die: Sol Niger (CD-R 2004 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Splendido lavoro questo "Sol
Niger" di Alio Die, probabilmente la sua migliore produzione da "Il
Tempo Magico di Saturnia Pavonia" fino ad oggi, che condivide con
quest'ultimo una maggiore originalità
rispetto ad altri suoi più recenti lavori, un più accentuato spirito di
ricerca, risultando probabilmente più
ispirato, ed evidenziando chiaramente una
vena creativa più fervida... Laddove ne "Il tempo Magico di
Saturnia Pavonia" la presenza di suoni di strumenti etnici ed acustici si
faceva più evidente, e gli stessi suoni, spesso rielaborati in modo molto
lieve, erano stati portati coraggiosamente in primo piano donando alle
composizioni di Alio Die un fascino nuovo e tutto particolare, in "Sol
Niger" è invece la forte presenza di altri suoni inediti a caratterizzare
le nuove esplorazioni sonore dell'artista. Parlo di disturbi radio,
interferenze, echi di confuse voci umane, sibili, registrazioni ambientali di
origine più "urbana" e "tecnologica", moderati rumorismi
elettronici... L'utilizzo di tali elementi, usati in modo sempre molto discreto
e misurato, sicuramente non invadente, perfettamente miscelati ad articolate ed
efficaci trame sonore di sottofondo, molto curate e "d'atmosfera", e
in abbinamento a suoni di origine acustica più o meno rielaborati, dona a
quest'opera un' impronta più spiccatamente sperimentale, segnando un nuovo
splendido punto di arrivo (o forse di partenza?) nell'affascinante universo
musicale di Alio Die. Un artista che instancabilmente, da ormai quasi quindici
anni, dedica con grande passione la propria vita alla musica, riuscendo in
qualche modo a sopravvivere a ogni
"moda" e a mantenere intatto il proprio inconfondibile stile, ma
riuscendo al tempo stesso a rinnovarsi e a trovare, seppure con momenti di
maggiore o minore efficacia, ancora nuove idee e fonti di ispirazione per
regalarci la migliore ambient music che è possibile trovare attualmente in
circolazione... Ascoltare per credere!
(Giuseppe Verticchio)
Alio Die/Paladino Francesco: Angel's Fly Souvenir (CD 2005 - Hic Sunt Leones)
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Un album di "classica"
ambient music, costituita fondamentalmente da substrati armonici eterei e
fluttuanti, tessiture sonore discrete e sognanti, fluide ma astratte e nebulose
allo stesso tempo, arricchite di suoni di strumenti etnici, corde pizzicate,
fiati, rumori concreti, registrazioni di elementi naturali, e altri interventi
acustici di indecifrabile origine e classificazione. Un' ambient music
interpretata secondo quello stile tipico e immediatamente riconoscibile che
Alio Die ha con il tempo elaborato e consolidato, che va idealmente a
proseguire il percorso già portato avanti con lavori quali "Sunja",
"Khen Introduce Silence" o anche "The Sleep of Seeds".
Ovviamente anche in questo caso ci sono alcuni elementi distintivi che marcano
la differenza con quanto è già stato prodotto e ascoltato in passato. Se nel
citato "Khen Introduce Silence" è l'utilizzo fondamentale del suono
del magico strumento di origine laotiana/thailandese a condurre il gioco, e in
"The Sleep of Seeds" sono spesso gli interventi elettronici di
Saffron Wood ad emergere e caratterizzare maggiormente il CD, questa volta ad
assolvere il ruolo di "variante fondamentale" rispetto agli schemi
troviamo Francesco Paladino, che con i suoi
frequenti interventi rumoristici-vocali-nasali-gutturali propone nuove
possibilità espressive, nuove sonorità, nuovi scenari, nuovi sentieri da
esplorare... Pur se suggestivi e solitamente ben integrati ai diversi substrati
sonori, c'è da osservare che gli interventi di Francesco Paladino risultano
però più efficaci laddove la voce e i suoni emessi rimangono in secondo piano,
dove appaiono più confusi, più effettati, più rarefatti, più
"morbidi"... laddove insomma risulti anche più difficile ricondurre
ad un intervento vocale "umano" la sorgente sonora degli stessi
suoni/rumori percepiti. Entrando nel dettaglio dei singoli brani, ho
sicuramente apprezzato molto "Whispers
and Recalls Near the Temple", con la sua multitudine di strane e confuse
sonorità tra le quali sembrano apparire dei cembali, dei suoni di ottoni, degli
strani stridìi metallici... Spicca
ancora tra tutti il brano "Flowing Up from the Core of the Mountain",
che colpisce per l'andamento teso, statico e ipnotico, per gli occasionali
interventi di percussioni rituali distanti e profonde, ma più di tutto per il
fantastico canto di Chako dei Jack or Jive che "guida" e caratterizza
l'intero brano. Voglio inoltre citare "Ancient Consciousness of the
End", ottima traccia costruita su suoni base di In Gowan Ring, con
sequenze melodiche in lenta evoluzione di un indefinito strumento che potrebbe
anche essere un flicorno armonizzato, su cui si sovrappongono in una
combinazione lievemente dissonante altri strani suoni, tra i quali forse una
chitarra elettrica molto "morbida" e molto effettata, e corde
metalliche tese allo spasimo, strofinate e debolmente pizzicate, di qualche
altro indecifrabile e forse arcaico strumento musicale...
(Giuseppe Verticchio)
Alio Die/Durand Werner: Aqua Planing (CD 2006 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Capita talvolta di ascoltare dei CD
nei quali la durata dei singoli brani appare eccessiva rispetto alle idee
riversate negli stessi; tracce che che avrebbero potuto tranquillamente e più
efficacemente essere sintetizzate in tempi almeno dimezzati, evitando
ricorrenti lungaggini e ridondanze. Ci sono invece casi, come questa volta, in
cui mi viene da pensare esattamente l'opposto. Casi in cui ascoltando un brano
di pochi minuti di durata mi viene da pensare che con le sole idee e suoni
utilizzati in esso si sarebbe potuto invece realizzare un intero CD, tanta è
l'intensità e l'emozione che la musica
concentrata in un così breve frammento di tempo è riuscita a trasmettermi
all'ascolto... Ed è così che il breve viaggio notturno in treno verso Bangkok,
evocato appunto in "Night Train to Bangkok" e sintetizzato in meno di
otto minuti di durata, avrebbe invece potuto idealmente durare davvero un'intera
notte, essere "espanso" a dismisura rievocando istante dopo istante
ogni frammento di vita vissuto, ogni rumore e suono percepito, ogni emozione,
ogni pensiero, odore, colore, sensazione provata... Forse memore di tanti viaggi notturni su imprevedibili e scalcinati
treni lungo la tratta Surat Thani-Bangkok e viceversa, sistemato su cigolanti
cuccette, protetto da un' insufficiente coperta di lana infeltrita fornita come
servizio dalle ferrovie per contrastare il gelo dell'implacabile aria
condizionata sempre stabilizzata su temperature polari, disturbato dal rumore
del russare continuo dei vicini di posto o di voraci mandibole che
sgranocchiano poco dietetici "snack" a base di lardo fritto
condensato dall'aspetto simile alle nostre patatine Cipster, nonchè dal nauseabondo
odore di durian che impietosamente qualche viaggiatore alloggiato un paio di
vagoni più avanti ha scelto di portare
con sè, le immagini sonore evocate da "Night Train to Bangkok" hanno
colpito a fondo nel mio cuore e nei miei ricordi, facendomelo apparire come il
brano più straordinario, per quanto altrettanto straordinariamente semplice,
dell'intero CD... Un CD, nato dalla collaborazione di Werner Durand con Alio
Die, perfettamente riuscito ed elaborato. Affascinante e coerente nelle
atmosfere, fluido nel suo incedere, emozionante nel suo descrivere,
eccezionalmente evocativo per chi abbia vissuto esperienze di viaggio e
permanenza in paesi così lontani e
diversi dal nostro, quali ad esempio la stessa Thailandia dove Alio Die ha
catturato le registrazioni ambientali presenti in quasi tutte le tracce del CD,
e dove ha probabilmente acquistato il khen, l'affascinante organo a bocca che
sprigiona tutta la sua semplice e crepuscolare magia in brani come il già
citato "Night Train to Bangkok" e nell'incantevole "La Grotta
nella Valle Dimenticata". Molto efficace nell'introdurre le atmosfere del
CD il breve brano introduttivo "Luftspiegelungen"; più articolata,
lunga e "composta" l'emozionante title track; più "discreta",
eterea, effettivamente un po' "spettrale" e "distaccata" la
finale "Ghost".
"Spirito"... "spettro"... o più brevemente
"pi"... come è possibile sentirlo chiamare su quello stesso treno
diretto a Bangkok...
(Giuseppe Verticchio)
Alio Die/Festina Lente: Il Sogno di un Piano Veneziano a
Parigi (CD 2006 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
CD costruito essenzialmente su
improvvisazioni di Alio Die e Festina Lente (Michele Brieda) allo zither e al
pianoforte, successivamente rielaborate e arricchite in studio con altri suoni,
effetti, field recordings, rumori. Chi ha già avuto modo di apprezzare il brano
"Extract from Suite 1" di Alio Die e Michele Brieda nella compilation
"Beyond the Darkness" pubblicata nel 2005 da "Oltre il Suono",
potrà riconoscere in "Nei Meandri più Remoti del Sogno di Scarabeo",
lungo brano introduttivo della durata di 34 minuti, una versione estesa e più
articolata di quanto già ascoltato nella suddetta compilation. Il
"mood" in questa nuova versione rimane sostanzialmente inalterato,
così come l'approccio molto minimale alla composizione e alla scelta dei suoni,
e il risultato finale è infatti una mezz'ora abbondante di pura ambient music
dalla sonorità elettrocaustiche tenui e delicate, adatta soprattutto per
ascolti di sottofondo a basso volume e in repeat. "Movimenti nel Cielo
Sotto" inizia tra atmosfere tese e drone-based, si arricchisce piano piano
di suoni di gongs e metalli, rumori concreti di oggetti di varia natura,
occasionali note di pianoforte, per poi ridiscendere progressivamente e
prendere una piega decisamente più astratta e frammentaria, talora dissonante,
sicuramente desueta e inaspettata. I venti minuti del successivo brano
"L'orlo, la fune, il niente" costituiscono sicuramente la parte più
riuscita dell'intero CD. I suoni si fanno variegati, originali e imprevedibili,
e in un continuum di tensione sonora senza attimi di cedimento si odono
straordinarie miscele di ronzìi, ovattati suoni percussivi, metalli, gongs,
campanelli, cicale, legni, distanti
voci umane... L'atmosfera si fa poi più rarefatta, e le note basse di un
pianoforte riverberato sembrano condurre ai confini di una dark-ambient
inquieta, spettrale e sospesa sull orlo di un oscuro precipizio... Quindi di
nuovo il ritorno di voci e rumori, segnali di presenze umane e altri strani e
indecifrabili suoni spalancano le porte su un nuovo paesaggio sonoro, che con
momenti di grande suggestione evolverà sul finale in un oscuro quasi-silenzio,
lasciando spazio soltanto a rumori di cicale, agghiaccianti stridìi metallici,
distanziate e risonanti note di pianoforte... Il breve brano "The
Emptiness Behind Seasons" rimane su fondi sonori d'impronta oscura, su cui
si sovrappongono ancora tocchi di piano, zither, voci e rumori concreti, ma
alleggerisce comunque la tensione precedendo lo splendido "L'Oblio nella
Culla Dorata", un acquarello sonoro dalle tinte tenui e delicate costruito
su un bel fondo ambientale di riverberata "musica discreta" e da
inserti di voci, legni, fruscii, cinguettìi di uccelli, voci di bambini, e
ancora note lievi note di zither e pianoforte...
(Giuseppe Verticchio)
Alio Die/Daino Luciani: End of an Era (CD 2007 - Hic Sunt Leones)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Nuova uscita (sempre su Hic Sunt
Leones) di Alio Die, che continua ad espandere il raggio delle proprie
collaborazioni artistiche realizzando il presente "End of an Era" a
fianco di Luciano Daini. Utilizzando come di consueto un'ampia gamma di
strumenti acustici, salterio e zither per quanto riguarda Alio Die, violoncello,
corni, flauti metalli, percussioni e
sonagli per quanto riguarda Luciano Daini, i due mettono a punto un'ambient
music piuttosto variegata e a tinte a volte piuttosto oscure, grazie ovviamente
anche ad un accurato trattamento elettronico delle sorgenti sonore, ad un
complesso lavoro di ri-composizione, editing delle singole parti e ad un
articolato lavoro di missaggio/montaggio audio. Atmosfere meno
"rilassanti" e "luminose" rispetto ad altri recenti lavori
firmati da Alio Die, "End of an Era" richiama talvolta alla memoria
echi di antichi e oscuri rituali spesso evocati in passato dall'artista,
soprattutto in album di vecchia data ("Sit Tibi Terra
Levis/Introspective", "Under an Holy Ritual" ad esempio...) che
tutt'ora rimangono un riferimento assoluto nella discografia di Alio Die e in
senso più generale anche nella storia della musica ambient dell'ultimo
ventennio. Molte le tracce di grande suggestione, "End of an Era",
"Crucibulum" e "Il Volo Assunto" solo per citarne alcune,
ma al di là del valore dei singoli brani ciò che si apprezza e che
"conquista" è l'efficacia del CD inteso nel suo insieme, nel suo
progressivo e lento fluire, nelle sue varie sfaccettature, nella corretta
scelta dei "tempi" e nell'accostamento di diverse soluzioni sonore,
che si intersecano e si alternano tra loro con grande gusto ed eleganza. Un CD
che sicuramente non deluderà chi già conosce e apprezza Alio Die. Una
collaborazione artistica sicuramente riuscita, un' esperienza da replicare.
(Giuseppe Verticchio)
Altieri Corrado/Favaron
Gianluca: The System of Objects (CD
2013 – Silentes)
[ http://www.silentes.net ]
Un “classico” collage di rumori
concreti, scrosci, sibili, sfregamenti meccanici circolari, scricchiolìi
elettronici e non, soffi, cigolìi; il tutto “appoggiato” su fondi statici
“dronosi” ora più presenti, profondi,
avvolgenti e incisivi, ora relegati a più subliminale e discreto sottofondo,
quando non completamente assenti. Sette tracce messe a punto da Corrado Altieri
(nastri e apparecchiature elettroniche) e Gianluca Favaron (computer) che non
si distaccano molto da quanto concepito e realizzato in tempi recenti da
quest’ultimo nei suoi CD collaborativi a firma Zbeen insieme ad Ennio Mazzon.
Nel presente ”The System of Objects” le proporzioni tra i suoni di origine
sintetica e i rumori di origine concreta sono in realtà invertiti; qui infatti
questi ultimi costituiscono sicuramente parte preponderante rispetto a quanto è
possibile ascoltare. Nonostante tutto la “sostanza” non cambia, giacchè
l’approccio, le dinamiche, le intenzioni (sonore, artistiche, concettuali…) e
le “logiche” delle composizioni, e quindi dell’ascolto, rimangono
sostanzialmente invariate. Non conoscendo molto la musica di Corrado Altieri,
se non limitatamente al suo (molto più “sintetico”) CD con Simon Balestazzi
“Rings” a firma Candor Chasma, e al (molto più “rumoroso”, “pesante” e
aggressivo) “Document” a firma “Uncodified”, non mi è possibile comprendere
l’esatta “misura” degli interventi di Altieri (il cui nome compare tra l’altro
per primo…) nel presente CD, ma seppure ampia parte del materiale sonoro di
origine fosse stato da lui “fornito”, probabilmente il tipico “stile” di Gianluca Favaron nel trattamento,
stratificazione e assemblaggio dei suoni ha “segnato” in modo piuttosto inequivocabile
la sua presenza, rivelando distintamente il suo fondamentale apporto.
(Giuseppe Verticchio)
Amon/Never Known: Live at Molto (CD-R 1997 - Afe)
[ afeman@aferecords.com ] [ http://www.aferecords.com/ank ]
Questo CD-R ripropone la
registrazione di una performance live tenuta presso un club di Milano nell’aprile del 1997. Un
concerto dalle sonorità prevalentemente oscure e dalle evoluzioni lente e
progressive. Il CD-R è suddiviso idealmente in sette tracce, ma non ci sono
interruzioni reali tra un brano e l’altro, e tutta l’opera scorre come un
continuum sonoro fluido e organico. I passaggi tra le diverse atmosfere sono
eleganti, discreti, misurati; le parti più incisive e sature di suono vengono a
formarsi in modo graduale, seguendo un’ evoluzione così naturale da risultare
quasi inavvertibile nel suo incedere, mentre anche nelle zone di maggiore ombra
e staticità si distinguono chiaramente diversi e curati strati sonori di
sottofondo che si incrociano, si alternano e si confondono, creando tessiture
sempre nuove e cangianti, immagini sonore mai immobili e monotone...
Un’ottima prova per un autore che nel
1997 aveva già raggiunto una piena maturità artistica, evidentemente
riscontrabile in questa suggestiva esibizione dal vivo, e che apriva la strada verso una forma stilistica,
nel panorama dell’ambient italiana, che
altri autori, all’epoca ancora alle prese con i manuali del loro primo synth,
avevano da poco iniziato ad esplorare...
(Giuseppe Verticchio)
Amon: Mer (CD-R 2000
- Blade Records)
[ afeman@aferecords.com ] [ http://www.aferecords.com/ank ]
A meno di un anno di distanza da
"The Legacy", CD realizzato per la Eibon, che può essere considerato
uno dei punti di riferimento assoluti per la musica dark-ambient, la Blade
Records propone in formato CD-R, in
edizione limitata a 150 copie, questo splendido lavoro di Amon. Cinque brani che, pur coerenti
stilisticamente e perfettamente integrati tra loro, sembrano però rivelare
cinque aspetti piuttosto diversi dell'universo musicale di Amon. L'affascinante
brano di apertura "Foundation" propone atmosfere drammatiche a base
di onde di drones che emergono e si dissolvono in un progressivo crescendo
sonoro, arricchito via via di nuovi strati ed elementi, tra i quali colpisce
per efficacia un suono di probabile origine elettronica che riporta alla mente
echi di voci umane dal timbro grave e vibrante, confuse immagini di cori di
monaci buddisti recitanti antichi rituali sacri tibetani...
"Osirion", con i suoi suoni ampi e dilatati sembra invece descrivere
il vuoto assoluto, lo spazio infinito, un senso di smarrimento misto ad
angosciosa solitudine, facendoci fluttuare nella cecità del buio totale, in una
aliena dimensione priva di qualsiasi riferimento spazio-temporale...
"Secret Chamber" sembra riportarci di nuovo sulla terra, sempre e
comunque in qualche locazione povera di luce, con atmosfere più statiche e meno
drammatiche. Il brano è infatti costruito su un sottofondo sonoro di drones
piuttosto immobile, sul quale, con movimenti lenti, emergono, si muovono e si incrociano in lontananza echi di altri
suoni di origine indecifrabile... Atmosfere vagamente "spaziali" in
"Darkside Return II", che sembra quasi tornare a descrivere quel
senso di buio assoluto e di infinito già
proposto da "Osirion", ma stavolta dall'oscurità emergono dei
bagliori di luce, dei possibili punti di riferimento, dei suoni elettronici più
distinti, delle pulsazioni più profonde e presenti... forse è la fine del
vuoto... "Gateway", splendido brano di chiusura, sembra avvicinarsi molto,
per le sue sonorità vagamente melodiche e sicuramente meno oscure ed estreme,
all'altro progetto musicale "Never Known" di Andrea Marutti. Sequenze
di accordi di pads dal suono morbido si sovrappongono lungamente ad un
substrato sonoro piuttosto uniforme, mentre lontani e riverberati rumori
metallici dal suono sicuramente meno quieto e rassicurante creano un sottile
filo di tensione che ci accompagnerà fino alla fine del disco... Semplicemente un ottimo lavoro, e una nuova
convincente conferma per Amon.
(Giuseppe Verticchio)
Amon: Foundation (2 CD 2005
- Afe/Eibon)
[ afeman@aferecords.com ] [ http://www.aferecords.com/ank ]
Prodotto in collaborazione tra Afe
(l'etichetta dello stesso Andrea Marutti/Amon) ed Eibon, questo doppio CD,
presentato in una elegante confezione, propone, in versione rimasterizzata e
con alcune variazioni rispetto ai brani contenuti nelle edizioni originali, la
ristampa congiunta del primo CD "Amon" uscito originariamente nel
1996 per Murder Release e il successivo "Mer" uscito in edizione
limitata su CD-R nel 2000 per Blade Records. Relativamente al primo CD, il
brano introduttivo "Regula 1" è stato sostituito da"Prepare to
Leave", precedentemente apparso nel 1997 nella compilation
"Dissolution Fahrenheit" realizzata da Eibon, mentre a proposito del
secondo CD è da segnalare l'inserimento del brano "Lost". Inserendo
il primo CD nel lettore, e procedendo nell'ascolto, ciò che stupisce, prima di
ogni altra cosa, è l'idea che questa musica, concepita e registrata esattamente
dieci anni fa (ad eccezione del brano "Prepare to Leave"), si
mantenga tutt'oggi perfettamente attuale, senza che il tempo trascorso ne abbia
minimamente intaccato lo "smalto", la "proponibilità", il
valore oggettivo... In queste prime registrazioni siglate "Amon"
Andrea Marutti già metteva perfettamente a fuoco la sua idea di un progetto
musicale di impronta fortemente statica e oscura riconducibile a quel genere
comunemente definito dark-ambient del quale, in poco tempo, sarebbe divenuto
uno dei maggiori protagonisti e punti di riferimento a livello internazionale,
grazie anche all'interesse e al supporto di una prestigiosa etichetta come
Eibon, che negli anni a venire avrebbe realizzato altri due capolavori assoluti
nel panorama della musica dark-ambient siglati Amon, l'ormai esauritissimo
"El Khela" (a quando una nuova edizione?) e "The Legacy".
Le masse sonore sprigionate da Amon in queste sei tracce sono letteralmente
devastanti, le onde di basse frequenze fanno vibrare il mio stomaco prima
ancora che la sedia dove sono seduto e le pareti della stanza nella quale mi
sono "ritirato" per l'ascolto, e osservando la risposta
"fisica" dei woofer alle pesanti sollecitazioni sonore mi rallegro di
aver scelto per il mio impianto stereo diffusori con woofer di generose
dimensioni e membrane e sospensioni sufficientemente rigide da poter
"contenere" efficacemente l'aggressione di tanta devastante
potenza... Ma non ci sono solo basse frequenze... Sovrapposte ad esse una
varietà di altri suoni stratificati ora più sommersi ora portati in primo piano
(onde elettroniche, sibili, metalli, boati, suoni sintetici, altri drones...)
restituiscono ad ogni brano un'impronta caratteristica ed una forma diversa, il
tutto per un' ora abbondante di musica (66:54 per l'esattezza, ma poi c'è
ancora il secondo CD da ascoltare...) di grande intensità e drammaticità... Per
quanto riguarda il contenuto del secondo CD, è possibile fare riferimento alla
recensione di "Mer" già pubblicata su Oltre il Suono, e aggiungo
soltanto che l'inserimento dell'affascinante e "profondo" brano
"Lost" (della durata di quasi nove minuti), non presente sulla
precedente edizione, impreziosisce ulteriormente un disco che già avevo
definito ottimo.
(Giuseppe Verticchio)
I think I can see them now:
people in the immediate future, reviewing this double set just after it's out
and writing down dark ambient as if it was the most proper thing to do. I can
see them now, settling for the easiest explanation, classifying and
taxonomizing, the you-know-what of simple references and shiny truth-skipping.
But you know what: the first disc preview went on and on, it was late at night,
I was standing at the window, looking outside: tiny distant stars and the
darkest still shape of the hill guarding the valley below: there was a huge,
shiny grey cloud swallowing half of the landscape: it looked exactly as a
spaceship made of fog. And it was so damn perfect, with Amon trademarks sounds
and scapes eating the whole of my ears: and it struck me: I thought: how about
spaceships made of sound? Damn, the man who played these tracks knew exactly
what he was doing! The fact being: disc one will bring you way afar, lead you
astray onto a cosmic derive: by the end of it, you'll find yourself two-points
shot from Andromeda: and depending on your mood disc two could either push you
further onto black hole regions or bring you unsafely back home should you
really desire it. The box-shaped ticket you're about to buy will grant over two
hours of deep space travel at a time: and you will use it as long as needed,
back and back again. No money-back guarantee here: you won't be needing them
among asteroid belts and comet tails. Space is just a press play away. Consider
yourself warned.
(P. Ippoliti)
Amon/Nimh: Sator (CD 2007 - Eibon)
[ afeman@aferecords.com ] [ http://www.aferecords.com/ank ]
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
L'universo dell'ambient e della
musica sperimentale è sterminato. Ma se ne parla molto poco, e si conosce la
scena anche meno. Ed è facile perdere dischi importanti se non si frequentano
canali privilegiati, quantomeno settoriali. Il caso di dischi importanti che
dovrebbero esulare da un contesto specifico è proprio "Sator". Nato
dalla collaborazione tra due artisti nostrani ben noti alla scena, Amon (Andrea
Marutti), storico progetto di dark-ambient, e Nimh (Giuseppe Verticchio), è
un'affascinante discesa nelle cavità più profonde della terra. E' la
riproposizione di un abisso, delle viscere, di un assordante sprofondare verso
il non conoscibile, verso il mistero ancora irrisolto del quadrato magico del
Sator. Formato da cinque parole di cinque lettere sovrapposte -
ROTAS/AREPO/TENET/OPERA/SATOR - è sicuramente la struttura a palindromi più
nota della storia. E cinque sono i brani presenti nel disco che ripropongono
come titolo i cinque palindromi. Qui si scava a fondo attraverso synth, tools,
sequencer, effettistica e molto altro ancora. Una ricerca che sembra voglia
afferrare perlopiù l'effetto piuttosto che capirne la causa. Sonorità oscure,
maree e flussi in perpetuo movimento, lentamente, che scandagliano
singolarmente ogni elemento chimico che compone la sostanza. Chirurgicamente.
"Sator" è un viaggio rituale più che un disco nel senso letterale del
termine, e come tale fa fatica a rimanere inciso su di un supporto perché ogni
volta che si attiva scopre una dimensione diversa dalla precedente. Un
relativismo irrequieto che non trova motivo specifico di esistere neanche
nell'ambiente in cui si muove. Perennemente distorto e dilatato. Come le molteplici
interpretazioni date al quadrato nel corso degli anni, senza che si
raggiungesse mai un'analisi definitiva e comune. E come tutte le cose che non
hanno una definizione, di cui non se ne conosce lo scopo, anche
"Sator" conserva il suo fascino esplorativo ad ogni ascolto. Un
viaggio lungo le strade dell'indefinibile dove nessun valore è assoluto, ma
tutto, ogni cosa, ha motivo di esistere.
(Andrea "Emo" Punzo -
www.hardsounds.it)
..."Sator" è composto di 5
tracce monolitiche che spaziano dai 10 ai 18 minuti circa, intitolate coi nomi
dei 5 palindromi del suddetto quadrato; tutti i brani sono incentrati su drones
ossessivi e prolungati, samples rielaborati in studio e synths, e tra tutta
questa elettronica svetta un uso particolare delle chitarre, difficilmente
riconoscibili tanto è forte la distorsione e la scarnificazione del suono nelle
tracce 1 e 5. L'ossessione alla base di ogni brano, l'oscura insistenza di
rumori sulfurei, con echi che riconducono alle prime release della Cold Meat
Industry, è legata a doppio filo a motivi alchemico-ritualistici che ricordano
gli esordi dei maestri Ain Soph, sicuramente rivisti in chiave più innovativa e
tecnologicamente avanzata. Il momento più emozionante rimane la fase finale di
"Arepo", in cui un tenue motivo trionfante svetta su una pioggia di
rumori metallici e ancestrali. Musicalmente "Sator" è un viaggio
nelle viscere della terra alla scoperta di segreti che nascono dall'uomo ma ne
superano le capacità basilari, il tutto incentrato sulla creazione di
un'atmosfera terrificante, memore forse della lezione impartita in lavori come
"Dogs Blood Rising" dei Current 93. Eccellente la confezione,
quadrata (guarda caso!), che riproduce in piccolo le fattezze delle vecchie
copertine apribili dei vinili, con annessa copertina interna. Disco consigliato
agli inossidabili fans della dark ambient (che lo apprezzeranno senz'altro) e a
chi ha intenzione di fare o simulare qualsiasi tipo di torbido rituale (non sto
scherzando!).
(Michele Viali -
www.darkroom-magazine.it)
This could be the real
clash of the titans of dark ambient and you just need a sight to their
individual discography and it will tell you more than any word I can write.
Even if both Marutti (Amon/Never Known, headchief of Afe records) and Giuseppe
Verticchio (Nimh) in the recent past have put out many material that's not
strictly dark ambient, here they do what you probably can expect from such an
odd pair. Hence, "Sator" begins with a "concrete"
monumental drone that scares the shit out of the listener as to say ambient can
still be heavy as fuck. The matter of the release but also the sound choice of
this collaboration reminded me of an old Grinzich/Nehil joint ventures but way
more reverberated and dark. The funny thing is that somehow I got the
impression Nimh as been "Amonized", I can't say that firmly but sure
while listening I've found many traces of Marutti's "heavy" hand on
the crime scene. Probably that's just a suggestion since what I can guess they
simply mixed the most obscure and intimist aspect of their individual
personalities finding a common ground they could share for this opus. There's
an abundance of delays/reverbs and a copious use of keyboards even if in some
passages they left them still intelligible but not without burying it under a
heap of thick low noises/echoes leading in the mid of the dark pool. While the
first three tracks of this output present a framework mainly based on
delayed-noises, the dronical-essence rears it's ugly head just with the fourth
"movement" of this cd and it lately disappears in a
"freaky-post-krautian-Schultzesque" sad "sauce" (yes, dark
freaks have a safe ground to walk upon). With the closing chapter of this book
arrives my favorite one: dark ambient in full effect that all of a sudden fades
into a quiet mechanical drone and into a rarefied paste made out of bells?
voices?…anyway, it will blows you brain and resistance out for sure. A first
class recording/package complete this good release, the only things I ask
myself is what if it would have been a bit shorter, but you know many artists
doing this kind of things want to test the guts and the balls of their
listeners, "will you dare to take the whole trip?". If you're into
dark ambient at the edge with some post industrial landscape here's a journey
you can definitely take.
(Andrea Ferraris -
Chaindlk)
In a spirit of
experimentation: The nightly visions turn humane. Can there be a thing like a
playful Dark Ambient album? The relaxed mood in which "Sator" came
into existence certainly already reveals quite a bit about its content. Afe
Records founder Andrea Marutti initially met up with Giuseppe Verticchio of
Nimh to simply record a few tracks together. The mood in the studio and the
pleasant nature of their interaction meant that they ended up with two album's
worth of material, the first of which is now being released on Eibon Records.
Of course, the result is still dark and somber. But underneath the heavy moods,
the spirit of experimentation and the joy of working on something which opens
in every direction imaginable is immanent. This is all the more welcome as Dark
Ambient, despite all of its promises and potential, has become something of a
dead end of lately when it comes to finding new modes of expression. The goal
has been more in refining what has been achieved (which is quite a bit, as it
has greatly matured from its crude beginnings) than in taking things to a new
level - or at least in trying to find a distinctive voice of its own. That
"Sator" would be a more individual affair was kind of clear right from
the start. Marutti has built up Afe as an imprint which focuses on quality
rather than clear-cut genres, even allowing his releases to stray into
rhythmical territory occasionally and preferring multi-faceted artists over
stereotypical ones. Already the long list of instruments used for
"Sator" points to a poly-tentacled approach, in which synthesizers,
sequencers and samplers are merely one of the components in a setup including
e-bow guitars, field recordings, metals and objects, tapes and a Russian Box
Zither. A lot of this colourful equipment is actually treated to a degree that
their original sound properties blend into the mix, leaving only faint traces -
but always enough to make the nightly visions turn somewhat more humane and
rich in texture. In the same degree, special care has gone into the
arrangements, which take the listener through various mental states and through
different stages, never ending at the same place where they began their
journey. While the opening "Rotas" is still a greyish mass of
monochromatic reverberations and high-pitched streaks of light, already the
second track, "Opera" transforms into a vaguely rhythmical and
mysteriously occult offering with discreet cymbal drones and metallic chimings.
Going from there, languid melodies try to fight their way through tectonic
plates, electric chirping melts with futuristically-symphonic ambiances, sweet
motives are slowly buried underneath sonic rubble and muffled voices merge into
moments of spaceous clarity. Marutti and Verticchio (as well as their regular
third collaborator Daniela Gherardi) have concentrated on a select amount of
tracks for each title, which makes them all the more organic. It is also a
statement of intent. Instead of clustering their pieces with endless lines of manipulations
in order to lend them a superficial deepness, they have allowed them to remain
open, giving the listener the chance to fill in the gaps with his imagination.
Maybe "playful" is not really the correct term for this atmospheric
and dense work. But it is certainly one which uses the elements of the Dark
Ambient genre and shuffles them around with all the respect in the world yet in
a mood of trying out different things.
(Tobias Fischer -
www.tokafi.com)
[ http://www.eibonrecords.com
] [ http://store.silentes.it ]
E’ passato molto tempo da quando
Andrea Marutti “vestiva” i panni di “Amon” quale principale, notturna
“creatura” del suo pur multiforme universo musicale…
Non vogliamo dimenticare Never Known,
o Spiral… o i tanti altri progetti collaborativi che lo hanno visto partecipe
anche in tempi più recenti (Hall of Mirrors, Sil Muir, Molnija Aura, Maribor),
ma certo è che per molti anni Andrea Marutti, prima di iniziare a “firmare” le produzioni con il suo nome reale, è stato
per tutti fondamentalmente “Amon”.
Amon è un progetto ormai “storico” e
di culto, che ha visto luce per la prima volta vent’anni fa esordendo con
l’album omonimo, edito da Murder Release, al quale poi sono seguiti altri
notevoli album pubblicati per lo più da Eibon (quali “El Khela”, “The
Legacy”…).
L’ultima volta che il nome “Amon” è
comparso su una produzione di materiale nuovo e originale è stato nel 2007 su
“Sator” (CD in collaborazione con Nimh uscito sempre per Eibon), e a tutt’oggi
non è dato sapere se in futuro ci sarà un vero e proprio “ritorno di Amon” con
altro materiale nuovo e inedito…
Intanto, in attesa di un auspicabile
ritorno, Eibon e Silentes hanno scelto di pubblicare il presente doppio CD “El
Khela Al’ Akhdar”, che come lascia presagire il titolo è una riedizione
ovviamente ampliata e rimasterizzata dell’originale “El Khela” uscito per Eibon
nel lontano 1997.
Il primo dei due CD ripropone infatti
esattamente il titolo originale, al quale però è stato effettuato un accurato
intervento di remastering che, grazie anche alle nuove tecnologie, regala a
questo album un dettaglio, una profondità, una nitidezza, presenza e spazialità
che non era possibile “cogliere” nell’edizione di quasi venti anni fa.
Nel secondo CD compaiono invece
tracce che in realtà “coprono” l’arco temporale di più di un decennio
(1995/2006), costituite in gran parte da brani usciti su varie compilation, ma
comprendenti anche due brani “prelevati” dal 7’’ “Aura” edito da Drone Records
nel 1998, uno pubblicato sul primo CD di Amon già citato poco sopra, e due
brani inediti.
Nonostante il materiale del secondo
CD non sia stato registrato nello stesso periodo di “El Khela”, le sonorità, le
atmosfere e le strutture dei brani di questa raccolta sono estremamente
omogenee e perfettamente riconducibili, stilisticamente, a quella dark ambient
“monolitica”, profonda, infinitamente cupa e priva di qualsiasi spiraglio di
luce che caratterizzava non solo l’originale “El Khela”, ma in senso più generale
anche tutta la musica di Amon prodotta negli anni immediatamente precedenti e
successivi.
Impossibile e anche poco utile la
descrizione nel dettaglio dei singoli brani, in quanto l’opera va “letta” nel
suo insieme, trattandosi di una sorta di “continuum sonoro” basato su stratificazioni di basse frequenze
profonde e abissali, nel quale sostanzialmente solo le sfumature, le diverse
dinamiche, le sottili variazioni timbriche, le quasi impercettibili variazioni
armoniche, fanno la differenza tra una traccia e l’altra.
Una spettacolare e ambiziosa
produzione (grazie allo sforzo congiunto di Eibon e Silentes), presentata in
una fantastica confezione cartonata, che “copre” il vuoto di questa lunga
assenza di Amon, consentendo non solo di riscoprire il vecchio “El Khela”
valorizzato dal nuovo lavoro di remastering, ma anche di “godere”, nel secondo
CD, di un ascolto continuo e “razionalizzato” di tante altre tracce di Amon che
altrimenti, disperse in varie compilation e releases di breve durata, non
avrebbero probabilmente mai lasciato memoria di sé.
(Giuseppe Verticchio)
20 years after its initial
release, Amon's “El Khela” still shines out like a pillar in the dark ambient
field.
Mysterious, catacombal,
bleak, monumental, cryptic ambience.
This new edition contains a
remastered, repackaged and graphically renewed version of “El Khela” + a second
CD with rare, unreleased and reworked tracks.
Coproduced with Silentes,
“El Khela Al'Akhdar” comes in digisleeve + 2 inner sleeves.
(Eibon/Silentes)
Antikatechon: Privilegium
Martyrii (CD 2011 – Silentes)
[
http://davidedelcol.blogspot.com ]
Un superbo album di oscura, profonda,
in un certo senso “classica” musica dark ambient, contesa tra atmosfere
inquietanti, drammatiche, dense e spettrali, e toccanti ed evocative aperture
melodiche, raggi di luce, flebili barlumi di speranza… Passaggi a tratti quasi “sinfonici”, seppure
mai “pomposi” o ridondanti, “imponenti” nel loro incedere, nei riusciti
crescendo, nelle lente e progressive metamorfosi, che talora si dissolvono in
statiche, fluttuanti, ipnotiche stasi ambientali, per poi sprofondare in un
baleno in claustrofobici, dannati, interminabili tunnel sonori, dominati da
potenti substrati di drones, ritmiche meccaniche, colpi metallici riverberati,
dalle cui trame emergono indecifrabili, disperati e confusi echi di voci umane,
loops di masse metalliche sferraglianti, preludio di una lunga, profonda,
tormentata e irreversibile discesa agli inferi… Un album assolutamente
straordinario, quasi “epico” per l’efficacia della sua “formula” e del suo
impatto emotivo, per un nuovo progetto che vede Davide Del Col, già “titolare”
dello storico progetto “Ornament” e attualmente parte essenziale di progetti
collaborativi quali “Molnija Aura” o
“Echran”, tornare prepotentemente alla ribalta con quelle sonorità e atmosfere
marcatamente oscure e “deep” che quasi 15 anni fa avevano caratterizzato le sue
prime realizzazioni.
(Giuseppe Verticchio)
Thick and spectral dark
ambient, soaked with soft and flowing pads stratifications, wrapped in deep and
penetrating low frequencies spires, enlightened by delicate and touching
melodic inserts, profaned by echoes of reverberating metallic noises, clanging
chains, circular mechanical movements, waves of indecipherable whispers,
distant and suffering human voices... A great debut CD for Antikatechon, a
project that showcases Davide Del Col's eclectic personality, already the
unique mind of the Ornament project, and keyman of other recent collaborative
projects such as Echran and Molnija Aura.
(Silentes)
Antikatechon: Chrisma
Crucifixorum (CD 2012 – Rage in Eden)
[
http://davidedelcol.blogspot.com ]
Nuovo secondo, entusiasmante capitolo
per il progetto “Antikatechon” di Davide Del Col, pubblicato dalla ben nota e
sempre ambiziosa etichetta polacca “Rage in Eden”. Sei brani affascinanti ed
evocativi di musica tipicamente dark ambient, per una durata totale prossima ad
un’ora. Sonorità oscure, sepolcrali, a momenti sinistre, tornano a dipingere
paesaggi apocalittici, scorci di antiche rovine, decadenti edifici abbandonati
dal tempo, lande desolate avvolte dalla nebbia, orizzonti fumosi dai contorni
incerti e indefiniti… E ancora una volta tornano strutture sonore costruite con
un abile e articolato utilizzo di possenti loops metallici, onde circolari di
morbidi tappeti sintetici, echi di lugubri e indistinguibili voci umane,
profondi drones, evocativi e cinematografici rumori d’ambiente, struggenti
paesaggi melodici che talora allentano la tensione, ma senza mai regalare un
solo attimo di “vera”, assoluta quiete e serenità… Non c’è pace né speranza né
riscatto nella musica di Antikatechon… Un CD assolutamente imperdibile per
chiunque ami viaggiare nell’ombra e nell’oscurità, e negli abissi ancora più
reconditi e imprevedibili delle proprie inquietudini interiori.
(Giuseppe Verticchio)
There were no classic dark
ambient albums in Rage In Eden recently, so it's highest time to change it.
This time I offer 57 minutes of music in this genre. Very interested album, not
dominated only by dark sounds (of course they are present), but they are some
kind of base for beautiful, trance melodies.
This alternans of melodies and unspecified sounds makes this album to be
listen with huge interest.
(Rage in Eden – Label
Press)
Antikatechon: Woe is the
Reward (CD 2014 – Rage in Eden)
[
http://davidedelcol.blogspot.it ]
Un nuovo, “poderoso” album di musica
fondamentalmente dark ambient di grande impatto a firma Antikatechon, alias
Davide Del Col, già parte degli Echran, Molnija Aura, Rhetra ed ex Ornament per
chi conosce e segue l’artista da più di un decennio.
Se nei precedenti “capitoli” del
progetto Antikatechon Davide Del Col sviluppava già con grande maestria plumbee
atmosfere emotivamente coinvolgenti e di estrema suggestione, nel presente “Woe
is the Reward” l’artista fa un
“prepotente” passo in avanti, costruendo trame sonore sempre più ricche,
stratificate, dinamiche, articolate e dettagliate, ampliando la gamma di suoni
con substrati più “organici”, avvolgenti, vibranti e “sferraglianti”, drones
ricchi di armonici, rumori concreti, field recordings, parti di chitarra
elettrica distorta, voci, bisbigli, uniti talora a già “collaudate” e
suggestive progressioni ritmiche rituali …
Il tutto senza “snaturare” un
progetto che, pur estremamente oscuro e a tratti quasi “catacombale”, da sempre
fa del contrasto con ricorrenti inserti melodici uno dei maggiori elementi di
pregio, lasciando ogni tanto “filtrare” attraverso le massicce ma decadenti e
già violate “mura sonore”, più o meno flebili raggi di luce, “scoprendo” più
“quieti” e malinconici” paesaggi in grado di donare, per qualche manciata di
minuti, momenti di maggiore “respiro” e
(apparente) “serenità”…
Non c’è un solo “cedimento” per tutta
la durata dell’album… una traccia più
“fiacca”, una parte “stiracchiata” per guadagnare qualche minuto di
durata, un inserto poco “ispirato” incluso con leggerezza, autocompiacenza o
poca convinzione, un brano poco coeso o comunque per qualche ragione
visibilmente difforme dal contesto sonoro generale; tutto scorre sui binari
“giusti”, seguendo un percorso perfettamente lineare, e scandito da tempi
perfettamente gestiti e “dominati”.
Forse il miglior album firmato da
Davide Del Col (a prescindere dalle sigle dei vari progetti che lo hanno visto
partecipe) in tanti anni di attività artistica.
Da non perdere. Assolutamente.
(Giuseppe Verticchio)
Antikatechon: I Feel
Nothing But Repulsion (CD 2016
– Rage in Eden)
[
http://davidedelcol.blogspot.it ]
A due anni di distanza dal precedente
“Woe is the Reward”, Antikatechon torna nuovamente in “casa” Rage in Eden, per
rilasciare il suo nuovo album “I Feel Nothing But Repulsion”.
Un’opera mastodontica, ambiziosa,
quasi 70 minuti di musica, in cui Davide Del Col “scava” a fondo come mai aveva
fatto fino ad ora in tutta la sua precedente produzione…
Se alle origini di questo progetto
l’opera di Antikatechon si configurava “solamente” come una elegante, ben
costruita e ispirata musica di matrice tipicamente dark ambient, basata su
strutture ripetitive, e parti melodiche sobrie ma al tempo stesso evocative,
con il tempo le strutture e le sonorità sono evolute in direzioni inizialmente
imprevedibili, raccogliendo al loro interno elementi di musica industriale,
metal, rituale, isolazionista, talora colorate da sfumature quasi “cosmiche”…
Il processo è stato lento e
progressivo, e già nel precedente e citato “Woe is the Reward” Antikatechon
aveva fatto un notevole “balzo in avanti” in questo senso…
Ma è solo nel presente “I Feel
Nothing But Repulsion” che Davide Del Col espande il raggio d’azione a 360
gradi, è solo qui che “apre” tutte le porte, che “scandaglia” gli spazi in ogni
direzione, che va a ricercare il dettaglio in ogni dove, che esplora il suono e le trame con la più
sincera brama di conoscenza e il più fine spirito di osservazione….
E’ solo qui che nulla è precluso,
nulla è scontato, nulla è “codificato” a priori…
E’ qui che l’universo sonoro di
Antikatechon esplode in tutta la sua (pur talvolta intenzionalmente dimessa)
magnificenza, portando a compimento un album che è al tempo stesso uno
straordinario punto di arrivo, e un’altrettanto straordinario punto di
partenza, per quelle che saranno, nel futuro, le nuove possibili “derive”
soniche del progetto Antikatechon.
La quasi “epica” title track,
sviluppata intorno a droni elettrici circolari, masse di suoni saturi, fragori
metallici, parti ritmiche pulsanti, oceani di distorsioni, e semplici ma
evocativi giri melodici di chitarra elettrica, vale da sola l’acquisto del CD…
Senza dimenticare, ad esempio, le
suggestioni crepuscolari e “notturne” di “And All My Dreams, Torn Asunder”,
costruite intorno a toccanti parti di piano di Philippe Blache/ Day Before Us,
o il “monolitico” brano introduttivo, “The Epitome of Ingratitude”, quasi
tredici minuti di oscure e magmatiche stratificazioni sonore in continua, lenta
metamorfosi…
Impianto grafico perfettamente in
linea con il contenuto musicale, basato su immagini piuttosto inquietanti, in
particolare vecchie e degradate foto in bianco e nero con ritratti di donne e
bambini (e un gatto…) a cui è stato “abraso” il volto…
Probabilmente il miglior album di
Davide Del Col, anche considerando gli altri suoi diversi progetti musicali e
le varie precedenti collaborazioni.
(Giuseppe Verticchio)
Working under the moniker
of Antikatechon, Davide Del Col has published a number of classic dark ambient
releases for Silentes and Rage In Eden.
His musical universe
voluntary invites the listeners to travel through deep and eerie soundscaping
experiences which profoundly affect our emotions, generate powerful image and
vivid metaphors about human finitude, psychic confinement and the otherworld.
This new album entitled
"I Feel Nothing but Repulsion" carries on Antikatechon’s aesthetics
for isolationist soundscapes, bleak noises and darkly industrial musical
excursions.
Piano melodic phrases are
brought up by the French neoclassic ambient project Day Before Us on one track,
while the ethno-ritual and eclectic droning based project Nimh is featured on
one epic piece of the album.
This release is beautifully
accompanied by enigmatic and ominous photographs of Bactrian Arts.
With its melodious mystical
resonances, disembodied guitar drones and nasty noisy incantations "I Feel
Nothing but Repulsion" is an essential opus in the post industrial and
doom ambient world.
Rage In Eden is pleased to
present this new album to the audience.
(Rage in Eden)
Apart: Across the Empty
Night (CD 2008 - Final Muzik)
[
http://www.myspace.com/apartlyseconds ]
Dopo aver messo a segno fin dal 2004
diverse produzioni molto interessanti di progetti/artisti quali Teho Teardo,
Mariae Nascenti, Corpoparassita, Maurizio Banchi, We Wait for the Snow,
l'etichetta italiana Final Muzik pubblica ora questo eccellente album di
debutto del progetto "Apart", dietro il quale si cela Francis M. Gri,
ex componente e cofondatore degli All My Faith Lost. Nove tracce estremamente
suggestive, atmosfere crepuscolari e notturne, malinconiche, dolcemente
evocative, dipinte come un acquarello attraverso delicate melodie, suoni
raffinati ed eleganti (sintetizzatori ma anche pianoforte, violoncello...), e
attraverso le affascinanti parti cantate degli "ospiti" Alberto
Milani, Daniele Stefanuto, nonchè Viola Roccagli del già citato progetto All My
Faith Lost che, grazie alla sua splendida voce, contribuisce in particolar modo
alla traccia più straordinaria e incredibile del CD, la conclusiva "Fading
Tears", cha da sola basterebbe a consigliarne l'acquisto... Per gli amanti
del genere assolutamente da non perdere.
(Giuseppe Verticchio)
Apart is the music project
by Francis M. Gri, "Across The Empty Night" is his official debut,
though he already released a few private demo CDs. Francis has been member and
co-founder of well-known ethereal Italian act All My Faith Lost, until "In
A Sea, In A Lake, In A River..." band's official first release.
"Across The Empty Night" is a fabulous dark album, developing new
influences and sound structures. The songs alternate male (by Daniele Stefanuto
and Alberto Milani) and female vocals (by Viola Roccagli of All My Faith Lost...),
building a bridge between the ethereal music past and current moody/somptous
identity. Fans of obscure dark/etehreal sounds, Projekt Records, cloudy
postrock, Antimatter and - of course - All My Faith Lost will 100% love this
album!
(Final Muzik)
Aqua Dorsa: Cloud Lands (CD 2009 - Glacial Movements)
[
http://www.enricoconiglio.com ]
Una piacevole scoperta questo
"Cloud Lands" di Aqua Dorsa. Non che non conoscessi già gli autori…
Conosco molto bene la musica di Gianluigi Gasparetti/Oöphoi fin dai tempi del
suo primo CD "Three Lights at the
End of the World", uscito nel 1996 per la "mitica" etichetta Hic
Sunt Leones di Stefano Musso/Alio Die, e ugualmente ho avuto modo di ascoltare
gran parte della produzione musicale del "collega" Enrico Coniglio. Non avevo però idea di cosa aspettarmi da
questa collaborazione… Fin da quando tempo fa Enrico mi parlò di questa
possibilità, non riuscivo ad immaginare in che modo i due "artefici"
di questo album avrebbero potuto operare per realizzare la musica ora qui
archiviata, e soprattutto non riuscivo a immaginare quale "direzione
stilistica" avrebbero potuto
intraprendere insieme, apparendomi piuttosto "distanti" sempre
stilisticamente parlando, i lavori in solo dell'uno e dell'altro artista che
avevo già avuto modo di ascoltare.
Ebbene… il risultato di questo
primo incontro è sicuramente degno di nota, e probabilmente superiore alle mie
iniziali aspettative. L'impressione che si ha è che l'abbinamento tra la
pluriennale e consolidata esperienza di Gianluigi Gasparetti, artista legato da
sempre ad una musica ambient d'impronta più "tradizionale" e di forma spesso "oscura", e l'
"energia" e il desiderio di innovazione di un artista comunque più
"giovane" come Enrico
Coniglio, sia stato l'elemento determinante alla buona riuscita di questo
album, che unisce in modo elegante, "snello", efficace e convincente, gli elementi tipici
della musica di Oöphoi, quindi drones, statiche trame ambientali, sonorità
d'impronta più "profonda" e introspettiva, ad elementi di tipo
diverso, quindi suoni più marcatamente elettronici, inserti ritmici, voci,
persino "discrete" e mai invadenti divagazioni
"glitch" (perdonatemi la
"parolaccia"…) che arricchiscono le composizioni e le tessiture
sonore restituendo un risultato che, personalmente, ho trovato molto
suggestivo, coinvolgente, e persino più interessante di quanto prodotto
singolarmente dai due negli anni più recenti.
(Giuseppe Verticchio)
"Cloudlands" is
the collaborative result of two Italian musicians of the ambient scene -
Gianluigi Gasparetti, known as Oophoi and Enrico Coniglio. Unlike the dark and
isolationist tendency of most editions from this fine Roman label, this CD
shows an ethereal and atmospheric sound that you can guess by its title. The
seven tracks of Cloudlands are based on warm drones, often accompanied by
metallic bowls and chimes that seem touched by the breeze, with glitches and
clicks a bit all over the place, but with great economy of means and a never
saturated sound. "Zero Gravity" induces an unhealthy lethargy,
evolving in a way that leaves behind the sound elements until there is no more
than remaining silence. But it is emblematic of Cloudlands album by its
construction at different sound layers, the transparency and depth they have,
preserving a complete sharpness. On the other way, "Syhan" is a track
that unfolds in four significantly different parts, according the loops and
samples which they include. As for "Alone In The Rising Fog", the
album's longest track, it is also the most crepuscular, with a mechanical tone
and the occasional passage of human figures that suggest the future that never
happened - not that future glimpsed through the transcontinental zeppelins of
the Thirties, but the a far more daunting future given by the character of Robur,
a Jules Verne creation at the end of nineteenth century. Cloudlands is, in
short, an album of electronic music that sounds organic, virtually without
beats, where the sound of the guitar, the piano, the bowed instruments, and the
distant voices, transport the listener to a place without time, into a diffuse
dream, where the open spaces of ambient are composed (or decomposed) into
particles of microsound. A unique and successful approach, which is the great
achievement of this AquaDorsa's CD.
(Distorsom)
Archetti Luigi: Transient Places (CD 2004 - Unit Records/Stv-Asm)
[ archetti@bluewin.ch ] [ http://www.luigiarchetti.com ]
Un CD realizzato in coproduzione tra
l'autore e la Unit Records, molto interessante e particolare, suggestivo,
inconsueto, che racchiude in sè in modo chiaro e perfettamente integrato, e in
una forma sicuramente molto personale, le influenze che da anni sono alla base
della musica di Luigi Archetti. Suoni e strutture compositive minimali,
miscelate ad atmosfere di tipo para-ambientale, talvolta scure e drone-based,
alle quali si alternano, o sulle quali si inseriscono, elementi di più spiccato
sperimentalismo, frammenti di rumorismi elettronici e non, feedbacks, strane
risonanze, cupi riverberi, correnti elettriche... "Transient Places"
propone quindici tracce, solitamente di durata piuttosto breve, che pur
caratterizzate da una certa frammentarietà, stupiscono per come riescono
ugualmente a "legare" tra loro, e risultare nel loro insieme e nel
loro susseguirsi estremamente organiche e coerenti, complementari e
sostanzialmente "fluide"... Un album da ascoltare sicuramente con
molta attenzione, con un buon impianto stereo, e ad un volume ragionevolmente
sostenuto, e che si lascia apprezzare maggiormente al secondo ascolto e a
quelli ancora successivi, quando si ha già ben chiara la struttura, la dinamica
e la "logica" della proposta musicale di Luigi Archetti, e non si è
quindi in qualche modo contestualmente "impegnati", durante
l'ascolto, a cercare di coglierne e delinearne l'essenza e la
"classificazione", impresa peraltro piuttosto ardua in quanto si
tratta di musica di difficile "etichettatura". Volendo esprimere
delle preferenze, potrei dire che trovo particolarmente riusciti ed efficaci i
brani d'impronta più "scura" e statica, quelli dai suoni più lunghi e
"morbidi", le situazioni in cui Luigi Archetti riesce a dilatare i
tempi d'intervento, costruendo, per lenta sovrapposizione di suoni in
evoluzione, emozionanti atmosfere "in crescendo"; i brani che, in sostanza, presentano una
struttura meno astratta, "spezzata" e frammentaria, prediligendo un
andamento più "progressivo" e in un certo senso più "lineare"... Le tracce, prive di
titolo, sono identificate solo da un
numero progressivo, e tra esse voglio segnalare in particolare le prime tre,
molto statiche, per lo più oscure e d'impronta "ambientale", l'ottava
traccia, molto "potente" e d'atmosfera, la tredicesima, molto
"profonda" e quasi drammatica nel suo incedere, e la tesa,
"gorgogliante" e "sotterranea" traccia conclusiva.
(Giuseppe Verticchio)
Music in the here and now.
An event in an everyday situation. A connecting link between actual occurrences
and the deepest depths of one's inner world. A balancing act between total
control and the inexplicable. An acoustic journey through the present. It is
with ears that Luigi Archetti journeys into the guitar's pick-up, to the limits
of the audible. He hears, listens and gathers until he has a whole depot of
sounds at his disposal, which he then process by structured planning or by
unpremeditated layering. Through digital re-mastering various elements like
E-guitar sounds recorded live, string trio sounds and analytical sound worlds
are brough together. The resulting music is one which organizes itself in a
sequence of interwoven sounds and pauses, alternating between iconic and
iconoclastic moments, at the same time referential and confusing. These are
sound-scapes in the present and in memory. Sound - the language and the
material of sound - is what Archetti is interested in. He focused and
crystallizes a quiet listening to the sound and provokes a listening into
oneself, an experiencing of pure sound existence. This is a letting-oneself,
the spaces of one's memories, of longing, of sorrow or joy. This music is a
real as it metaphisycal. The music - it's very presence - is continuously
questioned. It drift along, one cannot hold on to it. One moment it is here and
in the next it is suddendly gone.
(Falk Lenn)
Archetti Luigi: Februar (CD
2005 - Unit Records/Stv-Asm)
[ archetti@bluewin.ch ] [ http://www.luigiarchetti.com ]
Un CD che ho apprezzato a metà.
Durante l'ascolto di "Februar", realizzato in coproduzione tra
l'artista, la STV/ASM (un' associazione di musicisti svizzeri) e la Unit
Records, ho dovuto rilevare, con un po' di dispiacere, che in questo nuovo
lavoro Luigi Archetti ha fatto prevalere, e ulteriormente estremizzato, quegli
aspetti rumoristici, frammentari e astratti che, seppure in forma meno marcata
e preponderante, avevo potuto osservare già nel precedente CD. Composizioni
molto "spezzate" e discontinue, suoni spesso aspri e taglienti,
scricchiolìi e cigolìi, stavolta prendono il sopravvento in molte tracce
presenti sul CD, muovendosi in direzione opposta rispetto alle mie aspettative
e al mio desiderio di una musica ancora
più "coesa" e fluida, più volta al desiderio di far
"emozionare" che non all'obiettivo di "colpire" e in un
certo senso "provocare" l'ascoltatore... Per fortuna non mancano
parti, anche ampie, in cui gli aspetti
che avevo maggiormente apprezzato in "Transient Places" tornano a
farsi apprezzare, parti che possiamo ritrovare in varia forma e misura nei
brani (anche qui identificati solo da un numero progressivo) 1, 2, 4, 5, 10,
11, 13, 14; ma la tendenza che sembra prevalere nel CD è comunque quella di una
musica un po' troppo "sacrificata" al rumorismo e alla
sperimentazione estrema, che certo troverà ugualmente un'ampia schiera di
consensi, ma che personalmente trovo un po' "sterile" dal punto di
vista prettamente emozionale, e che, più semplicemente, "fatico" un
po' ad ascoltare... In attesa di conoscere in quale direzione evolverà la
musica di Luigi Archetti, e quale sarà la "forma" prevalente che essa
assumerà in un futuro CD, mi sento di consigliare "Februar" soprattutto
a chi è solito "nutrirsi" di sonorità piuttosto estreme e talora
quasi "ostiche", tornando a suggerire il precedente "Transient
Places" a chi invece desidera approcciare in modo più "morbido"
ed emozionale alla musica proposta da questo artista.
(Giuseppe Verticchio)
Archetti
Luigi: Fragments on Speed, Slowless and Tedium (CD 2008 - Domizil)
[
http://www.luigiarchetti.com ]
Diciannove
"frammenti" di musica, di una durata variabile da un minuto e mezzo a
sette circa, identificati semplicemente da un numero progressivo. Una confezione
in cartoncino e un'immagine di copertina decisamente semplice ed essenziale, un
titolo invece decisamente meno "sintetico" ma che descrive già
abbastanza compiutamente le intenzioni e l'"impronta" musicale del
CD. Musica che evidentemente non vuole
essere d'impatto, non intende "trascinare", "emozionare"
nel senso stretto del termine, ma che più "modestamente", in modo
piuttosto freddo e apparentemente "distaccato", ma non per questo
necessariamente meno efficace nel risultato finale, vuole "suggerire"
frammenti più o meno lunghi di materiale sonoro costruito attraverso strutture
piuttosto semplici, poco elaborate, quasi minimali direi, e suoni anch'essi
piuttosto "essenziali" ma al tempo stesso ricercati, ben selezionati
e non affatto banali. Tra le note che accompagnano il CD leggo che la sorgente
sonora dei diciannove "frammenti" è costituita da improvvisazioni di
chitarra elettrica, il cui suono è evidentemente spesso riconoscibile (talora
compaiono frammenti persino "melodici"), ma che, evidentemente
effettata, trattata, rielaborata e in vario modo manipolata, non sembrerebbe
essere, all'ascolto, l'unica ed esclusiva sorgente sonora. Il CD scivola via in
modo fluido, elegante, coerente, sicuramente piacevole e a tratti persino
"accattivante". Certo non fa "sobbalzare" dalla poltrona,
ma non credo proprio che questo tipo di "reazione" rientrasse nelle
intenzioni dell’artista. Nonostante la dichiarata e innegabile
"frammentarietà" delle singole parti costituenti il CD, c'è da dire
che il lavoro nel suo insieme appare invece decisamente omogeneo e coeso,
sostanzialmente ben fatto, e sicuramente consigliabile soprattutto a chi,
avvicinandosi all'ascolto, più che ricercare "forti emozioni", si
aspetti "semplicemente" un'ora circa di piacevole materiale sonoro,
sicuramente fuori dagli schemi, "discreto" ma non anonimo,
"essenziale" ma non semplicistico.
(Giuseppe Verticchio)
Source
material for the nineteen Fragments are recorded improvisations with the
electric guitar. In a process of cutting, re-arranging and transforming, on
which he has worked for several years, Archetti explores the possibilities and
limitations of reduction and the states of transformation of recorded musical
material. Archetti describes his work in Fragments as a process of crystallisation.
In chemistry, this process is described as a liquid-solid separation technique:
Acoustic states transform until they reach their solid state.
(Domizil)
Balbo
Fausto: Login (CD
2012 – Afe Records)
[
http://www.aferecords.com ]
Come i
“frequentatori” di Oltre il Suono probabilmente già sanno, la musica basata su
suoni di matrice prettamente elettronica non è quella che preferisco.
Abitualmente per i miei ascolti ricerco suoni di natura più “organica” e musica
che unisca ad una quasi inevitabile presenza di suoni sintetici una sostanziale
presenza di materiale sonoro di origine acustica, o, in senso più generale,
“naturale”. Nonostante questa premessa debbo dire che non ho pregiudizi di
sorta, e avendo già avuto occasione di ascoltare, e anche apprezzare, il
precedente CD di Fausto Balbo in collaborazione con Andrea Marutti “Detrimental
Dialogue”, mi sono avvicinato al presente “Login” con grande curiosità… Ebbene,
l’impressione che ho avuto, nonostante le mie personali “idiosincrasie” verso
alcune sonorità, è stata quella di un album fortemente ispirato, di grande
spessore e di grande fascino. Se solo Fausto Balbo riuscisse a “contenere” un
po’ i massicci inserti di “disturbi elettronici”, facendo prevalere gli
elementi più “organici”, drammatici, anche “melodici” se vogliamo già presenti
nella sua musica ma spesso letteralmente “sommersi” tra masse di sibili e
ronzìi, sicuramente la sua musica aprirebbe una grossa breccia nel mio cuore.
Alcuni giri armonici, di sequencer, linee di basso, alcune strutture e
progressioni sono infatti assolutamente straordinarie e toccanti, come ad
esempio in “Harvester of Bits”, “Virus Scan”, o ancora di più nell’esaltante
“Hardmysticmeeting”, o nella “nostalgica” (per così dire) “camminata con Klaus”
della nona traccia, ma non sempre trovano lo “spazio fisico e temporale”, l’ “aria”, la “rilevanza strategica” che
meriterebbero; oppure, a volte, vengono “sacrificate” prematuramente a
preponderanti miscele elettronico-rumoristiche. Dal punto di vista della
curiosità è senz’altro impressionante l’effetto della “zanzara dentro la testa”
ottenuto in due tracce attraverso le DPOAE (Distortion Product Otoacustic
Emissions), cioè le Emissioni Otoacustiche ben descritte nelle note di
copertina, seppure, è necessario dirlo, tali tracce sono evidentemente un mero
esperimento sonoro mirato a far provare agli ascoltatori questo curioso e poco
conosciuto fenomeno acustico. In sintesi, debbo dire che di fronte a tanta
banalità che circola in ambito elettronico-sperimentale, nonostante la mia
personale scarsa empatia verso sonorità d’impronta spiccatamente elettronica,
la “genuina” e ispirata ricerca “sperimental-emotiva” di Fausto Balbo merita un
gran plauso, e questo “Login” rimane una tra le scoperte più interessanti di
questo 2012.
(Giuseppe Verticchio)
Cool
experimental sound compositions from Italy's Fausto Balbo. This creative
gentleman began making music in the late 1980s and has been pushing the
boundaries of sound ever since. "Login" is an intriguing album
because it not only presents sound as music...but it also incorporates some
very slight musical elements into the equation that give listeners the ability
to follow some concrete subtle melodies while their minds are being expanded.
The electronics on these tracks combine blips and bleeps reminiscent of early
pioneers from the 1970s...while other sounds are most definitely twenty-first
century in nature. There's a great deal to take in here in terms of sound and
creativity. We can only recommend this to folks who are into far out
experimental stuff - this is probably a bit much for folks who simply want
something catchy to dance to (heh heh heh...). This fellow is obviously on top
of his game and knows how to use technology to his advantage. Eleven bizarre
tracks here including "Login", "My Chatroom...My Life...My
Distress", "Walkin' With Klaus" and "Will Future Man
Develop A Third Ear?". Super smart and inventive music from another
dimension... TOP PICK!
(Babysue)
Balestrazzi
Simon: The Sky is Full of Kites (CD 2012 - Boring Machines)
[
http://www.boringmachines.it ]
Caratterizzato
da una qualità del suono estremamente nitida e dettagliata, che predispone
positivamente all’ascolto fin dai primi minuti, questo album raccoglie tre
lunghe tracce dai movimenti lenti, progressivi e dilatati, costruiti con
un’infinità di suoni stratificati di diversa origine (elettronica, acustica,
suoni concreti…) selezionati e miscelati con
grande gusto e grande cura, tanto da non apparire come il “solito”, più
o meno articolato assemblaggio al PC di
suoni sparsi e improvvisazioni raccolte e riunite in modo pseudorandomico e
molto autoindulgente, ma riesce ad andare “oltre” questo limite che invece
molte produzioni odierne d’impronta analoga non riescono a oltrepassare.
L’approccio compositivo è probabilmente simile, ma in questo caso una certa
esperienza e perizia tecnica, unita alla capacità di “scegliere” suoni non
dozzinali, evitando ad esempio
eccessivi “sintetismi elettronici” e onnipresenti e ridondanti
scricchiolìi “glitcheggianti”, ricercando
un suono generale tanto ricco di elementi diversi quanto “organico” allo stesso
tempo nella sua miscela d’insieme, riescono a restituire un risultato notevole
e di sicuro fascino. E’ comunque nella seconda traccia, “Persistence of
Memory”, che la musica trova la sua espressione più alta e la sua forma più
convincente, grazie sia ad un utilizzo di suoni ancora più particolari, tra i
quali emergono alcuni spunti in qualche
modo più “musicali”, quasi-melodici e
“caratterizzanti”, sia ad una forma compositiva più finemente strutturata ed
emotivamente coinvolgente, che restituisce un efficace senso di “progressione”,
continuità e “tensione” sicuramente più marcato rispetto alle altre tracce,
dipingendo una sorta di “mantra” elettroacustico dai connotati fortemente
ipnotici ed evocativi.
(Giuseppe Verticchio)
Becuzzi
Gianluca/Orsi Fabio: The Stones Know Everything (CD 2007 - Digitalis
Industries)
[
http://www.kinetixlab.com ]
[
http://www.fabioorsi.blogspot.com ]
Premetto e
"confesso" che prima d'ora non avevo mai ascoltato nulla di Gianluca
Becuzzi, mentre invece già conoscevo qualcosa di Fabio Orsi, in particolare le
sue prime sperimentazioni sonore realizzate alcuni anni fa in forma
autoprodotta su CD-R, siglate "fAb". Quando ho ricevuto il presente doppio
CD, unitamente al più o meno contemporaneo "Wildflowers Under the
Sofa" (sempre realizzato in collaborazione con Gianluca Becuzzi), ero
davvero curioso di vedere in che modo e in che direzione fosse evoluta nel
tempo la musica di Fabio Orsi, anche perchè avevo avuto modo di leggere
impressioni d'ascolto e giudizi sempre molto lusinghieri da parte di chi, come
me, dedica parte del suo tempo ad ascoltare CD e commentarli in forma di
recensione su qualche webzine. Non nego che sovente mi trovo in netto disaccordo
con quanto mi capita di leggere a proposito di uscite di CD in ambito
sperimentale e dintorni, mentre invece questa volta mi sono trovato in piena
sintonia con quanto altri, prima di me, avevano già scritto di buono a
proposito della più recente musica di Gianluca Becuzzi e Fabio Orsi. Trattasi
di una musica che trova un suo perfetto equilibrio tra "quiete"
atmosfere para-ambientali, moderata sperimentazione, parti un po' più
"suonate" e "musicali", spesso a base di chitarra, sempre
ben "dosate" e "discrete"; il tutto evitando banali e
scontati suoni di sintetizzatori elettronici, evitando il molto diffuso ed
eccessivo utilizzo di field recordings, e riuscendo a restituire un risultato
che, pur nella sua apparente "modestia espressiva", risulta invece
estremamante intenso, "caldo" ed emozionante. Ho parlato di atmosfere
"para-ambientali", ma voglio sottolineare come la proposta di
Gianluca e Fabio si discosti decisamente da quelle specifiche
"varianti" di musica ambient eccessivamente "anonime" e in
un certo senso quasi "trasparenti ", quando non addirittura noiose,
spesso adatte soltanto come sottofondo di "riempimento" e impiegate più che altro in forma di
"tappezzeria sonora". Ciò che si apprezza inoltre è l'ottima qualità
del suono, unita ad una cura estrema, precisa, millimetrica dei missaggi, degli
andamenti, delle dinamiche dei brani, dei fade-in e fade-out delle singole
parti, che dimostra peraltro, oltre a doti di grande "pazienza" e
sapienza tecnica nell'elaborazione e montaggio del materiale sonoro, anche
estremo buon gusto e senso della misura e della "musicalità", anche
laddove non si possa parlare di "musica" intesa nel senso più
tradizionale del termine. "The Stones Know Everything" è sicuramente
uno dei lavori di maggiore spessore e di maggiore "personalità" che
ho avuto modo di ascoltare negli ultimi tempi. Procuratevelo senza
esitazione... ve lo consiglio caldamente.
(Giuseppe Verticchio)
Becuzzi
Gianluca: (B)Haunted (CD 2014 – Silentes)
[
http://www.silentes.net ]
Pur
trattandosi della raccolta e riedizione in unico CD di due diversi lavori già
pubblicati in precedenza attraverso diversi canali e supporti (“Haunted” per
Cèrebro Morto su Tape e CD e “B” per Silentes Tapestry su Tape), il presente
album riunisce brani perfettamente omogenei per genere e sonorità, tanto da
poter apparire come un CD “a sé stante” se le note di copertina non ne
rivelassero l’ effettiva natura.
Otto
tracce per più di settantatrè minuti di oscuri e rimbombanti sferragliamenti,
cigolii, colpi percussivi profondi e riverberati, a tratti ordinati in forma
quasi ritmica, spesso lasciati risuonare più liberamente in spazi più ampi e in
forma meno strutturata, costruiti attraverso l’uso quasi esclusivo di suoni di
oggetti metallici di difficile identificazione… forse lastre, taniche, bidoni,
cerniere, arrugginiti ingranaggi, catene e quant’altro.
Questo
“groviglio” di suoni di origine metallica è talora arricchito di elementi di
altra origine di altrettanta difficile identificazione… profondi drones, striduli sibili, voci
umane…
Il
risultato finale è esattamente quello che si può immaginare… una sorta di lungo
e poco “rassicurante” “viaggio” notturno tra atmosfere fumose e inquietanti,
attraverso immaginarie, oscure e sinistre location dal sapore molto cinematografico
all’interno delle quali si alternano momenti di maggiore “azione”, impatto e
drammaticità, a momenti più statici, “tesi” e dilatati.
(Giuseppe Verticchio)
Berardi Luigi: Un Portatore d'Arpa in Cina (CD 2002 - LB)
[ luigi.berardi@libero.it ] [ http://www.luigiberardi.com ]
Un affascinante documento sonoro,
quasi il diario di una straordinaria esperienza artistica e di vita, che, a
partire dalle registrazioni in loco delle 100 arpe eolie installate nel 2000
dall'artista lungo la Grande Muraglia Cinese, nella zona del monte Jiao, si
estende progressivamente alla registrazione del paesaggio sonoro dell'ambiente
circostante, prima tra praterie e ruscelli, stridìi di grilli e cicale, poi
fissando "immagini sonore" di vita quotidiana in ambienti urbani,
villaggi, tra voci umane, passi, rumori di varia natura, canti, racconti
narrati, conte giocose di bambini, suoni di campane e di bacili armonici presso
un monastero, concludendosi poi con la splendida registrazione di un lungo
assolo di Pipa, uno strumento a corde tradizionale suonato dal virtuoso Wang Xuenong, anche direttore del
Museo Archeologico della Grande Muraglia, una breve ed estemporanea
"performance" di Karaoke di Kong Xiangling, organizzatore in loco
dell' evento d'arte "Cento Arpe per la Grande Muraglia", e festosi
canti intorno ad un tavolo sul quale "troneggia" una bottiglia di
grappa cinese... Il CD è corredato da un generoso booklet, riportante note varie relative all'evento, ma soprattutto
ricco di fotografie scattate dallo stesso artista nel momento in cui effettuava
le registrazioni, cosicchè è particolarmente interessante poter avere anche
l'esatta percezione visiva dei singoli contesti ambientali nei quali sono stati
di volta in volta registrati i vari "paesaggi sonori" riportati poi
in forma di tracce sul CD. Per poter comprendere e apprezzare al meglio questo
CD, e il significato dello straordinario evento artistico-culturale al quale
esso fa riferimento, suggerirei vivamente di acquistare anche lo splendido
libro/catalogo "Cento Arpe per la Grande Muraglia", reperibile sempre
presso l'artista, costituito di 60 pagine, contenente delle suggestive foto in
bianco e nero del fotografo Luo Yongjin e degli interessanti scritti di Monica
Demattè, Maurizio Giuffredi e Uta Zorzi, che, oltre a descrivere le arpe eolie,
la struttura di questo inusuale "strumento", i principi di "funzionamento",
descrivono e raccontano la storia, il significato, le circostanze, le
difficoltà, il lavoro grazie al quale Luigi Berardi, con il supporto di un' ampia
schiera di collaboratori, è riuscito a portare avanti e concludere felicemente
un progetto tanto ambizioso quanto inconsueto, un evento davvero irripetibile,
eccezionale, assolutamente unico nel suo genere...
(Giuseppe Verticchio)
Berardi Luigi: Le Arpe Eolie di Luigi Berardi - Notte (CD 2002 - LB)
[ luigi.berardi@libero.it ] [ http://www.luigiberardi.com ]
Descrivere attraverso una recensione
le vibrazioni, le emozioni che può trasmettere l'ascolto delle arpe eolie di
Luigi Berardi è praticamente impossibile,
così come è praticamente impossibile provare a descrivere il suono che
l'artista è in grado di far scaturire, complice soltanto il vento, da queste
incredibili "sculture" sonore che da anni ha imparato a costruire,
accordare ed installare, insieme ad altre altrettanto affascinanti strutture sonore quali le macro-conchiglie
per "abitare" e ascoltare il mondo, le campane per
"assonare" giardini, gli organi eolici... L'assoluta unicità e
irriproducibilità del suono delle arpe eolie
è forse proprio la ragione principale per cui tali installazioni sonore
ci affascinano e ci stupiscono così tanto... Una corda messa in vibrazione dal
vento produce, oltre alla nota di base stabilita attraverso l'accordatura, una
grande quantità di armonici naturali, variabili in quantità e
"presenza" a livello di volume a seconda della direzione e
dell'intensità del vento... Tale suono, o meglio tale imprevedibile e
continuamente cangiante combinazione di suoni, risulta profondamente diversa da
ciò che un uomo potrebbe ottenere sollecitando manualmente il medesimo
"strumento". Questo fantastico CD di Luigi Berardi , interamente
registrato la notte del 29 aprile 2001 a S. Alberto in provincia di Ravenna sull'argine del fiume Reno durante
l'evento "Le Torri al Vento", contiene quasi un' ora di spettacolari
registrazioni di splendidi suoni di arpe eolie, suddivise in cinque tracce non
ritoccate a livello di volume in fase di editing per non alterare l'effetto
delle dinamiche naturali del vento. Certo il suggerimento migliore che potrei
darvi sarebbe quello di informarvi sui prossimi eventi che vedranno
protagoniste le arpe eolie di Luigi Berardi, e provare direttamente sul luogo
delle installazioni sonore l'emozione dell'ascolto del suono delle sue arpe...
Ma se per qualsiasi ragione non ne avete la possibilità, se non avete la
pazienza di attendere la prossima installazione sonora di Luigi Berardi, o più
semplicemente vi siete incuriositi leggendo dell'attività di questo
straordinario artista e dello splendido suono delle sue arpe eolie, procuratevi
subito questo magnifico quanto inconsueto CD e lasciatevi condurre, attraverso
il suono magico delle arpe eolie di
Luigi Berardi, in una ventosa e suggestiva notte d'aprile lungo i margini del
fiume Reno...
(Giuseppe Verticchio)
Bianchi Maurizio/Iversen Jan-M.: Rekviem MB-JMI (CD 2011 – Silentes)
[
http://www.silentes.net ]
Statici e
quieti fondi ambientali monocordi su cui si sovrappongono in alternanza
pulsazioni elettriche, agglomerati di rumore rosa, inserti di ovattate field
recordings, crescendo di profondi drones, fruscii elettronici, scricchiolìi,
disturbi, onde radio, scroscianti maree sintetiche, stratificazioni di loops
riverberati di frammenti melodici tintinnanti, gravi accordi d’organo, sfibrate
e consunte sequenze armoniche … Un’
unica lunga traccia che attraverso progressivi ed efficaci cambi d’atmosfera
sviluppa un affascinante e coinvolgente percorso sonoro, nei territori di una
ricercata post drone-ambient music dal
marcato sapore sperimentale.
(Giuseppe Verticchio)
A
"classic" minimal ambient album; just one long track, a bit obscure,
of a static nature but unarrestable as a matter of fact and slowly developing,
built with layers of soft and “round” sounds, heavily processed and effected,
whose origin seems to be an organ... "Atypical" for sure, if
confrontated with the huge and widely diversified productions of Maurizio
Bianchi, this new album is probably one of the last and not to be missed
releases signed by “M.B.”, since he has already announced his definitive
departure from the musical scene. Another extraordinary collaborative CD,
involving this time Jan-M. Iversen, an artist of international fame who managed
to enrich and elaborate with great effect the "sound materials"
provided by Maurizio Bianchi.
(Silentes)
Biasthon: Litam (CD-R 2001
- Autoproduzione) (G. Verticchio, M. Ramassotto, A. Scerna)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
In Litam viene fatto ampio uso di
strumenti etnici raggranellati ai quattro angoli del pianeta: il risultato
mantiene indubbiamente la vibrante briosità di colori delle musiche etniche,
trasfigurata però dai trattamenti e dall’utilizzo di elettroniche in una sorta
di minimalismo memore di certe operazioni portate a termine dai portoghesi Osso
Exotico.
(Etero Genio - Blow Up)
...About sixteen different
ethnic instruments plus a whole blend of computer tricks have been used to put
this together. There's an insane feeling scattered all over, as if a
badly-burned Throbbing Gristle disc got stuck in the player playing the same
fragments in malicious loops, and then somebody takes over with oblique
electronics and organic wails, that blends quite nice with the rest. Joking
apart, this stands in the dark ambient department, drone-driven and dazingly
melodic, lowercase almost, with occasional full front climaxes, that makes it
worth of more than a few listening... reminded me of Raksha Mancham, if you
remember them, not only for the sound sources used, but also for a similar
compositional taste. An important release, anyway, in which several timelines
threads are bound together and presented as a platform from which the future
could easily depart. High quality colour prints on solid cardboard, sort of how
a digipack would look less the plastic.
(P. Ippoliti)
Boccardi Alberto: Alberto Boccardi (CD 2012 - Fratto9 Under the Sky)
[ http://www.fratto9.com ]
Articolata, illuminata e illuminante
proposta musicale in disinvolto quanto efficace e originale equilibrio tra
ricerca sperimentale, elettronica, rumorismi, quiete ed ipnotiche stasi
ambientali, sonorità hi tech, discreti inserti melodici, dirompenti linee di
basso, parti di batteria, pulsanti e trainanti “crescendo”, suggestivi suoni
liquidi di chitarra elettrica arricchiti di marcati delay, improvvise ed imprevedibili
“esplosioni” dinamiche… Convincente
album solista d’esordio per Alberto Boccardi, apprezzabile sia per la quantità
e l’originalità delle idee, che nascono anche da un ampio e intelligente
abbinamento di sorgenti sonore di tipo eterogeneo (qui non siamo certo nel
campo della “solita” musica elettronico-sperimentale realizzata soltanto con un
laptop, qualche software audio e campioni sonori “rubacchiati” qua e là sulla
rete…), sia per la cura e l’attenzione nella qualità “tecnica” della realizzazione,
sia ancora per una evidente particolare sensibilità nella messa a punto delle
singole composizioni, per quanto riguarda le scelta dei “tempi”, le dinamiche,
i passaggi, le stratificazioni dei suoni… Un risultato finale che quindi è
anche emotivamente coinvolgente, e non soltanto un insieme di “bei suoni-ben
assemblati” fatti rendere al meglio attraverso un ottimo lavoro di mastering.
Per dovere di completezza desidero però fare cenno all’unico elemento che dal
mio punto di vista penalizza un quadro d’insieme che altrimenti avrei giudicato
assolutamente impeccabile. Parlo della presenza nel secondo e per fortuna
brevissimo brano (poco più di un minuto e mezzo di durata) di quell’inserto
cantato di Cinzia Delorenzi (la cui voce arricchisce invece di pregio altri due
brani del CD) d’impronta estremamente stereotipata e in stile sfacciatamente
“retrò”. Un eventuale posizionamento a chiusura del CD del medesimo brano
avrebbe sicuramente giovato sia alla “fluidità” del percorso sonoro nel suo
insieme, evitando un così brusco, estemporaneo e secondo me inopportuno cambio
di atmosfera già alla fine della prima coinvolgente traccia, sia al brano
cantato stesso, che collocato al termine dell’album avrebbe potuto risultare
invece un efficace e imprevedibile
“bozzetto sonoro” di commiato marcatamente e intenzionalmente “fuori
contesto”. Nulla di “grave” comunque, soltanto una breve e “perdonabile”
ingenuità… E in ogni caso… un ottimo CD.
(Giuseppe Verticchio)
I think many of you into
unconventional/refined music have already stumbled into this label due to
releases like Andrea Marutti, A Spiral or Jelousy Party, but this' a new
division of the label and it's focused on musicians and composers with a
minimalist, isolationist, electronic electroacoustic, whatever edge. The first
release to open the series is Alberto Boccardo, I didn't know that much about
him before this cd and even if you can't judge a book by the cover, it's a good
debut both for the label and for the musician. Boccardo works on melodic,
cinematic textures not too far from Ben Frost, Tim Hacker or music in the
likes, even if I can assure you guitar is not is main element in most of the
tracks, it looks like he's a guitarist (by the way who's not a guitarist in
2012?!). Even if this' a collection of "compositions", the
ambient-electronic influence in many of the track is always pulsing underneath,
this is not exactly electronic music and there's no intention to be filed under
this category but as I've said I think the genre is overshadowing this work.
I'm sure many critics will be complaining about some passages including the use
of the soft melodic female vocals in the second track, but I totally approve
the end result and you know why? Because despite the intensity e the phatos of
the music, Boccardo managed to maintain a light touch there so if you're
looking from some isolationist-post industrial heaviness stay away. Thumbs up
to this young guy.
(Andrea Ferraris - Chain DLK)
Borga Ascanio: Altered States (CD 2015 – Sonic Boundaries)
[ http://www.ascanioborga.com
]
Dopo diversi CD-R autoprodotti, uno
uscito per AFE Records nel 2008, e diversi anni di silenzio, Ascanio Borga
torna alla grande con un doppio album, questa volta pubblicato su “vero”
supporto CD stampato, realizzato per la sua neonata etichetta “Sonic
Boundaries”.
“Altered States”, questo il titolo, è
molto distante dalle sonorità più elaborate, “musicali”, di matrice ambient
rituale del precedente “Xenomorphic”.
L’esplorazione questa volta ruota
tutta intorno ad una chitarra elettrica variamente effettata, con la quale
Ascanio affronta un lungo viaggio “dronico”, alternando sonorità distorte, a
tratti aspre e incisive, masse più “rumorose”, ad atmosfere più dilatate,
rarefatte, dai movimenti lenti e circolari.
Dodici tracce (che potremmo quasi
definire “movimenti”) equamente suddivise in due CD, registrate in diretta,
senza aggiunta di sovraincisioni o ulteriori effetti, soltanto rielaborate il
minimo indispensabile in fase di mastering, senza alterare la “sostanza” e gli
“umori” delle performances originali, ma soltanto valorizzandone timbrica e
dinamica per una migliore fruizione su CD.
Le registrazioni, stilisticamente
omogenee e ben “organizzate”, risalgono tutte al 2010/2011, e quindi ci
aspettiamo presto un “seguito” sempre su “Sonic Boundaries”, sia che la nuova
musica di Ascanio Borga torni a percorrere sentieri così tesi e oscuri, sia che
dovesse volgere verso soluzioni “altre”.
In tanti anni di attività Ascanio
Borga ha dato prova di saper affrontare con pari “destrezza” ed efficacia
situazioni sonore anche molto diverse tra loro, quindi qualunque sia la
direzione che prenderà la sua nuova musica sicuramente non mancherà di stupire
e farsi apprezzare.
Da sottolineare, a margine,
l’eccellente confezione di “Altered States” realizzata in “ricco” digipak a sei
pennelli.
(Giuseppe Verticchio)
[
http://www.ascanioborga.com ]
A pochi mesi di distanza dall’uscita
del doppio “Altered States”. Ascanio Borga torna con il nuovo CD “Raw Science”,
sempre rilasciato attraverso Sonic Boundaries.
Se dovessi definire in modo
sintetico, e per forza di cose riduttivo, il contenuto sonoro di questo nuovo
lavoro, parlerei di un album di “elaborazioni droniche”.
Detta così il tutto suona molto più
semplicistico e banale di quanto invece è possibile “cogliere” dall’ascolto di
“Raw Science”, un CD che pur mantenendo saldi punti di contatto con il
precedente “Altered States”, si sviluppa attraverso un approccio compositivo
molto diverso (in parte anche descritto nelle note di copertina interne),
utilizzando peraltro suoni molto più “ricchi” e “vibranti” caratterizzati da
abbondanti e distinguibili componenti armoniche, realizzato con una estrema
attenzione al dettaglio, in particolare alla scelta e al trattamento dei suoni
e alla messa a punto di un master finale che, valorizzando il materiale sonoro
“di base”, segna un significativo traguardo anche per quanto riguarda la
qualità del suono e il conseguente “impatto”
in fase di ascolto.
Mettere insieme un’ora di
“elaborazioni droniche” potrebbe essere semplice se ci si limita a raccogliere
una serie di “drones” sparsi di varia origine e natura (magari recuperati in
formato compresso su internet, o ottenuti con dozzinali effetti di stretching
audio, o ancora ottenuti giocando con qualche plugin software, magari partendo
da un già “plasticoso” e piatto suono
di synth digitale) e poi a metterli insieme con uno dei tanti programmi di
montaggio audio, con semplici stratificazioni, incroci, e magari aggiungendo
qualche ridondante riverbero che, almeno nelle intenzioni, dovrebbe fare ancora
più “dark” e “profondo”…
Ebbene no… in “Raw Science” non
stiamo parlando di nulla (o quasi… posso presumere) di tutto questo…
Il lavoro di Ascanio Borga è
completamente diverso.
La scelta dei suoni… la loro timbrica
di base… il loro missaggio, le loro metamorfosi, evoluzioni, stratificazioni,
elaborazioni, sono tutti elementi ben “ponderati”, curati e opportunamente
“collocati”, mai affidati al caso o concessi a quella diffusa superficialità
che ormai vede “normale”, per molti, considerare “oscura” o musica “dark
ambient” qualsiasi rozzo “agglomerato” di rimbombanti e incontrollate frequenze
sotto i 400 Hertz…
Se siete stanchi di ascoltare musica
“drone oriented”, perché negli ultimi quindici anni, volente o nolente, ne
avete ascoltata in quantità industriale eppure non vi viene in mente neanche un
titolo di CD (o di un nuovo artista “dark-ambientale”) davvero significativo che vi è rimasto
impresso… “Raw Science” è il CD che fa per voi, e che vi consentirà di fare
nuovamente “pace” con un genere di per sé sempre valido ma che per troppo tempo
ha subito gli “abusi” di folte schiere
di “finti” manipolatori sonori dalle ambizioni ancora più modeste della loro
già inconsistente creatività.
E’ difficile soffermarsi a
“descrivere” in dettaglio le singole tracce, quattro in tutto, che di fatto
“ruotano” intorno a lenti movimenti, crescendo, stasi… costruite con suoni più
o meno elettronici (direi “più”, ma non in senso negativo perché qui non
troverete “effetti speciali” ma solo “elettronica” propriamente detta, quella
che, tanto per dire, dà origine al brano “Prima Materia” attraverso progressive
“manipolazioni” di un’onda sinusoidale) ma anche, ad esempio, attraverso l’uso di una chitarra “slide” ben
effettata e integrata in grado di arricchire di emozionanti elementi melodici
(di probabile “Rich-iana” ispirazione… del resto chi conosce bene Ascanio Borga
non può non osservare che l’ombra di Robert Rich spesso “aleggia” sulla sua
musica…) substrati più “oscuri” e meno rassicuranti…
Una curiosità… la “Porta Alchemica”
che ha ispirato il primo brano (raffigurata anche come disegno all’interno
dello splendido digipack a 6 facciate) è quella visitabile a Roma nei giardini
di Piazza Vittorio Emanuele… Se doveste
capitare da quelle parti, almeno per curiosità, andate a dargli un’occhiata.
Un CD di Ascanio Borga ai massimi
livelli.
(Giuseppe Verticchio)
Candor Chasma: Rings (CD 2012 – Old Europa Cafè)
[ candorchasma3@gmail.com ]
Una delle ragioni per cui solitamente
non mi entusiasmo davanti ai lavori di natura prettamente elettronica è dovuta
al fatto che molto spesso la qualità sonora molto “ad effetto”, dinamica,
cristallina e “impattante” dei suoni elettronici prende il sopravvento sul
resto, relegando a ruolo secondario gli aspetti più prettamente “compositivi” e
soprattutto “emotivi” che invece considero assolutamente essenziali e
imprescindibili per la messa a punto e la buona riuscita di un qualsiasi album.
Allo stesso tempo è inoltre fin troppo frequente l’abuso di “effetti speciali”
che potevano impressionare trenta o ancora venti anni fa, ma che ormai, dal mio
punto di vista, dovrebbero essere di quasi esclusivo ausilio alla produzione di
fondi sonori per film o documentari di carattere fanta-scientifico e simili.
Parlo dei classici Filtri-Apri-E-Chiudi, siluranti onde a base di pitch-bend,
“rimbalzanti” delay magari associati a imbarazzante effetto di auto panning o
rotary speaker, voci dis-umane “robottizate” e così via… Tornando al presente
“Rings” di Candor Chasma, progetto di Corrado Altieri e Simon Balestrazzi, c’è
da dire che l’album rivela fin dai primi minuti di ascolto la sua natura di
album d’impronta spiccatamente elettronica, costruito quindi con un ricco “arsenale”
di apparecchiature elettroniche (sintetizzatori, effetti, modulatori e
quant’altro…) e utilizzando le più “classiche” soluzioni e sonorità di matrice
sintetica (sibili, ronzìi, pulsazioni su frequenze basse, onde radio, voci
trattate e così via). Nonostante tutto il gran pregio di “Rings” è che pur
attingendo a piene mani alle più “classiche” sonorità e soluzioni adottate da
decenni di musica elettronica, riesce a “controllarne” con grande sensibilità e
“misura” il risultato e l’effetto finale, grazie anche ad una particolare
attenzione al processo compositivo, all’aspetto più prettamente “emotivo”, e ad
una scelta di suoni equilibrata e sostanzialmente priva delle più comuni
ingenuità/banalità che troppo spesso affliggono la musica di natura spiccatamente
elettronica. Un album quindi che “centra” l’obiettivo, senza “avvitarsi” in inconsistenti, troppo disinvolte e poco
ambiziose sinteticità, sicuramente consigliato in particolare agli appassionati
di musica elettronica che non ricerchino soltanto delle accattivanti
“collezioni” di impattanti e cristallini suoni sintetici dalla sostanziale
mediocrità, se non pochezza artistica e compositiva.
(Giuseppe Verticchio)
Candor Chasma is the new
electronic Italian duo of Corrado Altieri (Monosonik, Uncodified) and Simon
Balestrazzi (T.A.C., Dream Weapon Ritual). The band name comes from outer space
(Candor Chasma is one of the largest canyons in the Valles Marineris canyon
system on Mars) and their debut album is a 5-part hallucinogenic voyage inside
analogue whirls, multilayered textures made of tapes and white noise,
psychedelic frequencies and cerebral ambient-noise. With the duo rewrites and
revises old school industrial, creating contemporary hypnotic atmospheres and
up to date power-electronics explosions yet making full reference to the
experimental side of the grey area.
For sure a project that
will appeal to all the fans of good old-school sounds.
(Old Europa Cafè)
Coma Divine: # 10110 (CD-R
2003 - Autoproduzione) (Subinterior & Nox)
[ subinterior@email.it ] [http://www.subinterior.tk ]
Interessante ma breve (durata 23:21)
CD-R d'esordio per Coma Divine, progetto musicale che vede gli autori proporre
una miscela sonora d'impronta piuttosto oscura, una sorta di dark-ambient con
sottili venature industrial, nella quale prevalgono a momenti sonorità più
spiccatamente elettroniche. Otto tracce raccolte in un CD-R che si presenta
molto bene, con una grafica molto curata e una copertina dalle immagini molto
suggestive. Introduce efficacemente il
CD-R "To Lead a Cloistered Life", brano dalle atmosfere decisamente
"dark" che sembra condurci immediatamente in quelle stesse
ambientazioni nebbiose e immobili descritte dalle immagini della
copertina... In "Murk Part
1" i suoni si fanno più dettagliati, e gli strati sonori, più ricchi ed
elaborati, suggeriscono un senso di maggiore profondità e tridimensionalità,
mentre le atmosfere, sempre piuttosto oscure, si fanno tese e inquiete... Nel
successivo brano "Empty" compaiono dei movimenti d'impronta
decisamente più elettronica, forse un po' troppo semplici nella loro forma,
nell'elaborazione e nella stessa scelta dei suoni... Anche In "Leak"
i suoni sono spiccatamente elettronici, e ad un drone statico di sfondo si
sovrappongono, nella prima parte del brano, dei disturbi acidi e graffianti un
po' troppo "crudi" e "ad effetto", cui poi vanno a
sostituirsi una pulsazione a base di basse frequenze e altri suoni stratificati
e più dilatati, per lo più elettronici, decisamente più "discreti" ed
efficaci... Da questo momento in poi il CD-R torna nuovamente su quelle
atmosfere piuttosto oscure e molto suggestive già proposte nei primi due brani. Seguiranno infatti gli
splendidi "Internato 32", "Murk Part 2", e "Deception of Equinox", i tre
brani che costituiscono forse il vero "cuore" di questo lavoro, e il
pur sempre efficace il brano di chiusura "Morbid Emphasis". Il mio
giudizio d'insieme a proposito di "#10110" è decisamente più che
positivo. Un semplice consiglio che mi sentirei di dare agli autori è quello di
concentrarsi in futuro soprattutto su quelle atmosfere più oscure, dilatate,
tese, splendidamente descritte da molti
brani presenti in questo CD-R, senza cedere alla "tentazione" di
utilizzare suoni spiccatamente elettronici troppo d'impatto. Ciò che auspico
inoltre è che il prossimo lavoro di Coma Divine sia un CD-R di durata
"normale", caratteristica che consentirebbe di sviluppare
maggiormente e in modo più articolato ed efficace le nuove idee giacchè, quelle
riversate in questo disco d'esordio, risultano essere spesso eccessivamente
"sacrificate", risolvendosi in brani che appaiono talvolta essere
quasi dei brevi "spunti" (comunque molto interessanti e ben
realizzati) per composizioni che avrebbero dovuto essere elaborate maggiormente
e su "distanze" temporali
molto più ampie...
(Giuseppe Verticchio)
Born in 2001, Coma Divine
now debut with this self-released CD-R (with good pro-printed layout) offering
8 tracks for 23' - an uncommonly short length for the genre, but a good sign
since they keep their music tense and to the point. 8 movements, or rather
fragments, of obsessive dark ambient drones, at times verging on industrial for
the heaviness of their textures. Clean keyboard patterns mixed with heavily
processed samples, probably even some mangled field recordings. All sounding
very digital and cold. The result is pretty good, though at times I craved for
something more organic and distinctive - but a good debut nonetheless, let's
say it's in the vein of Bestia Centauri, or Acherontia Styx to stay in Italy.
(Eugenio Maggi - Chain DLK)
[
http://www.enricoconiglio.com ]
Affascinante
album in “classico” stile ritual-ambient dalla matrice oscura, costruito
attraverso cinque tracce dalle sonorità profonde ed evocative, ora più
statiche, fluttuanti, “quiete” e dilatate, ora più incisive, drammatiche,
“trainanti” e coinvolgenti… Nonostante la collocazione stilistica all’interno
di un filone piuttosto “collaudato” e, solitamente, abbastanza “standardizzato”,
c’è da evidenziare che le sonorità appaiono comunque molto ricercate, le
strutture compositive finemente elaborate, e il missaggio di suoni ed elementi
vari sicuramente ben riuscito ed efficace, tanto da far decisamente “spiccare”
questo album, non solo dal punto di vista tecnico ma anche da quello
prettamente “emotivo” rispetto a tanti altri di genere analogo. Un CD che, nel
suo lento e progressivo evolvere, sembra via via “crescere” anche dal punto di
vista “qualitativo”, quasi come se, corrispondentemente allo sviluppo
temporale, in fase di realizzazione progredissero parimenti le buone
intuizioni, l’originalità delle idee, la perizia tecnica e l’abilità nel
ricercare suoni, combinarli insieme, e costruire attraverso essi atmosfere
sempre più efficaci e coinvolgenti. Un album sicuramente consigliato a tutti
gli amanti del genere.
(Giuseppe Verticchio)
The
immense spaces and the abyssal deepness of the sea, but also the sound of the
bowels of the Earth, the colour of the sand of the desert, the energy of the
wind, the strenght of all the Elements, the infinite cycle of day and night, of
life and death… A long circular journey through interchanging atmospheres that
shake and capture, dragging with energy, then leave room for more quiet and
soothing introspective “stasis”, and again become dramatic and overwhelming, A
great, unmissable album of “classic” ritual ambient music.
(Silentes)
Coniglio
Enrico/Under the Snow: Dialogue One (CD 2011 –
Silentes)
[
http://www.silentes.net ]
Spilt
album che vede protagonisti Enrico Coniglio, di cui, sempre in “casa” Silentes,
abbiamo già recensito il recente “Sea Cathedrals”, e Under the Snow, nuovo
progetto collaborativo di Gianluca Favaron (già metà dell’altro progetto “Lasik
Surgery” insieme a Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra) e Stefano Gentile,
della cui musica avevamo potuto fino ad ora avere soltanto un piccolo
“assaggio” nell’uscita su cassetta siglata semplicemente “W”, parte integrante
di una collana di 26 tapes di vari artisti (tra cui anche Enrico Coniglio)
pubblicata da Silentes Tapestry (Collezione del Silenzio – Free Interpretations
of Silent Sounds). Le prime quattro
tracce del CD, firmate da Enrico Coniglio, sorvolano i territori di un’ambient
music abbastanza “classica”, dalle sonorità morbide ma profonde, dall’andamento
quieto e dilatato, seppure abbastanza abbondantemente “sporcate” di suoni di
matrice più “rumorosa” e sperimentale, quindi sibili, scricchiolìi, fruscìi,
crepitìi, talora di origine elettronica, talora derivanti da registrazioni ambientali,
sovrapposti o alternati a rumori concreti, naturali o di imprecisate attività
umane. Quindi un’ unica lunga traccia di Under the Snow, che pur percorrrendo
sentieri “paralleli”, evidenzia approcci e sonorità che da una parte palesano
un’impronta di carattere più sperimentale che non più tradizionalmente ambient,
e dall’altra, per contrasto, si ricompongono intorno a strutture compositive
più tese e drammatiche, sfociando talora in atmosfere e passaggi dal
coinvolgente e prepotente sapore cinematico. Un album/dialogo di sicuro fascino
e vivamente consigliato, nel quale Enrico Coniglio propone una musica che è
sicuramente al vertice rispetto a quanto prodotto dallo stesso in passato, e
nel quale Under the Snow inizia a “segnare”
con un’impronta abbastanza definita e riconoscibile il proprio stile e
l’interessante percorso sonoro che questo nuovo progetto ha appena
intrapreso.
(Giuseppe Verticchio)
This
is the first split work between Under the Snow and various artists/friends.
Nearly an hour of suggestive "border" music, equally divided between
the relaxing and ambient atmospheres contaminated with experimental elements
created by Enrico Coniglio, and the low-fi/rough sounds and atmopheres crafted
by Under the Snow (Stefano Gentile and Gianluca Favaron) - not so different but
with a more dramatic, tense and hypnotic doom - built on deep drones
stratifications, often hard and cutting, with a wide collection of noises,
electronic hassles, ununderstandable wispherings, concrete moments... A perfect
join-venture, a mix among two different music projects that gather coherence
and inspiration to "sustain" a split album that showcases a not to be
missed fusion of styles among the involved artists, oriented on parallel
patterns, clearly increasing the value of their own personal and somehow
different sonic directions.
(Silentes)
Crìa Cuervos: Cancroregina (CD-R 2003 - Immanence)
[ criacuervos@libero.it ] [ http://criacuervos.4t.com ]
Prima uscita ufficiale per Eugenio
Maggi/Crìa Cuervos, che grazie alla Immanence Records, etichetta che ha curato
la produzione di questo lavoro, può finalmente proporci cinque affascinanti
brani di musica ambient d'impronta piuttosto statica e oscura, realizzati nel
corso degli anni 2002/2003, e riuniti in un CD-R della durata totale di 57
minuti. Le sonorità prevalenti sono costituite da frequenze basse e profonde,
onde in lento movimento, alcuni suoni più elettronici, inserti di rumori
metallici e altri rumori concreti, confusi echi di voci lontane e indefinite...
Un magma impenetrabile all'interno del quale è spesso molto difficile
distinguere e identificare le diverse componenti sonore, tutte appena
sussurrate, lievemente accennate, e soprattutto uniformemente miscelate alle
altre, inserite come microelementi che non cercano un proprio spazio
indipendente, ma che assumono significato e rilevanza soltanto in quanto
singoli componenti di masse sonore più
complesse e articolate, e in funzione
del proprio marginale, ma non del tutto inifluente, apporto alle
composizioni... In un crescendo di emozioni, che forse "declina"
leggermente soltanto in corrispondenza dell'ultimo brano "Sindrome del
Norte", desidero segnalare "A Seeding of Ghost" e "Ad
Infecta Loca" tra i brani che ho apprezzato maggiormente, e nei quali ho
trovato il migliore connubio tra idee, sonorità, composizione e
realizzazione... Un CD-R da ascoltare con molta attenzione e a volume
sufficientemente sostenuto per non perderne le sfumature più nascoste e
difficilmente percettibili, consigliato soprattutto agli amanti delle sonorità
più oscure, profonde e sotterranee...
(Giuseppe Verticchio)
Taking their name from
Carlos Saura’s classic thriller, Cría Cuervos are the latest new face to arrive
on Immanence Records; active since 1999, the act is the sole work of Eugenio
Maggi. Following some early analogue
experimentations with dark emotions and a split tape release with Eniac, Maggi
took a three-year sabbatical to gather new, digital equipment and further hone
his ability to create chilling, tenebrous atmospheres. The seed of the project
has now come to fruition with “Cancroregina” (“The Cancer Queen”, after the
infamous novel by Tommaso Landolfi) a five-track album filled with bizarre and
terrifying sounds. The opening track quickly
establishes Cría Cuervos’ distinctive sound that, although certainly in the
territory of dark ambient, somehow sounds completely unique. As dark, thick basses and resonance swirl in
the background, strange noises play over the top - the sound of electrified
metal rattling in the void. From this
first hint of obscurity, the album truly gains momentum on following track “A
Seeding of Ghosts”. The main bulk of the ambience is created by occluded,
otherworldly voices which ebb and flow in the heady vortex of sound that
emanates from unknown sources. Slowly,
the track disintegrates to a mere crackling of rubble beneath the ubiquitous
bass surges before re-emerging as a shimmering haze of resonating glass. From
this overt style of experimentation, we are suddenly taken down to very
minimalist phrasing on “Ad Infecta Loca”.
This track sees a low drone take prominence in the track, while we
strain to perceive the subtle nuances of sound beneath it. Again, the strange glass and metal are
present alongside some visceral bodily noises that suck and squelch in agony as
the alien cancer grows. These sounds
continue to grow on the title track where, slowly, guttural rumbles grow
beneath the throbbing bass and ever more gradually, processed sounds of blood
and saliva seep through into the composition. Everything is then brought to a head on the epic closing track
“Síndrome del Norte”, where the bass vanishes altogether to be replaced by the
sound of a beating heart and the gasping breaths of our internal asphixiatee. After a fashion, the heart develops an
arrhythmia and collapses, while this may be the end for one, the cancerous
drone lives on, rising again; deeper and more oppressive than before, it builds
slowly upwards through the frequency spectrum until eventually, with a final
blast of aggressive noise, it has consumed all. This is certainly not what you
would expect from a dark ambient album, as it adheres to none of the genre’s
conventions while taking in the most obscure moments of Wilt and Nurse With
Wound to create a wholly disorientating and disturbing passage through the
outreaches of sound.
(Gavin Lees - Immanence)
Crìa Cuervos: Leitfossilien (CD-R 2005 - Mystery Sea)
[ criacuervos@libero.it ] [ http://criacuervos.4t.com ]
Una conferma per Crìa Cuervos, che con questo nuovo
"Leitfossilien", prodotto dall' etichetta belga Mystery Sea, prosegue
la propria ricerca musicale in territori al confine tra il genere dark-ambient
d'impronta statica-amelodica e isolazionismo. Un' unica lunga traccia della
durata di circa 34 minuti, costruita con drones, sibili, registrazioni
ambientali elaborate elettronicamente, suoni naturali, atmosfere cupe e strane
ambienze ricostruite con grande precisione e ricchezza di idee, seppure in un
contesto para-statico e, solo in apparenza, molto minimale. Si apprezza in particolar modo la scelta dei
suoni, ben miscelati tra loro, ricchi di vibrazioni armoniche e piuttosto
"corposi" nella loro sempre apparente essenzialità, mai eccessivi,
estremi o invadenti, nè troppo glaciali, sintetici o "asettici", in grado di trasmettere emozioni senza
ricorrere nè a rumorismi troppo marcati, nè a suoni ed effetti
"speciali", nè a strutture melodiche e "suoni" più
propriamente detti, d' impronta più evidentemente musicale... Il brano evolve
perfettamente nel tempo, con grande fluidità ed efficacia, i passaggi
sono ben costruiti, misurati, legati tra loro. Il tutto risulta molto
equilibrato, curato ed evidentemente
"ponderato" anche nei minimi dettagli, nei missaggi, nei
tempi, nella dinamica... Con "Leitfossilien" Crìa Cuervos supera
sicuramente i già validi risultati ottenuti con il precedente
"Cancroregina", evidenziando come, in un' area musicale piuttosto
"affollata" da artisti, talvolta anche sicuramente più
"blasonati", che solo raramente riescono ad emergere dalla diffusa
mediocrità (alcuni presenti anche in "casa" Mystery Sea) vuoi per
mancanza di idee e personalità, vuoi per eccessiva "leggerezza" e
autoindulgenza nel comporre e proporre la propria musica, vuoi per semplice
scarsa capacità artistica e/o tecnica, sia invece ancora possibile trovare
artisti in grado di concepire e realizzare lavori di grande spessore e di
estremo interesse, con un impegno, un'attenzione, una cura ed una
"professionalità" che sicuramente supera anche quella dei veri
professionisti, solitamente intenti a far musica, appunto, più per professione
che non per reale, libera e assolutamente incondizionata vocazione ed
istintiva, naturale esigenza espressiva. Se debbo ancora aggiungere qualcosa...
posso solo esortarvi a procurarvi "Leitfossilien" e ad ascoltarlo a
volume ragionevolmente sostenuto, per poterne apprezzare al meglio dettagli e
sfumature, con il vostro migliore impianto stereo o con una buona cuffia: sono
assolutamente certo che non potrete rimanerne delusi...
(Giuseppe Verticchio)
"Leitfossilien"
is all low drawn late night pulses, an helix structured movement, a long
addictive trace of sound disfiguring its support, like a cryptic &
forgotten imprint… a song of ancient shells & memories trapped,
reverberated in tranquil, resurgent waves… a growing fluidic embracing
entity… "Leitfossilien" is a
viral sea with a metabolism of its own… an ascent to some pure hidden, unspoken
language… an alcove experience with transfiguring strength…
(Mystery Sea)
Crìa Cuervos: Des Tempes qui se Vitrifient ou se Marbrent
(CD-R 2005 - Taâlem)
[ criacuervos@libero.it ] [ http://criacuervos.4t.com ]
A pochi mesi di distanza dall'uscita
di "Leitfossilien" per Mystery Sea, l'attivissima etichetta francese
Taâlem mette a disposizione il nuovo Mini CD-R di Crìa Cuervos "Des Tempes
qui se Vitrifient ou se Marbrent". Circa 21 minuti di musica, che
definirei semplicemente "perfetta", ancora in un contesto stilistico
d'impronta statico-isolazionista/dark-ambient. Difficile aggiungere altro... Come
nel precedente “Leitfossilien" Crìa Cuervos mostra una grande sensibilità
e una grande abilità nello scegliere i suoni, nell'elaborarli, missarli,
stratificarli, nel farli ora emergere ora sprofondare, nel fonderli insieme e
dar loro progressivamente forma, generando pazientemente amalgami sonori che
stupiscono per ricchezza, profondità,
dinamica, espressività, qualità intrinseca del suono... Se è relativamente
"facile" lavorare con suoni drone-based e realizzare CD comunque
piacevoli da ascoltare, ciò che si apprezza nuovamente in questo lavoro di Crìa
Cuervos è la capacità di andare "oltre", di non fermarsi a
semplici/semplicistiche sovrapposizioni di parti scure e ronzanti, ma di andare
piuttosto a decomporre e ricompore finemente gli strati, di ricercare e isolare
l'essenza stessa dei suoni, per poi rielaborarli, trasfigurarli, renderli
sempre più "corposi", variegati, ricchi di vibrazioni armoniche... Il
tutto con una cura estrema della qualità generale del suono, e una attenzione
quasi maniacale per la fluidità dei passaggi e delle progressioni.
Semplicemente ottimo.
(Giuseppe Verticchio)
Cris
X/KK Null: Proto Planet (CD 2012 – CX Records)
[
http://www.crisx.net ]
Cinque
tracce, che in realtà possono considerarsi quasi cinque “movimenti” di un’unica
opera, un unico “disegno sonoro”… Una
variegata e dinamica gamma di suoni di origine prevalentemente sintetica,
soltanto arricchiti, in modo sapiente ed efficace, da fondi di field
recordings, occasionali interventi di piano, e dai “discreti” interventi vocali
di Yoko Higashi nella seconda traccia del CD. Musica di grande impatto
dinamico, costruita con dirompenti, ma mai “disturbanti” o eccessivamente
“caotiche” aggressioni elettroniche, pulsazioni, sibili, profondi drones, il
tutto aggrovigliato intorno ad un continuo “filo” di tensione emotivo-temporale
che coinvolge mantenendo intatta l’attenzione di chi ascolta dall’inizio alla
fine… A tratti le atmosfere si fanno
opportunamente più “quiete”, quasi ambientali, restituendo frammenti di minuti
di relativa stasi a contrasto della quale i seguenti interventi più rumoristici
appaiono ancora più drammatici, efficaci ed
impattanti… Una “arguta” regia sonora, che riesce a donare un senso di
“musicalità” ad un materiale in cui è in realtà assolutamente assente qualsiasi
elemento prettamente “melodico”, fa la
differenza sostanziale tra il presente album e altri CD di impronta e “genere”
in qualche modo analogo, i quali, spesso molto più carenti sotto questo
aspetto, finiscono per risultare decisamente più anonimi, frammentari,
inconsistenti, ed emotivamente “sterili”. Artista eclettico e lungimirante,
Cristiano Luciani, alias Cris X nonchè mente realmente “pensante” dietro
l’etichetta CX Records, coglie nel segno con questa collaborazione con il
giapponese KK Null, collaborazione importante che segue quella almeno
altrettanto significativa con il “nostro” Maurizio Bianchi, che ha già visto la
luce in forma di “split” LP nel 2010
sempre attraverso CX Records.
(Giuseppe Verticchio)
In
between dangerously cosmopolitan intellectual quotes that threaten to slightly
undermine the essential morality of his sonic art, and liaisons with both
historically hyped characters of the Italian industrial vista and truly earnest
practitioners of the cult of noise (that’s right, I mean Merzbow), Cris X –
from Rome – seems to be perfectly aware of where he wants to go. This
collaboration with KK Null – still fondly remembered on these shores for Aurora
with James Plotkin – is succinctly hard-hitting and handsomely displayed. The
close-packed program revolves around meticulous convergen-ces working for the
improvement of an electroacoustic storybook which contains several intriguing
sketches imbued with baleful abstruseness and supernal bedlam. Five tracks
comprising spaced-out drones hardly disarranged by a clever use of electronics,
fusillades of ill-mannered encroachments and challenging rhythmic accretions,
circumstantially spiced with environmental echoes. Yoko Higashi – or, if you
like, hamaYoko – contributes to a track with bewitching whispers and
vocalizations. Nothing unendurable could be retrieved from the experience; the
music went on in my headphones for four consecutive times and the brain seemed
to respond quite well throughout: an excellent sign. The physical edition is
limited to 150 CD and 200 vinyl copies, otherwise it’s got to be Bandcamp. Your
attention is deserved.
(Massimo Ricci - Touching Extremis)
Cris X/Higuchi Keiko: Melt (CD 2014 – Musik Atlach)
[ http://www.crisx.net ]
Album di pregevole fattura, in cui la
fusione tra la voce di Keiko Higuchi, ora più suadente, ora più incisiva, ora
più “sofferta”, addirittura quasi “blues” come nella seconda traccia del CD,
lega perfettamente con le atmosfere profondamente evocative, sospese, a tratti
quasi “sognanti”, a tratti più “drammatiche” o progressivamente trasfigurate in
una forma che suggerisce oscuri e inquietanti scorci urbani notturni, elaborate
da Cristiano Luciani utilizzando morbide e ben calibrate miscele di drones,
field recordings, suoni elettronici, nonché cembali e slide guitar.
I tasti del pianoforte di Keiko
Higuchi sono spesso appena sfiorati, quasi accarezzati… le sequenze di note
appaiono delicate, fragili, quasi timidamente “sussurrate”, come nel timore di
infrangere la “magia” di quella perfetta fusione con i substrati offerti al
contempo da Cris X attraverso felici abbinamenti e articolati “incastri”
sonori.
Così anche la voce, sempre
perfettamente controllata, “misurata”, anche laddove si mostra un po’ più
energica in primo piano, ma senza mai avere la “pretesa” di elevarsi a soggetto
assoluto, senza mai sentire la necessità di “esibire”, di “osare” più di quanto
strettamente necessario affinchè la delicata alchimia sonora rimanga
perfettamente integra, efficace ed equilibrata.
Un album splendido, raffinato, poetico,
perfettamente costruito, che “trasporta”, evoca, lascia sognare, immaginare, e
che fa pensare…
(Giuseppe Verticchio)
Dal Bianco Giuseppe: Senza Ritorno (CD 2005 - Autoproduzione)
[ info@giuseppedalbianco.it ] [ http://www.giuseppedalbianco.it ]
Giuseppe Dal Bianco, flautista
diplomato nel 1985 in flauto traverso e avente all'attivo una significativa
esperienza concertistica in Italia e all'estero, ha cominciato da tempo ad
interessarsi allo studio di strumenti a fiato etnici. Ha già realizzato in collaborazione
con il chitarrista Federico Mosconi un CD, "Altrove", nel quale i
suoni delle origini si fondono con elementi elettronici, e presenta ora questo
nuovo CD autoprodotto in 1000 copie che lo vede unico protagonista. Basato
sull'utilizzo di una vasta gamma di strumenti etnici, non solo a fiato,
"adagiati" su tessiture elettroniche che assolvono principalmente
alla funzione di "sostegno" e "riempimento" ricreando al
contempo suggestive ambientazioni e atmosfere, il CD propone una musica di
grande spessore che non sacrifica però nulla alla piacevolezza d'ascolto. Pur
estremamente "godibile", la musica di Giuseppe dal Bianco appare
lontana anni luce dalle logiche di tanta musica
"finto-etnico-elettronico" argutamente progettata a tavolino per
ascolti di tipo più "massale" o comunque più "facile"; non
"saccheggia" disinvoltamente la tradizioni e le sonorità etniche, ma
piuttosto attinge da esse linfa vitale e sincera, rispettosa ispirazione,
trasfigurandone l'essenza in una forma espressiva estremamente attuale e
personale, seppure non mancano certo punti di contatto e adiacenze con quanto
già prodotto in passato da tanti artisti, soprattutto statunitensi,
riconducibili all'area ambient-etnico-rituale. Giuseppe dal Bianco sa miscelare
sapientemente il nuovo e l'antico, le componenti evocativo-ambientali con
quelle più spiccatamente melodico-musicali, in nove tracce nelle quali è possibile ascoltare il suono di una gran
varietà di strumenti etnici: flauti, percussioni, tampura, didgeridoo, duduk,
fujara, benas, sanza, dulcimer, e tra gli altri ancora segnalo in particolare
il khene laotiano, strumento che amo particolarmente per il suo suono magico,
dolce, "discreto" e introspettivo, con il quale è stata realizzata
una delle più suggestive tracce dell'intero CD, "Nel Silenzio,
respiro". Tutti i brani sono sicuramente affascinanti, meticolosamente
composti e perfettamente registrati, ed in tal senso c'è da sottolineare come
l'ottima qualità del suono valorizzi significativamente la proposta musicale di
Giuseppe dal Bianco. Tra essi comunque desidero segnalare in particolare
l'emozionante "Evocazione", brano in cui il trattamento e il mix
delle varie sorgenti sonore risulta particolarmente riuscito e, appunto
"evocativo"; "Segreto Inviolabile", traccia in cui si
sovrappongono suggestive trame sonore di tampura, suoni di flauti e fondi
percussivi; "Invocazione", lungo brano in cui trovano ancora spazio
movimenti ritmici d'impronta rituale "posati" su drones elettronici,
anticipati da fascinose parti di flauto in argilla e di uno straordinario duduk
tra le quali per alcuni istanti emerge inaspettatamente anche un canto
mediorientale. Forse un po' più articolate nella struttura la title track
introduttiva e "Il Bambino e la Conchiglia", tracce sempre molto ben
realizzare e di grande fascino. A proposto di quest'ultima aggiungo di aver
apprezzato particolarmente la scelta di inserire una toccante parte di benas,
antico strumento sardo ormai quasi dimenticato, "parente" stretto
delle più conosciute launeddas, dal suono arcaico, straordinario e
inconfondibile...
(Giuseppe Verticchio - Yidaki News)
Dal Bianco Giuseppe: Perpetuo Vagare (CD 2010 – D.B.)
[ http://www.giuseppedalbianco.it ]
A volte l’intensità, il valore di certa musica, è così grande, quasi immenso, da farci sentire infinitamente piccoli anche soltanto a stare lì, fermi sulla poltrona ad ascoltarla… Figuriamoci a tentare di scriverne, a ricercare improbabili e pur sempre inadeguate e insufficienti parole per poterla in qualche modo descrivere, per poter mettere insieme le poche righe necessarie ad una recensione… E così, per quanto difficile, debbo necessariamente parlarvi in qualche modo di questo splendido disco, una produzione estremamente curata sotto ogni aspetto, che si presenta in un’ elegante confezione, arricchita da un eloquente booklet di 16 pagine nel quale, oltre alle note abitualmente presenti su ogni CD, trovano posto suggestive immagini fotografiche e un’accurata descrizione di tutti gli strumenti etnici/tradizionali utilizzati da Giuseppe dal Bianco. Diplomato in flauto traverso, ma amante e virtuoso utilizzatore anche di strumenti a fiato provenienti da ogni angolo del pianeta (hulusi, bawu, khene, satara, benas, tambin…), nelle otto tracce presenti su “Perpetuo Vagare” Dal Bianco unisce in modo toccante e suggestivo il suono dei medesimi strumenti (quindi flauti, oboi, organi a bocca, di diversa origine e fattura), con discreti e “morbidi” sottofondi sintetici e ben calzanti e trainanti trame percussive ad opera per lo più di Luca Nardon. Il tutto con il decisivo supporto tecnico di Giampaolo Borin, che ha curato le registrazione e i missaggi, restituendo al CD una qualità sonora straordinaria, in grado di valorizzare al meglio la “voce”, il timbro, le sottili sfumature e vibrazioni che strumenti purtroppo così poco conosciuti ai più sono in grado di emettere e trasmettere. Nonostante gli otto brani “vivano” evidentemente di suoni, atmosfere ed elementi così interconnessi alla musica etnica, c’è da sottolineare che le composizioni sono, ad eccezione dell’ultima traccia, tutte dello stesso Giuseppe Dal Bianco. Un estasiante ed emozionante “viaggio” il cui sostanziale filo conduttore è l’appassionata e genuina ricerca sonora, attraverso l’utiliizzo di spesso piccoli, “misteriosi” e apparentemente insignificanti manufatti artigianali in grado, attraverso la “semplice” emissione del fiato, di produrre suoni e melodie che, sapientemente dirette e organizzate, possano, come in questo caso, toccare le “corde” più profonde della nostra sensibilità… Un CD consigliato indistintamente a tutti.
(Giuseppe Verticchio)
Day Before
Us/Nimh: Under Mournful Horizons (CD 2012 – Rage in Eden)
[
http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Il presente album
"Under Mournful Horizons" è il risultato della combinazione tra due musicisti
fortemente ispirati le cui manovre, definite ambient/microtonal
underground/cinematic, straripano di suoni romanticamente oscuri derivati
dall'azione congiunta tra infinite keys, pianoforte, organo, guitar, sinth,
samples, filtraggi vocali, manipolazioni effettate e nebule di
field-recordings. Licenziato in veste digipack dalla sempre ottima label Rage
In Eden il disco, oltre a raffigurare nell'immagine della propria sleeve tutta
la statuaria mestizia concepita dall'occhio fotografico di Oana Marchis
"Sabbatnoir", elenca cinque ampie suites dal temperamento
depressed-dream ambient la cui premessa prende il titolo di "An Uncertain
Dawn", traccia ricolma di acustiche spettrali, valpurgiche, esaltate da
partiture d'organo, ignoti rumoreggi e dallo scrosciare della pioggia in
sottofondo. "Surrounded By A Moonless Night" è un'esangue sinfonia di
pianoforte sommersa da impurità elettroniche, distorsioni, samples vocali e
distanti rombi di key, mentre la successiva "In The Court Of A Sorrowful
Season" è un ambient electro-acustico che propone malinconiche note di
piano circondate da acidificazioni tecnologiche ed arpeggiati riverberi di
chitarra nel finale, un bellissimo esempio di paesaggio sonoro che rapisce
mente e spirito. L'omonima "Under Mournful Horizons" celebra il
titolo dell'album interpretandolo in forma dark-ambient mediante inquiete
rarefazioni di field-recording, dissonanze multidimensionali che si riversano
nel suono con un voluminoso getto, increspature elettroniche e voci
sotterranee, il tutto connesso alle ossessive procedure della tastiera.
L'epilogo intitolato "Frozen Gleams Of Eternity" recupera decadenti
poemi pianistici le cui orchestrazioni sono erose dal torrenziale sgorgare dei
field-recorings e dalla ruvidezza delle alchimie elettroniche provenienti dal
nucleo stesso del brano. Opera di autorevole levatura, l'album "Under
Mournful Horizons" descrive nello spazio circostante una sorta di vuoto
armonico da colmare con il suono delle proprie emozioni, percorrendo immense
zone d'ombra per altrettanti istanti durante i quali i pensieri razionali si
vetrizzano lasciando fluire esclusivamente prospettive surreali che
l'ascoltatore percepirà con tale intensità da restarne stregato. La simultanea
cooperazione tra Day Before Us e Nimh genera una commistione di suoni ambient,
tossica artificialità ed un tocco di sentimento abbattuto, elementi che si
rivelano a fasi alterne struggenti e glaciali. Ne fruiranno i contemplatori del
silenzio e dell'immoto, uomini e donne che sanno scandagliare il proprio
inconscio carpendone le riflessioni più profonde e spirituali affidandole in
seguito alla rallentata corrente di un suono musicalmente ossidato dal quale è
impossibile sottrarsi. Questo disco lascerà in essi un segno indelebile.
(Massimo Colombo “Maxymox”
- Vox Empirea)
Le cinque tracce in
questione segnano la collaborazione tra Philippe Blache e Giuseppe Verticchio
che dimostrano di avere molti elementi in comune pur provenendo da ambienti
musicali notevolmente differenti. Da una parte abbiamo Day Before Us, progetto
di fresca creazione basato su microtoni di pianoforte e chitarra che si
intrecciano con field recordings. Dall'altra Nimh, noto per il suo assiduo
lavoro di ricerca in ambito ethnic ambient e l'intesa con Maurizio Bianchi che
abbiamo avuto modo di celebrare in passato. “Under Mournful Horizons” nasce
dall'unione di queste due personalità producendo materiale dotato di grande
organicità eppure sognante quasi fosse uscito agli albori della scena ambient.
Quei tempi sono ormai passati ma il progetto riesce a recuperare
quell'entusiasmo e quel desiderio di scoprire le potenzialità di una
particolare tipologia di suono, certo non destinata alla massa. 'An Uncertain
Dawn' rimane ancora abbastanza sul vago e ha il compito di introdurre la
visione degli artisti all'ascoltatore. Sono le successive “Surrounded By A
Moonless Night” e “In The Court Of A Sorrowful Season” a destare invece
sorpresa per un approccio quasi prog alla composizione. Il coraggio di
sperimentare strutture di quel tipo si affianca ad una componente ritualistica
e cinematica che contribuisce ad arricchire la varietà di elementi offerti.
“Frozen Gleams Of Eternity” è come una mano gelida che si poggia sulla vostra
spalla nuda all'improvviso. Starà a voi decidere se scansarvi.
(Lorenzo Becciani
“Divine” - Dagheisha)
Suggest the
keywords for their music may be "rain", "sorrow",
"darkness", and "brief pleasure". "Under Mournful
Horizons", released in September 2012 via Rage In Eden Records, is a
creation compiled mainly with Day Before Us aka Philippe Blache's sound view of
the world, in collaboration with Nimh aka Giuseppe Verticchio. Philippe and I
have discussed soundscape together, while his strong intention for dark,
meditative ambient music continent has been blowing me away eventually. Their
deep, down-tempo, graceful dark ambience reminds me some texture in Ludvig van
Beethoven's "Piano Sonata No. 14 in C sharp minor - Moonlight" though
I'm not familiar with Classic music scene. And through this work, another gem
in the pouring rain can be found ... very surprisingly indeed. Along with
Philippe's soundscape under his vast sky fuzz of dark ambience, their play had
gone straightforward to sorrowful, mournful, plaintive tone mass. Look at their
album sleeve and song titles and we can easily realize what they meant to do.
On the other hand, mind you, something pleasant like a dim light or like a
small brilliant gem falling into a dark nebula, can be found, I'm sure. Cannot
understand which sounds like such a mysterious phenomenon, this album concept
or their soundscape itself, but even vaguely, cannot help feeling glad in
future of their story. Without myself I've said that what's happening and what
an amazing confusion. Quite fascinating the atmosphere especially in the last
track "Frozen Gleams of Eternity" should be, dizzy fuzzy rainy noise
ensemble will get to be purely crystallized, scape sweetness. The riff,
eccentric but simple, constantly knocks our vacant mind, but that repetitive
progress with bulky air alteration can inflate our mind with fantasia. Guess
their sound stream collective throw "hope" to us despite of
appearance. In conclusion, please get drenched in this terrific creation.
(Keishiro Maki -
Progarchives)
D-Darkradioinduztrie: Appunti di Dolore Metropolitani (CD-R 2005 - Autoproduzione)
[ ddrinduztrie@email.it ]
D-Darkradioinduztrie ci presenta
questo suo primo lavoro, autoprodotto in CD-R, costituito di 5 brani per una
durata totale di quasi un'ora. Ciò che sorprende positivamente fin dal
primo ascolto, è il
fatto che D-Darkradioinduztrie
sembra aver trovato già in questa opera prima una sua caratteristica e ben definita impronta sonora personale,
senza aver tentato ("tentazione" piuttosto comune a chi si appresti a
registrare il proprio primo
lavoro...) di emulare
questo o quell'artista già noto, o questo
o quel genere musicale
già abbondantemente collaudato
e/o stereotipato. D-Darkradioinduztrie invece, pur dimostrando di "attingere" a
livello di ispirazione, atmosfere e sonorità, a tanta musica di matrice
fondamentalmente industriale, dark-ambient e sperimental-rumoristica, riunisce
tali influenze in una forma compositiva davvero personale, particolare, e
abbastanza al di fuori dagli schemi, arrivando a proporre una miscela sonora e
una sequenza di 5 brani in grado di colpire per impatto emotivo, per varietà di
suoni, per ricchezza di idee. Le atmosfere sono sempre molto oscure, decadenti,
inquiete, a tratti quasi "lugubri".
Sonorità aspre, loops di movimenti ritmici che evocano immagini di
imponenti macchinari industriali, voci distanti e metalliche, pulsazioni di
basse frequenze, distorsioni invadenti e segnali saturi, crepitìi, masse sonore
"sgranate", trovano alcuni momenti di stasi attraverso passaggi a
base di più morbidi pads o accenni vagamente melodici descritti attraverso note
di pianoforte e chitarra... Atmosfere surreali e oniriche sono perfettamente
descritte da una musica che, dall'inizio alla fine del disco, non appare mai a
corto di idee, e che invece stupisce istante dopo istante, passaggio dopo
passaggio, brano dopo brano, per il suo straordinario potenziale evocativo e
per la sua capacità di rinnovarsi continuamente con nuove trovate, nuove
soluzioni, nuove sonorità... Un vero vulcano di idee Kriztianzeta, in grado di
riunire in modo omogeneo e coerente molte influenze e un'ampia gamma di suoni,
senza che questo appaia, come spesso purtroppo avviene, una "forzatura" troppo concettuale
o troppo semplicistica, un tentativo musicalmente maldestro di far convivere
elementi e influenze troppo diverse e difficilmente conciliabili tra loro...
Qualcosa in più era ancora probabilmente possibile fare per quanto riguarda la
qualità del suono, ma considerato il genere musicale proposto, che spesso fa
della propria "cruda" immediatezza
un elemento di distinzione e traino, e considerando che si tratta della
prima uscita per D-Darkradioinduztrie, mi sento comunque di poter
"promuovere" a pieni voti questi "Appunti di Dolore
Metropolitani".
(Giuseppe Verticchio)
Eidulon: Idolatriae (CD 2008 - Malignant)
[ eidulon@eidulon.net ] [ http://www.eidulon.net ]
Alcuni giorni fa, terminato di
ascoltare questo CD, facevo fra me e me una riflessione... Nell'ambito della
musica sperimentale/ambient/elettronica italiana, conosco alcuni presunti
"artisti" i cui nomi circolano da anni, ma che nonostante abbiano
fatto di tutto per attirare l'attenzione e apparire credibili, attraverso siti
internet personali, facendo decine di presunti "concerti" nei più
malmessi e caotici centri sociali, improvvisando talvolta rozze e quasi
patetiche etichettine di produzione molto ma molto "homemade",
tenendo in rete dei Blog sui quali talvolta non mancano persino di sfogare
l'invidia repressa verso chi è stato più in gamba di loro, alla fine, dopo
tanti anni e tanto "affannarsi", data la sostanziale inconsistenza di
quanto in grado di proporre, sono rimasti esattamente al punto di partenza...
Qualche CD-R per lo più auto(mal)prodotto... delle cosiddette "releases
MP3"... un brano in quella compilation... una partecipazione al CD-R di un
amico/artista... un "remix" del brano di un'altro... Tanto fumo negli
occhi per far "abboccare" gli ingenui insomma, ma andando a tirare le
somme... non c'è assolutamente nulla di davvero "concreto" e un minimo
significativo. Neanche un concerto degno di essere definito tale e tenuto in un
contesto un minimo qualificante. Neanche un CD "vero" stampato e
pubblicato, salvo magari quando il "presunto artista" ha anche
qualche soldino da spendere, e allora alla fine, disperato per il (logico e comprensibilissimo)
disinteresse da parte delle etichette di produzione, arriva a decidere di
produrselo da solo. Ci sono invece Artisti con la "A" maiuscola che
lavorano quasi "in sordina" per anni, con umiltà ma con rigore,
passione e ambizione; artisti che non "sfoggiano" sfacciatamente il
Nulla per anni, ma che invece costruiscono passo dopo passo e con lungimiranza
piccole gemme sonore che attendono pazientemente di essere riunite in forma di
un prezioso gioiello, pronti a cogliere il momento giusto e l'occasione
favorevole per darlo alla luce e renderlo pubblico in una forma che renda piena
giustizia al valore dell'opera stessa, e all'impegno che per anni è stato
riversato nel suo concepimento e nella sua "concreta"
realizzazione... Francesco Gemelli, l'artista che sta dietro al progetto
Eidulon, è sicuramente uno di questi ultimi, e il primo straordinario frutto di
tanti anni di lavoro, il CD "Idolatriae", è stato finalmente (e
meritatamente) pubblicato in una pregiata edizione digipack a 6 pannelli dalla
"storica" e prestigiosa etichetta statunitense Malignant. Sette
tracce che, seppure stilisticamente possiamo ricondurre al genere dark-ambient,
non appaiono come l'ennesima, sterile e anonima "ripetizione" di
quanto già ascoltato e riascoltato all'interno di questo genere musicale, ma
piuttosto traggono da esso linfa vitale, spunto, profondità e ispirazione, per poi svilupparsi lungo un
percorso sonoro che "attinge" anche ad influenze altre, evidenziando
una spiccata personalità e, soprattutto, l'intento fermo e deciso di non
adagiarsi su soluzioni "facili" e stereotipate, come statici e alla
lunga ridondanti drones su frequenze ultrabasse tipici della dark-ambient di
matrice più "deep", o magari prevedibili melodie sintetiche tipiche
di quella dark-ambient più "orecchiabile" che vorrebbe risultare al
contempo drammatica ed "evocativa", ma che il più delle volte finisce
per apparire piuttosto simile a mediocri sottofondi sonori per films o
documentari. In "Idolatriae" sono presenti ovviamente sia drones che
parti melodiche, ma tutto appare estremamente "misurato", ben
calibrato e dosato, opportunamente miscelato a suoni di altra origine, ora più
aspri e distorti, ora più "morbidi" e "ambientali", ora più
sintetici e trattati, ora più concreti e "naturali"... Un imponente
CD d'esordio per Francesco Gemelli/Eidulon, che ne ha personalmente curato
anche le suggestive grafiche, a perfetto complemento "estetico" di
un'opera che, sono certo, non potrà assolutamente lasciarvi indifferenti nè
tanto meno deludervi... Da non perdere assolutamente.
(Giuseppe Verticchio)
With the release of
Eidulon's debut CD Idolatriae, we at Malignant are pleased to welcome another
new project into the cozy confines of our slowly expanding roster. 7 tracks of
ultra bleak, abstract atmospheres, with sounds and textures that seem to seep
from catacomb walls and come slithering out of subterranean chambers.
Certainly, this can be classified as a dark ambient record, but at it's core,
it's more than just that simple classification. There's a gritty, more jagged
edge here, with tetonic shifts, deep rumblings, and crackling, climatic squalls
buried under a bed of ghostly reverb and haunting tonal resonance. Fits in
nicely with past Malignant releases such as R|A|A|N's "The Nacrasti",
Heid's "Arktogaa", and even Caul's "Crucible" CD. In
elegant 6 panel digipak, with stark black and white, carefully arranged
illustrations inspired by Taschism and Spatial art.
(Malignant)
Enten Hitti: La Solitudine del Sole (CD 2011 – Hic Sunt Leones)
[ entenhitti@gmail.com ]
E’ un bel po’ di tempo che non mi
capita di ascoltare e recensire materiale della Hic Sunt Leones, e così l’aver
ricevuto il presente CD degli Enten Hitti (Pierangelo Pandiscia e Gino Ape)
unitamente al più recente “Fino alla Fine della Notte” è stato un piacere
particolare.
Infatti dopo un periodo di lunga
“assuefazione”, durante il quale ho ascoltato e recensito decine di CD HSL
(Alio Die, Zeit, Aglaia, Saffron Wood, Sola Translatio…) mentre, non lo
nascondo, andava progressivamente scemando anche il mio entusiasmo per
pubblicazioni che, per quanto sempre ben curate e interessanti, apparivano alle
mie orecchie troppo simili tra loro e poco “caratterizzate”, poi per alcuni
anni non ho più seguito altrettanto assiduamente l’attività dell’etichetta.
E dopo un lungo periodo di
“astinenza”, per così dire, l’ ascolto di “La Solitudine del Sole” mi ha
piacevolmente ricondotto lungo quei “sentieri musicali” tipici della Hic Sunt Leones, sempre in
bilico tra stasi meditative, progressioni etnico rituali, suggestioni
sciamaniche, reminescenze di cerimonie ancestrali…
Già dopo pochi minuti di ascolto,
caratterizzati da coinvolgenti stratificazioni di canto armonico e rintocchi
metallici nella prima traccia, e successivamente da suoni di duduk, ocarine,
sonagli, flauti, percussioni, sono stato prepotentemente “trasportato” nel
passato…
Sia nel passato più “remoto”, quello
“antico”, efficacemente evocato attraverso l’uso combinato di strumenti etnici
e “oggetti sonori” che spesso affondano le proprie radici in epoca preistorica
e che, in forme magari meno evolute, hanno comunque accompagnato l’uomo sin
dalla sua comparsa sulla terra, sia nel passato più recente, quello della
seconda metà degli anni ’80 / inizio ’90, periodo nel quale già tanti artisti,
sia italiani (e mi viene in mente Walter Maioli con il suo fantastico “Art of
Primitive Sound”, o Lorenzo Pierobon con i KU, presente con il suo canto
armonico anche nel CD qui recensito, e gli stessi Enten Hitti con il loro
“Giant Clowns of the Solar World” uscito nel ’96 per la “mitica” etichetta
Amplexus) sia stranieri (Coyote Oldman, Jorge Reyes, Tuu, Dik Darnell, Tom
Wasinger, Temps Perdu?, Lights in a Fat City, O Yuki Conjugate, John Huling,
Rusty Crutcher, ma anche i più noti Steve Roach, Robert Rich, Amir Baghiri…)
“inventavano” e affrontavano esperienze sonore analoghe, in forma comunque
diversificata e talora “contaminata” da elementi sintetici, ma sostanzialmente
simile per intenti e “ispirazione”.
Le sette tracce di “La Solitudine del
Sole” attingono evidentemente da tutte queste esperienze del passato
escludendone le componenti elettroniche, se non per il mero trattamento a
livello effettistico delle sorgenti sonore che appaiono essere di esclusiva
natura acustica, e si sviluppano in modo omogeneo e coerente, alternando
atmosfere ora più statiche, oscure e
“done oriented”, a situazioni di maggiore “impatto” e “incisività” , più
“trainanti” e dall’incedere ipnotico-rituale.
Un buon album, che pur non
discostandosi molto da quanto già sentito in tanti anni in “casa” Hic Sunt
Leones” e in altre etichette del settore, supera senz’altro la “prova del
tempo”, regalando quasi 45 minuti di musica di matrice etnico-rituale e di
atmosfera di grande qualità.
(Giuseppe Verticchio)
Enten Hitti: Fino alla Fine della
Notte (CD 2015 – Hic Sunt Leones)
[ entenhitti@gmail.com ]
Questo nuovo album degli Enten Hitti
si propone come una “sintesi” di quanto è solitamente possibile “cogliere”
partecipando agli spleeping concert che talvolta usano organizzare.
E in perfetta coerenza con questo
intento, il CD si apre infatti con una lunga traccia (Inizia il Viaggio), di
circa 20 minuti di durata, che appare quasi come una sorta di rituale
iniziatico introduttivo, con il tempo scandito da ipnotici colpi percussivi,
accompagnati da stratificazioni di canto armonico, rumori di sonagli, fiati e
altri suoni di difficile identificazione.
Esattamente come in un rito
sciamanico il brano diventa progressivamente più “intenso” e coinvolgente, gli
strati sonori si sovrappongono e si arricchiscono di ulteriori elementi e
sfumature, mentre il ritmo accelera conducendo in uno stato di quasi-trance…
Più statico e d’atmosfera il seguente
“Nelle Terre di Mezzo”, costruito unendo le voci a suggestivi sfondi di
strumenti a fiato, rintocchi di piccoli cembali e violino.
Breve il seguente “Canto Solitario”,
perfettamente descritto dallo stesso titolo (voci di Afra Crudo e Adriana
Puleio), mentre nel seguente “Respira” si torna su atmosfere “quiete” e
ambientali, tra suoni di ocarine e altri strumenti a fiato tra cui sembrerebbe
di distinguere un mouthorgan (Khene o simili), pietre o oggetti di terracotta o
ceramica strofinati, e altri rumori concreti.
Quindi “Dentro il Sogno”, brano
firmato dal grande “ospite” Vincenzo Zitello, che dietro la sua “magica” arpa
bardica costruisce tessiture sonore tenui e rarefatte, ben lontane dalle
atmosfere del suo “mitico” Kerygma del 1989 (CD che in questo momento ho tra le
mani…) e da alcuni suoi lavori successivi (che dovrei tra l’altro approfondire
aggiornandomi un po’…), e che, come leggo tra le note, si è anche occupato del
delicato lavoro di mastering.
Una piacevole sorpresa, e un’ottima
occasione per tornare ad interessarmi al lavoro di un artista che nel tempo
avevo un po’ “dimenticato”, pur conservando l’antica stima e ricordando con
piacere che il suo “Kerygma” è stato uno dei primi CD ad entrare nel mio primo
lettore CD Marantz “CD 65 II” circa 25 anni fa…
Segue ancora “Prima dell’Alba”, brano
dalle atmosfere molto ambient, sempre molto minimali e rarefatte, costruite
fondamentalmente attraverso delicate sequenze di note di pianoforte.
Nell’ultima traccia un canto etnico
si sviluppa sopra un accompagnamento di strumento a corda, per poi lasciare
posto, inaspettatamente, ad un finale strumentale completamente diverso, dove
un semplice ma affascinante abbinamento di chitarra acustica e violino conclude
tra atmosfere “folk” che non sarebbe male “esplorare” in modo più esteso in un
futuro album, magari in un possibile progetto parallelo che metta da parte,
almeno temporaneamente, le sonorità prettamente etniche e primitive cui gli
Enten Hitti sono, evidentemente, molto legati…
(Giuseppe Verticchio)
Errante Emanuele: Migrations (CD 2006 - Apegenine)
[ http://www.e-errante.com ]
Un album di ambient music piuttosto
"leggera" e orecchiabile, ma non per questo necessariamente scontata
o banale. Otto brani costruiti in modo semplice ma gradevole, con pochi suoni
essenziali, in parte di derivazione acustica, in parte da sorgenti elettroniche
(seppure queste ultime appaiono sempre in forma molto "discreta" e
non risultano mai invadenti) nei quali si è fatto marcato utilizzo della
tecnica dei "loops". La forma generale dei brani non appare
estremamente articolata, seppure le composizioni risultano ugualmente curate,
ben "strutturate", e fluide nelle loro progressioni. Dovendo
esprimere preferenze direi che tutti i brani presenti nella seconda metà del CD
(rispettivamente "Calabria", "Migrations",
"Terra" e "Waltzing Chiara") sono i miei favoriti, forse
per la scelta un po' più "ricercata" dei suoni e del loro
trattamento, e per l'impronta un po' più "sperimentale" che
evidenziano, seppure, è bene precisarlo a scanso di equivoci, la ricerca sonora
e la sperimentazione non sembrano certo essere tra gli elementi
"chiave", fondamentali, ispiratori e "trainanti" di questo
lavoro. Un CD di musica ambient sicuramente ben fatto dunque, semplice,
piacevole da ascoltare, adatto però soltanto a chi non sia alla ricerca di
suoni e atmosfere oscure e drone-oriented o di musica a spiccata vocazione
avanguardista/sperimentale.
(Giuseppe Verticchio)
Migrations is the debut
album from newfound artist Emanuele Errante. "Migrations" is an eight
track album of interesting, intelligent mature chilled tunes, all of which are
well suited to intimate environment such as a candlelight dinner, relaxing in
the backyard on a deck chair, or even taking much needed time out in the chill
tent at a festival. One thing this music is, though, is original. You will need
to listen to this CD to know what I mean. It is mood music that can almost
control your emotions, taking you to another place. It sounds corny I know, but
believe me, it is surprisingly powerful sounds. "Rugiada" opens the
CD and places the listener into a sense of deep foreboding, yet it also applies
a sense of rolling serenity. String chords slide along the majesty of this
track before moving into "Nubes", track two. The deep vibe carries
through, accompanied by more subtle keyboard, and all you need to do is close your
eyes and be taken away before moving into hypnosis on the third tune,
"Wheels". The rest of the album takes this approach, soaring the
listener through an empathic aural experience of all manner of emotions. The
middle of the CD moves more into a happier style of chill.
"Migrations", coming in at track six, is quite an aptly named song,
as one could almost feel their subconscious doing just that. We are then taken
full circle, back to a foreboding feel on the second to last track, before
concluding on an extremely uplifting and passionate climax, "Waltzing
Chiara", which is by far the masterpiece of the CD. What stands out is the
deep, passionate, resonating backings that are the core of Emanuele Errante's
work. It is emotive, calming and extremely creative. On first listen some may
say it is just more chilled music, but if you listen that bit closer you will
be able to piece together the true genius behind it. If you like it chilled
out, different or original, "Migrations" will more than suit your
taste. Even if this is not your preferred genre, treat your ears to this and
let the music influence you.
(In the Mix)
Etere-o: Pulviscolo
(CD-R 2000 - Autoproduzione)
[ fradaell@novanet.it ]
Nelle variopinte vicissitudini che
negli ultimi anni hanno portato Fausto Radaelli dai Kripthästesie agli
Olographic Landscapes, fino all’attuale progetto solista denominato “Etere-o”,
bisogna cogliere l’urgenza espressiva di un estro libero ed irrequieto. Le
quattro tracce racchiuse in “Pulviscolo” palesano la volontà di andare ben oltre
la pur caparbia ricerca psichedelica delle precedenti esperienze. Computer,
tamboura e chitarra elettrica sono gli ingredienti di un’opera ammaliante,
sospesa tra avanguardismo minimalista e suggestioni post-industriali: musica
soavemente cosmica che fa da eco al moto misterioso ed inarrestabile del nostro
universo.
(Fabio Massimo Arati - Mucchio Selvaggio)
Ambient music was a music of solitude and
imagination. Fausto Radaelli’s newest album is a gorgeous addition to this
genre’s long history. With Radaelli’s quietly spaced compositions one is
allowed the ability to disconnect from the world and participate into the
another consciousness - a personal journey for each participant. This is no
small feat these days. With this kind of music, the smallest ill-placed sound
can break the soundscape. Luckily Radaelli not only keeps his sounds simple,
but more importantly understands how to affect the space that is present by
letting it exist along side the sounds. This space is vital for the listener to
enter.
(Ramon Medina)
Favaron
Gianluca: Equivalent XI
(CD 2014 – 13)
[
http://13.silentes.it ]
Come in
molti altri suoi CD, in solo o collaborativi e sotto diverse sigle, ancora una
volta in questo “Equivalent XI” Gianluca Favaron affronta la “materia” rumore.
E anche
stavolta non parliamo di “rumore” pesante e “industriale”, ma dei suoi
piuttosto “consueti”, e noti per chi segue l’artista, collages elettroacustici
piuttosto minimali, costruiti per lo più con brevi frammenti sonori in vario
modo assemblati e stratificati.
Nonostante
le analogia con alcune produzioni passate, c’è da dire però che in questo caso
specifico Favaron ha “attinto” prevalentemente a frammenti di origine acustica,
rumori concreti, spesso messi in ciclo e accoppiati tra loro occupando spazio
opposto nel panorama stereofonico, ricreando con pochi suoni elementari, ma con
grande efficacia, l’effetto di improbabili architetture meccaniche in
movimento, ed evocando l’immagine di più piccole macchine, indefinite strutture
e ingranaggi immaginari dal moto ipnotico, circolare e ossessivo.
In alcune
tracce il moto meccanico si dissolve in più astratti, “pacati” e decomposti
“dialoghi” tra suoni e rumori di medesima origine ma diversamente
elaborati.
Undici
tracce e breve durata, poco superiore ai 30 minuti, per questo singolare, un
po’ “inquietante” e davvero
“enigmatico” lavoro di Gianluca Favaron, “audacemente” rilasciato dalla label
“13”, una “derivata” della più nota “Silentes” di Stefano Gentile.
(Giuseppe Verticchio)
[
http://store.silentes.it ]
Breve
album (38 minuti) nato dalla collaborazione tra il già a noi noto Gianluca
Favaron (Zbeen, Under the Snow,
Vetropaco, Lasik Surgery, Maribor…) e Anacleto Vitolo.
Gianluca
utilizza qui il suo usuale campionario di sorgenti sonore (nastri, oggetti
vari, microfoni, effetti analogici e digitali) cui Anacleto Vitolo aggiunge
parti elettroniche, cembali e altri oggetti sonori.
L’intero
album è un continuo alternarsi di parti più tipicamente “glitch”, in cui una
combinazione di frammentati suoni e rumori di diversa natura (ma
prevalentemente elettronici) creano un “groviglio” più o meno “compatto”, più o
meno movimentato e “disturbante”, e parti (a volte anche abbastanza ampie, come
ad esempio nella title track) in cui le sonorità deviano verso il “basso”,
generando e percorrendo imponenti e profondi tunnel “dronici” emotivamente più
coinvolgenti, nei quali, in misura diversa, entrano ancora a far parte, ma con
solo ruolo di complemento, suoni più “scricchiolanti” e minimali.
Nel quinto
brano in particolare, “Fold In”, va ad aggiungersi come variante l’inserto di
una profonda pulsazione ritmica elettronica, ampliando la gamma di soluzioni.
Chi
conosce e apprezza l’universo di Gianluca Favaron, troverà qui la naturale e
coerente prosecuzione dei territori già da lui abbondantemente esplorati (sia
da solo sia all’interno di alcuni suoi progetti collaborativi), giacchè anche
qui, nonostante l’apporto del nuovo “compagno d’avventura” Anacleto Vitolo,
l’impronta stilistica e sonora prevalente sembrerebbe ancora quella tipica di
Gianluca.
(Giuseppe Verticchio)
Ferraris
Andrea ICS/Russell John: After Dinner (CD 2014 – Frattonove)
[
http://www.fratto9.com ]
Dialogo
assolutamente astratto tra le corde di una chitarra acustica (John Russell) in
vario modo sollecitate, pizzicate, tamburellate, strofinate, e quelle di una
chitarra elettrica effettata (Andrea Ferraris) utilizzate in modo ugualmente
astratto ma sicuramente più “morbido”, “discreto” e un po’ più “convenzionale”.
Se per la
maggior parte dei 20 minuti del CD (un unico brano) l’improvvisazione
intransigente, pseudo-caotica e destrutturata è decisamente protagonista, non
mancano frammenti di tempo dominati da un’ apparente e probabilmente
pseudo-casuale forma più “coesa” e “musicale”, nei quali è possibile scorgere
persino una pur breve, toccante progressione ipnotico-lisergica che se fosse
stata razionalmente e intenzionalmente estesa e sviluppata avrebbe
probabilmente snaturato l’essenza del disco, facendogli però guadagnare quanto
a impatto meramente emotivo.
Inutile
infatti ricercare una “trama”, un’ immagine definita, una determinata
suggestione, un’ atmosfera…
La sola
chiave di lettura, o meglio di ascolto, è quella di lasciarsi andare e farsi coinvolgere e cullare dalla
semplicità del “gioco”, godendone “passivamente” salti, evoluzioni, invenzioni
e piroette.
Ascolto in
realtà molto più “facile” e “godibile” di quanto queste parole descrittive
possano far immaginare.
(Giuseppe Verticchio)
Ferroni Andrea: Windproject (CD-2003 - Autoproduzione)
[
andrea.mail@ciaoweb.it ] [
http://www.windproject.it ]
In questo CD-R, Andrea Ferroni ci
presenta un lavoro a base di didgeridoo piuttosto "puro", privo per
intenderci di "intereferenze" o contaminazioni di strumenti
elettronici o comunque moderni, e con un approccio stilistico che, ugualmente,
rimane abbastanza "fedele" nell'insieme alla natura originaria
piuttosto "primitiva" e arcaica dello strumento, che non cerca di
introdurre forti elementi d'innovazione che possano in qualche modo rifarsi a
generi musicali d'impronta contemporanea. Questa caratteristica non è affatto
da considerarsi come elemento negativo, anzi dimostra una certa
"purezza" e "genuinità" nello spirito con cui Andrea
Ferroni si è avvicinato a questo strumento; purezza che si esprime attraverso una serie di brani dai
quali emerge chiaramente una grande preparazione tecnica, la capacità di
proporre una gamma espressiva piuttosto ampia, e soprattutto una straordinaria
abilità nell'eseguire parti di didgeridoo piuttosto complesse, spesso anche
molto veloci e articolate. Ad eccezione di un unico brano, peraltro molto
interessante, interamente eseguito con una jew's harp vietnamita, per il resto
Andrea Ferroni ci propone il suono dei suoi diversi didgeridoos a volte in
assolo, e qui voglio citare "Berna", "Vesuvio" e “Monviso”
tra i brani che mi hanno maggiormente colpito, a volte abbinati ad altri
didgeridoos e diversi strumenti etnici quali rainstick, click sticks, djembe,
bells e shakers, suonati da altri
strumentisti e collaboratori. I limiti maggiori di questo CD-R sono da
riscontrare in un certo senso di "approssimazione" nella struttura e nella elaborazione di alcuni
brani (per lo più quelli in cui compaiono altri collaboratori), nonchè nella qualità della registrazione non
estremamente curata e sicuramente migliorabile. Quest'ultimo fattore può magari
non disturbare troppo nei brani di assolo di didgeridoo, che in qualche modo
possono ricordare il suono di tante registrazioni effettuate sul campo di
suonatori aborigeni reperibili su CD che certamente tutti gli appassionati di
questo strumento hanno avuto modo di ascoltare, ma diviene invece un elemento
piuttosto critico nei brani dove compaiono anche suoni di altri strumenti, in particolare in "Notte
Ancestrale", brano di chiusura molto d'atmosfera e ricco di un fascino
tutto particolare, che avrebbe tratto gran beneficio da una registrazione più nitida e dettagliata, e, in senso
generale, di maggiore qualità.
(Giuseppe Verticchio)
Ferroni Andrea: Noises & Voices (CD-R 2004 - Autoproduzione)
[ andrea.mail@ciaoweb.it ] [ http://www.windproject.it ]
Prima di tutto è necessario precisare
che questo nuovo lavoro di Andrea Ferroni, a causa della rilevante presenza, in
molti brani, di parti ritmiche d'impronta moderna che definirei, molto
genericamente e senza entrare nei dettagli dei diversi "stili",
piuttosto "dance-oriented",
non è probabilmente molto in linea con quanto di solito è possibile trovare su
"Oltre il Suono", ma in attesa di conoscere in che direzione evolverà
in futuro la musica di questo artista, avendo apprezzato molto il precedente
"Windproject", ed essendo pienamente consapevole del grande talento
di Andrea Ferroni, ho desiderato comunque dedicargli uno spazio e una
recensione. Fatta questa doverosa premessa, necessaria soprattutto per chi
segue da anni "Oltre il Suono" e quindi non si aspetterebbe mai di
vedere recensito un CD-R che contenga al suo interno ampie parti di brani in
qualche modo "ballabili", c'è da dire come "Noises &
Voices" conferma senza ombra di dubbio le mie iniziali impressioni sulle
incredibili capacità di questo artista nell'utilizzo del didjeridoo, tanto da
poter dire che Andrea Ferroni è forse il più capace, fantasioso, eclettico e
"disinvolto" suonatore italiano di didjeridoo che abbia mai avuto
occasione di ascoltare fino ad ora. I brani in cui il suono del didjeridoo è
protagonista praticamente assoluto, "Solitaire", "Improvisation
1", "Improvisation 2" e
"Seaside", sono probabilmente i più adatti (oltre che i miei
preferiti in questo CD-R) a rendersi conto delle stupefacenti capacità tecniche
e interpretative, dell' impareggiabile "scioltezza", dell’assoluto
controllo e della grande padronanza nell'uso di questo strumento che Andrea
Ferroni, in un periodo di tempo davvero breve, è riuscito ad acquisire. Tali
capacità emergono abbastanza chiaramente anche nei brani in cui compaiono parti
ritmiche di tipo moderno, brani comunque ben realizzati, sicuramente d'impatto
ed efficaci, e nei quali Andrea Ferroni
mostra una grande capacità nel far convivere, anche con trovate fantasiose, il
suono del didjeridoo con situazioni musicali ben diverse da quelle più
tipicamente etniche e tradizionali. Non so dire se in futuro la musica di
Andrea Ferroni viaggerà su binari adiacenti a quelli su cui viaggia la musica
solitamente promossa da "Oltre il Suono", orientata a situazioni e
atmosfere d'impronta sicuramente più introspettiva, profonda, statica,
crepuscolare, meno "leggera" e "d'intrattenimento" insomma,
ma indipendentemente da questo sono assolutamente certo che Andrea Ferroni, in
compagnia magari soltanto di un ramo cavo di eucalipto, farà molta molta
strada, e soprattutto noi che amiamo (e rispettiamo...) questo antico strumento
australiano, sentiremo parlare spesso di lui...
(Giuseppe Verticchio)
Ferroni Andrea/Riccio: Tribal Revolution (CD 2005 - ACY)
[ andrea.mail@ciaoweb.it ] [ http://www.windproject.it ]
Un CD autoprodotto attraverso
l'associazione culturale Yidaki di cui lo stesso Andrea Ferroni è fondatore,
nel quale l'artista, in compagnia del percussionista Riccio, alterna nuovamente
brani d'impronta più acustica e dalle sonorità pan-etniche, costituiti
fondamentalmente da parti di didjeridoo,
talvolta in assolo e talvolta accompagnate dal suono di djembe, piffero
peruviano, darbouka, canto, a brani d'impronta ritmica e più moderna, nei quali
lo strumento di origine australiana si
sovrappone sostanzialmente a parti ritmiche di batteria pre-programmate. Pur
riconoscendo a Ferroni una indiscutibile capacità tecnica nell'eseguire parti
di didjeridoo veloci e complesse che riescono ad inserirsi efficacemente anche
in contesti di stampo moderno, continuo senz'altro a preferire e ad attribuire
maggior valore artistico a quei brani in cui l'esigenza del "nuovo"
appare meno marcata, e cioè ad esempio nell' ottimo e "incalzante"
brano introduttivo di solo didjeridoo "Bees Drone", nel seguente
"Intrigue", in cui il suono
delle pelli del djembe suonato da Riccio si sposa perfettamente con
l'esecuzione di Ferroni al didjeridoo, o ancora in "Eea", altro
affascinante brano in cui tornano le percussioni a base di djembe stavolta
integrate dal suono di un piffero peruviano e dalla voce. Molto interessante e
molto particolare il risultato ottenuto in "Abstrait", brano in cui
la ricerca di nuove soluzioni va a concretizzarsi in una desueta combinazione
di didjgeridoo e didgeribone che restituisce attimi e suoni di particolare
suggestione, in una soluzione tecnica e compositiva che meriterebbe di essere
in futuro ripresa e ampliata, coniugando così ancora più efficacemente il
"vecchio" e il "nuovo", l'essenza di una matrice
"tradizionale" con l'esigenza di rinnovamento e di una ricerca
sonora, che è imprescindibile per chiunque faccia musica con impegno e
dedizione, e non intenda allinearsi passivamente a standard e
"modelli" musicali preconfezionati e stereotipati. Tra i brani
d'impronta ritmica più moderna che, per quanto distanti dalle mie ordinarie
abitudini d'ascolto e da quanto solitamente recensito su "Oltre il
Suono", ho trovato comunque più riusciti, menzionerei il conclusivo
"Electropipe", un brano in stile drum'n bass costituito da una
struttura sonora più ricca ed elaborata, la cui soluzione compositiva non risulta,
come in altri brani, limitata al solo binomio
parte-ritmica-programmata/didjeridoo. La qualità media del suono appare
sicuramente migliorata rispetto ai precedenti lavori di Ferroni, così come
probabilmente la sua ormai già "mitica", in Italia, capacità tecnica
nel suonare il didjeridoo...
(Giuseppe Verticchio)
Ferroni
Andrea: Ritratto
(CD-R 2007 - ACY)
[
andrea.mail@ciaoweb.it ] [
http://www.windproject.it ]
Nel suo
precedente CD "Breaking Through", realizzato con la collaborazione di
diversi artisti, Andrea Ferroni aveva colto l'occasione per espandere il
proprio raggio d'azione, esplorando in diversi brani i territori di una musica
di matrice decisamente più sperimentale rispetto a quanto era stato possibile
ascoltare nei suoi precedenti lavori. In "Ritratto", seppure in modo
molto diverso, e senza l'ausilio dei molti musicisti che lo avevano
accompagnato in "Breaking Through", Andrea Ferroni sembra voler
riprendere il filo della sperimentazione sonora, e messe da parte (quasi) del
tutto le sonorità/strutture/composizioni "ultra-tecniche" a base di
didgeridoo che hanno caratterizzato la maggior parte della propria produzione
artistica, sposta il proprio interesse verso la ricerca sonora, verso un modo
di utilizzo dello strumento in contesti più "aperti", desueti e
differenziati, sfruttando talora, come nel primo brano "Quiete dopo la
Tempesta", le possibilità offerte dal processamento elettronico (anche
massiccio) delle fonti, attraverso applicazione di effetti ed editing audio con
l'ausilio del computer. La struttura dei singoli brani rimane comunque
piuttosto semplice, nel senso che non c'è un ampio e preponderante utilizzo di
sovraincisioni e missaggi, e questa caratteristica consente ai brani di
conservare quel senso di "immediatezza" che viene invece inevitabilmente
a mancare in tanta musica che viene realizzata attraverso un ampio,
sofisticato, articolato e "ponderato" lavoro di
stratificazione/missaggio/montaggio al computer. Sicuramente non si tratta di
un CD intenzionalmente destinato ai "puristi" dell'affascinante
strumento australiano, a o chi giudichi negativamente l'utilizzo del didgeridoo
in un contesto musicale/culturale così espressamente distante da quello
"tradizionale" nel quale per secoli ne hanno fatto uso i nativi
australiani. Ma è sicuramente un CD consigliato a chi invece, prescindendo da
considerazioni di tipo etico-storico-culturale, vede in questo strumento, o
meglio ancora nella vasta gamma delle "varianti" di quello che è
l'originale Yidaki australiano, un interessante e potente mezzo espressivo che,
come qualsiasi altro "oggetto" in grado di produrre suoni, può essere
liberamente ed efficacemente impiegato, anche integrandone l'utilizzo con altri
strumenti e con l'ausilio delle moderne tecnologie elettroniche, per produrre
musiche e vibrazioni al di fuori dell'ordinario e del "già sentito".
Particolarmente riuscito ed interessante il brano che dà il titolo all'album,
ottenuto attraverso la "semplice" ma efficace sovrapposizione di due
note di didgeridoo continue non perfettamente intonate, diversamente
posizionate nel panorama stereo, una fissa e una in continuo glissare, e il
brano "Suono Continuo", il quale, pur non facendo uso nè di
didgeridoo nè di effetti elettronici, essendo stato realizzato soltanto
sovrapponendo tre tracce di Dan Moi (scacciapensieri vietnamita), mostra invece
delle sonorità che a tratti sembrerebbero invece sorprendentemente proprio di
derivazione elettronica, e a tratti, altrettanto sorprendentemente, ottenute
attraverso l'uso di un didgeridoo...
(Giuseppe Verticchio)
Fhievel: Nuvole (CD-R 2001
- Autoproduzione)
[ fhievel@noisysoul.com ] [ http://www.noisysoul.com ]
Splendido CD-R d'esordio per Fhievel,
di breve durata (16:33) ma decisamente "intenso" nei contenuti,
suddiviso in quattro tracce, che restituiscono comunque all'ascolto un perfetto
senso di continuità. Ciò che stupisce particolarmente, oltre ai suoni,
prettamente elettronici ma molto ricercati e mai dozzinali, è la
"misura" e la grande capacità compositiva. Stupiscono le evoluzioni,
le pause, le riprese, l'assoluta imprevedibilità... Un'imprevedibilità che non
nasce dall'aggressività, dal "distruggere" repentinamente le
atmosfere appena costruite con facili interventi ad impatto...
Un'imprevedibilità che nasce dall'impressione che in qualsiasi momento
dell'ascolto "stia per succedere qualcosa"... E in effetti succede
sempre qualcosa, ma non è mai ciò che ci saremmo aspettati, e non è mai un
"qualcosa" di "plateale" come magari avremmo immaginato...
Si apprezza il rifiuto di adottare schemi facili e collaudati, senza però
cadere mai nella casualità o nella pseudo-casualità, che in fondo non sono
altro che due ulteriori collaudatissimi schemi... Belle le atmosfere, i suoni,
gli incastri, i rari e discreti interventi ritmici dalle sonorità quasi
aliene... Buona la qualità della registrazione. Poco più di sedici minuti di musica dietro ai quali, ne sono
certo, l'autore ha passato decine e decine di ore di meticolosa ricerca e di
lavoro compositivo sofferto e intenso...
(Giuseppe Verticchio)
Fhievel: Fluctuazione (CD-R
2002 - Autoproduzione)
[ fhievel@noisysoul.com ] [ http://www.noisysoul.com ]
Un breve CD-R della durata di 15
minuti, suddiviso in 5 tracce, musicalmente unite tra di loro, e che
all’ascolto appaiono quindi come un unico brano. La prima cosa che colpisce è
la registrazione eccellente: l’assenza totale di fruscio, i suoni (di origine
esclusivamente sintetica) dalla timbrica nitida e cristallina, la cura del
dettaglio, del posizionamento nel panorama stereofonico degli elementi sonori,
le frequenze alte chiare e i bassi profondi, avvolgenti, caldi, ma
adeguatamente “frenati”. La musica penso possa essere descritta come una
elettronica “pura”, facente largo impiego di suoni “pungenti”, evidenti,
dinamici, “prepotentemente” presenti, “graffianti”, ma al tempo stesso sempre
molto eleganti, usati in modo deciso ma equilibrato, anche piuttosto originale,
e sapientemente combinati, miscelati, organizzati in sequenze. La musica
scivola via in un continuo e repentino alternarsi di effetti elettronici,
pulsazioni, disturbi, sibili, frammenti ritmici, brevi attimi di stasi che
forse avremmo potuto desiderare di durata leggermente maggiore, per offrire
qualche istante di “quiete” in più in questo pur elegantissimo e affascinante
caleidoscopio di “stimoli sonori sintetici”. Davvero un ottimo lavoro comunque,
e considerato che personalmente non sono (in genere…) particolarmente attratto
da opere di “elettronica pura” in questo stile, prediligendo ascolti d’impronta più “ambient” e dai tempi più
dilatati, questo mio giudizio estremamente positivo assume un valore di merito
ancora maggiore. “Fluctuazione” in questi ultimi giorni ha girato diverse volte
nel mio lettore, e questo non succede molto spesso con gli altri CD, tanto meno
quando ho (come infatti avevo…) almeno un paio di CD appena acquistati, di
“blasonatissimi” artisti stranieri, ancora da ascoltare per la prima
volta... Un ottimo lavoro per Fhievel,
dal quale però mi aspetto in futuro un CD-R di durata più “impegnativa”...
(Giuseppe Verticchio)
First thing I appreciated
most about this short-lenght release is the almost relaxed compositional
instinct shown. All tracks on this debut CD-R shows no hurry, no sign nor wish
to go anywhere, except maybe a little circumnavigation of the surroundings. You
may define it digital electronics: simple to write and completely void as an
explanation. Luca Bergero, the man behind this project, programs the source
sounds in C-sound, to ensure they have nothing to do with things you can hear
in reality, and then sequences them and add a little fx's here and there
(mostly delay). But the result, all together, is very human. Reminded me a lot
of Future Sound of London, with a peculiar taste for microscopic melodies and
some glitch paraphernalia scattered all over and smoothed by eq'ing, like some
abyssal creature swimming around the ruins of some submerged cities in a
faraway future, without nothing particular to do, except existing. And also
(but I may completely be wrong here) Ozric Tentacles, downloaded into one
single person and a computer, engaged into exposing only the bare bones of
compositional dynamics. Good, makes a worthwhile listening in a serene
afternoon like this. Comes into a slim-case and a high quality full colour
printed sleeve.
(P. Ippoliti)
Fhievel: Vetri di Carta (CD-R 2003 - Autoproduzione)
[ fhievel@noisysoul.com ] [ http://www.noisysoul.com ]
Premetto che questo CD-R è un lavoro
sicuramente più "difficile" dei precedenti. La "forma"della
musica in questo caso è infatti molto meno "ad impatto", e chi nei
precedenti lavori si è fatto affascinare esclusivamente da alcuni elementi
quali l'ampia dinamica, i suoni di basso caldi e profondi, le elegantissime
sequenze ritmiche, potrebbe rimanere disorientato dall'ascolto di questo nuovo
lavoro. Aggiungo subito che Fhievel ha finalmente realizzato un CD-R di durata
"normale", quattro tracce per un totale di circa 48 minuti, elemento
che aggiunge in partenza valore all'opera, dimostrando di essere in grado di
sviluppare ed elaborare le sue idee in modo molto più ampio, e distaccandosi
dal concetto del "Mini-CD", concetto che il più delle volte (ma con
le dovute eccezioni...) cela dietro di sè una certa difficoltà nell'affrontare
prove più "impegnative", e adottato per lo più da autori che stiano
ancora alla ricerca di una direzione precisa, di una propria definitiva identità musicale, e, se vogliamo, anche
di un certo grado di maturità artistica, di una propria consapevolezza.
"Vetri di Carta" può essere definito come un lavoro costruito
prevalentemente con "microsuoni", e cioè generando e
"assemblando" frammenti sonori elettronici di breve e brevissima
durata, per lo più suoni acuti e a volte un po' striduli, su frequenze alte e
medio alte. Immaginate di dover colorare un foglio di carta con dei pennarelli,
ma che per scelta, invece di disegnare dei tratti e riempire degli spazi vuoti
muovendo la punta del pennarello sulla superficie del foglio, decideste di
disegnare una serie infinita di piccoli punti ravvicinati, usando
prevalentemente pennarelli di simile tonalità di colore... Qualcosa di analogo alla tecnica di pittura
adottata da millenni dai nativi australiani... I primi punti saranno piuttosto
distanti tra loro, userete colori
chiari, e cambierete raramente il colore del pennarello, e l'immagine iniziale
risulterà piuttosto indefinita e astratta, ancora in cerca di forma: questo è
ciò che si percepisce ascoltando il primo brano del CD, circa tredici minuti di
"microsuoni" ancora in posizione apparentemente "sparsa"...
Poi piano piano, aggiungendo nuovi punti, che si faranno sempre più
ravvicinati, andrete a riempire tutti gli spazi bianchi del foglio...
Cambierete spesso colore del pennarello, e agli iniziali colori chiari si
sostituiranno a tratti colori più scuri e intensi che daranno profondità
all'immagine e aiuteranno a definire i contorni e le forme della stessa...
Questo è ciò che accade nel secondo e nel terzo brano del CD-R, ed è proprio
nella terza parte che il plasma sonoro raggiunge la sua forma più evoluta, la
sua dimensione migliore, le sembianze più chiare, riconoscibili e definite...
In questa fase Fhievel è comunque abile nel costruire rapidamente, in pochi
secondi, paesaggi e atmosfere che il più delle volte, in modo altrettanto
rapido, si dissolveranno nel nulla negli istanti immediatamente successivi.
Tale soluzione può a tratti lasciare un po' disorientati, soprattutto quando
l'atmosfera appena disegnata stava cominciando a toccare "nel vivo"
le nostre emozioni: ma questa è una
caratteristica che ha sempre fatto parte della musica di Fhievel, e che, a
seconda dei punti di vista, può essere considerata il suo maggior pregio o un
suo limite... Nella quarta parte i suoni si fanno di nuovo più rarefatti, come
se l'autore stesse cercando di far emergere di nuovo il colore bianco del
foglio, come se in qualche modo si stia cercando di cancellare parte di ciò che
si è disegnato, per ritrovare un contatto con la situazione originale...
"Vetri di Carta" è un album che, seppure a tratti può apparire un po'
"scarno", è in realtà abilmente sviluppato e finemente elaborato. Mi sarebbe piaciuto poter
ritrovare, almeno da qualche parte, nei 48 minuti di durata del CD-R, alcuni
elementi che avevo particolarmente apprezzato nei lavori precedenti e cui ho
già fatto cenno: l'ampia dinamica, i suoni di basso caldi e profondi, le
discrete e curate sequenze ritmiche... Nell'insieme comunque si tratta di un
CD-R di sicuro fascino e di grande interesse... La "barriera" della
breve durata è stata finalmente abbattuta, e se nel prossimo lavoro Fhievel
riuscirà ad integrare in un contesto musicale analogo anche quegli elementi sopra indicati dei quali ho sentito
un po' la mancanza, potremo con certezza consacrare Fhievel come uno degli
autori più interessanti e innovativi nel panorama della nuova musica
elettronica italiana...
(Giuseppe Verticchio)
Fhievel: Le Baptême de la Solitude (CD-R 2005 - Petite Sono)
[ fhievel@noisysoul.com ] [ http://www.noisysoul.com ]
Glaciale, nitida e scientifica, la
musica di Fhievel era la più ‘nordica’ fra quelle prodotte in Italia. Questo
nuovo disco, che giunge dopo due CD-R autoprodotti ed un terzo CD-R licenziato
dalla defunta S’agita Recordings, mostra un’evoluzione, da intendere non tanto
come una crescita - Fhievel è un musicista nato già adulto, qualche secolo fa
avremmo parlato di ‘enfant prodige’ - quanto come un piccolo spostamento nello
spettro dei modelli espressivi. Tale spostamento, direi, non è determinato
tanto dal cambiamento dei punti d’osservazione o di quelli osservati quanto
dall’ottica utilizzata che, in precedenza, poteva essere definita come micro
mentre adesso è decisamente macro. Innanzi tutto è presente un più marcato
aspetto compositivo, e questo comporta in parte l’abbandono di un’ottica
ultra-minimale in favore di costruzioni che prevedono la sovrammissione e l’intreccio
di differenti punti e linee sonore, mantenendo comunque un tratto distintivo
definibile come ‘eleganza’. V’è poi un più ampio utilizzo di suoni lunghi, e
questi continui vanno a riempire i vuoti tipici della vecchia parcellizzazione,
con un mood che si fa più ‘concreto’ rispetto all’astrazione precedente; e pure
si tratta di una concretezza non riferibile tanto ai materiali utilizzati
quanto ad un suono che riesce ad evocare situazioni vissute, magari non
quotidiane, ma comunque vissute: il passaggio di un treno, una folata di vento,
lo scalpiccio di passi o di ruote su un selciato, un coro di cicale, una porta
che si chiude, sassi che rotolano…. Va rilevato anche il senso di movimento che
Fhievel è riuscito ad imprimere ai suoni, sia per quanto riguarda la dinamica
interna ai suoni stessi sia per quanto riguarda la dinamica vista in un’ottica
più complessa da riferire all’intera scultura sonora. Ma quello che più
avvince, infine, è l’alzarsi occasionale di una nebbia mistica che toglie al
lavoro quel tanto di scientificità sufficiente a renderlo un po’ più
passionalmente mediterraneo. “Le baptême de la solitude” è una realizzazione
importante, sia per il musicista sia per la musica sperimentale italiana, anche
perché esce per un’etichetta canadese, seppur piccola, e allarga così a quattro
il numero dei dischi 'italiani' pubblicati recentemente da quelle parti.
(Etero Genio - Sands Zine)
Fhievel is the moniker for
Italian electronic musician Luca Bergero. Or maybe the term electroacoustic is
more appropriate: Fhievel combines electronic acoustic sounds with field
recordings in a very controlled and composed way. His use of the different
materials is without question and feels absolutely natural. This CD-R contains
three tracks ranging from over 10 to over 15 minutes, which is not so long, but
that is very good. The music is demanding: the listener has to focus and
concentrate. This is not to say that Fhievel's music is difficult, quite the
contrary. But there is a gentleness and quietness about it that simply needs
attention to be fully appreciated. With the use of his ingredients Fhievel
arrives at an almost narrative structure, but without getting too bold. Yes,
this is very suggestive and also beautiful music.
(Roel Meelkop - Vital Weekly)
Fhievel/Sigurtà
Luca: The Wheel
(CD 2008 - Creative Sources)
[
fhievel@noisysoul.com ] [
http://www.noisysoul.com ]
Eccellente
documento sonoro, concepito da Luca Bergero/Fhievel e Luca Sigurtà per la
mostra sonora "La fabbrica e la sua voce - trame sonore dell'industria
tessile", realizzato utilizzando registrazioni microfoniche effettuate
all'interno della "Fabbrica della ruota" (ex Lanificio Zignone) di
Pray, uno dei più significativi esempi di archeologia industriale del Biellese.
Articolato in quattro tracce, rappresentanti quattro diverse "zone
sonore" (sala della ruota, tessitura, mensa operaia e carderia), il CD è
costituito di una vasta gamma di rumori/suoni registrati nei medesimi ambienti,
interagendo in vario modo con macchinari, attrezzature e strutture, e cercando
di catturarne la "voce", l'essenza sonora, le vibrazioni...
Assolutamente sorprendente la qualità delle registrazioni, caratterizzate da
una straordinaria nitidezza sulle frequenze medie e alte, da drones e frequenze
basse calde e profonde, da una eccezionale gamma dinamica, nonchè da una resa
panoramica di grande impatto e notevole tridimensionalità. Un lavoro davvero di
grande pregio e grande intensità, soprattutto considerando che spesso a
interessanti idee di tipo prettamente concettuale, quali installazioni sonore e
simili, non corrisponde poi, alla prova
dei fatti, un altrettanto interessante risultato e una corrispettiva
piacevolezza d'ascolto quando la medesima esperienza viene estrapolata dal suo
contesto originale e "trasportata" su "normale" CD audio da
fruire in momenti, ambienti, situazioni e condizioni assolutamente diverse.
Elegante il booklet, in bianco e nero e composto da sedici pagine, ricco di
note e suggestive fotografie scattate nei medesimi ambienti. CD sicuramente
consigliato, ovviamente soprattutto a chi, negli ascolti, non senta comunque la
necessità di qualche elemento musicale/melodico, in questo caso del tutto
assenti, se si eccettuano alcuni suoni dilatati e armonici di origine
evidentemente metallica (vagamente simili al suono di ciotole tibetane
strofinate) presenti nella prima traccia del CD.
(Giuseppe Verticchio)
This
duo from Novara joins a couple of complementary musicians involved in sound art
and experimental music, as you can easily guess from the inside notes of this
cd, they're also involved in sonorizations. You may remember them for their
past participation to the Pocket Progressive experience where Claudio Rocchetti
was the third part of the triumvirate, you will find some similarities but in
general the project is a little bit different. While generally Sigurtà tends to
be more rough and Fhievel is probably the one of the few purest "minimal
electronics" exponents hailing from Italy, during the composition of this
work they converged trying to resuscitate the voice of the old machines they
found inside the factory "Fabbrica della ruota" of Prey and
simultaneously they accomplished the result to give it all an oniric dimension.
The target has been hit and the outcome is brilliant since for the whole
recording you've the impression the audio work is part of a soundtrack and in
some way their modus operandi related to the process of sonirization is quite
classic. The sound definition is wonderful and natural reverbs paint the audio
trip of a spectral atmosphere, the sharpness of some sounds (Fhievel?) ties the
knot with some grey, dronical cluds (Sigurtà?), they didn't pierce silence but
they've been flirting with it constantly which means there's no "tension
building" or "waiting game", but it's enveloped all around most
of the sounds "happening" during the trip. Considering this whole
recording concerns "the factory and its voice - sounds and textures of the
textile industry" it's not heavy at all, it has been probably designed to
be accessible to a big range of people therefore forget those
hyper-intellectualized works by this or that "sound artist wonna be".
"Simple" doesn't mean "naïve" and I'm still quite surprised
by the great sound effect they managed to create for what concerns sound
definition, sure you've to considered you won't hear all the machine
"speaking" at the same time as an Orchestra (Russolo can feel safe
wherever he rests) but every ghost is there to remember when the worker will
die we'll hear his voice thru that of the machine he's been working with for a
whole life…"part animal, part machine" for the last
time..forever.
(Andrea Ferraris - Chain DLK)
Five
Thousand Spirits: A Tapestry for Sourcerers (CD 1995
- Hic Sunt Leones) (Alio Die, Raffaele Serra, Runes Order)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Questo CD rappresenta in pieno il mio
ideale di musica ambient: atmosfere tendenzialmente statiche e oscure, ma al
tempo stesso evocative; musica che nasca da vere idee, e che non si trascini
avanti stancamente nell'intento di "coprire" a tutti i costi lo
spazio scrivibile di un CD. Musica mai completamente immobile e, soprattutto, mai noiosa... "A
Tapestry for Sourcerers" risponde a pieno a tutti questi requisiti,
eccelle nella scelta dei suoni, nelle costruzioni, nelle progressioni… I primi
due brani sono spettacolari, con
l'introduzione di "From sea to sea" e le stupende pulsazioni
elettroniche e acustiche del seguente "Enter, so far from this sky".
Questo ultimo brano forse è il mio preferito: i primi 5 minuti in particolare
davvero magici... Seguono ancora gli splendidi “Alphamantra” e “Onyx”, che
chiudono i primi 20 minuti abbondanti di ascolto del CD che non esito a
definire entusiasmanti... Quindi "Eskdalemuir", un lungo brano di 16
minuti, durante il quale si susseguono diversi cambi d’atmosfera e di sonorità,
prima più rituali, poi più elettroniche, quindi più statiche, che trovano
nella seconda parte del brano i momenti più riusciti e suggestivi… Seguono l'inquietante “Lais”, le discrete aperture
melodiche di “Haat-Lunis”, quindi “Limahians”, brano di chiusura del CD dalle
sonorità oscure e vagamente psichedeliche… “A Tapestry for Sourcerers” è il
primo CD che vede Raffaele Serra avvicinarsi con grande stile a quei territori
musicali prettamente ambient che Alio
Die, suo compagno di squadra in Five Thousand Spirits, è invece solito
percorrere già da alcuni anni… Un incontro felice fra due grandi artisti
italiani che, anche con la collaborazione di Runes Order, hanno scritto un
capitolo indimenticabile nella storia della musica ambient italiana...
(Giuseppe Verticchio)
Five
Thousand Spirits: Quantum Consciousness (CD 2006- Sempiterna Mutatio) (Alio Die & Raffaele Serra)
[
aliodie@tiscali.it ] [
http://www.aliodie.com ]
Attesissimo
ritorno questo del duo Alio Die/Raffaele Serra e del loro progetto Five
Thousand Spirits, rimasto in stand-by per quasi un decennio, dell'uscita cioè
del precedente CD "Mesmeric Revelation". Chi conosce da anni e
approfonditamente i due artisti, sa come Alio Die si sia sempre distinto per
aver proposto musica caratterizzata da sonorità molto fluide,
"morbide", discrete, misurate, mentre Serra ha orientato la sua lunga
carriera artistica verso una ricerca sperimentale più estrema, variegata,
energica e imprevedibile. Se nei primi minuti di ascolto di questo CD sembra
prevalere un sound "generale" più vicino a quello tipico di Alio Die,
soltanto arricchito da alcuni suoni, pulsazioni, e movimenti elettronici
"circolari" che sembrerebbe plausibile attribuire alla
"mano" di Serra, in realtà già dal secondo brano il suono tende a
farsi molto più estremo, psichedelico, "rumoroso", ipnotico,
spiccatamente sperimentale, a tratti quasi "allucinato", quasi a
richiamare echi di storici capolavori del primo Raffaele Sera, quello di
"Our Lady of the Sphere" e di
"Memories of an Unborn Baby", o quello del più recente
"The Third Mind". Anche nel proseguio dell'ascolto del CD, che non
manca di riservare grandi sorprese e soluzioni davvero imprevedibili, questa
marcata matrice sperimentale sembra solitamente prevalere, tanto da la lasciar
credere che Alio Die abbia scelto di lasciare ampio spazio a Serra, soltanto
"guidandolo" lungo questo lungo viaggio sonoro, aggiungendo substrati
atti a fare da "collante" tra i variegati e suggestivi interventi del
collega, e dedicando a sè soprattutto alcuni parti d'impronta più statica che
di tanto in tanto attenuano la tensione, lasciando i suoni, e i flussi delle
emozioni, decadere lentamente... In realtà però credo che Alio Die abbia fatto
molto più di quanto superficialmente possa apparire, e sono abbastanza certo
che abbia piuttosto colto l'occasione di questa nuova "reunion" con
Serra per "osare" in prima persona più di quanto abbia fatto finora
nella musica siglata soltanto a proprio nome, elaborando ed inserendo in questo
nuovo lavoro, di propria iniziativa e di propria mano, elementi sonori di
matrice più elettronica, sperimentale e rumoristica che fino ad ora non avevano
mai "contaminato", o lo avevano fatto in modo assolutamente
marginale, la musica prodotta come "Alio Die". Non ci è dato di
sapere, e a dire il vero neanche ci appare così importante approfondire, chi
dei due artisti abbia apportato cosa, e in che misura. Preferiamo ascoltare, e
godere questo affascinante, attesissimo, nuovo CD dei Five Thousand Spirits...
e tanto ci basta...
(Giuseppe Verticchio)
Five
Thousand Spirits: Schwarzschild Radius (CD 2006- Sempiterna Mutatio) (Alio Die & Raffaele Serra)
[
aliodie@tiscali.it ] [
http://www.aliodie.com ]
"Quantum
Consciousness" e ll presente "Schwarzschild Radius" escono
sostanzialmente in contemporanea per la medesima etichetta (Sempiterna Mutatio,
sub-label della Hic Sunt Leones) e quest'ultimo titolo è il logico
proseguimento del primo, tanto che i due CD, simili per sonorità e stile,
nonchè per grafiche e confezione,
avrebbero anche potuto anche essere pubblicati come opera unica raccolti
in doppio CD. Quasi impossibile immaginare dunque di acquistarne e possederne
soltanto uno, e inevitabile quindi un confronto fra i due titoli; e a tale proposito,
pur sottolineando l'indubbio fascino, il "coraggio", e l'innegabile
originalità che caratterizza "Schwarzschild Radius", debbo dire di
aver preferito il primo "capitolo". Non cambia molto nella
"sostanza" rispetto a "Quantum Consciousness", e la formula,
pur con le ovvie variazioni sul tema, appare simile. In "Schwarzschild
Radius" però tende ad emergere e spesso a prevalere, soprattutto nella
seconda parte del CD, una struttura sonora di fondo più spiccatamente
rumoristica e pseudo-caotica (caos controllato naturalmente...), che miscelata
alla scelta di alcuni suoni d'impronta marcatamente elettronica, a volte
peraltro (come nel quarto e quinto brano...) in abbinamento a sibili su
frequenze molto alte e stridenti, mi hanno fatto preferire il più "misurato"
e sicuramente meno "estremo" "Quantum Consciousness". Molto
accomuna comunque i due CD, e anche "Schwarzschild Radius" presenta
momenti di grande efficacia e suggestione, come nella parte iniziale di
"Fog Pumas" caratterizzata da alcuni potenti e strabilianti
"colpi" pulsanti a bassa frequenza, o nell'ascesa della parte ritmica
e di sequencer dell'evocativa "Sirius Remembered", cui segue in
chiusura di brano (e inizio del seguente "Blackwater Days") una zona
molto tesa e oscura a base di onde di drones, o ancora nelle venature quasi
"cosmiche" che fanno da introduzione al primo brano del CD,
"Immaculate Perception", brano che poco oltre evolve in una forma più
"quieta" e ambientale, anche con la sovrapposizione di delicate
tessiture acustiche a base di arpeggi di zither... Molte belle sorprese anche
qui dunque, e seppure personalmente ho espresso preferenza per "Quantum
Consciousness", non escludo, e sono anzi certo, che altri ascoltatori
potranno pensarla in modo completamente diverso, prediligendo alla maggiore
"moderazione" del primo titolo il "coraggio" e la vocazione
più "estrema" ed "intransigente" di "Schwarzschild
Radius"...
(Giuseppe Verticchio)
Fogar Alessandro: Isole
(CD-R 1988 - Autoproduzione)
[ sfogar@inwind.it ] [
http://www.fogar.it ]
Semplicemente un ottimo lavoro.
Ancora più interessante se si pensa che è stato concepito e realizzato più di
dieci anni fa, e che nasce, ce lo spiega la copertina, come installazione
multimediale per nastri e dispositivi controllati via midi. Tenendo tra le mani
una vecchia rivista, contenente un generoso servizio su Alessandro Fogar, leggo
che quest’opera è stata influenzata da
Luigi Nono, e che è nata dall’osservazione acustica dell’ambiente circostante…
Ma al di lè delle informazioni di tipo tecnico e concettuale, quello che si
apprezza principalmente in questo lavoro è la musica stessa (anche se il
termine “musica” in questo ambito suona un pò improprio…), e le emozioni che riesce e regalare; e i due
brani contenuti nel CD-R, simili per struttura e sonorità, evocano immagini e
atmosfere che certo non mancheranno di emozionare gli ascoltatori...
(Giuseppe Verticchio)
Another installation
soundtrack, as Fogar seems to be very active in this field, presenting us with
two tracks, the live and studio version of it. Crispy dramatic dronings, and
something that appears to be breathing unheard in the background, mixed over
looped field recordings - resulting in a meditative texture. The studio version
though, miss that environmental hiss and depth that sort of enriches the live
one. Jewel case and full colour inserts, with a painting by Marina Bosio.
(P. Ippoliti)
Fogar Alessandro: Songlines (CD-R 1998 - Autoproduzione)
[ sfogar@inwind.it ] [
http://www.fogar.it ]
Questa volta Alessandro non tocca
quelle vette potenzialmente raggiungibili con le proprie capacità artistiche.
Forse l’opera ha risentito un po’ troppo del fatto di essere nata
dall’esperienza di un’ installazione sonora e di non essere stata concepita
direttamente come CD musicale. L’impressione
che si ha dall’ascolto del CD, è quella di un certo numero di
campionamenti, riprodotti e miscelati randomizzandone la sequenza e l’intervallo
temporale di esecuzione, che non riescono però, combinati attraverso questo
meccanismo, a generare un tessuto sonoro abbastanza coinvolgente. Da
appassionato di cultura aborigena inoltre, considerando che il CD è
dichiaratamente ispirato a tale cultura (molto bella l’immagine della
copertina!), mi aspettavo di trovare, anche per quanto riguarda il contenuto musicale,
qualche elemento direttamente riconducibile a tale contesto (magari qualche
suono di didjeridoo, bullroarer, click sticks, o campionamenti di canto
aborigeno…), che invece risulta essere completamente assente. Talvolta le
installazioni sonore, ed anche altre
idee ed esperienze basate su un approccio più concettuale e sperimentale, non
si sposano abbastanza felicemente con le esigenze, più prettamente musicali,
della realizzazione di un CD che sia soltanto ’da ascoltare’, e che richiede
invece una maggiore attenzione per quanto riguarda l’aspetto compositivo e la
ricerca dei suoni e delle progressioni.
(Giuseppe Verticchio)
Definitely, there must be
something between Australia and some italian electroacoustic composers.
Possibly inspired by the Bruce Chatwin's book by the same title, this is an
installation soundtrack from 1998, and having missed the thing at the time, i
am left with the sounds: two tracks that shows little difference between
themselves, at least to my ears; made in PD, long pad sounds, mildly droning,
water and cricket samples, the occasional plucked string, and an italian text
that depicts how aboriginal songlines should help reading the whole of
Australia like a score. Comes in a jewel case, with full colour inserts and the
original aboriginal painting that inspired the tracks title.
(P. Ippoliti)
Fogar Alessandro: The Stars Circle (CD-R 1999 - Autoproduzione)
[ sfogar@inwind.it ] [
http://www.fogar.it ]
Forte di un’attività di installatore
multimediale e di un retroterra colto che passa attraverso ascolti e letture di
Nono, Cage, Oliveros, e Xenakis, il compositore goriziano è autore di un album
dai decisi contorni elettro-ambient. Suoni naturali, sussurri, crepitii e
sciabordii sono stati elaborati con l’ausilio di uno dei tanti software di
sintesi granulare (Csound) e successivamente spazializzati a completare un
immenso affresco di sostanza oscura e contemplativa in bilico tra platonica
musica delle sfere e meditatività di impronta cosmica (Voto 6).
(Nicola Catalano - Blow Up)
A studio work, aptly
subtitled “sonic meditation”: four tracks that goes down heavy on rumbling
stellar drones, darker than everything else i've heard from him and showing
variations and evolution, unlike the most static installation work, and getting
sort of lighter, melodic as the end approaches. Intended to be listened to
while lying down looking at the stars, forming a circle with other listeners,
i've found it quite enjoyable anyway, though i was alone in front of my
computer screen, debugging my poorly written html and writing text, and had it
looped on headphones for quite a while. Full colour sleeve in a jewel case.
(P. Ippoliti)
Fogar Alessandro: Transmutations (CD-R 2002 - S'agita Recordings )
[ sfogar@inwind.it ] [
http://www.fogar.it ]
"Transmutations" è
sicuramente il lavoro più interessante e maturo di Fogar fin dai tempi di
"Isole". Sette tracce in tutto, ognuna della durata di sette minuti,
che propongono un efficace misto di field recordings, più o meno rielaborate elettronicamente,
abbinate a parti e suoni di apparente origine sintetica. Ciò che si apprezza in
particolar modo in "Transmutations", soprattutto comparando questo
lavoro alle precedenti prove dell'artista, è la maggiore cura e attenzione
rivolta alla scelta e all'utilizzo dei suoni, che risultano sicuramente più
variati, ricercati, ben trattati e combinati tra loro, dipingendo paesaggi
sonori che, soprattutto in alcune parti, risultano davvero ricchi di
suggestione ed emotivamente coinvolgenti. L'approccio a volte piuttosto
frammentario e "cinematografico" sembra ricordare a tratti un certo
tipo di sperimentazione sonora che il "nostro" Raffaele Serra porta
avanti ormai da circa un decennio, e che ha trovato la sua massima espressione
nel 2004 con "The Third Mind”. Tale analogia è comunque riscontrabile solo
in alcune parti del CD-R, e indipendentemente da questo parallelismo c'è da
sottolineare come con "Transmutations" Fogar mette di certo a punto
un CD-R di grande interesse, che rappresenta un' importante tappa e probabilmente
una svolta decisiva per quanto riguarda la propria esperienza artistica
musicale.
(Giuseppe Verticchio)
Fogar Alessandro: Prakriti (CD-R 2003 - Ants)
[ sfogar@inwind.it ] [
http://www.fogar.it ]
Per realizzare questo lavoro Fogar ha
raccolto e trasformato suoni naturali derivanti da field recordings
integrandoli con drones statici ottenuti rielaborando pesantemente suoni
orchestrali. Il risultato finale nasce attraverso l'utilizzo di un sistema in
tempo reale che produce infinite e diverse combinazioni di eventi sonori,
mentre l'artista "controlla" al tempo stesso l'evoluzione del pezzo
mixando e spazializzando le stratificazioni degli stessi eventi. Il CD-R,
proposto dalla Ants in una splendida confezione in jewel box con stampa della copertina
di ottima qualità, sicuramente ai vertici per quanto riguarda le produzioni su
supporto CD-R, contiene un'unica traccia della durata di 42:41 interamente
realizzata attraverso i "meccanismi" descritti poco sopra. Alessandro
Fogar è un artista multimediale attivo da molti anni in questo tipo di ricerche
e sperimentazioni, e pur considerando i limiti intrinsechi di tali esperienze,
sia a livello prettamente "musicale" e "compositivo", sia
per quanto riguarda la "trasposizione" su prodotto CD-R di situazioni
sonore che sicuramente trarrebbero maggior
vantaggio dalla fruizione in forma di performance dal vivo, si può senza
dubbio affermare che l'artista è riuscito a trovare una "formula"
davvero equilibrata, attraverso la quale riesce a conciliare l' esigenza di una
ricerca e sperimentazione d'impronta fortemente "tecnologica" e in
una certa misura anche concettuale, con l'esigenza di ottenere un risultato
finale che sia in qualche modo anche particolarmente piacevole e valido a
livello puramente "uditivo", concentrandosi sulla qualità della
proposta musicale in sè stessa e prescindendo da tutto ciò che c'è stato a
monte della sua realizzazione. La pluriennale esperienza di Alessandro Fogar in
questo tipo di sperimentazione rivela sicuramente in "Prakriti" la
sua più evidente consistenza, consegnandoci un CD-R che sarà sicuramente
apprezzato da chiunque conosca e stimi da anni questo artista, ma anche da chi
si avvicini per la prima volta al suo inconsueto universo musicale..
(Giuseppe Verticchio)
Fogar Alessandro: Surface Studies #1-#2 (CD-R 2005 - Afe)
[ sfogar@inwind.it ] [
http://www.fogar.it ]
Ennesima conferma per Alessandro
Fogar, che grazie alla Afe Records ci propone un nuovo affascinante CD-R contenente due lunghe tracce per una
durata totale di 49:35. Portando avanti quello che potrei definire un
"nuovo ciclo", quello sicuramente più maturo e significativo
nell'intera carriera dell'artista, iniziato con "Transmutations" e
seguito da "Prakriti", "Surface Studies #1-#2" torna a
proporre splendide miscele sonore costituite in parte preponderante da
registrazioni ambientali, superbamente
rialaborate in vario modo e sapientemente miscelate tra loro in aggiunta
a suoni di natura elettronica. La prima traccia, a mio parere la migliore, è
stata registrata in studio nel 2005, mentre la seconda risale ad una
installazione sonora interattiva registrata del vivo nel 2003. Gli elementi
utilizzati, per lo più drones bassi e profondi, gorgoglìi d'acqua, vento,
crepitìi, sfregamenti di masse pietrose e rumori di altri oggetti vari, sono
sostanzialmente condivisi dalle due tracce, tanto da apparire come due diverse
"interpretazioni" di un medesimo "soggetto sonoro", due
variate soluzioni di trattamento e montaggio audio del medesimo (o quasi)
materiale di origine. In realtà le differenze tra le due tracce
("Sand" e "Stream") sono maggiori di quanto possa apparire
ad un ascolto superficiale, ma certa è l'estrema omogeneità in termini di
sonorità per quanto riguarda il materiale proposto su questo CD-R, che per
impronta e struttura appare all'ascolto come un possibile punto d'incontro tra
Eric La Casa, Nick Parkin, e ancora, per l'andamento fortemente
"cinematografico" che lo caratterizza, il "nostro" Raffaele
Serra di matrice più sperimentale. La buona qualità generale del suono,
dell'equalizzazione e della dinamica aggiungono ulteriore valore e piacevolezza
all'ascolto di questo CD-R, che mi sento senza dubbio di consigliarvi per i
vostri futuri acquisti...
(Giuseppe Verticchio)
Alessandro Fogar is an
electronic musician and multimedia/software designer based in Grado (Go),
Italy. He operates in the field of electronic music and multimedia art, with a
marked interest in natural sounds, spatialization and interactive systems. He
has explored various approaches to sound generation, recording and production,
the resulting compositions are often studies in transforming, mutating existing
sounds. "Surface Studies" are a series of works focused on the study
of surfaces. The microphone is used as a microscope, in order to catch the most
intimate resonance, the most secret rustles, the essence of nature. Field
recordings are metabolized, tranformed, distorted, decomposed. In
"Sand" rich textures are extracted from sea sounds recorded on a
small island located in the Grado lagoon. In "Streams" sounds of
water and pebbles, recorded beneath the river Torre, are tranformed, distorted
and mixed in real time with the sounds of the river Torre which are decomposed
and pitch shifted using a sort of granular treatment. The sound objects thus generated
are used to fill a sort of sound canvas so that the inner architecture of
sounds, with its intimate time structures, becomes the controlling metaphor of
the works.
(Afe Records)
Formentini Luca: Subterraneans (CD 2003 - Auditorium)
[ luca@unguitar.com ] [ http://www.unguitar.com ]
Quasi settantatrè minuti di musica,
suddivisa in sedici tracce, in un CD per la Auditorium realizzato in
coproduzione tra lo stesso artista Luca Formentini e Claudio Chianura. Sedici
brani, basati principalmente su suoni di chitarre acustiche, elettriche e
fretless, spesso pesantemente processate, ascoltando i quali si percepisce
chiaramente l'influenza che artisti come Brian Eno o Harold Budd hanno avuto
nella formazione artistica di Luca Formentini. Ascoltando le numerose e
diversificate atmosfere che l'artista
riesce a ricreare in questo suo lavoro, le molteplici sfaccettature di una
musica che, pur nascendo dal suono di uno stesso strumento, appare estremamente
variegata e fantasiosa, osservando come, attraverso diversi approcci,
trattamenti e tecniche esecutive, l'autore riesce a "plasmare" il
suono rendendolo ora più oscuro, ora lievemente melodico, ora più ipnotico, ora
più sperimentale, ora più aggressivo e drammatico, ora più frammentario e
"spezzettato", ora più statico e dilatato, ascoltando alcune brevi
sequenze, o anche semplici frammenti sonori, vengono a tratti in mente nomi di
altri artisti come Michael Brook,
Daniel Lanois, Robert Fripp, Jeff Pearce... I brani sono ora più scarni ed
essenziali, ora più articolati ed elaborati;
generalmente di breve durata, intorno ai quattro minuti circa. Spesso
appaiono in forma di brevi "bozzetti" sonori, a volta più astratti, a
volte dalla struttura più precisa e dai contorni più definiti; talvolta brani
già di per sè molto brevi sembrano essere addirittura costituiti di due, tre
parti, anche piuttosto diverse tra loro... Talvolta i tempi si fanno meno precipitosi, e le durate e le
evoluzioni sonore sono più lente e progressive, come nello splendido brano
"118", nel sempre affascinante "Su Me", o nel conclusivo
"Gio's Lake". La gamma di suoni e situazioni che Formentini riesce a
proporre è davvero ampia, ma il tutto nasce fondamentalmente dalle corde di una
chitarra, rielaborata in vario modo, e arricchita qua e là da suoni di drum
machine, registrazioni ambientali, e altri campionamenti... Se desiderate scoprire le molteplici
possibilità espressive di questo strumento, interpretate dalla particolare
sensibilità di un artista che mostra di non essere certo a corto di idee,
"Subterraneans" è il CD che fa per voi...
(Giuseppe Verticchio)
Formentini Luca: Tacet (CD 2007 - Extreme)
[ luca@unguitar.com ] [ http://www.unguitar.com ]
Quando alcuni anni fa scelsi un nome
per il sito "Oltre il Suono - Musica di Confine", avevo in mente un
ideale di musica che fosse davvero "coraggiosa", realmente
"avanti", al di fuori di ogni stereotipo ma al tempo stesso intrisa
di una forte emozionalità e non "svenduta" alla sperimentazione
"spicciola" e a grana grossa così diffusa in questo periodo. Con
"Tacet", di recente uscita per la prestigiosa etichetta australiana
Extreme, Luca Formentini ha realizzato un CD di musica così straordinaria,
ricercata, al di fuori dagli schemi ma al tempo stesso estremamente
"calda" ed emozionante, che probabilmente, se in questo momento
dovessi scegliere il CD più adatto a rappresentare il progetto "Oltre il
Suono" e quell'ideale di musica che avevo in mente allora come adesso,
senza grandi esitazioni credo che sceglierei proprio il presente "Tacet"
di Luca Formentini. Nato con la collaborazione di artisti come Markus
Stokhausen, Steve Jensen, Steve Lawson, Deborah Walker e Frank Moreno,
"Tacet" raccoglie elementi, influenze e strumenti derivanti da
diverse esperienze e da diversi generi musicali, riunendoli in una forma sonora
e compositiva al di fuori di ogni possibile definizione stilistica che però non
lascia nulla al caso e all'improvvisazione, integrando con creatività e grande
capacità i vari "ingredienti",
"fissando" su CD una proposta musicale assolutamente originale
e di grande spessore. Musica "vera" proposta da un artista
"vero"; tredici brani in cui alla chitarra di Luca Formentini, spesso
splendidamente effettata/trattata, vanno ad accostarsi di volta in volta suoni
di violoncello, parti di batteria elettronica, basso elettrico, tromba, voce,
armonica... Atmosfere per lo più "morbide", spesso rarefatte e
ambientali, ma non per questo troppo minimali, "semplici" o peggio
ancora insignificanti. Straordinarie emozioni dall'inizio alla fine, sonorità
inedite, soluzioni intelligenti, argute, spesso imprevedibili... Un'opera che
soltanto chi ha le orecchie violentate e assuefatte da tanta musica
finto-sperimentale/vera-spazzatura circolante in questi ultimi anni potrebbe
non comprendere e non apprezzare. Tra i brani assolutamente imperdibili citerei
l'insuperabile "Deep Test", un vero pozzo di idee, il più ritmico
"Frame", il trainante e "drammatico" "The Fragile
Second", il quasi "psichedelico" "Skin for the Angel";
ma ancora non dimenticherei il malinconico e "notturno"
"Jealous", l'evocativo "Layer (Resonance)", il variegato
"Sensing the Mirror", il suggestivo "Misha"... A questo
punto mi rendo conto di aver già citato quasi tutti i titoli dei brani del CD,
quindi interrompo opportunamente l'elenco, e cercando di trovare di getto un
unico aggettivo che possa esprimere in sintesi estrema il mio giudizio
definitivo su questo CD mi viene in mente una solo termine:
"Superiore".
(Giuseppe Verticchio)
[ http://store.silentes.it ]
Probabilmente l’oggetto “principale”
di questa pubblicazione rilasciata da 13/Silentes è l’elegante libro
fotografico rilegato contenente 28 scatti in bianco e nero e 28 a colori
realizzati da Stefano Gentile, tutti dedicati ad una Venezia crepuscolare o
notturna, descritta superbamente attraverso “attimi di vita” “rubati”
dall’obiettivo ora tra viottoli e stretti passaggi, ora tra più ampi viali o
porticati, sempre sotto l’aura di fioche luci notturne riflesse ora su un
rivolo d’acqua, ora sulle vetrine di un negozio ormai svuotato, ora sulla
finestra di una sconosciuta e anonima stanza affacciata su strada, ove presenze
umane casualmente in transito hanno inconsapevolmente “posato” per trasmettere quel senso di vita quotidiana e notturna
“ordinarietà” che questa splendida “galleria di immagini” è in grado di
trasmettere…
Una suggestiva raccolta di foto che
“racconta” una Venezia più “sconosciuta”, “solitaria”, intima e crepuscolare,
ben lontana da quei percorsi e da quelle “inquadrature” che chiunque si
trovasse in transito a Venezia si troverebbe inevitabilmente a
percorrere/immortalare.
Una raccolta di foto accompagnata dal
“commento sonoro” di Gigi Masin, che nel CD abbinato offre, come ideale complemento
alle immagini, soffuse e sospese trame musicali ambientali perfettamente in
sintonia con le atmosfere narrate, costruite attraverso un uso sobrio e
discreto di delicate note di pianoforte, pads ed eterei suoni sintetici.
Introduzione al libro di Mirco
Salvadori.
(Giuseppe Verticchio)
Grilli Gianfranco: Il Tempio di Karnak (CD 1998 - Amplexus)
[ gianfranco.grilli@libero.it ]
Interessante CD che descrive le
suggestioni evocate dalla maestosità di
questo antico tempio egizio dedicato al dio Ammone, e lo fa
avventurandosi in territori sonori dall'impronta spiccatamente ambient, senza
disdegnare però l'utilizzo di parti più armoniche e musicali, a tratti anche
melodiche. Con il solo uso di sintetizzatori, e utilizzando questo tipo di
approccio, Gianfranco ha realizzato i due affascinanti e lunghi brani che
costituiscono questo CD senza cadere in banalità e senza comunque mai cedere a
tentazioni esageratamente "New Age". Volendo indicare la
"misura" delle parti più
armoniche rispetto alle porzioni più statiche e tipicamente ambient, e volendo
citare un riferimento di tipo stilistico che può anche aiutare a descrivere la musica contenuta ne "Il
Tempio di Karnak" e nel successivo "Le Colline dei Druidi", non
posso fare a meno di nominare il grande e recentemente scomparso artista
tedesco Rudiger Lorenz, e alcuni suoi lavori come "Pazifica",
"Atoll", e in particolare "Coral Sea". La musica di
Gianfranco suona certamente meno aspra e meno elettronica rispetto a quella di
Lorenz, e non ne condivide alcune componenti ritmiche fortemente presenti nei
lavori di quest'ultimo, ma è ugualmente in qualche modo comparabile ad essa,
per alcune strutture, per alcuni suoni usati, per i passaggi, per le misurate e
occasionali aperture melodiche, per
alcune soluzioni adottate... Questa,
sia beninteso, non vuole essere assolutamente una critica, piuttosto un sincero
complimento, giacchè Gianfranco ha composto "Il Tempio di Karnak"
senza aver mai conosciuto e ascoltato i lavori di questo fantastico artista
tedesco ormai scomparso. Un CD sconsigliato soltanto a chi è assolutamente
intransigente in fatto di "musicalità", e che non riesce a concepire lavori di musica ambient che
contengano al loro interno anche alcuni elementi più prettamente
"armonici" e descrittivi. Un CD invece ovviamente consigliato a tutti
gli altri...
(Giuseppe Verticchio)
Citing a fascination with
archeological sites and ancient ruins, Grilli outlines the inspiration for this
disc. The ancient temple of Karnak is truly one of the most amazing discoveries.
This disc is like a trek through that landscape, a tour through the houses of
it's ghosts, an audience before it's long-dead half-gods. Ambient caverns
extend beyond either sides vision, growing. Distant water reacts quietly, a
lake of unknown size. But the vision that's most prevalent is the old, dusty
walls, the statues, the dark, toppled place where people lived their lives out
and then turned into dirt for the rest of time. These specters are the
lifeblood of 'Il Tempio Di Karnak', the voices that inform the journey that is
this excellent disc of dark tribal ambient. Limited edition of 500, each
numbered, in slim-artpaper jacket.
(Manifold)
Grilli Gianfranco: Le Colline dei Druidi (CD-R 2001
- 21CM)
[ gianfranco.grilli@libero.it ]
In questo CD-R, prodotto con la
collaborazione dell' associazione culturale 21st Century Music, Gianfranco
Grilli torna su sonorità e soluzioni abbastanza simili a quelle del suo
precedente "Il Tempio di
Karnak", quindi in un contesto ambient-elettronico abbastanza "suonato",
descrittivo, dove però gli elementi melodici, e questa volta soprattutto gli
elementi ritmici e dinamici, tendono ad emergere maggiormente. In ogni caso
Gianfranco riesce nuovamente ad utilizzare questi elementi in modo elegante,
generando paesaggi sonori e ambientazioni suggestive e coinvolgenti,
conducendoci in modo quasi "visivo" tra le "colline dei
druidi" evocate dal titolo del CD-R.
Di nuovo trovo delle sorprendenti analogie tra la musica di Gianfranco e
quella di Rudiger Lorenz, e per alcuni istanti la mia mente si è trovata
proiettata all'improvviso lontano dalle "colline dei druidi", rievocando invece immagini da quegli atolli
polinesiani descritti più volte nei lavori dell'artista tedesco... Un lavoro davvero buono, che in questi
giorni ha girato molte volte nel mio lettore CD, e non soltanto per trarne
elementi utili a preparare queste poche righe di recensione, ma per il puro e
semplice piacere dell'ascolto… Forse ogni tanto, dopo tanta ambient statica,
suoni di field recordings ed esperimenti acustici ed elettronici di vario
genere, un "viaggio" sonoro attraverso paesaggi sonori più
prettamente "musicali", specie se così efficacemente disegnati, può
aiutarci a ritrovare un certo tipo di sensazioni ed emozioni che da molto tempo
avevamo smesso di cercare e quindi anche di provare... Un elogio particolare
per la magnifica copertina, costituita da un grosso foglio di cartoncino
elegantemente stampato su due lati e ripiegato più volte su sè stesso,
contenente al suo interno il CD-R, sulla cui superficie argentata serigrafata è
raffigurata l'mmagine di una mappa geografica....
(Giuseppe Verticchio)
Grilli
Gianfranco: Come to the Light of Day! (CD-R 2006 - Tantric
Harmonies)
[
gianfranco.grilli@libero.it ]
Con
"Come to the Light of Day!", album costituito da cinque
"invocazioni" e ispirato al libro dei morti degli antichi egizi,
Gianfranco Grilli riprende in qualche modo il discorso tematico sull'Egitto,
già affrontato nel suo primo CD "Il Tempio di Karnak", uscito nel 1998
per la "storica" etichetta italiana Amplexus. Anche dal punto di
vista prettamente musicale poco è cambiato, e l'artista torna a proporre
eleganti sonorità d'impronta ambientale e d'atmosfera intrise da un forte senso
di musicalità e da componenti più "tradizionalmente" (ma pur sempre
misuratamente) melodiche, talora arricchite da interventi ritmico-percussivi
piuttosto "discreti" che non diventano mai eccessivamente
"presenti" né tanto meno invadenti. Chi ha apprezzato il già citato
CD d'esordio di Grilli e il successivo "Le Colline dei Druidi",
sicuramente non potrà non apprezzare anche il presente lavoro, che risulta
sostanzialmente simile per "approccio" e stile (pur con le ovvie
"varianti" del caso) e ugualmente valido e convincente dal punto di
vista prettamente qualitativo e artistico. Gianfranco Grilli mostra infatti
ancora una volta grande capacità tecnica e una grande sensibilità
nell'assemblare i suoni e costruire composizioni piuttosto complesse e
articolate, seppure, unico "limite" che mi pare di cogliere, costruite
ancora con sostanziale prevalenza di suoni di sintetizzatori elettronici.
Particolarmente affascinante e riuscita soprattutto la prima metà del CD-R,
mentre ad essere sincero ho trovato meno efficace il quarto brano "A
Prayer to Osiris", traccia penalizzata forse da un uso troppo
"disinvolto" di suoni di datati pads sintetici "ad onde" e
dall'impiego di alcuni suoni elettronici troppo "ad effetto"
d'impronta spaziale/fantascientifica, peraltro apparentemente non troppo coerenti
con le atmosfere generali del CD-R. Al di là di questi piccoli dettagli si
tratta comunque di un lavoro che sarà sicuramente apprezzato da chi ama musica
d'atmosfera curata, elegante, articolata e ben composta, realizzata quasi
esclusivamente con suoni di synth, e che, pur senza apparire mai troppo
"leggera", banale o addirittura melensa, sia comunque chiaramente
caratterizzata da una prevalente impronta melodico-musicale. Il lavoro non
potrà invece soddisfare chi predilige musica più sostanzialmente orientata alla
sperimentazione e ad una più marcata, attenta, originale e sofisticata ricerca
sonora, che non sia quindi concepita e composta utilizzando in via quasi
esclusiva soltanto suoni "in scatola" di sintetizzatori elettronici e
macchine affini.
(Giuseppe Verticchio)
Hall
of Mirrors: Reflections on Black (CD 2007 - Silentes) (Amon & Nimh)
[
afeman@aferecords.com ] [
giuver@yahoo.com ] [
http://www.myspace.com/hallofmirrorsonline ]
Credo che
sia la prima volta che su Sodapop venga recensito un lavoro di Andrea Marutti
e/o di Giuseppe Verticchio, visto che non si tratta proprio di due sbarbatelli
alle prime armi, direi che se già non li conosceste con i loro nomi di
battesimo si tratta di gente anche nota come Nimh, Amon, Never Known. Per
quanto la collaborazione Amon/Nimh sia ancora fresca di stampa, esce a ruota
quest'altro progetto intitolato Hall Of Mirrors e che vede nuovamente all'opera
il "dinamico duo" anche se in "abito" diverso.
Differentemente da quanto ci si possa aspettare questo disco è molto diverso da
"Sator", non per nulla invece di usare i singoli moniker i due danno
un nome vero e proprio al progetto. Dove il primo era più duro e monumentale,
"Reflection On Black" è più dilatato ed a tratti persino melodico.
Credo che più che parlare di dark ambient dovremmo parlare di musica ambientale
con venature dark visto che anche se con le dovute differenze possa comunque
essere inserito in un contesto più tipicamente ambient (anche se fino ad un
certo punto). Un disco per nulla roccioso ma da superamento della "twilight
zone" anche i titoli sono stringati perché c'è poco da interpretare: i
suoni, i delay, gli echi in dissolvenza e le melodie sono fin troppo esplicite.
Ma proprio i titoli tutto sommato possono rappresentare un buon appiglio per
cercare di capire di che tipo di disco si tratti, infatti se l'apertura, cupa
fin quanto volete, è ancora melodica, con "Descent" i rumori si fanno
più distanti e monta un'atmosfera degna del migliore Carpenter, però niente
incubi, la melodia ritorna anche in questo caso, ma non prima dello scorrere di
alcuni minuti. Ribadisco non si tratta di un disco che può essere ascoltato da
tutti, nonostante si distanzi dall'essere estremo come la precedente
collaborazione (non per nulla forse esce su Silentes invece che su Eibon), le
melodie ci sono e quando vengono fatte entrare non passano decisamente in
secondo piano, ma sicuramente si tratta di melodie cupe. L'apertura alla luce
ritorna con le due tracce conclusive in cui Verticchio e Marutti si lasciano
andare alla loro naturale propensione per la musica ambientale ma non senza
qualche intervento particolare in "Transmutation" (che per i miei
gusti è anche la traccia meglio riuscita del disco) e nella malinconica
"Recovery". Direi che oltre a trattarsi di un lavoro molto distante
da Nimh/Amon, l'esordio di Hall Of Mirrors sia molto più virato verso la forma
di colonna sonora, tanto che potrei quasi azzardare che si tratti di musica per
documentari.
(Andrea Ferraris - Sodapop)
After
the mammoth Amon/Nimh CD on Eibon, Andrea Marutti and Giuseppe Verticchio are
back with a collaborative project, which will feature different guests with
every release (this time, they are Giulio Baggi/Nefelheim at synths and guitar
and Daniela Gherardi at synth and voice). Since it's impossible not to use
"Sator" as a reference, I'll start by saying that "Reflections
on Black" obviously shares most of its characteristics, but is also
looser, more varied and at times unpredictable. There's a feel of jamming that
in the above mentioned work was hidden by the monolithic construction of the
pieces. In "Entrance", the deep cavernous drones, dotted by electric
bursts, give way to a half-buried string plucking, introducing a more
melancholic passage, eventually overshadowed by a brooding distorted wall.
"Descent" begins with suffocating wind gusts, but a layering of
frequencies, upbeat rhythms and higher tones slowly changes the atmosphere from
oppressive to cosmic, leading to a second part occupied by a liquid drone.
"Transmutation" and "Recovery" stray even further from plain
dark ambient territories, the former featuring warm waves of synths and guitar
feedback, the latter with Verticchio lingering on depressive guitar picking,
accompanied by some weird crackling noises (treated vocals, maybe?).
(Eugenio Maggi - Chaindlk)
In Hall of
Mirrors confluiscono le forze di Andrea Marutti (Amon) e Giuseppe Verticchio
(Nimh), in questo caso affiancati da Giulio Biaggi (Nefelheim) e Daniela
Gherardi. "Reflections On Black" ha fascino discreto col suo piglio
marcatamente meditativo, e nell'iniziale "Entrance" il nero del
titolo dell'album suggerisce più pur lacerate visioni modellate dalla nostra
psiche in immote notti imperturbabili ed insonni che incombenti oscurità che ci
minacciano togliendoci oltre al sonno anche il respiro. Nella prima metà di
"Descent" invece, dietro una minimale traccia melodica in superficie,
si scatenano inesauste bufere e veleni metallici che lasciano emergere una più
ruvida matrice industriale destinata a diradarsi nell'impalpabilità, con una
sostanziale quiete che si espande altresì sui due episodi successivi,
"Transmutation", che segue il percorso inverso increspandosi nel
tragitto, e "Recovery", in cui piuttosto sorprendentemente la
chitarra si erge sul resto e si concede apertamente ad un'emotività palesata
come fragile.
(Paolo Bertoni - Blow Up)
Hall
of Mirrors: Forgotten Realm (CD 2009 - Silentes) (Amon & Nimh)
[
afeman@aferecords.com ] [
giuver@yahoo.com ] [
http://www.myspace.com/hallofmirrorsonline ]
Non c'è
pace né consolazione nella musica degli Hall Of Mirrors. Giuseppe Verticchio
(Nimh) e Andrea Marutti (Amon) hanno dato un seguito alla loro lungimirante
collaborazione pubblicando il successore di
“Reflections On Black" e pregiando ancora la scena elettronica
sperimentale italiana di un vero e proprio manifesto di arte contemporanea.
Questa volta al fianco dei due artisti troviamo Andrea Freschi (Subinterior,
Konau) e Andrea Ferraris (Ur, Sil Muir) che caratterizzano le stratificazioni
elettroniche disposte nella sala degli specchi. “Forgotten Realm” è suddiviso idealmente in cinque capitoli che
rappresentano altrettante escursioni nei meandri del nostro animo attraverso
una serie di immagini che fanno parte del passato e della quotidiana realtà.
“The Crossing” e “Among The Ruins” sono i due estratti che più si conciliano
col materiale del debutto mentre “Gates Of Namathur”, “Decadent Splendour” e
“The Fortress” si immolano come magnifici esempi di tecnica asservita al genio
sperimentale. Calarsi nell'universo degli Hall Of Mirrors sarà come immergersi
negli abissi che le tenebre hanno riservato a mente e corpo per raggiungere la
redenzione completa.
(Lorenzo Becciani “Divine” - Dagheisha)
“Forgotten
Realm” is the second album published by the duo Andrea Marutti (Never Known,
Amon, Sil Muir) and Giuseppe Verticchio (Nimh) under the project name “Hall of
Mirrors”. In this new release, they are seconded by guest musicians Andrea
Feschi and Andrea Ferraris who provided some field recordings and some guitar
parts. If their first offering was a shadowy heavily lugubrious atmospheric
ambient manifest (made of static, ferocious, muted dreamscapes), “Forgotten
Realm” is much more a primal-alchemical music procession that could be
nocturnal hyms to the genesis, to the ancient time. Consequently the dynamic dronescapes
and textural electronic waves are profundly expressive and intuitively
beatific. The serene and deeply absorbing ethno-electronic pieces are
stylistically closed to the most ascentional synthesised works by Alio Die,
Vidna Obmana, Harold Budd (...) but with much more emphasise on nocturnal
motives. Thus it is less luminous and most vertiginous with a constant
association to memnonic traces, fractured living memories and melancholic
visions. The opening track is an organic classic ambient piece with long
chordal dronespheres. “Gates of Namathur” is partly uses acoustic instruments
that seem to flow in a magic whorship. “Decadent splendour” is a moody-funereal
sanctified music ritual for echoing guitar chords and foggy harsh noises. This
is among my favourites, the perfect way to experience contemplative ecstasy
through music. “Among the ruins” is a detached soundscape that connects us to
some other worlds. The atmosphere is progressively charged with some kind of
high tension including buzzing noises and doom like feelings. During the last
minutes we go back to the heavenly origins with superb acoustic flute lines.
The album closes with an utterly dark and primordial synthscape, admitting
hermetic cyclical melodies into it and guitar epic dreaminess. “Forgotten
Realm” is a voluptuous-essential vertical trip in cristal like spheres and lost
paradises.
(Philippe Blache - Progarchives)
[
http://www.myspace.com/hallofmirrorsonline ]
La scena
dark ambient italiana sta attraversando un momento quasi irripetibile con
numerose uscite di spessore e l'interesse di case discografiche locali ed
estere. Sul mercato si riaffacciano anche Andrea Marutti e Giuseppe Verticchio
con il superbo terzo capitolo discografico di un progetto che ha superato
davvero le aspettative. “Altered Nights” è l'esatto complemento di “Reflections
On Black” e “Forgotten Realm” eppure a tratti non sembra nemmeno caratterizzato
dalla stessa genesi. L'evoluzione stilistica a cui abbiamo assistito col disco
precedente viene stigmatizzata da quattro frammenti sonori di rara bellezza Nel
primo le chitarre di Andrea Ferraris e il field recording di Andrea Freschi
fanno da magistrale sottofondo al fatale incontro, “The Meeting” appunto, tra i
musicisti celebri per Amon e Nimh. “Invocation” e “Magmatic Resonance” mostrano
un substrato sonoro ancora più variegato con l'inserimento di khlui – il flauto
thailandese – synth, segnali radio ad onda corta, loop minimali ed effetti di
vario tipo. Il tutto inserito in un contesto oscuro e diabolico dal quale
uscire appare estremamente complicato. Clamorosa la suite presente nel secondo
CD che descrive nei minimi particolari un rituale di sequencer, violini, droni
selvaggi e field recordings adulti. Da segnalare il contributo di Vestigial,
New Risen Throne e Pietro Riparbelli/K11. Se fossi in voi avrei paura della
stanza degli specchi.
(Lorenzo Becciani
“Divine” – Dagheisha)
Quattro
lunghi brani dall’atmosfera mefistofelica sul primo CD. Uno lunghissimo (oltre
i 45 minuti) più sacrale sul secondo. Tornano gli Hall of Mirrors di Andrea
Marutti e Giuseppe Verticchio con un’opera che scava ancora una volta tra le
immagini che ci tengono svegli la notte: sensazioni di immobilità che aprono
porte su scenari apocalittici. Suoni di profondi sintetizzatori analogici,
campionamenti di ogni tipo ma anche chitarre e percussioni fusi insieme in
respiri che sembrano poter rallentare lo scorrere del tempo. “Altered Nights”
va ascoltato di notte, in cuffia, in perfetta solitudine. A dare una mano a
Verticchio e Marutti anche Andrea Ferraris, Andrea Freschi, Pietro Riparbelli,
New Risen Throne, Vestigial.
(Roberto Mandolini – Rockerilla)
Tumultuous
and hell-ish dronescapes which savagely rising and rumbling from distant
supernatural seas. An unique musical signature which reinforce the magnetic
potentiality of corrosive-aggressively noisy droning frequencies in usual
amorphous bleak soundscapes. Hall of Mirrors is an experimental-subterranean
droning project formed by Giuseppe Verticchio (Nimh) and Andrea Marutti (Never
Known, Amon, Sil Muir…). Their music is entirely devoted to playful blackened
ambient with an intuitive interest for dreamtime ethno-sound ritualism. Hall of
Mirrors operates the perfect symbiosis between Giuseppe’s unique ability to
create entrancing-textured acoustic canvas and Andrea’s solid specialization in
sonically rumbling dronescapes. The duet is time to time accompanied by
musician friends such as The leading thematic and conceptual motives behind
these sonorous-cinematic soundscapes are turned to solipsism issues, odd
metaphysics from the nature, existential isolationism and to the subliminal
dimension of the being. Their first album “Reflections on Black” (Silentes,
2007) delivered a formlessness otherworldly dark ambient panorama in a pure
classy vein . “Forgotten Realms” (Silentes, 2009) approached a innovative
combination between sonic minimalist electronics, complex and slowly expanding
sound textures with an important presence of acoustic instrumentation, their
latest encompasses the fields of mantric-archetypal atmospheric epics. The
first Chapter of this double album provides what we can consider to be the most
colourful-ecstatically visceral dimension of Hall of Mirrors musical universe. This
typicall sound imaginary culminates on the heavily tranced-out “Immaterial
bodies”. A mesmeric track, perfectly orchestrated between monolithic-meditative
drone waves, ritual electronic scintillations and windy-crystal like effects
which progressively come to the fore. Primordial-Mystical energies are
surrounded the listener to enter the supreme astral dimension. The second
chapter delivers gorgeously cinematic blackness made of spherical-bass
frequencies, processed field recordings, grimy chords and various sound
objects. An ultra doomy, brilliantly static and dreamscaping sound odyssey that
reminds the best things published in the dark ambient field with something very
dense and massive regarding the sound assemblage and more progression regarding
the sonorous intensity. Tumultuous and hell-ish dronescapes which savagely
rising and rumbling from distant supernatural seas. An unique musical signature
which reinforce the magnetic potentiality of corrosive-aggressively noisy
droning frequencies in usual amorphous bleak soundscapes. The perfect musical
elaboration between Northern textured nocturnal ambient and the Italian facet
of death industrialism with ethno-spiritual sound ritualism. Absolutely
baffling and unique.
(Philippe Blache - Igloomag)
Hue: Un'Estate
Senza Pioggia (CD 2006-
TraZeroeUno/Grey Sparkle)
[
hue@greysparkle.com ] [
http://www.greysparkle.com/hue_index.htm ]
Si tratta
del'estate del 2003. Un'estate che personalmente ricorderò per sempre in modo
particolare e con grande piacere non tanto perchè, come fa intendere il titolo
del CD, fu una stagione estremamente arida e povera di pioggia, quanto perchè,
durante una vacanza in Abruzzo, vennero a trovarmi, ed ebbi occasione di
incontrare per la prima volta e conoscere di persona, Matteo Uggeri/Hue,
l'autore di questo CD, e Andrea Marutti, più noto come Amon per il suo storico
progetto di musica dark ambient. Soggiornammo piacevolmente insieme in Abruzzo
per alcuni giorni, come amici di vecchia data, e in questo periodo, in momenti
e circostanze diverse, Hue raccolse con il suo Mini Disc portatile alcune
registrazioni ambientali che successivamente sono confluite in questo lavoro,
riunite e organizzate insieme ad altre field recordings che l'autore raccolse,
durante la stessa estate, in altri luoghi e in compagnia di altri amici. Questa
dunque l'essenza di questo lavoro. Quasi una raccolta di "cartoline
sonore", dei ricordi in forma di suoni, voci, rumori ambientali, di cui si
è voluta mantenere traccia non solo nella memoria, ma anche in forma fisica,
organizzandoli e "fissandoli" per sempre su un supporto sonoro... Una
serie di tappe, una serie di luoghi, paesini, situazioni... Pensieri, ricordi,
riflessioni... Medelana, Laterina, Ariccia, Casaline... Nomi di località il cui
nome può dire poco, ma che in questo CD si concretizzano davanti ai nostri
occhi in forma di delicati e poetici acquarelli sonori che evocano immagini,
paesaggi, scenari di vita... Lo scrosciare dell'acqua vicino una cascata, il
rumore dei passi sul terreno, frammenti di suoni di radio e TV,
l'attraversamento di una strada trafficata, la quiete dei boschi, il frusciare
delle fronde degli alberi... E poi bisbiglii, dialoghi... la telefonata di un
amico al cellulare, voci di preghiera in una chiesa, un canto liturgico... Arpeggi di chitarra, note di pianoforte e di
organetto, il suono profondo e rauco di un didgeridoo... Rumori di sassi
lanciati in un pozzo, metalli percossi, canti di cicale, altri frammenti di
musica, un carillon che intona un po' frettolosamente la melodia di
"Yesterday"... E poi
finalmente il rombo dei tuoni e lo scroscio di quella pioggia che, tanto
attesa, torna a cadere e a donare ristoro e sollievo ad una terra secca e
riarsa... alle erbe, ai fiori, agli alberi, alle piante, e a tutte le forme di
vita che da essa ogni giorno attingono e dipendono... "Un' Estate Senza
Pioggia" è un CD che, seppure basato fondamentalmente su field-recordings,
differisce enormemente da tanta (anche troppa direi...) produzione musicale di
genere analogo, riuscendo a sintetizzare registrazioni ambientali e contenuti
d'impronta più prettamente musicale-melodico in una formula articolata ma
straordinariamente fluida, estremamente gradevole, emozionante, poetica... Da
segnalare il contributo particolarmente significativo di Davide Valecchi/Aal,
che con i suoi interventi di chitarra, presenti in varie parti del CD, ha
firmato i momenti di liricità più suggestivi dell'intero lavoro.
(Giuseppe Verticchio)
"...
The title translates as 'A Rainless Summer' and is a quite nice work of some of
the more daring areas of ambient music. Traditional instruments of ambient
music, such as guitars, organs and didgeridoo, play the more recognizable and
accessible part of this work, but there is also lots of space for elements from
the world of glitch and the processings of field recordings - still the
starting point of this work. Sometimes warm (pun intended) and joyous, some
with the chirping of insects and dogs and a desolate guitar, empty and
spacious. Not an album of major surprises, but a fine release on the brink of
seasons changing."
(Frans De Waard - Vital Weekly)
During
the summer of 2003 I went on holiday completely alone for the first time. I spent my time travelling by car around the
central regions of Italy, from Emilia Romagna to Tuscany, than to Lazio and
finally to Abruzzo, visiting very small villages. I brought with me a
microphone and a minidisc, and, alone or with the people I met (family and
friends), I recorded every kind of sound. That's what is usually called 'field
recordings', with voices, occasional chants, "street sounds" and
more. One year later, I went again to Laterina, one of the places I had been to
in 2003, and there, with my friend musician Davide Valecchi (Aal), we played
guitar and other instruments, and recorded melodies that I then mixed with the
field recordings from the year before. The summer of 2003 was the hottest
summer of the last century in Italy and most of Europe, and the disc somehow
reflects all of this, and that's why it's titled "A Rainless Summer."
During that trip I met other musicians, such as Giuseppe Verticchio (aka Nimh),
Andrea Marutti (Never Known/Amon), who participated to the recordings. I'm very
grateful to all of them.
(Hue)
K11/Petit
Philippe: The Haunting Triptych (CD 2010 – Boring Machines)
[
http://www.pt-r.com ]
Straordinaria
collaborazione tra Pietro Riparbelli/K11 e Philippe Petit, uniti nella
realizzazione di un CD che definirei “impressionante”, tanta è l’energia,
l’immediatezza e l’impatto emotivo in grado di descrivere. Dal punto di vista
stilistico, almeno per dare un’idea, si potrebbe in modo molto riduttivo
ascrivere al genere dark-ambient drone oriented, ma non aspettatevi i “soliti”
tre quarti d’ora (o più, come spesso accade) di cupe, anonime, stracollaudate e poco fantasiose basse
frequenze. Qui i drones sono solo un mezzo, non un fine… Alle potenti “scariche elettriche”, onde
radio e nitide field recordings fornite da Pietro Riparbelli, si sommano altre
registrazioni ambientali, elaborazioni di suoni di sorgenti acustiche e
tessiture elettroniche apportate da Philippe Petit; un magma sonoro ricco,
elaborato, “gorgogliante”, di potenza dinamica e impatto devastante, che vede
non solo nella ineguagliabile scelta dei suoni, nella loro varietà, e nel loro
accurato e fantasioso missaggio il maggior pregio, ma anche nella indiscutibile
capacità di dare “forma” alle composizioni, attraverso un continuo e trainante
susseguirsi di eventi, cambi d’atmosfera, “esplosioni” sonore, evoluzioni, che
lasciano letteralmente con il fiato sospeso dall’inizio alla fine
dell’ascolto… Semplicemente uno dei
migliori CD che abbia avuto la fortuna di ascoltare negli ultimi anni.
(Giuseppe Verticchio)
“The
Haunting Triptych” is a collaboration between Pietro Riparbelli aka K11 and
Philippe Petit, a haunted soundtrack giving an impression that some ghosts are
lurking around… Dragging listeners inside a world full of malevolent creatures.
Not unlike some works of Lustmord or Nurse With Wound the sound is heavy and
claustrophobic and the downward spiral brings you to the final end where the
last sound you hear before losing your senses is the beast eating your flesh.
(Boring Machines)
K11: The Sacred Wood (CD 2010 – Old Europa Cafè)
[
http://www.pt-r.com ]
Estremamente
affascinante e ricco di arcane suggestioni, questo nuovo CD di Pietro
Riparbelli/K11 le cui registrazioni di base, poi evidentemente trattate,
lavorate e mixate in studio, sono state effettuate in un luogo almeno
altrettanto suggestivo e “magico”, il cosiddetto “parco dei mostri” di Bomarzo.
Ma al di là delle suggestioni evocate dalla fantastica ambientazione e quindi
dal “concept”, c’è da rilevare come K11 si confermi con quest’album uno dei più
attivi ed interessanti progetti nell’attuale panorama della musica sperimentale
e d’avanguardia. Quella migliore e più ambiziosa però, che non concede nulla al
caso, all’ approssimazione, alla spesso inutile e insignificante
improvvisazione spicciola … Non quella fin troppo diffusa “sperimentazione”
assolutamente sterile, autoreferenziale, autoindulgente, “stanca”, spesso
caotica e fine a sè stessa… Ma quella sperimentazione sonora più “genuina” ,
sincera e ricercata, che esplora con entusiasmo, lungimiranza e genialità nuovi
o poco battuti “sentieri”, piuttosto che uniformarsi alla massa dei
“ricercatori” e percorrere territori pseudo-sperimentali già così
abbondantemente calpestati da non lasciare più crescere un solo filo di erba,
un solo germoglio di novità… Ho avuto
modo di scoprire Pietro Riparbelli soltanto con il già recensito “The Haunting
Triptych” (in collaborazione con Philippe Petit), e tutto ciò che ho ascoltato
a seguire, il CD-R “Waiting for the Darkness” uscito per Afe, la MP3 release “4
Churches” per la Touch, l’anteprima di un nuovo album che sarà pubblicato da
Silentes nel 2011, nonché ovviamente il presente “The Sacred Wood”, ha sempre confermato le mie impressioni
iniziali, e cioè l’estremo valore di quanto Pietro Riparbelli è arrivato a
concepire e produrre in questi ultimi anni. Con ingredienti soltanto
apparentemente “semplici” e limitati,
quali registrazioni ambientali, segnali radio e voci, con “The Sacred Wood” K11
mette a punto un’ altra opera di grande impatto e di grande efficacia.
Coinvolgente, dinamica, trainante, “toccante”… Inutile cercare altri aggettivi
per descriverla ed elogiarla. Più semplicemente… procuratevi questo CD,
mettetelo nel lettore del vostro migliore impianto HI FI, e lasciatevi
trascinare…Più semplicemente… procuratevi questo CD, mettetelo nel lettore del
vostro migliore impianto HI FI, e lasciatevi trascinare…
(Giuseppe Verticchio)
K11
(aka Pietro Riparbelli) can be compared and in our opinion is the new Bad
Sector. Sound sources and intents are different but the end results are ending
in a very similar sound layer. The sound soursces for this album was recorded
at the enchanting park of Monsters of Bomarzo. The park of Monsters of Bomarzo
was devised by the architect Pirro Ligorio (he completed the Cathedral of Saint
Peter in Rome after the death of Michelangelo and built Villa d'Este in Tivoli)
on commission of Prince Pier Francesco Orsini, called Vicino, only to vent the
heart broken at the death of is wife Giulia Farnese. The park was born in 1552
as "Villa of Wonders" to be the only one of it's kind in the world.
Incredible but true, the Park of Monsters remained in complete oblivion till
1954 and only few people was aware about all the fantastic treasures contained
within the park for over 400 years! K11 was recording the soul of this park of
Monsters and Wonders and after re-working the sounds he delivers us a trip
between reality and dream. Psychedelic, ritual ambient music from an other
space, from an other era, from an other land...
(Old Europa Cafè)
Konau:
Speech from the Shadows (CD 2006 - Eibon)
(Subinterior & New Risen Throne)
[
subinterior@email.it ] [
stielh@stielh.com ] [
http://www.konau.tk ]
Primo
straordinario e "abissale" CD in stile dark-ambient del progetto
Konau, dietro il quale si celano Subinterior e New Risen Throne. Del primo
abbiamo avuto occasione di parlare anche recentemente, a proposito della
ristampa, ad opera di Silentes, di un CD-R contenente "Outfall" e
"Insomnie", i primi due lavori di Subinterior originariamente usciti
come autoproduzioni. New Risen Throne ha già all'attivo una nutrita
discografia, e dopo numerosi CD-R, alcuni dei quali prodotti da etichette come
Alarming Echo Beats, Deserted Factory e God is Myth, è approdato alla sua prima
realizzazione su CD con "Shadows Over Humanity", uno split insieme a
Cruel Harvest, uscito anch'esso per la statunitense God is Myth. Dall'incontro
tra Subinterior e New Risen Throne nasce il progetto Konau, che vede in questa
prima realizzazione, prodotta da Eibon, una perfetta sintesi dello stile e
delle influenze dei sue artisti, un incredibile album di ispirata e raffinatissima
dark-ambient, che non si limita ad esplorare nel profondo i territori delle
basse frequenze, ma che si conforma in strutture fortemente articolate,
finemente "scolpite" ed elaborate, grazie ad una accurata ed
originale scelta dei suoni, ad un sapiente missaggio delle parti, alla presenza
di efficaci elementi moderatamente melodici, ad un lavoro estremamente
meticoloso per quanto riguarda la composizione, lo "studio" delle
evoluzioni, i passaggi, le dinamiche, le pause, la scelta della sequenza dei
brani... Dark ambient allo stato dell'arte, emozionante e di grande impatto, ma
allo stesso momento estremamente misurata, fluida, perfettamente
equilibrata. Musica molto oscura ed
evocativa, inquietante, a tratti perfino tetra nelle atmosfere, ma mai
eccessivamente "pesante", ridondante o ossessiva... Volendo
esprimere, con molta difficoltà, delle preferenze tra i brani, segnalarei
senz'altro il molto "cinematografico" "Contemplation",
l'ottima title track "Speech from the Shadows", e ancora il fantastico
brano di chiusura, "Crawling Darkness", che attraverso una
straordinaria alternanza di atmosfere e suoni (drones oscuri, accordi ovattati
di pads, confusi substrati sonori di indecifrabili rumori ambientali, distanti
cori eterei, lugubri dialoghi di voci umane deformi, rumori metallici, profondi
boati di tuonanti colpi percussivi di timpano, lievi tocchi melodici...)
rappresenta nei suoi dieci minuti di durata la parte più incredibile, ma forse
anche la più "lugubre" e scioccante dell'intero CD.
(Giuseppe Verticchio)
Laneri Roberto/Ricciardi Claudio: Inside Notes (CD 2001 - World Music)
[ ricciardi@katamail.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/alberochecanta
]
Questo prezioso CD, proposto in
abbinamento al numero 50 della rivista bimestrale "World Music",
raccoglie nei suoi quasi 70 minuti di durata, nove registrazioni di vario
genere, incentrate fondamentalmente sul canto armonico di Roberto Laneri e sul
didjeridoo di Claudio Ricciardi,
avvenute tutte tra il 2000 e il 2001, fatta eccezione del lungo brano
"The Tail of the Tiger", risalente addirittura al lontano 1978. Nel primo brano, "From this
side...", registrato nel 2001, Claudio Ricciardi, con il suo didjeridoo,
fornisce suggestivi strati sonori a base di basse frequenze sui quali Roberto Laneri
interviene con affascinanti sequenze di clarinetto basso. Nei due pezzi che seguono, "Brain Message
2"e "Brain Rythm 1" entrambi registrati nel 2000, la voce di
Roberto Laneri è la protagonista assoluta: 10 minuti circa di canto armonico
ipnotico e vibrante, onde sonore
suggestive e continuamente cangianti, seppure in un ambito di apparente stasi e
immobilità... Quindi "Alba
Uterina", un altro brano di Laneri del 2000, nel quale compare la
splendida voce di Francesca Cassio: ancora cinque minuti di emozioni vocali
davvero intense... Cambio d'atmosfera e di sonorità con il brano che segue,
"Colored Rain (Blu Version)", registrato nel 2000 dal solo Claudio
Ricciardi. Una registrazione nitida e dettagliata nella quale l'autore si esibisce in uno splendido pezzo
interamente eseguito al didjeridoo, antichissimo strumento di origine
australiana di cui Ricciardi è profondo conoscitore nonchè anche abile
costruttore, sovrapponendone il suono a suggestive ambienze
"naturali" ricreate con il solo utilizzo di un rainstick. Nei
seguenti "Organum" e "Undifluus" torna di nuovo
protagonista il canto armonico di Laneri, insieme ad altri artisti che
costituiscono l'ensemble vocale "In Forma Di Cristalli". Due
splendide registrazioni datate entrambe 2001. Quasi come un "tributo"
all'altro storico e più noto ensemble vocale, "Prima Materia", che
vide come principale protagonista Laneri a fine anni '70, il successivo brano
"The Tail of the Tiger" propone una registrazione live effettuata a
Roma nel 1978 da tale formazione. Ricordiamo che anche Claudio Ricciardi faceva
parte dell'ensemble, e quindi anche la sua voce è presente, tra le altre, nei quindici minuti di durata di questo
eccezionale documento sonoro. A
conclusione del CD giunge "... To the Other Side", brano registrato
nel 2001, nel quale il suono del didjeridoo di Ricciardi va ad unirsi e a
miscelarsi con grande efficacia al canto armonico di Laneri, creando sequenze e
passaggi sonori di grande presa e di grande fascino.
(Giuseppe Verticchio)
Lasik
Surgery: Cyclo
(CD 2010 - Silentes)
[
http://www.silentes.net ]
Notevole
album d’esordio per il nuovo progetto Lasik Surgery, dietro il quale si celano
Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra, sicuramente già ben noto ai più (vedi
anche precedenti recensioni su Oltre il Suono) e Gianluca Favaron, eclettico
manipolatore di suoni e macchinari elettronici, già attivo da anni in altri
progetti musicali di vario genere (Ab'she, Under the Snow, Metal Music
Machine), e già artefice delle fasi di compilazione, missaggio e pre-mastering
del precedente CD dello stesso Mauthausen Orchestra “Digression”. Le sonorità di “Cyclo” sono orientate
fondamentalmente ad un’ambient music oscura dai movimenti lenti e progressivi,
che alterna con efficacia atmosfere tese e drammatiche a stasi più “quiete” e
introspettive, distaccandosi dalle sonorità più “energiche “, “pesanti” di
stampo industrial / power electronics che caratterizzano solitamente la
produzione del solo Mauthausen Orchestra. Quindi ampio spazio a drones, suoni
“fruscianti”, onde su basse frequenze, accurate ed elaborate stratificazioni di
suoni di varia origine, movimenti circolari, inserti di elementi elettronici
comunque mai troppo aggressivi o invadenti… Una miscela efficace e
coinvolgente, racchiusa in un CD di sei tracce, per una durata di circa
quaranta minuti, ulteriormente valorizzata, dal punto di vista “visivo”, dalla
presenza nella confezione di un DVD contenente la versione video, firmata
Enrico Bressan, di due tracce già presenti nel CD.
(Giuseppe Verticchio)
Tense
electronic plots, calm ambiental stasis, inserts of sharp and harsh metallic
sonorities, distorsions, filaments of subliminal melodies, masses of dark and
penetrating low frequency drones. The journey of Lasik Surgery starts with a
whirlwind of atmospheres and perpetually prismatic sonorities that have a big
impact on the listener. This project was born from the minds of Pierpaolo
Zoppo/Mauthausen Orchestra, the memorable noise-power electronic author who
firmly came back to the fore in the recent years, and Gianluca Favaron, a
skilled master controller and sound assembler with a long experience, already
active under other aliases (Ab'she, Under the Snow, Metal Music Machine). The
first exciting chapter of Lasik Surgery - a name that will surprise us again in
the future for sure - comes with a free DVD that includes two videclips created
by Enrico Bressan.
(Silentes)
Lasik Surgery: As One Enity (CD 2011 – Menstrual
Recordings)
[
http://www.menstrualrecordings.org ]
Dopo il CD
“Cyclo”, rilasciato da Silentes nel 2010, il progetto Lasik Surgery (alias
Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra e Gianluca Favaron) mette a segno un nuovo
“potente” album che conferma gli ottimi presupporti evidenziati dal già
notevole album d’esordio. Un’introduzione energica, dinamica e accattivante con
“As One Entity Part 1”, nel quale, da iniziali field recordings con voci umane
e rumori vari di sottofondo, viene ad emergere un suono elettronico pulsante in
loop dalla timbrica e dinamica simile a quella di un didjeridoo. Le trame
sonore vanno poi via vai ad arricchirsi di strati di altri suoni, altrettanto
energici e “potenti”, per poi lentamente scemare, in congiunzione col seguente
“Aktion”. Qui le atmosfere si fanno più statiche, dilatate, seppure ancora
costruite con field recordings e sovrapposti suoni e drones di matrice
spiccatamente elettronica. Più aspri, “massicci” e d’impronta power-industrial
i suoni del seguente “As One Entity Part 2”,
seppure convogliati in un un “tunnel sonoro” che nel suo percorso non
“apre” a furiosi “assalti rumorosi” come invece si potrebbe prevedere… In
“Silence” un inizio costruito con onde e altre parti di glaciali suoni
sintetici lascia successivamente il passo ad atmosfere più statiche e
“fruscianti”. Le dinamiche e le variazioni d’atmosfera sono lente e ben
calibrate, cosicchè ci si ritrova quasi inaspettattamente in una zona
“terminale” del brano nella quale spicca una lenta e profonda cadenza ritmica,
debolmente violata da aspri suoni elettronici in progressiva dissolvenza.
Freddi, pulsanti e sintetici anche gli elementi di “Sonnenwende”, di fatto un
breve brano/inserto che funge da ponte verso il più lungo ed elaborato “As One
Entity Part 3”. Qui, ad un inizio abbastanza “quieto” , segue un incisivo
“crescendo” in cui i suoni si fanno via via più aspri, distorti, “distruttivi”,
confusi, mentre sibili su frequenze acute e scariche elettriche interferiscono
con le aggrovigliate masse sonore in continuo movimento; un brano di grande
effetto che chiude efficacemente questo nuovo e consigliatissimo capitolo del
progetto “Lasik Surgery”.
(Giuseppe
Verticchio)
Les Jumeaux Discordants: Sang Pour Sang (CD 2010 – Athanor)
[
http://www.lesjumeauxdiscordants.it ]
Visionario,
allucinato, cupo, a tratti quasi “orrorifico”…
Suoni, melodie, parti vocali, ritmiche di devastante impatto, di marcata
drammaticità… Tutto appare molto
“trascinante”, enfatico, quasi “teatrale”, intenzionalmente “prepotente” nel
suo incedere, sorprendere, stupire istante dopo istante. Un suono “ricco”,
finemente elaborato, dettagliato, estremamente sofisticato, impreziosisce e
valorizza ulteriormente le idee, le composizioni, i passaggi, le
atmosfere. I testi, ora cantati ora
recitati in diverse lingue (italiano, francese, inglese, tedesco…), sono in
parte della stessa Aimaproject (voce del progetto “Les Jumeaux Discordants”,
l’altra metà è Roberto Dal Vecchio, artefice della parte più prettamente
compositiva, “sonora” e musicale…), in parte di Angelo Tonelli, in parte
estratti da scritti di autori di diversa origine ed epoca storica. Il risultato
di questo “mix” di elementi è un’ opera estremamente coinvolgente, qualcosa che
già dopo i primi secondi di ascolto ti “scrolla” letteralmente dalla poltrona e
si lascia seguire con il fiato sospeso fino alla fine, in grado di mantenere
costantemente teso quel sottile filo di tensione che impedisce di distogliere
l’attenzione dall’ascolto, di pensare ad altro, di concentrarsi su qualcosa che
non siano esclusivamente gli “eventi sonori” che, con efficacia, originalità e
spesso anche imprevedibilità, si susseguono attimo dopo attimo… Chiedo scusa
agli autori se, per personale “attitudine” d’ascolto, ho preferito lasciarmi
coinvolgere quasi esclusivamente dal mero impatto sonoro/emotivo che la musica
del CD è stata in grado di trasmettermi, piuttosto che “sforzarmi” di
comprendere più compiutamente il senso specifico e più “profondo” del concept
dell’album e dei testi (comunque riportati nel booklet) che ne sono parte
integrante e sicuramente sostanziale. Chi mi conosce da tempo sa che da sempre
preferisco ricercare le emozioni più nei “suoni” (e nei rumori…) che non nei
significati delle parole, e quindi, pur avendo sicuramente apprezzato il ruolo
che, dal punto di vista prettamente “musicale” ed evocativo, ha svolto
nell’album la splendida voce di Aimaproject, lascerò volentieri ad altri
recensori il compito di commentare più nel dettaglio quegli aspetti inerenti il
“concept” e i testi che in qualche modo ho preferito “trascurare”…
(Giuseppe
Verticchio)
“Sang
pour Sang” is a work based on the ancient concepts of Katàbasis and Anàbasis
and it’s divided in those two sections: the first is made by obscure and
sinister atmospheres; the second is more lyrical. About the theme, LJD faces up
to the Angelo Tonelli’s poetry: the founder of the Ritomodernist wave, a
cultural Italian wave fighting for the Tradition. Besides the cooperation of
this great personality of the contemporary philosophy there’s the cooperation
of the famous Swiss cellist Zeno Gabaglio and Daniela Bedeski from Camerata Mediolanense.
(Les
Jumeaux Discordants Website)
Luminance Ratio: Like Little Garrisons Besieged (CD 2009 – Boring
Machines/Fratto9 Under the Sky)
[
ics_ferraris@libero.it ] [
http://www.myspace.com/luminanceratio ]
Volendo
descrivere con poche ed essenziali parole il presente CD, lo definirei
“semplicemente” un suggestivo e ispirato album di musica ambient abbastanza
“tradizionale”… A scanso di equivoci, ci tengo subito a precisare che l’uso del
termine “tradizionale” non è un espediente lessicale “diplomatico” e
“strategico” per sottintendere altri aggettivi, quali ad esempio “anonimo”, o
“noioso”, che invece vedrei più opportunamente attribuiti a tanta altra musica
ugualmente definita “ambient” che circola da anni sul nostro mercato
discografico. Se questa mia definizione potrà apparirvi un po’ “riduttiva” e
quasi banale, ugualmente scontato potrà sembrare il fatto che, volendo trovare
un termine di paragone per ”inquadrare” meglio lo “stile” e il “mood” della musica contenuta nel CD,
pur con i dovuti distinguo, il riferimento che subito mi viene in mente è il
nome di Brian Eno e di alcuni suoi vecchi album del periodo di “On Land”, o “Music for Films”. So che questo paragone
potrà apparire quanto meno “azzardato”, sia a chi (come me) continua a
considerare Eno e la sue produzioni di quel periodo storico qualcosa di
assolutamente straordinario e irripetibile, sia a chi invece, avendo sposato la
“causa” della sperimentazione sonora estrema ad ogni costo, potrebbe
considerare addirittura “degradante” aver utilizzato un paragone di questo
genere per parlare della musica di Luminance Ratio… Resta il fatto che
ascoltando più volte le sei tracce di questo disco, le crepuscolari tessiture
sonore, i fragili e delicati inserti melodici spesso a base di chitarra, a volte
dalla calda e luminosa timbrica acustica, a volte invece più “fluida”,
“ammorbidita” e dilatata attraverso l’utilizzo di effetti, perdendomi tra suoni
sobriamente elettronici, evocative field recordings, rumori concreti, gorgoglìi
d’acqua, rumori di passi nell’erba, drones profondi, tintinnìi, “respirando”
atmosfere ora più cupe, ora più luminose, ma sempre dal marcato sapore
introspettivo, più volte mi è venuto da pensare che se oggi Brian Eno trovasse
la sua migliore ispirazione per tornare a lavorare ad nuovo album che,
idealmente e stilisticamente, si ricolleghi alle sue esperienze sonore del
periodo sopra citato, ciò che verrebbe fuori potrebbe probabilmente somigliare
molto a quanto è possibile ascoltare in questo “Like Little Garrisons Besieged”
di Luminance Ratio.
(Giuseppe
Verticchio)
Luminance
Ratio is a collaborative effort joining sound artists Eugenio Maggi (Cría
Cuervos, Slave Auction), Gianmaria Aprile (Ultraviolet Makes Me sick,
Fratto9under the sky records) and Andrea Ferraris (Airchamber 3, Ur, Ulna, John
Russel, Sil Muir). "Like
Little Garrisons Besieged" brings them far from their respective
discographies and finds them sailing in the apparently quiet waters of
free-folk, electroacoustics and minimal drones. The music, resulting from live
sessions and painstaking studio work, is meticulously thought to combine
electronics with analog/traditional instruments: laptop, acoustic and electric
guitars, cardiod and contact microphones, vibraphone, melodica, glockenspiel,
minidisc, rimshot and cymbals, analog synth, percussion, kaoss pad and pedal
effects. Featured on this release is Paul Bradley (Twenty Hertz, Monos, etc.)'s
personal reinterpretation of their collective work, assembling an expanded
"remix concrète" out of the single tracks.
(Fratto9
Under the Sky)
Luminance Ratio: Reverie (LP with free CD inside 2013
– Bocian Records)
[
http://www.luminanceratio.com ]
Otto
“bozzetti sonori” elettroacustici d’impronta oscura e a tratti claustrofobica,
quasi tetra, dai contorni e dalle trame sonore spesso frammentate, a momenti
sfuggenti, impalpabili, a volte invece più strutturate, profonde e drammatiche
nel loro progressivo seppur solitamente breve incedere.
Miscele di
suoni di origine diversa, a tratti poco riconoscibili, tra le quali compaiono
comunque parti elettroniche, drones, chitarre, cembali, un portentoso basso,
nonché un sitar e persino il guqin, un fantastico strumento a corde cinese,
molto diffuso nel suo paese d’origine ma quasi sconosciuto da noi in occidente.
Alcuni
ospiti aggiungono ulteriori suoni: Giancarlo "Nino" Locatelli,
(clarinetto basso e percussioni),
Andrea Serrapiglio (violoncello), Luca Serrapiglio (sassofono) e Simone
Fratti (basso).
Il
“dialogo” tra i quattro principali artefici di questo album (Gianmaria Aprile,
Luca Mauri, Andrea ICS Ferrarsi e Luca Sigurtà) si articola in modo variato ma
al tempo stesso omogeneo, e le atmosfere, pur con i dovuti distinguo in fatto
di genere e sonorità, laddove si fanno più drammatiche e ed evocative ricordano
a tratti gli oscuri e affascinanti “bozzetti” dipinti dal migliore Eno dei suoi
storici e immortali “On Land” e “Music for Films”.
A volte le
composizioni virano verso una forma di improvvisazione più pura e
destrutturata, dal sapore vagamente jazzato, senza però sfociare in modo troppo
disinvolto in territori sonori estranei a quello che è il contesto
fondamentalmente elettroacustico-oscuro-sperimentale nel quale è possibile
collocare la musica contenuta in questo album. Sicuramente consigliato.
(Giuseppe
Verticchio)
This
Italian group, with the great CD ‘Like little garrisons besieged’ (2009) and
two intriguing 7′s made in collaboration with Oren Ambarchi and Steve
Roden under their belt, are back with a new release on Bocian Records with even
greater momentum. Their music could be labelled as ‘post psychedelic rock
ambient’. Its dreamlike soundscapes and mysterious, nocturnal atmospheres,
hardly volatile, don’t waft upwards like some fluff, and the faint motorik
skeleton and angular moans from the saxophone don’t seem to drive anything
here. Everything here reverberates, crackling and creaking disturbingly,
producing the entire chromatic scale. Much as ‘Reverie’ might seem the most
accessible release in Bocian’s catalogue, it has little to do with ‘safe’
ambient. Rather, it’s more of sound guidelines revealing countless surprises.
(Bocian
Records)
Maggiore Luciano/Brasini Francesco: Chàsm' Achanès (CD 2011 - Boring Machines)
[
http://www.boringmachines.it ]
Un'unica
lunga traccia, registrata in presa diretta da Luciano Maggiore (nastri e
apparecchiature elettroniche) e Francesco "fuzz" Brasini (chitarre
elettriche). Atmosfere affascinanti, lente, progressive, dall'andamento
ipnotico e rituale, che anche attraverso la ripetizione ciclica di un suono dal
timbro simiile a quello di antiche trombe tibetane, sembra evocare immagini di
sacri rituali, scorci di antichi e indecifrabili cerimoniali… Sullo sfondo
drones, rumori concreti e scricchiolìi elettronici, feedbacks, trame
ambientali, note di chitarra ora tese e dilatate, ora più pulsanti, marcate ed
incisive… Il substrato sonoro va via
via crescendo, arricchendosi di nuovi strati, di nuovi elementi, mentre altri
suoni scompaiono dissolvendosi progressivamente nelle profondità, lasciando
infine spazio a cupe, rimbombanti e più informi masse di drones, correnti
elettriche distorte attraversate da sibili e imprevedibili quanto misurati e
ben amalgamati disturbi elettronici…
Quindi l'inevitabile decadimento… le masse sonore si spengono, lascando
posto, prima che al silenzio, a residue onde di vibrazioni elettriche in
risonanza… Una performance estremamente
suggestiva, trainante e di grande impatto. Un altro ottimo album reso
disponibile da un'etichetta, la Boring Machines, che negli ultimi tempi ha
pubblicato diversi altri titoli estremamente interessanti (Andrea
Marutti/Fausto Balbo: Detrimental Dialogue; K11/Philippe Petit: The Haunting
Triptych; Mamuthones: Sator…) già recensiti su "Oltre il Suono".
(Giuseppe
Verticchio)
Maggiore Luciano/Brasini Francesco: How to Increase
Light in the Ear (CD 2012 - Boring Machines)
[
http://www.boringmachines.it ]
Nuovo album
di Luciano Maggiore e Francesco Brasini, ancora una volta su etichetta Boring
Machines. Due lunghe tracce estremamente minimali basate su statici sibili di
frequenze acute al limite della “sopportabilità” uditiva con lievi
micro-variazioni tonali aggiunte di scricchiolìi digitali pseudorandomici, che
solo nella seconda metà del secondo brano si arricchiscono (opportunamente
direi…) di più “ricchi”, caldi e “drammatici” fondi di drones su basse frequenze…
Un CD evidentemente estremo, che, anche
a causa della mia personale e “fisiologica” alta sensibilità alle frequenze
acute, mi ha costretto ad un ascolto ad un volume ridotto ad un quinto di
quello che adotto abitualmente ascoltando i CD. L’associazione “ideale” delle
alte frequenze al concetto di luce e luminosità nasce, evidentemente, per
contrasto a quella più frequente del buio e dell’oscurità comunemente
descritte, dal punto vista “sonoro”, attraverso frequenze basse e profonde. Da
qui evidentemente il diretto legame tra il titolo dell’album e la musica in
esso contenuta. Un album che, pur nella sua estrema essenzialità, è comunque
ben strutturato, ben lavorato ed emotivamente coinvolgente, seppure potrà
essere apprezzato al meglio soprattutto da chi non “tema” dei continuum ad alta pressione sonora su
frequenze “canicide” (passatemi il termine…). Ad ogni modo non replica la
“magia” del precedente “Chàsm' Achanès”, che sotto ogni punto di vista si
attesta decidamente un gradino (o forse due…) al di sopra del presente CD.
(Giuseppe
Verticchio)
[
http://www.greytone.eu ]
Cinque
tracce, per quasi 40 minuti di “processioni sonore” oscure, rituali e
coinvolgenti, egregiamente costruite dal progetto “Mare di Dirac”, attraverso
l’utilizzo di strumentazione molto varia e di diversa origine (quindi fonti
elettroniche ma anche percussioni, didgeridoo, organo da chiesa, trombe marine,
ciotole tibetane, voce…) impreziosite dalla partecipazione del bravo e ben noto
percussionista Paolo Sanna (gong e waterphone in “Umlat”) e di Mauro Sambo (sax
soprano e contrabbasso in “Thecomposition”).
Album molto
d’atmosfera, caratterizzato peraltro da un suono estremamente dettagliato,
tanto cristallino quanto profondo, che sorprende e “cattura” al primo ascolto,
stilisticamente in bilico tra ritual-drone-ambient, sperimentazione,
improvvisazione elettroacustica, ma perfettamente omogeneo e ben convogliato
lungo un suggestivo percorso sonoro dai contorni solidi e ben definiti,
costruito passo dopo passo, traccia dopo traccia, istante dopo istante, con
grande efficacia, misura, perizia ed inventiva.
Tra voci
confuse, bisbiglii, stridori e tintinnii metallici, echi di strumenti a fiato,
cadenze ritmiche cerimoniali, rumori concreti, gorgoglii, drones profondi e
riverberati, “Tupilaq” celebra l’Oscurità nella sua forma più suggestiva,
lugubre e inquieta, senza però ricorrere alla “solite” e abusate soluzioni che
caratterizzano tanta musica in qualche modo “dark-oriented”.
Un ottimo
CD rilasciato e “firmato” dalla italiana Greytone.
(Giuseppe
Verticchio)
Maribor: Atrocity Exhibition (CD 2009 - Silentes) (Maurizio
Bianchi, Mauthausen Orchestra, Nimh, Andrea Marutti, Stefano Gentile)
[
info@silentes.it ]
"Atrocity Exhibition" is a new project formed by a handful of notorious artists coming from the arena of italian underground experimental music. Conceptually "Atrocity Exhibition" is like a demonic, blasting industrial-sceptical machinery of war which infiltrates the optical-geometrical-metrical territories of life. The music produces magmatic-turbulent electronic stratas, simultaneously trangressive and remarkably abstract. This active process of organised musical chaos is interrupted by unpredictable ecstatic moods. The artists gathered for the occasion work in interdependance. The recognizable original facets of their respective musical signature are intertwined in the process of creation. Giuseppe Verticchio's ethno-ritual music perspectives interact with PierPaolo Zoppo's "Dante-esque" hell-ish bruitist tapestries, Maurizio Bianchi's neurotic minimalism, Andrea Marutti's abyssal blackened ambientscapes and with Stefano Gentile's touching aerial guitar parts. The title track is a majestic-nightmarish soundscape that grows into dark industrial vapours, toxic menacing noises, transfigured by fluidistic emotional e-guitar arpeggios and ghostly resonances. The piece Terrifica Praedicatio is an other tempetuous-power electronic epic admitting heavenly-sacred ethno sounds which can be perceived in a foggy distant atmosphere. The album closes with an exalted-eerie guitar piece covered by charged noisy electronic clouds. To sum up things, Atrocity Exhibition reveals some powerful electronic densities and a raging intensity which seems to restore the self by a cathartical maneuver. The slow moving droning-abrasive electronic textures are constantly in flux, describing the dynamic and paradoxal nature of subjectivty, its potential of disruption and protest against fixed positions and earthly trivialities. This is music as a metaphor, the language of sounds as a mirror of humanity's ineffable experiences. A tremendous-trembling-fluxuous musical voyage.
(Philippe
Blache - Progarchives)
Maribor: De Immenso (CD 2011 - Silentes) (Maurizio Bianchi, Mauthausen
Orchestra, Nimh, Andrea Marutti, Stefano Gentile, Gianluca Favaron)
[
http://www.silentes.net ]
Aprendo il
pregevole packaging mi imbatto in una pagina strappata de "Gli Eroici
Furori" di Giordano Bruno e ritorno indietro nel tempo a termini come
l'averroismo, il neoplatonismo e il materialismo antico. La pluralità dei mondi
che spesso viene evocata nella cultura moderna era già presente nelle sue
teorie che lo portarono alla condanna al rogo per mano dell'inquisizione
ecclesiastica. Nel tomo in questione il filosofo individuava tre modalità di
passioni umane: quella per il sapere, quella per il vissuto concreto e quella
per il vissuto speculativo. Quest' ultima è certamente materia di interesse per
Stefano Gentile la cui anima «rapita sopra l'orizzonte de gli affetti naturali,
vinta da gli alti pensieri, come morta al corpo, aspira ad alto». Suo in
concept di "De Immenso" che vede la collaborazione attiva di
musicisti come Maurizio Bianchi, Andrea Marutti, Giuseppe Verticchio, Gianluca
Favaron e Pierpaolo Zoppo. Alcuni di loro li abbiamo imparati a conoscere su
queste pagine per la loro attitudine sperimentale e l'approccio
"visivo" delle loro opere. Esclusivamente guidato dal "furore
eroico", Maribor ci regala quattro tracce guidate da un "solo"
pensiero, un approccio unico e distaccato che travolge l'ascoltatore per
ottanta minuti. Un crescendo industrial ambient che conduce fino all'ipnosi
pura di "1600".
(Lorenzo
Becciani "Divine" - Dagheisha)
Maribor
is a throbbing-post-nuclear noisy drone super project founded years ago by
Stefano Gentile with the contribution of highly acclaimed artists from the
Italian underground industrial movement (Maurizio Bianchi/M.B., Mauthausen
Orchestra/Pierpaolo Zoppo, Nimh/Giuseppe Verticchio, Andrea Marutti and
Gianluca Favaron). De Immenso is their second offering. This time, the
conceptual background seems to be openly related to the universal and
philosophical hermeticism of Giordano Bruno, to his dangerous work under the
pressure of the hegemonic religious dogma. This album offers to the listener a
volcanic and sonorous arcane of bleak crashing noises delicately punctuated by
eerie drones and proggy orientated embellishments. This musical procession
opens with a dense and buzzing meditative piece covered by hypno-ish circular
guitar motives and soft clouds of drones. The second track opens with peaceful
repetitive guitar chords, some kind of dreamy tones rapidly followed by an
avalanche of field recordings, intrusive black drones. The last minutes contains
a dialogue between suspenseful-goth-somnanbulic guitars and rolling crashing
noises. Track 3 is a creeped out ambient piece in the pure classy vein of the
genre. The last tune is a deep-rumbling heart touching piece mainly built
around the guitars and effects. This album follows the path written by the
previous Maribor effort but admits much more variations / solid interferencies
between the ambient / noisy facets. A thundering-hauntingly bleak industrial
musical adventure that can seduce fans of early demonic drones from Lustmord,
Atrax Morgue, Sigillum S but also relaxing post-rockin airs from Jasper TX, Tim
Hecker.
(Philippe
Blache - Progarchives)
Marutti Andrea: The Brutality of Misbreathing (CD-R 2007 - Opaco)
[
afeman@aferecords.com ] [ http://www.aferecords.com/am
]
Un lungo,
ininterrotto flusso sonoro di musica di matrice oscura e drone-based
particolarmente consigliata a chi, durante gli ascolti, non sia troppo
impaziente, istante dopo istante, di scoprire cosa accada "più in
là"... Tempi infatti estremamente dilatati per questo CD-R di Andrea
Marutti (già noto per i suoi progetti Amon e Never Known) realizzato a partire
dalla registrazione di una performance live successivamente rielaborata in
studio, anche con aggiunta di ulteriore materiale. Movimenti lenti,
progressivi, metamorfosi sonore che si compiono gradatamente e senza alcuna
fretta, con assoluta noncuranza dello scorrere del tempo... Pur diviso
idealmente in quattro tracce, le profonde e impattanti masse sonore si
perpetuano senza interruzione alcuna, soltanto occasionalmente placate da
momenti di lento decadimento e maggiore stasi, la cui principale funzione
sembrerebbe quella di lasciar prendere fiato per alcune manciate di minuti e
attenuare lievemente la tensione emotiva in attesa della successiva, lenta ma
inevitabile "invasione" a base di imponenti, gorgoglianti e
ribollenti agglomerati magmatici su frequenze basse e ultrabasse, violate
talora da emergenti, sferraglianti e riverberati suoni aspri e metallici. Un
affascinante, suggestivo viaggio sotterraneo, proposto su CD-R in una edizione
ben curata dalla giovane ma valida etichetta italiana Opaco Records.
(Giuseppe
Verticchio)
"The
Brutality of Misbreathing" is Andrea Marutti's first full-lenght release
published under his own name. He is better known for his Amon and Never Known
projects and as Afe Records label owner. His music has been published by Eibon
Records, Amplexus, Drone Records, Taâlem, etc. This album is a one hour journey
between dramatic dark atmospheres and drone-based ambiences in slow and
continous evolution. Echoes of reverbered metallic sounds and sharp circular
loops, electronic elements and saturated signals close to distortion emerge
each now and then from the disquieting sound mass. The music flows in a persistent
alternation of majestic crescendos and quiet discreet stases; a sense of
tension and discomfort permeates the whole disc, just like being stuck in a
long and appearently never-ending bad dream...
(Opaco)
Marutti Andrea: The Subliminal Relations Between
Planets
(CD 2008 - Nextera)
[
andrea.marutti@aferecords.com ] [
http://www.aferecords.com/andreamarutti ]
Un'altro
"classico" CD di musica dark ambient/drone oriented ad opera di
Andrea Marutti, che con il presente "The Subliminal Relations Between Planets"
sembra riprendere il percorso sonoro esattamente laddove lo aveva interrotto
con il precedente "The Brutality of Misbreathing". Molti gli elementi
in comune tra queste due releases... La scelta di firmarle a proprio nome e non
utilizzando uno dei numerosi moniker con i quali ha siglato molti dei suoi
precedenti lavori (Amon, Never Known, Afeman, Spiral, Lips Vago, solo per
citarne alcuni...), il fatto che entrambi i CD nascano da materiale registrato
dal vivo successivamente rieditato e "ottimizzato" in studio, il fatto che in entrambi i casi la musica
fluisce ininterrottamente dall'inizio alla fine senza pause tra le tracce. Ma a
parte questo sono in realtà il "sound" generale, le dinamiche, i
tempi, le progressioni, l'approccio, l'intento, la forma e la struttura
compositiva che, pur con le ovvie variazioni del caso, risultano convergere in
modo assoluto, e appartenere chiaramente ad un unico progetto, ad un immutabile
"disegno sonoro", tracciato con la consueta abilità dalle mani esperte
di uno dei maggiori maestri nell'ambito della musica dark-ambientale, italiana
e non solo. Il nuovo "viaggio" di Andrea Marutti, questa volta alla
scoperta delle subliminali relazioni tra i pianeti, continua ancora una volta
nella più inviolata e inviolabile oscurità...
(Giuseppe
Verticchio)
"...
He too operates in the area that we could loosely identify as drone music, or
ambient, but unlike his German counterparts on the other CD this is of a much
darker nature altogether. It's hard to tell what it is that he does; be it
synthesizers, samplers, computer processing or just tons of sound effects, in
the end the effect is a seventy-minute opus of dark, utter dark electronic
music. The planets mentioned in the title may give away some of some of the
darkness, and perhaps its all too easy to say that its pitch black as the stars
by night, but on christmas eve, with stars bright and almost full moon, these
sort of references may count. Think Lustmord meeting Mirror, the darkest
fantasy of Klaus Schulze or such cosmic hero from yesteryear, and Andrea
Marutti is your man..."
(Frans
De Waard - Vital Weekly)
Marutti Andrea/Balbo Fausto: Detrimental Dialogue (CD 2010)
[
http://www.aferecords.com ]
Strane e
spesso stranianti atmosfere, dominate per lo più da suoni freddi e sintetici,
ma spesso arricchite da drones elettronici dalla timbrica più calda e profonda
e talora da altrettanto calde, pulsanti e suggestive sequenze di basso
elettrico, suono probabilmente anch'esso sintetico, ma la sostanza non cambia… Talora i brani assumono una forma più
"tradizionalmente composta", e le stesse atmosfere evolvono con
lente, trainanti e coinvolgenti progressioni, e queste sono comunque le parti
che ho personalmente preferito. Talvolta i suoni più spiccatamente aspri ed elettronici
prendono prepotentemente il sopravvento, assumendo una forma più
"caotica" e pseudo-confusionale, e sfociando in derive
para-rumoristiche che, almeno ai primi ascolti, ho avuto più difficoltà ad
apprezzare. Il fatto è che questo album non è certo musica di facile ascolto.
Le sue sonorità assolutamente particolari e ricercate, l'assoluta impossibilità
di ricondurne lo stile a questo o quel "genere" musicale, e la
apprezzabile intransigenza e "onestà intellettuale" per così dire,
che ha condotto Marutti e Balbo a mettere a punto un album sicuramente non
"facile", ma che al tempo stesso non si "adagi" su
soluzioni ipercollaudate e di immediata presa, fanno sì che per forza di cose
anche l'ascoltatore più "navigato" e dalla mentalità più aperta
necessiti di più ascolti per poterlo apprezzare al meglio e nella sua
completezza. Non è facile insomma, nell'immediato, comprenderne le logiche e il
"disegno", e aggiungo ancora che per uno come me, che per gusto
personale non ama troppo le sonorità spiccatamente sintetiche, è stato forse
ancora più difficile superare questa sorta di "ostacolo". Alcune
parti però mi apparivano così assolutamente trascinanti e straordinarie fin dal
primo ascolto da invogliarmi a rimettere più volte il CD nel lettore, fino a
che, d'un tratto ho visto il cerchio chiudersi... il "puzzle"
completarsi con ogni singolo elemento, il "disegno sonoro"
complessivo finalmente mostrarsi chiaro e nitido ai miei occhi, prendere solida
forma nella mia mente. Difficile dire o provare a spiegare di più… Un CD da ascoltare, più volte, e da
"imparare ad apprezzare". E se ci riuscirete… scoprirete
probabilmente una nuova porta….
(Giuseppe
Verticchio)
This
collaborative effort puts together ambient, dark ambient, electronic hero and
Afe Records head-chief Andrea Marutti and Fausto Balbo that maybe some of you
remember for having played in a hardcore band called Jesus Went To Jerusalem
and later in the electronic-metal duo Der Tod. During the last years Balbo has
produced and played some electronic music made out of synths, samples,
incredible self made kalimbas and a full load of great taste, so no surprise he
musically tied the know with Marutti. Even if the length of the tracks may
suggest an heavy influence of the ambient musician, I think many of the sounds
crossing the scene will show how this collaboration is the result of a mutual
work. The first synth driven suite start as an ambient piece to leave room to
some unexpressive white noises and sounds and to resurface a simple fragmented
keyboard melody, as the rest of the music the track is hyper arranged and not
so immediate. The second episode offers the same kind of cocktail you will sip
for the whole length of the CD, but beside the ambient frameworks coming in and
going and together with these sharp and/or fragmented electronic noises the
used some bass lines, sometimes the impression is they put together some old
IDM, Pan Sonic and cold experimental electronics, also thanks to its structure
this track is my personal favorite. With the closing tracks the atmosphere of
the release becomes more rarefied and abstract, bringing in the "space is
the place" element to the music, so if you're into that "we're
floating in the universe" feel you love these closing chapters, above all
the last one where this dynamic duo hypnotizes and scares the shit out of the
listener, avoiding dark or gothic influences which it's a result itself. An
electronic post-ambient, post-kraut, cold but yet analog-sounding release...
Can you imagine that?! A listen may help above all if you consider this is
definitely interesting and not a conventional output.
(Andrea
Ferraris - Chain DLK)
Mauri Luca: Between Love and Hate (CD 2008 - Creative
Sources)
[
luc.mauri@gmail.com ] [
http://betweenlove-hate.blogspot.com ]
Un album
piacevole ed equilibrato, realizzato con l'uso esclusivo di chitarra, piatti
metallici ed effetti, che alterna e coniuga con efficacia atmosfere dilatate ed
eteree d'impronta più "quieta" e ambientale con sonorità che si fanno
ora più "aggressive" e distorte, ora più scure e drone-oriented, ora
più "pulsanti" e ipnotiche, ora basate su arpeggi e loops d'impronta
più discretamente "musicale". A tratti i suoni di piatti (ride,
snare, crash...) arricchiscono di suggestioni ritmiche le composizioni, variando
le soluzioni, e conferendo ancora maggiore personalità ad una proposta sonora
che, grazie anche alla spiccata abilità di Luca Mauri nel riuscire, attraverso
il solo uso della chitarra e pochi altri suoni, a creare paesaggi sonori
coinvolgenti e talvolta addirittura "accattivanti", riesce a non
apparire mai noiosa, banale o eccessivamente anonima. In tempi in cui
l'approccio sperimentale in un certo senso un po' "spicciolo" di
scegliere un'unica sorgente sonora e cercare di costruire attraverso essa
qualcosa di davvero "diverso" ed "originale", ha ormai da
tempo palesato i suoi limiti oggettivi, partorendo negli anni passati centinaia
di CD tanto poveri di idee quanto anonimi e confondibili l'uno con l'altro,
nonchè insignificanti nella sostanza, questo "Between Love and Hate"
di Luca Mauri, che pure si "concentra" quasi esclusivamente su suoni
di chitarra, si eleva in modo sostanziale dalla "massa", dimostrando
che, anche laddove i margini di potenziale innovazione e originalità si fanno
sempre più ristretti, una mente davvero "pensante", che abbia anche
una particolare sensibilità e significative capacità espressive e tecniche, può
ancora "dare" qualcosa di notevole laddove, in molti, hanno già
spesso (e piuttosto pigramente aggiungerei...) fallito.
(Giuseppe
Verticchio)
Mauri Luca/Giannico Francesco/Uggeri Matteo: Pagetos (CD 2012 - Boring Machines)
[
http://www.boringmachines.it ]
Atmosfere
“dolci”, quiete e crepuscolari… Elaborati assemblaggi e stratificazioni di
suoni morbidi, dilatati e profondamente effettati di chitarra elettrica, rumori
concreti e field recordings, tracce sonore di discrete presenze umane, vibranti
campioni di corde di violoncello, lunghe, sussurrate e riverberate note di
tromba… Frammenti di melodie di pianoforte, tintinnìi di wind chimes, cembali e
altri metalli, onde di rainstick, imprevedibili e indecifrabili disturbi e
interferenze di imprecisa origine… Affreschi sonori color pastello dai contorni
evanescenti, a momenti quasi astratti, dalla forma e dagli equilibri
compositivi sfuggenti e precari… Un suono generale pulito, dettagliato, nitido,
caldo e avvolgente, in apparente contrasto con i titoli delle tracce e le
immagini “glaciali” dell’artwork, che valorizza la qualità dei vari elementi e
dell’album nel suo insieme, costruito,
mixato e masterizzato con evidente perizia e attenzione per gli aspetti più
puramente “tecnici”. Una collaborazione riuscita, per un album molto
equilibrato, “misurato”, piacevole e “facile” da ascoltare; un' altra valida,
curata e significativa produzione ad opera di una delle più interessanti
etichette italiane in ambito sperimentale/drone/dark/ambient.
(Giuseppe
Verticchio)
Mauthausen
Orchestra: Where Are We Going? (CD 2008 - BloodLust!)
[
mr_zoppo_private@libero.it ] [
http://www.myspace.com/mauthausenorchestra ]
Un grande
ritorno per M.O./Mauthausen Orchestra. Impossibile parlare di questo nuovo CD
senza premettere, per chi già non lo conoscesse, che il progetto nasce quasi
trenta anni fa dalla mente di Pierpaolo Zoppo, un vero pioniere della
sperimentazione elettronica più estrema, "a cavallo" tra noise,
power-electronics e industrial, il quale, in anticipo sui tempi e in età ancora
molto giovane, registrava e "fissava" su nastro magnetico inaudite
esperienze sonore, visionarie, violente e allucinogene... Non mi soffermo
ulteriormente sulle note biografiche, se non facendo cenno al fatto che nel
corso di tutti questi anni non sono mancati lunghi periodi di inattività
artistica, che in tempi recenti il progetto sembra essere tornato ad una
significativa, vitale e ispirata rinascita, e sottolineando che, nonostante le
numerose produzioni, la quasi totalità di esse è uscita esclusivamente su
cassette a nastro o su vinile da 7, 10 o 12 pollici, e quindi la pubblicazione
su CD, da parte di BloodLust!, del presente "Where Are We Going?", è
da considerarsi un evento di notevole importanza. Quello che emerge,
dall'ascolto del CD, è che la nuova musica sembra essere l'esatta proiezione,
ai tempi attuali, delle originali sperimentazioni sonore dell'Orchestra di
Mauthausen, soltanto "attualizzate" grazie alle migliorate tecnologie
per la la registrazione, per la generazione dei suoni e per la loro
manipolazione e trattamento, e grazie anche ad una visione artistica più "matura" e consapevole che, pur
conservando intatto lo spirito originario, l'immediatezza, l'istintività e
l'impatto delle vecchie registrazioni, torna ora a generare nuove visioni
elettroniche soltanto un po' più "morbide" e meno
"intransigenti", facendo sicuramente in questo modo un grosso balzo
in avanti, e restituendoci un album che unisce, a tutti i pregi della musica
del passato, delle migliorate qualità sonore e tecniche (i decenni
evidentemente non sono passati invano...) e una attualissima e rinnovata
sensibilità e vitalità artistica che il tempo non è minimamente riuscito a
scalfire. Assolutamente da non perdere.
(Giuseppe Verticchio)
M.O.,
aka Mauthausen Orchestra; the first full-length release in over ten years!
Pierpaolo Zoppo returns with seven new songs, recorded for BloodLust! in 2006,
as a follow-up to his "Smooth Hate" 7-inch, which immediately sold
out of its limited edition of 100 copies --- and the "Forbidden
Ground" private series 7-inch, which is also nearly gone. Perfectly cold,
austere, and dark analog synth material --- for fans of Zoppo's outstanding,
evolving contemporary work --- yet carrying enough weight behind it to please
all but the most close-minded and jaded fans of his early, violent, primitive,
and raw Mauthausen Orchestra recordings. This CD is packaged in a handsome
black and white and color four-panel Digipak. Approximately 46-minutes in
length; Released in 2008.
(BloodLust!)
Mauthausen Orchestra: Sonic Deprivation (CD 2009 - Silentes)
[
mr_zoppo_private@libero.it ] [
http://www.myspace.com/mauthausenorchestra ]
Parallellamente
alle altre recenti uscite di Mauthausen Orchestra, che includono materiale
sonoro di nuova produzione, la ristampa
ad opera di Silentes di materiale "storico" del progetto di Pierpaolo
Zoppo appare scelta quanto mai apprezzabile e di lodevole intento, giacchè
larga parte della più "pionieristica" musica di M.O. registrata tra
la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80 è rimasta troppo a lungo
"relegata" a produzioni quasi "artigianali" su
audiocassetta di limitatissima tiratura e diffusione. La riedizione di parte
pur limitata di quel materiale, sottoposto ad un accurato intervento di
"pulizia", raccolto in un CD in versione completamente
rimasterizzata, e presentato in una elegante edizione in digipack, viene a
colmare almeno in parte questa lacuna, rendendo finalmente disponibile ad un
pubblico più ampio una significativa panoramica di quanto la mente di Pierpaolo
Zoppo/M.O. concepiva e registrava su nastro negli anni della sua più
"energica" e ambiziosa giovinezza. Musica di grande impatto, estrema,
intransigente, a tratti estremamente "pesante" e sicuramente
"rudimentale" nella concezione e nella forma; "musica" che
è molto difficile anche definire tale, giacchè interamente costruita attraverso
"rumori" ed elementi sonori ben lontani dall'idea tradizionale di
"musica", arte che nell'interpretazione più "convenzionale"
(nonché limitata e tutto sommato sostanzialmente ottusa) del termine si
immagina sempre associata ad elementi prettamente melodici (generati attraverso
l'uso di strumenti musicali propriamente detti…) o a combinazioni
ritmico-melodiche. Nulla di tutto questo. Pierpaolo Zoppo/M.O, fortunatamente,
già allora era andato molto "oltre", e il presente "Sonic
Deprivation" testimonia efficacemente le visioni futuristiche e
anticonformiste di un artista che il tempo non riesce ancora a scalfire…
(Giuseppe
Verticchio)
A
fantastic selection of archive materials from the "golden age" of
Mathausen Orchestra, the Italian power-electronic project born in the early 80s
from the mind of Pierpaolo Zoppo, recently back in full to his artistic
activity (see also the other CD Silentes SME0932, Nimh/Mauthausen Orchestra:
From Unhealthy Places). Coming as a wonderful digipack CD, these six tracks
collected from his very first cassette releases (Murderfuck, Mafarka, Anal
Perversion, Host Sodomy, From Homicide to Slaughter) are released in a
completely restored and remastered edition that finally does justice in full to
the incredible and futuristic visions of one of the most significant Italian
experimental artists of the last thirty years. Unthinkable and apocalyptic
sonic masses pushed to the extreme, an endless flux of strong emotions, a
violent and devastating impact... Absolutely not to be missed.
(Silentes)
Mauthausen Orchestra: Digression (CD 2010 - Silentes)
[
mr_zoppo_private@libero.it ]
Grande
ritorno per Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra, che, ancora su Silentes,
mette a segno questa volta un album di nuovo materiale inedito. In un'unica
lunga traccia, efficacemente mixata da Gianluca Favaron, il “nostro” esplora
non solo collaudati percorsi adiacenti (seppure sicuramente meno estremi…)
quelle sonorità noise/power electronics che hanno caratterizzato le sue prime,
storiche produzioni e ne hanno fatto un personaggio di culto, ma anche inediti
e sorprendenti paesaggi più spiccatamente elettronici, ora addirittura pulsanti
e quasi “ritmici”, come nei primi suggestivi minuti di inizio CD, ora più
“spaziali” e “siderali”, ora dilatati e oscuri, ai confini di una dark-ambient
di impronta statica e dalle sonorità estremamente “sintetiche”. In copertina
una foto in bianco e nero dello stesso Pierpaolo Zoppo da bambino, in un
suggestivo ritratto dall’espressione ben diversa da quella beata/beota tipica
delle pubblicità della Kinder… Uno sguardo invece serio, profondo e penetrante,
che sembra volesse già da allora sfidare il modo intero e tutte le sue regole
non scritte… Assolutamente da non perdere.
(Giuseppe
Verticchio)
After
the recent reprint of “historical” material collected on the “Sonic Deprivation”
CD, and the collaboration with NIMH on “From Unhealthy Places”, Mauthausen
Orchestra/Pierpaolo Zoppo comes back with brand new tracks and a new album
where the “fury” and aggressiveness of his usual “harsh” sonorities of a
Noise/Power-Electronics nature are merged with more “quiet”, wide and always
dark ambient parts, sometimes surprising us with unexpected and undisclosed
pulsating rhythmic-electronic inserts. A great album for a project that has
recently born again with an unsuspected and inspired artistic vital energy.
(Silentes)
M.B./Nimh: Together's Symphony Box (4CD BOX 2005 - Silentes )
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Un cofanetto di 4 CD in edizione
limitata a 300 copie che include:
- Maurizio Bianchi: Niddah Emmhna (CD
Silentes)
- Nimh: Subterranean
Thoughts (CD Silentes)
- Nimh + M.B.: Secluded
Truths (CD Silentes)
- M.B. + Nimh: Together's
Symphony (CD Silentes - disponibile solo con “Together's Symphony Box”)
Una straordinaria collaborazione tra
lo storico de-compositore italiano Maurizio Bianchi e l'eclettico
sperimentatore elettronico-ambientale Nimh (Giuseppe Verticchio). Un
imperdibile cofanetto di 4 CD che è un lungo e caleidoscopico viaggio ai
confini del suono, tra gli umori dark-industrial di "Together's Symphony",
CD che dà il titolo al box, le
atmosfere sperimentali lirico-introspettive di "Secluded Truths", i
collages sonori multicolori di
"Niddah Emmhna" del solo M.B., le visioni
elettroniche-acustiche-ambientali di "Subterranean Thoughts", CD
del solo Nimh.
(Silentes)
Opera suntuosa, in 300 esemplari,
quella approntata da Silentes; quattro CD contenuti in box cartonato,
accreditato congiuntamente a M.B. e NIMH. In realtà i lavori realizzati in
coppia sono "Secluded Truths" (già recensito su Blow Up n. 84) e
"Together's Symphony" che dà il titolo al cofanetto ed è l'unico non
disponibile separatamente. Questo CD, dalle scarne note del booklet specifico,
sembrerebbe più da intendere come uno split piuttosto che una collaborazione
tra Bianchi e Verticchio. L'armonia tra il pezzo di M.B., "Land Use",
in due parti e dalle caratteristiche più marcatamente ambientali rispetto alle
ultime prove, ed i tre di NIMH, non
meno cupi, in particolare "…the Garden of Loneliness", con l'ipnotica
"Beyond the Gates…", ambient dalle comunque tenebrose maculature di
grande effetto a risaltare, è però magistrale nel sottolineare le affinità tra
i due artefici. Negli altri due CD, M.B. è ispirato da un passo del
"Levitico" per "Niddah Emmhna", dedicato a 'tutta la
riscattata umanità', costituito da due caleidoscopiche suite oltre i
trentacinque minuti e permeato di possente spiritualità che si adagia su più
concilianti, sereni scenari nella prima parte, poi destinati ad offuscarsi
nella eccellente seconda, di chiara genia industriale, mentre NIMH in
"Subterranean Thoughts" testimonia il suo notevole eclettismo,
passando dai registri ambientali sporcati da field recordings di
"Recovered Memories" alle Lustmordiane inquietudini di "Back to
Laudomia", dalla congiunzione di respiri concreti e stralci rituali di
"Perpetual Cycles" all'incedere meccanico di "Subterranean
Thoughts".
(Paolo Bertoni - Blow Up)
Oltre quattro ore di grande
sperimentazione. La ritrovata ispirazione del padre dell'elettronica italiana,
dopo un lungo periodo di silenzio, si sta manifestando anche attraverso nuove
collaborazioni, fra cui rientra, anche questa con l'artista romano Nimh. Il
risultato di questo incontro, viene pubblicato dalla Silentes col titolo
"Together's Symphony", un 4 CD box-set in edizione limitata a 300
copie, contenente l'album di inediti di Maurizio Bianchi, "Niddah
Emmhna", il nuovo lavoro di Nimh, "Subterranean Thoughts", e due
dischi, a metà fra lo split e la collaborazione, "Secluded Truths" e "Together's
Symphony". Partendo proprio da quest'ultimo, il punto d'incontro fra le
tracce dei due artisti sembra essere stata la comune fonte d'ispirazione:
l'aver svolto un viaggio introspettivo che non seguisse alcun canone
compositivo, ma che rappresentasse un'entusiastica manifestazione di libertà e
del desiderio di sperimentare. E "Beyond the Gates" e "Land Use
I" dimostrano proprio come una parte dell'elettronica non voglia ancora
andare incontro alla fruizione spicciola, perseguendo piuttosto una forma
espressiva - sincera quanto complessa - che, in "Secluded Truths", fa
da sfondo ad un complesso intreccio di strumenti acustici ed elettronici, in un
intrigante percorso fra generi diversi. In "Niddah Emmhna" poi,
Bianchi si distanzia in parte dalle sonorità degli '80, prediligendo invece le
soluzioni ambientali, anche recentemente proposte, e dando vita a due
incredibili suite di quasi quaranta minuti ciascuna, entrambe sorprendenti nel
suscitare un continuo fluire di emozioni e sensazioni differenti, senza pause,
senza momenti di stasi. Uno sciame di riverberi si assembrano in un moto che
riesce a spaziare, infatti, tra atmosfere distanti, evocando scenari tersi e
ariosi che riescono poi a divenire plumbei e sofferenti, a tratti corrosivi e
penetranti. L'album di Nimh si apre con un drone di rara bellezza, che colma
gli spazi auditivi, sfociando nella lunga "Recovered Memories", in
cui il lato elettronico acquista lentamente più spessore. Una tensione
accumulata che sfocia nell'affascinante "Back to Laudomia" e nelle
successive "Subterraneann Thoughts" e "The Liquid Dream",
in cui l'impiego di passaggi musicali alleggerisce un ascolto sicuramente
divenuto impegnativo. Come nello stile di Verticchio, l'utilizzo di samples
ambientali assume un ruolo importante in fase compositiva senza però arrivare
mai a spostare l'equilibrio dei pezzi verso il puro field recording,
prediligendo piuttosto la creazione di atmosfere sommesse, una elettronica non
roboante, ma elegantemente sofisticata che rinfresca il concetto di
"landscapes music". Ciò che realmente accomuna i due autori,
sembrerebbe essere la propensione ad un ritorno ad una dimensione concreta
nelle proprie composizioni, la ricerca di una dimensione "umana", che
renda meno impalpabili e astratte le proprie riflessioni. L'indicazione del voto
- in quanto riduzione del qualitativo al quantitativo - è di per sé
insopportabile e, nonostante ciò, cerchiamo sempre di offrire un riferimento
per orientare i lettori. In questo caso, però, qualsiasi giudizio numerico
risulta impossibile, in quanto diviene troppo difficile ridurre e classificare
le molteplici emozioni che l'ascolto di queste oltre quattro ore di
sperimentazione regala.
(Franz Gemelli - Music
Boom)
Bianchi's recent
collaboration with Rome's self-styled "ambient-electronic-ethnic-experimental
musician" Giuseppe Verticchio, aka Nimh, is documented in the mammoth four
CD box, "Together's Symphony", which brings together two joint
ventures and two solo offerings, one each. Verticchio's "Subterranean
Thoughts" is sourced from fragile field recordings, encrypted in secret
electronic transmissions and recontextualised into fields of drone and crisp
buzz. The collaborative venture "Secluded Truths" exists in a gloomy
habitat of otherworldly decaying loops, trademark Bianchi minimal pianism, and
Nimh's cosmic couriers of sequenced, discarded voices. The pace is leisurely
and the atmosphere ethereal. The other duo disc, "Together's
Symphony", consists in fact of tracks composed separately by each artist.
It's a quieter affair, warm, textured and dauntingly elegiac. Bianchi's solo
"Niddah Emmhna", based on a chapter of Leviticus, falls into two
prolonged symphonies apparently relating to globular activity, the first
juxtaposing the aural poison of metallic ambiance with mesmerizing, constantly
overlapping eruptions of "erythrocyte frequencies" (to quote
Bianchi), the second a journey through a recurring motif of morphed
"neurologic piano" and blackening feedback. It's a masterpiece of
subtly disturbing sound-sculpturing that recalls the work of Akifumi Nakajima,
aka Aube, whose own "Aube Reworks Maurizio Bianchi" is a set of
seemingly endless de-decompositions of Bianchi's "M.I. Nheem Alysm"
(2004) in which Nakajima adds a sense of ascetic sluggishness to the already
spartan development of the original, generating micro-organic orchestras
fiercely concentrated on the nature of sound and its hypnotic properties.
(www.paristransatlantic.com)
M.B.: Elisionem (CD 2006 - Klanggalerie)
[ maubia55@libero.it ]
Una nuova, preziosa gemma, va ad
arricchire la già foltissima discografia di M.B./Maurizio Bianchi. Sicuramente
une delle opere più particolari e interessanti tra le tante, in solo o in
collaborazione, realizzate da questo eclettico artista negli ultimi anni,
seppure debbo precisare di avere avuto occasione di ascoltare soltanto una
parte limitata di quanto (moltissimo!) prodotto da Maurizio Bianchi in questo
stesso periodo. Realizzato a partire prevalentemente da sorgenti sonore di tipo
concreto, ma evidentemente rielaborate attraverso pesanti processamenti di tipo
elettronico, il CD presenta cinque tracce che stupiscono per la ricchezza delle
idee riversate in esse, per l'efficacia dei trattamenti elettronici, delle
stratificazioni dei suoni, per la forma delle composizioni che, pur
mantenendosi all'interno di una forma sostanzialmente "discreta" e
non certo "roboante", risulta ugualmente molto ricercata, articolata,
e al tempo stesso "fluida" ed emotivamente "profonda" e
coinvolgente... Musica ambient, elettronica, drone-based, sperimentazione,
residui industriali, echi di influenze sonore di derivazione teutonica...
Questo e molto altro in un album che traina, sorprende e affascina, istante
dopo istante e senza un attimo di cedimento. Ci sono artisti, anche molto
validi, e anche attivi in ambito musicale da molti anni, che pur con una lunga
carriera alle spalle potrebbero essere facilmente "descritti" e
"classificati" citando soltanto il titolo di due o tre album della
loro discografia. Questo perchè, al di là di ogni giusto merito, nel tempo
hanno però in un certo senso rinunciato a rinnovarsi e a cercare, con sincero e
prepotente spirito di sperimentazione, nuove strade e nuove "forme
sonore". Maurizio Bianchi non è tra questi. Pur attivo musicalmente fin
dalla fine degli anni '70 non ha mai "indossato le pantofole", e non
si è mai "arreso" alla proposizione di musica sempre uguale a sè
stessa e ad una autocompiacente e sterile ripetitività. Questo è ciò che
secondo me significa essere artisti "veri". Questi sono gli artisti che,
dopo migliaia di ore di musica ascoltate in tanti anni della mia vita, riescono
ancora a farmi strabuzzare gli occhi, a farmi alzare di scatto dalla mia
postazione di ascolto mentre ho messo in "play" un CD nel mio
lettore, ad "illuminare" la mia convinzione/speranza che non tutto è
stato davvero già detto e fatto nell'ambito di quella musica usualmente
definita "sperimentale", nel cui "calderone" purtroppo, in
tempi recenti, si tende a far convogliare qualsiasi tipo di musica-spazzatura
non ascrivibile all'interno di altre più ben identificabili definizioni
stilistiche, spesso proposta da pseudo-artisti la cui ambizione/presunzione è
decisamente soverchia se comparata al reale valore di quanto, con eccessiva
disinibizione, usano proporre. Chi è ancora in grado di comprendere la consistenza
e il valore della "vera" ricerca sonora unita alla reale qualità
della musica, non dovrà assolutamente perdere questo CD...
(Giuseppe Verticchio)
M.B./F.I.C.P.S.: Chaotische
Fraktale + Letzte Technologie (2 CD 2007
- Silentes )
[ maubia55@libero.it ]
Finalmente ripubblicati, riuniti in
una provvidenziale edizione in formato doppio CD, questi due straordinari album
di Frequency in Cycles per Second e Maurizio Bianchi, ormai esauritissimi e
difficilmente reperibili nelle loro edizioni originali su CD-R, realizzate
entrambe a tiratura limitata di 100 copie. Due album sicuramente
"complementari" in un certo
senso, il cui abbinamento in questa nuova edizione proposta da Silentes appare
quanto mai indovinato ed efficace. Lunga durata per entrambi i CD (intorno ai
70 minuti di musica ciascuno) e sostanzialmente simili nella forma, seppure
"Chaotische Fraktale" vede la comune struttura "di fondo"
molto oscura e para-statica, costituita da drones, parti di pianoforte
reverberato, masse sonore magmatiche e ribollenti, maggiormente
"violentata" da spigolosi, improvvisi, aspri e talvolta quasi
"aggressivi" rumorismi elettronici, scariche elettriche, distorsioni…
Più "gestuale", estremo e intransigente dunque "Chaotische
Fraktale", più "morbido"
invece e "ricercato" ma allo stesso tempo teso, profondo, drammatico
e "monumentale" "Letzte Technologie". Per tutti gli
estimatori di Maurizio Bianchi e Sandro Kaiser, e per chi (ben pochi immagino)
non abbiano ancora avuto modo di ascoltare nulla di questi artisti, un acquisto assolutamente
consigliato, così come mi sento vivamente di consigliare anche le ultime
recenti uscite di Maurizio Bianchi realizzate sempre per Silentes, come
"The Testamentary Corridor" (del quale è uscita anche una
interessante versione "Rework" ad opera del giapponese Aube) o il
precedente "Niddah Emmhna".
(Giuseppe Verticchio)
A new double cd from
Silentes, containing soundworks by "Chaotische Fraktale"' and
"'Letze Technologie". These works were sourced from collaborations
between M.B./Maurizio Bianchi, and Frequency in Cycles for Second/Sandro
Kaiser. A fascinating sonic mix of influences here... industrial,
electro-experimentation, minimalism, noise, and deep-listening. Large,
drone-based segments meld with the distant sounds of reverberating piano and
soft whispered melodies. Dramatic and dark. Huge pools of sound, where the
listener can float weightlessly between earthly calm and otherworldly discord.
(Silentes)
M.B./E.D.A.: Regolelettroniche (CD 2007 - Baskaru)
[ maubia55@libero.it ]
Artista estremamente prolifico,
Maurizio Bianchi in questi ultimi anni, nonchè anche negli ultimi mesi, ha
messo a segno e pubblicato molti lavori, alcuni dei quali particolarmente
interessanti e significativi. In tempi recenti, oltre al presente CD, ho avuto
modo di ascoltare e apprezzare ad esempio "Escape to Bela Zoar",
pubblicato da L.White Records, e "The Epidemic Symphony NO.9", uscito
per Octpia e realizzato in collaborazione con Nobu Kasahara e Hitoshi Kojo.
"Regolelettroniche", appena rilasciato da Baskaru, nasce da una
collaborazione tra Maurizio Bianchi ed Emanuela De Angelis, e il materiale
incluso è stato registrato, sviluppato e messo a punto tra il 2004 e il 2006.
Allineato, stilisticamente e qualitativamente parlando, a molti altri CD realizzati
dall'artista nel medesimo periodo, "Regolelettroniche" propone 4
tracce costituite sostanzialmente da ripetitive e talvolta
"alienanti" strutture a base di loops di brevi frammenti sonori,
talvolta stratificati, sostanziosamente trattati ed elaborati elettronicamente,
che nel loro progressivo e martellante progredire sviluppano via via variazioni
e forme più complesse, plasmando lentamente suggestive e avvolgenti masse
sonore che lasciano con l'amaro in bocca soltanto nel momento in cui le tracce
sfumano e si concludono, palesando a pieno, attraverso il decadimento finale
dei suoni e il ritorno al silenzio, tutta l'intensità espressiva e la
drammaticità che fino a pochi attimi prima erano stati in grado di
sprigionare... Ho parlato poco sopra di "frammenti di suoni", ma ciò
non faccia pensare a particolari analogie con altri vecchi lavori di Maurizio
quali ad esempio "Frammenti" o "M.I. Nheem Alysm"; "Regolelettroniche" infatti appare
nell'insieme completamente diverso, meno "frammentario" e al tempo
stesso molto meno "minimale" rispetto ad essi, vuoi per il tipo di
"frammenti sonori" utilizzati, vuoi per la sostanziosa elaborazione
elettronica delle parti utilizzate, vuoi per la matrice timbrica molto più
"ricca", vuoi per la sua particolare "natura" che unisce
egregiamente ad uno spirito di ricerca e sperimentazione ai limiti
dell'estremo, una particolare attenzione per la "fruibilità" e per
l'imprescindibile "piacevolezza d'ascolto" di quanto proposto.
Ovviamente si tratta pur sempre di un CD indirizzato soltanto ad orecchie ben
"navigate" e avvezze ad esperienze d'ascolto inusuali e in qualche
modo "impegnative", ma non aspettatevi un "esercizio" di
pura sperimentazione fine a sè stessa, nè un insopportabile ed estenuante
"mattone sonoro"... Peccato soltanto che Baskaru abbia scelto di non
includere in versione integrale anche l'ultimo brano, "Electronic
Rules", brano che da una durata iniziale di quasi ventotto minuti è stato
qui estremamente "sintetizzato" nella durata totale, decisamente
troppo "sacrificata", di soli sei minuti... Se così è assolutamente
doveroso un plauso all'etichetta che ha scelto di pubblicare questo bel lavoro
di Maurizio Bianchi, presentato peraltro in una curata ed elegante confezione
digipack, è altresì necessario associare ad esso anche un
"rimprovero" per aver mancato di lungimiranza, e per aver sentito la
poco opportuna necessità di apportare un drastico taglio ad un'opera che, nella
versione di 69 minuti del master originale, sicuramente offriva qualcosa "in
più", e non certo soltanto in termini di durata...
(Giuseppe Verticchio)
M.B.: Ludium (CD 2009 - Silentes)
[ maubia55@libero.it ]
Tra le recentissime 14 produzioni
uscite per Silentes, ben cinque portano la firma di Maurizio Bianchi, quando in
solo, quando in "duo" con altri collaboratori (Craig Hilton, Crìa
Cuervos, Maor Appelbaum), quando coinvolto in progetti diversi e "a più
mani" (Maribor). Tra esse quella
che sicuramente ho preferito è "Ludium", CD del solo Maurizio Bianchi
costituito di tre tracce tutte realizzate a partire da basi di pianoforte
riverberato sovrapposte a drones, ronzii, fruscii, ed altri suoni "di
riempimento". Descrivendola in modo così sommario certo non si trasmette
l'idea di un'opera particolarmente "geniale", ancora più se si pensa
che la medesima "soluzione" è
già stata adottata da Maurizio in diverse tracce comparse qua e là nella sua
"sterminata" discografia. "Ludium" però "spicca"
decisamente rispetto ad altri lavori di Maurizio, anche recenti. L'album appare
estremamente tetro, "lugubre" come non mai, quasi
"funereo", e l'unica "luce" che è possibile scorgere è
quella delle fiamme flebili e tremolanti della candele di cera che, in forma di
immagini fotografiche, corredano opportunamente le suggestive grafiche del CD.
Nella prima lunga traccia le note di pianoforte sono distanziate e cadenzate,
suggerendo immagini di oscuri rituali, notturne e inquietanti processioni
cerimoniali... Lentamente il brano evolve, e le note di pianoforte, che
inizialmente restituiscono fondamentalmente il senso di una cadenza ritmica
ossessiva, prendono via via forma,
divenendo parte di una sequenza melodica più articolata, ben percepibile,
"composta" e strutturata… Un brano che nella sua apparente semplicità,
essenzialità e ripetitività, è semplicemente sconvolgente… Nelle tracce che
seguono i suoni si fanno più dilatati, le note di pianoforte, ora
ravvicinatissime e profondamente
riverberate, assumono la forma di una sorta di continuum sonoro senza
ritmo e senza tempo, che con analoga efficacia trasporta l'ascoltatore in una
specie di stato di "trance" …
Tra le varie recenti uscite di Maurizio, credo che il presente CD
"Ludium" non solo sia uno dei più "ispirati", significativi
e ben realizzati, ma probabilmente è anche il più adatto a rappresentare la chiusura
di un ciclo, la definitiva (almeno nelle attuali intenzioni) "uscita di
scena" artistica di uno dei
personaggi "chiave" della scena sperimentale e d'avanguardia degli
ultimi trent'anni…
(Giuseppe Verticchio)
A long and almost
"solemn" track built with reverberated piano notes, a slow and
rhythmical flow leaned on a background made of clashing hisses and vague,
distant, rustling ambient noises... A brief interval based on obscure drones
moving in circles, inexorably entangled on themselves... Therefore another long
piano-based track, this time more dilated, confused, ethereal and prim, so much
that it takes the distinguishing features of an indecipherable sonic mass,
abstract and booming, estranging, deep and psychedelic...A few and minimal
elments, "directed" in a masterly fahion and assembled in an
absolutely fundamental work, from the brightest mind of Italian experimental
scene and of all the music "without compromises" of the last thirty
years... One of the last contributes to the History of Music from an artists
that, even in a phase of extraordinarily and unstoppable creative mood, has
recently choose and officially announced to quit his long artistic activity.
Simply essential.
(Silentes)
M.B./M.O.: Spiritual Noises (CD 2012 -
Old Europa Cafè)
[ http://www.oldeuropacafe.com ]
Se è vero che già trent’anni fa lo
stesso Maurizio Bianchi incoraggiava Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra a
portare avanti quelle sue prime ed estreme devastazioni sonore che nei primi
anni ’80 iniziarono a prendere forma su nastri pubblicati in tirature
limitatissime dall’etichetta industrial/power electronics “Aquilifer Sodality”,
non è certo un caso che a distanza di tanto tempo, dopo che i percorsi dei due
Maestri del Rumore sono tornati per un periodo a viaggiare su binari paralleli,
sia giunto finalmente il momento di uno storico, inevitabile e imprescindibile
“incontro”. Un “incontro sonoro” che ha visto finalmente la luce in forma di CD
collaborativo, prontamente pubblicato da Old Europa Cafè, intitolato “Spiritual
Noises”. E’ passato tantissimo tempo, come dicevo, da quando i due, agli esordi
della loro lunga e coraggiosa carriera artistica, armeggiavano esclusivamente
con nastri e arcaici apparati di registrazione per concepire e plasmare con
pochissimi rudimentali elementi la musica più devastante e intransigente che
orecchio umano potesse ascoltare e che mente umana potesse anche soltanto
immaginare... Ora tempi, strumenti e metodi sono in parte cambiati, eppure
l’impatto, sia sonoro che emotivo, che la la Nuova Musica di Maurizio Bianchi e
Pierpaolo Zoppo per la prima volta insieme è in grado di sprigionare è ancora
enorme… E così il “mix” delle “antiche
rivoluzioni sonore”, “metalli moderni” e “onde futuristiche” di Maurizio
Bianchi citate come strumentazione nelle note di copertina, unite ai suoni di
sintetizzatori, effetti e altri rumori forniti da Pierpaolo Zoppo appare di
un’efficacia sconvolgente e di un’attualità inimmaginabile… Cinque tracce in
cui rumorismi più o meno estremi, correnti elettriche, loops, suoni di synth e
campionamenti di varia origine si uniscono in un’ energica e coinvolgente
sinfonia di elementi, restituendo emozioni “antiche” attraverso nuove e più
elaborate soluzioni. Inevitabile menzionare l’abile e ultimo (in ordine
temporale) artefice di questo riuscito e perfettamente calibrato connubio di
suoni, Gianluca Favaron (doverosamente citato anche tra le note di copertina,
già collaboratore di Pierpaolo Zoppo nel progetto comune “Lasik Surgery”), il quale ha di fatto dato forma concreta e
definitiva ai singoli brani e all’intero album utilizzando le basi originali
fornite dai due protagonisti, miscelandole, elaborandole, e sviluppando la
struttura dei “flussi” sonori così come
è possibile ascoltare nel CD in versione definitiva. Confezione in elegante
digipack bianco con scritte luminescenti.
Semplicemente imperdibile.
(Giuseppe Verticchio)
Meta Led: Meta Led (CD-R
2002 - Autoproduzione)
[ corr_a_do@libero.it ] [ http://www.metaled.da.ru ]
Breve ma interessante CD-R di Meta Led (22 minuti suddivisi in quattro brani...),
autore che utilizzando soltanto un computer e un registratore a cassette
dipinge quiete atmosfere ambient, discrete e crepuscolari, all'interno delle
quali va ad inserire dei piccoli "disturbi" elettronici, fugaci
interventi di suggestivi frammenti sonori, voci distanti, brevi interventi
ritmici, rumori concreti e registrazioni di rumori naturali, melodie appena
accennate... I suoni sono spesso caldi e avvolgenti, le sequenze ipnotiche, i passaggi
misurati ed equilibrati... Non si tratta del solito "collage"
di frammenti sonori di diversa natura riuniti a costituire destrutturate
composizioni astratte, ma di un'opera affascinante, molto curata e realizzata
con grande abilità, organica ed evocativa, emozionante ed intelligente...
L'unica cosa che a tratti ho trovato leggermente "fastidiosa",
soprattutto al primo ascolto, è la presenza frequente di alcuni piccoli
intenzionali disturbi, simili al rumore di un CD che "salta"
ripetutamente, usati forse in misura un po' eccessiva, che a momenti catturano
troppo l'attenzione, distogliendo l'orecchio dalle ben congegnate atmosfere
ricreate in sottofondo... Agli ascolti
successivi comunque ci si abitua a questi piccoli "rumori", e la loro
presenza si rivela in realtà meno invadente di quanto avvertito al primo
impatto... Affascinante e perfettamente in linea con i contenuti musicali anche
la copertina, apparentemente semplice e minimale, realizzata con una carta
"povera" color marrone, sulla quale sono stampati dei semplici segni
grafici neri, simili a delle righe tracciate con penna e pennarello...
(Giuseppe
Verticchio)
Molnija Aura: Utopian Suns (CD 2011 –
Tophet Prophet)
[ http://www.myspace.com/molnijaaura ]
Un lungo, coinvolgente, affascinante viaggio attraverso il buio più
profondo degli infiniti spazi stellari…
Una perfetta colonna sonora per immaginarie avventure cosmiche, a bordo
di fluttuanti astronavi perse nell’immensità e nell’inconoscibilità del Vuoto
Assoluto, sospese in una dimensione spazio-temporale in cui l’umana percezione
sensoriale diviene via via un lontano, sfocato ricordo… un concetto astratto,
un riferimento sempre più impreciso ed evanescente… Su tutto domina l’oscurità, descritta
attraverso masse di basse frequenze in lento movimento, soltanto a tratti
violate da indecifrabili segnali di possibili civiltà aliene, captati
attraverso strumentazioni di bordo che colmano il silenzio di sterili e angusti
ambienti a prova di forza di gravità tratteggiandolo con ronzìi, sibili
elettronici, onde sonore ritmiche… E
poi cicliche, potenti, imprevedibili tempeste cosmiche che crescono, scuotono,
inquietano e spaventano, e che improvvisamente si dissolvono nel Nulla,
riconducendo in un istante il viaggio a quell’apparente, illusoria immobilità
che soltanto il confronto diretto con l’Eternità e con l’Infinito può
ingannevolmente indurci a credere reale… Un viaggio sonoro che raggiunge il suo
apice estremo nei quindici minuti della title-track, laddove una pulsante e
ipnotica sequenza melodica in crescendo proveniente dal Profondo sembra
avvolgere lentamente ogni cosa, disintegrando ogni residua percezione del tempo
e dello spazio, e lasciando il cosmonauta/ascoltatore a fluttuare senza
controllo e senza memoria in una dimensione “altra”.
(Giuseppe
Verticchio)
Molnija
Aura is an electronic ambient/glitch project of Davide Del Col and Andrea
Marutti from Milan, Italy. "Utopian Suns" is the project's first
full-length album. Recorded and mastered between 2007 and 2009, the CD is
inspired by science-fiction themes and space-age relics. Consisting of six
tracks created mostly with analogue and digital synthesizers, the album is a
long and engaging journey through sidereal dephts: shrouded in the darkness of
immense and untouched vastness, beyond the great unknown, hovering in the void
of zero gravity landscapes explored with slow and unreal movements. The
uneasyness of silence and the absolute void of impenetrable gloom, the infinite
and overwhelming distances, the fear of solitude and isolation, the anxiety of
no return… And then the emotion of discovery: other worlds, unknown universes
and impalpable beings, undefined and unidentifiable entities, close encounters,
the unutterable and the unthinkable. Molnija Aura trace new and absorbing
lines, and set a wider border to that area of electronic music inspired by
space exploration, astronomy and science-fiction. "Utopian Suns" is a
must for all those interested in Dark Ambient, harmonic resonating drones,
eternal reverberating cold soundscapes, and atmospheric dilated sequences.
(Tophet Prophet)
Nefelheim: Yggdrasill
(CD-R 2001 - Autoproduzione)
[ nefelheimail@yahoo.it ] [ http://web.tiscali.it/nefelheim ]
Atmosfere oscure e sotterranee, che a
tratti si addentrano nei meandri più profondi della terra. Le sonorità conducono
lungo gallerie e cunicoli sotterranei, con echi di rumori metallici, catene, e
cancelli di antiche e polverose segrete dimenticate dal tempo. Soltanto in “Yggdrasill part 2” sembra di scorgere la
luce fioca della luna (mai quella del sole...) attraverso una breve fenditura
tra le pareti, affacciata sulla superficie della terra... Ma è soltanto
l’illusione di un attimo: con “Hermod’s ride through the dark valleys” si torna
a correre nel buio, attraverso sentieri oscuri e inquietanti, il cui punto d’arrivo
resterà comunque ignoto, perchè la musica si dissolve nel nulla prima di
riuscire a scorgere la meta... Prima prova di Nefelheim, che dimostra di essere
ispirato e di avere buone idee. La strada è quella giusta. L’esperienza e la
perseveranza potranno aggiungere quello che ancora serve, sotto il punto di
vista tecnico e artistico, per realizzare opere ancora più interessanti.
(Giuseppe
Verticchio)
So from the vaults of black
metal listening and a genuine teenage fascination with scandinivian mithology
something different emerges. Or, should i say, something quite unexpected: the
doom and gloom is there, and so are the tolkien titles, but along with that, a
certain sensibility and a certain relaxed approach to composition also, that i
still perceive as uncommon in these lands, but it may be my little specific
knowledge. In my pre-teen years i used to listen to Bathory, a then one-man
band, that used to have even long introductory tracks of pictorial
dark-ambient, just as the one that you would find here, before taking over with
blasting attacks of metal fury. Even if Verticchio's engineering hand shows all
through it, with careful, balanced sounds and deadly silences, this is the way
mature work of somebody who knows exactly what to do, what to use in parsimony
to get to the point. Dark, suspended, rumbling in the distance, slowly moving
in sulphur vapours. High quality printed greyscale/azure cover in a jewel case,
with succinct liner notes.
(P.
Ippoliti)
Nefelheim: Shadows Dwelling (CD-R 2002 - Autoproduzione)
[ nefelheimail@yahoo.it ] [ http://web.tiscali.it/nefelheim ]
In questo secondo e affascinante
lavoro, Nefelheim torna a percorrere quegli stessi territori musicali già
esplorati nel suo precedente "Yggdrasill", arricchendo però le
miscele sonore già proposte con nuovi elementi, e dedicando maggiore attenzione
all'aspetto compositivo, che appare maggiormente curato e soprattutto più articolato nella forma.
"Hall of Whispers" ci conduce immediatamente tra atmosfere tese e
vicine al silenzio, descritte da un drone di sottofondo, su frequenze
medio-basse, intorno al quale si
formano e si evolvono lentamente lievi variazioni armoniche. Quindi sussurri,
rumori ovattati, lievi suoni di campanelli metallici e voci surreali sembrano
emergere all'improvviso dal buio, come in un sogno/incubo inquietante e dalla
trama inverosimile... Quindi lievi arpeggi di pianoforte, una breve apertura
discretamente melodica, poi ancora il buio, un' improvvisa
"aggressione" attraverso il suono di chitarre elettriche fortemente
distorte in apparente (ma solo apparente...)
contrasto con le atmosfere appena disegnate... e poi ancora il
silenzio... Segue "Valkyries Serve Mead to Einheriar", un brano che
con andamento verticale sprofonda repentinamente verso il centro della terra, riprendendo a percorrere nuove
diramazioni di quei cunicoli oscuri già esplorati in "Balder's Dream"
nel precedente CD-R di Nefelheim. Stavolta però le masse sonore suonano meno
sintetiche, più organiche e pulsanti... e nel buio assoluto sembra di percepire
persino il respiro rauco della terra... Se poi in passato avete già sognato e
vi siete lasciati cullare dai discreti arpeggi melodici di "Yggdrasill Part 2", rimproverando
all'autore il solo fatto di aver relegato a soli sei minuti di durata la magia
evocata da quel magnifico brano, questa volta potrete godervi fino in fondo una
magia analoga ma di durata quasi doppia, attraverso "Destruction for a New
Order", splendida traccia conclusiva di questo lavoro che conferma
Nefelheim come uno degli autori più interessanti nel panorama della nuova
musica dark-ambient italiana… Se amate Lull, Lustmord, Amon, Raison d'Etre e
Caul, non perdete assolutamente questo
"Shadows Dwelling"…
(Giuseppe Verticchio)
Lenght and potent drones as
long oceanic waves with a costantly gloomy mood… delicated monastic chants…
melodies so dramatic, almost touching in the final track "Destruction For
a New Order"…
(Riccardo
Conforti - Flash)
Nefelheim:
Earth Purification (CD-R 2003 - Autoproduzione)
[ nefelheimail@yahoo.it ] [ http://web.tiscali.it/nefelheim ]
Una nuova gemma nella produzione di
Nefelheim. Un piccolo capolavoro. Un breve ma intenso CD-R, un unico brano
della durata di 27 minuti, nel quale l'autore esprime in modo discreto,
elegante, ma al tempo stesso fermo e privo di qualsiasi indecisione, uno stato
di perfetto equilibrio, un momento di profonda ispirazione, la sintesi di una
straordinaria e quasi irreale alchimia sonora, che sembra voler essere al tempo
stesso la chiusura di un ciclo, iniziato con l'affascinante CD-R d'esordio
"Yggdrasill" e portato avanti con il successivo e splendido
"Shadows Dwelling", e l'inizio di una nuova stagione musicale, ancora
più eterea, magica e sognante... I suoni freddi, gelidi della prima parte del
CD-R, costituito da un alternarsi di lente onde sonore dalle progressioni
discretamente melodiche, sembrano descrivere perfettamente la suggestiva
immagine invernale della copertina, un bosco innevato, dalle tonalità azzurre,
che suggerisce un senso di silenzio e immobilità quasi irreale... Con movimenti sempre molto lenti la
composizione si arricchisce quindi di nuovi elementi: inserti di rumore bianco,
arpeggi di chitarra acustica, improvvisi e brevi interventi di frequenze basse
e profonde, suoni di pads dalle sonorità più morbide che vanno gradualmente a
sostituirsi alle glaciali trame iniziali... A metà del brano tutti questi
elementi sonori sembrano sprofondare nel nulla, forse inghiottiti dalla stessa
coltre bianca della neve, e il silenzio totale che domina la scena sembra
essere violato solo da flebili tintinnii metallici in lontananza... Attraverso
movimenti sempre molto lenti e misurati, il peaesaggio sembra quindi tornare a
nuova vita... Il vento inizia a
soffiare tra le fronde degli alberi, e una sottile pioggia comincia a liquefare
il manto bianco e incontaminato della neve...
Canti di anime immateriali e disincarnate prendono forma e aleggiano
nell'aria per alcuni istanti, poi ancora fraseggi di chitarra acustica,
tintinnii metallici che a tratti emergono in primo piano, quindi altre voci,
bisbiglii e frasi sussurrate...
Atmosfere incantevoli e surreali che verso la conclusione tornano
lentamente a dissolversi... Ogni presenza scompare, allo stesso modo con il quale è magicamente comparsa, fino
all'ultima inquadratura del film, che mostra di nuovo il solo paesaggio
invernale: gli alberi ancora parzialmente imbiancati, il vento che soffia
spazzando via la neve residua dai rami, e la pioggia battente che
inesorabilmente continua a sgretolare il manto innevato... Se anche voi, come
me, amate il silenzio più di qualsiasi altro suono al mondo, non potete
assolutamente perdere questo CD-R…
(Giuseppe Verticchio)
Almost whispered, very
delicate ambient atmospheres… A perfect soundtrack for endless moments of
meditation… soft acoustic guitar notes… an abyssal drone into our mind… a work
that need to be assimilated in its entirety, closing the eyes, floating in the
deep abysses of darkness...
(Riccardo
Conforti - Flash)
Neuestrasse: Neuestrasse (CD-R 2006 - Autoproduzione)
[ neuestrasse@tiscali.it ] [ http://www.neuestrasse.net ]
Finalmente pubblicato in una curata
edizione autoprodotta il primo demo di breve durata, circa 19 minuti suddivisi
in tre tracce, proposto da Neuestrasse, alias Matteo Roncari. Oltre ad una
qualità del suono particolarmente sorprendente, soprattutto considerando che si
tratta del CD-R di esordio per questo nuovo progetto musicale, c'è da
sottolineare come Neuestrasse esibisce un buona capacità nell'utilizzare
materiale sonoro di diversa estrazione (suoni sintetici, rumorismi, drones,
campionamenti di voci e frammenti
musicali...) e nel miscelarlo e
combinarlo con grande cura e meticolosità, ottendendo delle composizioni ben
costruite dall'andamento piuttosto "cinematografico". Se, parlando
della musica contenuta in questo lavoro, è nel genere dark-ambient che possiamo
ritrovare il maggior punto di riferimento, c'è da aggiungere che Neuestrasse
amplia tale prospettiva arricchendola di altri elementi, quali soprattutto
registrazioni estratte da documentari di tipo storico. Da una parte tale
soluzione è sicuramente apprezzabile, perchè rende in qualche modo più variate
le atmosfere e le situazioni; c'è però da sottolinere l'uso probabilmente
eccessivo di tali elementi, che diventano spesso, e troppo a lungo,
protagonisti principali della proposta musicale. Non sempre poi la scelta di
questo materiale sonoro risulta effettivamente adeguata al contesto, e quindi
pur avendo apprezzato alcuni inserti, sicuramente molto efficaci, ne ho trovati
invece "fuori posto" degli altri, come ad esempio il campionamento di
un tango utilizzato nel terzo brano. Ad ogni modo, tenendo in considerazione
che si tratta sostanzialmente di un lavoro "di debutto", il mio
personale giudizio d'insieme è fondamentalmente positivo, giacchè quanto
ascoltato in questo CD-R lascia sicuramente intravedere grandi potenzialità e
grandi qualità, sia in senso artistico che tecnico. Sono certo infatti che se
Matteo Roncari continuerà a lavorare con impegno a questo suo progetto
musicale, riuscirà nel tempo a superare alcune ingenuità e alcuni limiti che,
inevitabilmente, è stato possibile riscontrare in questa sua prima prova. Per
ora comunque... benissimo anche così.
(Giuseppe Verticchio)
Neuestrasse: Introspective Black Forms (CD 2006 - War Office Propaganda)
[ neuestrasse@tiscali.it ] [ http://www.neuestrasse.net ]
Con questo primo lavoro pubblicato su
CD ufficiale da War Office Propaganda, Neuestrasse riprende il discorso iniziato con l'autoprodotto CD-R d'esordio
intitolato semplicemente come il nome del progetto musicale. Messe da parte le
registrazioni campionate da documentari di tipo storico che erano state usate e
anche un po' "abusate" nel CD-R d'esordio, Neuestrasse si sofferma
ora soprattutto sulla creazione di atmosfere oscure, alienanti e un po'
ossessive, spesso costruite su una "struttura tipo" costituita da un
fondo basso di drone, molte volte fisso su una sola nota o su un singolo
accordo, e una serie di suoni/rumori di varia natura che nel tempo si ripetono
in modo ciclico e alternato, allo scopo di suggerire immagini, variazioni,
scenari, situazioni... Tale "formula" fa apparire molto spesso la
musica proposta assai simile ad un sottofondo sonoro atto ad accompagnare
immagini cinematografiche di qualche pellicola che descriva situazioni
notturne, inquiete, fumose, angoscianti... Talora questo sottofondo si
arricchisce di interventi un po' più "musicali", discrete e brevi
aperture melodiche di pads sintetici, note di pianoforte; talvolta invece i
brani appaiono più relegati ad una sorta di ruolo di "sottofondo
musicale" per immaginarie scene cinematografiche, seppure in ogni caso è
necessario un ascolto attento e a buon volume per poter fruire e godere al meglio la stessa "colonna
sonora". In realtà questo approccio fa sì che talora la struttura
compositiva dei pezzi appaia un po' "fragile" e troppo
"astratta", come ad esempio in "Human Distorsion" o
"Anxiety Visions", mentre laddove si è prediletta una struttura
sonora/compositiva più articolata e un po' più ricca, forse anche più
"musicale" e "drammatica", come ad esempio nel brano di
apertura "Emphasis", si sente meno la mancanza di una vera propria
"trama", di un "soggetto portante" che caratterizzi il
brano e i suoi movimenti e lo conduca nel tempo donandogli una "forma" più riconoscibile e marcata, rendendolo
emotivamente più impressivo. Sempre molto nitida e dettagliata la
registrazione, scelti e rielaborati con molta cura i suoni, ugualmente curata
la fase di missaggio delle singole parti dei brani e il mastering finale. Una
prova in ogni caso interessante, che conferma il valore di questo nuovissimo
progetto musicale italiano.
(Giuseppe Verticchio)
Introspective Black
Forms" is interesting piece of Italian dark ambient act Neuestrasse. The
intention is to recreate the anxiety vision of beginning of 20th century -
desolated places of that period, fear, death, ruins... Particulary for this
album, Neuestrasse was inspired by stories of serial killers. Neuestrasse is
the name of street of Hannover where lived Fritz Hartmann, the Wolf of
Hannover, in 1920... The idea of "Introspective Black Forms" is based
of negative emotional states...
(War Office Propaganda)
Never
Known: Dawn of an Era (CD-R 1999 - Afe)
[ afeman@aferecords.com ] [ http://www.aferecords.com/ank ]
Una raccolta di brani relativa a
periodi diversi, alcuni registrati già nel 1992, altri negli anni successivi
fino al 1995, editati, mixati, e
finalmente riuniti e proposti su supporto digitale soltanto nel 1999. Una versione
su cassetta di questo lavoro era già stata pubblicata nel 1994 dall’etichetta
Kronotop. Le tracce contenute sono state realizzate quasi interamente
sovrapponendo e rallentando dei nastri, usando tre o quattro registratori, con
il supporto di un primitivo software di campionamento ed un mixer a quattro
canali. Alcuni dei suoni usati provengono da bottiglie, acqua, conchiglie,
pietre ed elettrodomestici. Il contenuto di questo CD-R risulta a tratti
piuttosto eterogeneo, e l’approccio compositivo, unito ai mezzi tecnici
utilizzati per la realizzazione dei brani, evidenzia spesso sonorità crude,
essenziali, a tratti sporche, più o
meno volutamente rudimentali. In tutto ciò i pregi e i limiti di un’opera di
questo genere. Voglio però soffermarmi prevalentemente sui pregi, in quanto i
limiti appena menzionati non riescono comunque a scalfire il giudizio
sostanzialmente positivo che personalmente voglio esprimere su quest’ opera…
Desidero infatti sottolineare il grande
valore espresso dall’inventiva, dal desiderio di sperimentare ed esplorare la
materia sonora, dalle idee, dall’entusiasmo per la ricerca, per la totale
dedizione ad un metodo compositivo da inventare e reinventare giorno dopo
giorno, brano per brano, momento per momento, tanto influenzato dalle
limitazioni tecniche quanto al tempo stesso libero da preconcetti e preclusioni
mentali di sorta...
Un documento interessante, che
descrive la nascita e i primi passi di un autore che da lì a poco sarebbe
diventato uno dei punti fermi nel panorama della musica ambient-elettronica
italiana....
(Giuseppe Verticchio)
Never Known: Once in a Lifetime (CD-R 1999 - Afe)
[ afeman@aferecords.com ] [ http://www.aferecords.com/ank ]
Un bellissimo CD-R, contenente dieci
brani del 1994-1995 precedentemente pubblicati su cassetta omonima dalla Murder
Release, tre brani del 1996 pubblicati
sulla cassetta “Twilight’s last gleaming” per la Murder Release (ma di
essi soltanto uno troverà spazio sull’omonimo CD ufficale pubblicato
successivamente dalla Eibon Records), ed un brano inedito del 1995. Questo lavoro
non risente, a differenza di “Dawn of an Era”, del fatto di raccogliere al suo
interno materiale realizzato in periodi diversi e per diversi progetti. Forse
anche perchè il suddetto periodo è comunque ristretto ad un arco temporale
piuttosto breve, che va dall’agosto del 1994 al febbraio del 1996. Il materiale incluso infatti risulta
omogeneo come sonorità, ispirazione e qualità della registrazione, pur essendo
costruito su un continuo quanto organico cambio di atmosfere, su un alternanza di paesaggi sonori ora più
quieti, ora più drammatici, ora più solari, ora più oscuri... Si passa così
dalle atmosfere drammatiche di “Through the Gate”, nel quale trovano spazio
anche lontani echi di cerimonie sciamaniche, alle atmosfere più oscure e
sotterranee di “Father and Son”, dalle
suggestioni crepuscolari di “On the Beach - Part One”, ai rituali ipnotici di
“E.Z.” dove compaiono distanti e profondi movimenti percussivi, dalla sequenza
vagamente melodica di “On the Beach - Part Two”, alle atmosfere tese e inquiete
di “Whisper me”, per arrivare alle stasi quiete e liquide di “Closer”, che ci avvicineranno alla fine
dell’ascolto, agli ultimi suggestivi minuti di chiusura di “Sign of Sunset and
Death in the Sky”. Un CD-R fortemente
consigliato a tutti, probabilmente uno dei lavori più riusciti di Amon/Never
Known, sicuramente uno di quelli che ho personalmente apprezzato di più. Una
nota di particolare merito per la copertina in cartoncino e la confezione nel
suo insieme, che, in linea con tutte le altre produzioni su CD-R di
Andrea, non consente in modo facile di
distinguere la natura non “ufficiale” del prodotto stesso, eguagliando e
addirittura superando la qualità della realizzazione di tanti CD di produzione
ufficiale.
(Giuseppe
Verticchio)
Never Known: Live at the Cosmic Egg 10.06.2000 (CD-R 2000 Anaemic Waves Factory)
[ afeman@aferecords.com ] [ http://www.aferecords.com/ank ]
CD-R, realizzato in edizione limitata
a 100 copie dalla Anaemic Waves Factory, contenente la registrazione di una
performance live di Never Known del 10-06-2000. Cinquantaquattro minuti di
musica senza interruzioni, durante i quali l'artista presenta alcuni brani
inediti alternati ad altri già ascoltati in una versione un po' differente sul
CD "On the Edge of Forever", pubblicato dalla Eibon nello stesso
anno. Nove tracce in tutto, un susseguirsi di emozioni e situazioni diverse,
che riassumono in sè tutta la forza e la bellezza della musica che Never Known
ha già esibito nei suoi precedenti lavori, e che continua a mostrarci ad ogni
sua nuova realizzazione... Si passa così con grande eleganza e misura dalle
atmosfere più statiche e "in sospensione" di brani come
"Promenade", "Third Waiting", "Lost", o il lungo
"Gateway to the Stars", a momenti più melodici, malinconici ed
evocativi, come in "Spheres", "Hila", o nel finale
"Thaolian Dawn/On the Edge of Forever", passando per parti di impronta maggiormente drammatica come in "Naked Time", o per momenti di
suggestive tensioni dal sapore più "sperimentale" ricreate attraverso
l'uso di suoni metallici dilatati e riverberati cui si sovrappongono altri
suoni molto particolari di diversa natura... Una performance live davvero
avvincente, alla quale mi sarebbe piaciuto essere presente... Per fortuna
quella sera l'evento è stato registrato, e in seguito la Anaemic Waves Factory
ha provveduto a pubblicare su CD-R quella registrazione...
(Giuseppe Verticchio)
New Risen Throne: Anointing Rite (CD-R 2003 - Autoproduzione)
[ stielh@stielh.com ] [ http://www.stielh.com ]
In attesa che questo lavoro, come già
programmato, esca in versione ufficiale per un' etichetta del settore, ne
recensiamo qui di seguito l'edizione privata attualmente in circolazione,
distribuita direttamente dall'artista. La confezione è piuttosto essenziale e
non eccessivamente curata, seppure l'immagine che compare sulla copertina è
piuttosto suggestiva e in linea con il contenuto musicale, e la qualità del
suono del CD-R nell' attuale versione risulta affetta da alcuni problemi di
equalizzazione e piccoli "click" che possono disturbare l'ascolto di
chi è giustamente esigente non solo in fatto di qualità artistica ma anche in
fatto di qualità del suono e della produzione in senso più generale; nell'
edizione ufficiale di prossima realizzazione però questi difetti dovrebbero essere
risolti, rendendo piena giustizia alla musica contenuta in questo CD-R. Tre
tracce, per mezz'ora totale di ascolto, durante il quale gli oscuri rituali
evocati dal titolo vengono raccontati attingendo ancora una volta ai tipici
elementi della musica dark-ambient, con risultati che definirei sicuramente
molto buoni, ma che forse non riescono ad eguagliare, in termini di impatto
emotivo e continuità nel filo della tensione, quanto ottenuto dall'artista in
altre prove, come ad esempio in "Flowing Ashes". Si tratta in ogni
caso di una realizzazione più che consigliabile (magari attendendo la versione
ufficiale di prossima realizzazione che colmerà alcune lacune tecniche presenti
nell'attuale edizione privata...), giacchè comunque non mancano le buone idee,
le situazioni ben congegnate, le atmosfere ben costruite, le emozioni
insomma... Una menzione particolare per il "cerimoniale" brano di
chiusura "Seeds" caratterizzato da un suggestivo andamento ossessivo
in crescendo, cadenzato da potenti movimenti ritmici a base di percussioni tuonanti e reverberate... Forse il momento
più solenne dell'intero rituale...
(Giuseppe Verticchio)
New Risen Throne: Flowing Ashes (CD-R 2003 - Alarming Echo Beats)
[ stielh@stielh.com ] [ http://www.stielh.com ]
Accompagnato da una suggestiva
immagine di copertina, che anticipa molto efficacemente le atmosfere cupe ed
oniriche della musica contenuta in questo CD-R, "Flowing Ashes",
realizzato da New Risen Throne e prodotto dall'etichetta americana Alarming
Echo Beats, è un ottimo esempio di
musica dark-ambient abbastanza pura, nel quale vengono utilizzati con
grande efficacia, creatività, e capacità di emozionare, tutti quegli elementi
caratteristici di questo genere musicale (basse frequenze, drones, rumori
concreti, suoni metallici, voci umane...) che ormai sempre più raramente,
manipolati da tanti altri artisti attivi nella medesima area musicale, riescono
a produrre risultati ugualmente lodevoli... Il primo brano "Vision of
Scourge", idealmente suddiviso in
due parti, è un lungo pezzo di 27 minuti, che costituisce l'ossatura principale
di questo lavoro. Pur caratterizzato da un suono piuttosto
"impastato" e "grumoso", come del resto gran parte degli
album che fanno riferimento all'area dark-ambient, "Vision of
Scourge" ci conduce immediatamente in quelle atmosfere oscure e
sotterranee che ci accompagneranno per tutta la durata dell'ascolto,
cominciando a colpire violentemente al cuore e allo stomaco fin dal terzo
minuto, quando un imponente crescendo costituito di masse di potenti basse
frequenze miscelate a suoni acidi di sottofondo e a movimenti vagamente ritmici
circolari ci sospingono con prepotenza nelle più oscure profondità della
terra... Poi un'ampia parte di atmosfere più statiche ma ugualmente tese, in un
avvicendarsi di immaginari e
inquietanti scenari sotterranei perfettamente descritti da miscele di suoni
molto articolate e stratificate, sempre cangianti, sempre in lento ma
progressivo movimento... "Ritual Over Ruin" affida a potenti
pulsazioni di basse frequenze a onde, al suono di una inquietante voce umana
dalla timbrica metallica e deforme, e a rumorismi di fondo di vaga impronta
industriale il proprio forte carico emotivo... Un pezzo davvero
straordinario... Quindi la chiusura, decisamente più "quieta" ma non
certo più rassicurante, con "Ashes",
brano costruito con fragili e accennati elementi melodici, elaborati con
suoni di pads sovrapposti a tessiture di sottofondo sempre molto oscure a base
di drones. Semplicemente un ottimo esempio di ispirata e ben costruita musica
dark-ambient tutta italiana. Sicuramente da non perdere per tutti gli
appassionati del genere....
(Giuseppe Verticchio)
Though he's only recently
surfaced in the dark ambient/industrial underground, Gabriele Panci has
probably been busy shaping his project in the last few years, because he's now
offering some sturdy, well composed music. "Flowing ashes" is his
first release on Alarming Echo Beats, and it's probably my favourite among his
cdrs. Three long tracks, all very cohesive and flowing, though exploring
different nuances of the dark ambient style. The especially well-done
"Vision of scourge" is more drone/electronic oriented, with hypnotic
circular loops and huge mind-numbing drones; my fave track for sure.
"Ritual over ruin" is more industrial-tinged, ridden by pitch-shifted
vocal samples and cavernous throbs, a style which NRT is further exploring in
other releases (as the one on God Is Myth). "Ashes", on the other
hand, closes the work in a less claustrophobic way, indulging in a depressive
Caul-esque melody. What I like most is that, though desolate and nocturnal,
this cd has also a kind of emotional grasp on the listener. Ok, New Risen
Throne is not creating anything new, this is totally classic and
"patented" dark ambient - think of Lustmord's
"Heresy"/"The place...", the Troum/Yen Pox collaboration,
or some Caul. But it's also very very difficult to put together some dark
ambient this well. I'd easily see this little gem in the catalogue of labels
like Eibon or Malignant.
(Eugenio
Maggi - Chain DLK)
New Risen Throne: Along Endless Path of Emptiness (CD-R 2004 - Alarming Echo Beats)
[ stielh@stielh.com ] [ http://www.stielh.com ]
"Al dunque il Crepuscolo
muore... lascia la Notte la sua veste scarna soffocare le speranze di chi sogna
dove più non sogna, se non cieli plumbei ed albe morte dissotterrate e
dissacrate nei lamenti. Ora è il Sacro nel Silenzio ..." (dalle note di
copertina)
Impressionante. Questo è l'aggettivo
probabilmente più adatto a descrivere questo CD-R di New Risen Throne,
pubblicato in un'edizione di piacevole aspetto dalla Alarming Echo Beats.
Quando ho ascoltato il precedente e ottimo "Flowing Ashes", mi ero
(erroneamente) convinto che si trattasse già del meglio che New Risen Throne
avesse la possibilità di proporre. Ma già
poche settimane dopo mi sono reso conto che probabilmente non era così,
avendo avuto la fortuna di ascoltare in anteprima un nuovo brano, davvero
spettacolare, che sarà presto pubblicato su una compilation di musica
dark-ambient italiana realizzata con la collaborazione di "Oltre il
Suono". A conferma del mio iniziale errore di valutazione, è arrivato da
poco a girare nel mio lettore CD questo nuovo "Along Endless Path of
Emptiness", un lavoro che lascia letteralmente senza respiro dall'inizio alla
fine... Non so dire con assoluta certezza se eguagli soltanto, o superi
effettivamente il già menzionato "Flowing Ashes", ma posso garantire
che l'impatto emotivo che questo nuovo
lavoro è in grado di trasmettere è davvero enorme, la sua potenza devastante... Voci umane pesantemente processate,
sussurri, drones, suoni taglienti e metallici, profondi boati, rumorismi
concreti ed elettronici, movimenti
ritmici circolari di memoria industriale, attimi di stasi, lenti e progressivi
"crescendo" di masse sonore cui seguono altrettanto lente sottrazioni
di suoni abilmente sovrapposti e stratificati, sono solo alcuni degli elementi
che concorrono a fare di questo CD-R un disco davvero imperdibile, un esempio
straordinario di quel "filone" della musica dark-ambient dai
connotati fortemente drammatici e d'impronta molto tetra, inquietante, quasi
"orrorifica". New Risen Throne si conferma dunque come uno dei più
significativi rappresentanti della nuova musica dark-ambient italiana, e ci
aspettiamo davvero di poter presto
vedere pubblicato, questa volta finalmente su supporto CD, qualche suo
futuro lavoro...
(Giuseppe Verticchio)
New Risen Throne/Locust Reign: Prophets from the Abyss
(CD-R 2004 - Deserted Factory)
[ stielh@stielh.com ] [ http://www.stielh.com ]
Nonostante il CD-R sia datato 2004,
il materiale di New Risen Throne presente su questa realizzazione
dell'etichetta Deserted Factory, (ricordiamo che si tratta di uno
"split" CD-R in collaborazione con Locust Reign/Florent Siglieri)
comprende in realtà rielaborazioni di registrazioni molto meno recenti,
realizzate tra il 2000 e il 2003. Un' ora di durata, equamente suddivisa tra i
due artisti, abbastanza assimilabili per genere musicale proposto, approccio
compositivo e "sound". Suono
che in realtà risulta mediamente piuttosto "Lo-Fi", e talora
disturbato da fastidiosi "click" che potrebbero essere dovuti sia ad
una produzione e masterizzazione dei
CD-R non troppo curata da parte della Deserted Factory, sia da difetti presenti
sulle registrazioni originali, nel qual caso sarebbe stata opportuna una selezione più severa del
materiale da produrre o un accurato lavoro di remastering. Da segnalare inoltre
che il primo brano di New Risen Throne, "Prophet", è lo stesso già
apparso sul CD-R "Anointing Rite". Tornando alla musica contenuta nel
disco, e mettendo da parte le osservazioni di tipo tecnico sulla qualità del
suono, possiamo nuovamente parlare di buona, pura ed evocativa musica
dark-ambient, dalle atmosfere spesso tetre e apocalittiche, non troppo dissimile
anche in termini di qualità artistica da quanto ascoltato nel già citato
"Anointing Rite".
Particolarmente felice la scelta dei due diversi artisti da
"abbinare" in questo split, data la perfetta omogeneità in fatto di
stile e di atmosfere evocate dalla musica contenuta, tale da risultare persino
difficile, a tratti, distinguere la
"mano" di un artista da quella dell'altro...
(Giuseppe Verticchio)
Three tracks from Gabriele
Panci/New Risen Throne and eight from Florent Siglieri/Locust Reign, on a nice
cdr released by Deserted Factory, a Japanese label dealing with industrial,
dark ambient and extreme metal. As someone has pointed out, this is a very
homogeneous split, almost to the point of not noticing when a project succeeds
the other. Which is not necessarily a negative thing, when you're listening to
well-done, brooding dark ambient. New Risen Throne has a track which is also on
his recent "Chants for the cold and dying sun", and the style is in
the same bleak ambient/industrial vein. Locust Reign, present with more tracks,
is maybe a bit more varied - Lustmord-ian, introspective, melodic... different
nuances of the dark ambient thing. If you're into it you'll surely dig this cd.
New Risen Throne is a promising new name (by the way, his next release is due
out on Cyclic Law), and I'm surely looking forward to hearing more from his
partner.
(Eugenio Maggi - Chain DLK)
New Risen Throne: Chants for the Cold and Dying Sun (CD-R 2004 - God is Myth)
[ stielh@stielh.com ] [ http://www.stielh.com ]
Proposto in una elegante confezione
in digipack nero dall'etichetta statunitense "God is Myth", questo
nuovo lavoro di New Risen Throne, pur attestandosi sicuramente ad un ottimo
livello, risulta forse un po' meno avvincente del precedente e splendido
"Along the Path of Emptiness", probabilmente a causa dell'approccio
più "minimale" alla composizione della musica, che appare a tratti
meno articolata e meno ricca di stratificazioni sonore, meno
"condita" di quegli elementi di particolare drammaticità, impatto
emotivo e grande efficacia, caratteristici di altre precedenti produzioni di
New Risen Throne. L'ascolto di questo nuovo CD-R, che condivide comunque con il
precedente un' impostazione basata sulla suggestiva descrizione di atmosfere
molto oscure, oniriche, e legate da un ininterrotto filo di tensione e senso di
inquietudine, regala probabilmente il meglio di sè nello splendido brano
"Seeds" (brano però già precedentemente pubblicato, così come anche
"Prophet II" e "Obstruct", sul CD-R uscito in edizione privata
"Anointing Rite"), e nell'altrettanto affascinante brano di chiusura
"Approaching the Shadows". C'è da sottolineare ad ogni modo come il
valore dell'intero CD-R tragga decisamente vantaggio da un ascolto effettuato a
volume abbastanza sostenuto, che consenta di
percepire e apprezzare tutte le sfumature e i dettagli posti in minore
evidenza nel panorama sonoro, dettagli che possono altrimenti sfuggire ad un
ascolto distratto, effettuato a basso volume, o attraverso un impianto stereo
di scarsa qualità. Debbo però purtroppo segnalare, come nota negativa, di aver
notato piuttosto distintamente, almeno in tre brani, la presenza di alcuni
piccoli "click", dovuti per lo più ad una cura non estrema nella
registrazione e nella realizzazione dei singoli brani nonchè nel controllo del
master audio definitivo, lacune abbastanza imperdonabili quando, d'altro canto,
si è arrivati a produrre musica di
ottimo livello come New Risen Throne ha già dato prova di essere in grado fare.
Personalmente sono assolutamente convinto
che alla buona qualità artistica di un CD debba necessariamente
corrispondere una (almeno) altrettanto buona qualità per quanto riguarda
l'aspetto tecnico e della produzione in senso generale, ed è per questo che non
mi stancherò mai di esortare gli artisti e le etichette a prestare una maggiore
attenzione anche a questo aspetto, soprattutto quando, a causa di piccoli
difetti che avrebbero potuto facilmente
essere prevenuti o risolti, mi trovo con dispiacere a non poter definire
"ottimo" un prodotto che potenzialmente avrei potuto invece definire
tale…
(Giuseppe Verticchio)
Very recent cdr from Stielh
on God Is Myth, which mainly releases underground black metal. The packaging
looks nice, with b/w digipack, pro-replicated cd and printed insert: good job.
And after a few listens I guess a black metal-oriented label is quite
appropriate for these "Chants". Jeez, this is so bleak and cold - NRT
has lost the more emotional aspect he had in "Flowing ashes" to
embrace total darkness. Desolate dark ambient with a Nordic industrial feel
(Nordvargr, Megaptera), based on chilling electronic wails, obsessive
percussive loops ("Seeds"), pitch-altered vocal samples (the twin
tracks "Prophet II" and "Rex verminorum")... NRT handles
all the tools of the trade really well, and this is one more strong release
under his belt. I just think it's a bit more repetitive and less memorable than
the excellent "Flowing ashes", but on the other hand, its utter
obscurity is fascinating.
(Eugenio
Maggi - Chain DLK)
New Risen
Throne: Whispers of the Approaching Wastefulness (CD 2007 - Cyclic Law)
[ stielh@stielh.com
] [ http://www.stielh.com ]
Uno degli
aspetti della musica di New Risen Throne che ricordo mi colpì fin da quando
ebbi occasione di ascoltare i suoi primi CD-R, fu che mi apparve subito
evidente come, pur facendo riferimento ad un'area musicale, la
dark-ambient, piuttosto vasta e
"ingombra" di produzioni di tanti artisti che spesso non riescono a
distinguersi dalla "massa" e ad emergere esprimendo in qualche modo una
riconoscibile "impronta stilistica", un proprio sound e una propria
"personalità", New Risen
Throne invece, all'opposto, risultò immediatamente in grado di caratterizzare
in modo molto marcato la propria proposta musicale, rendendola assolutamente
originale, riconoscibile, personale, nonchè, occorre ovviamente sottolinearlo,
anche estremamente valida dal punto di vista della qualità artistica. Ascoltato
un CD di New Risen Throne, non sarà
praticamente più possibile confondere il suo stile, e quindi un suo CD, con lo
stile o il CD di un altro qualsiasi artista ascrivibile alla medesima area
musicale, e questo mi convinse fin dai miei primi ascolti a sostenere con
convinzione il progetto New Risen Throne, certo che nel giro di poco tempo si
sarebbe aperto "prepotentemente" un varco nel pur affollato panorama
della musica dark-ambient. Così effettivamente è stato. Qualche autoproduzione,
alcuni lavori pubblicati su CD-R per piccole etichette del settore, e nel giro
di pochissimi anni l'approdo in "casa" di etichette più note e
prestigiose come la God is Myth, Eibon (in questo caso in collaborazione con
Subinterior attraverso il progetto Konau) e Cyclic Law, imponendosi, a conferma
delle mie previsioni, come uno dei più validi e interessanti progetti in area
dark-ambient del panorama
internazionale. Se dal punto di vista prettamente stilistico nulla o quasi è
cambiato rispetto a quel tipo di atmosfere oscure, tetre e talvolta quasi
"lugubri" che New Risen Throne aveva in qualche modo già messo a
punto e "fissato" fin dalla sue prime releases, certamente sono stati
invece evidenti i progressi dal punto di vista tecnico per quanto riguarda la
qualità del suono, unitamente ad una progressiva e parallela
"crescita" per quanto riguarda la capacità di scegliere e trattare i
suoni, stratificarli, assemblarli, miscelarli, dar loro una forma più
articolata e complessa dal punto di vista della composizione, delle dinamiche,
dei "tempi", delle progressioni... Tornando al CD oggetto di
recensione, sicuramente uno dei lavori più rappresentativi e consigliati per
quanto riguarda la produzione di New Risen Throne, inizia con un brano
imponente, drammatico e dalla cadenza quasi "marziale", il fantastico
"Signs of the Approaching Wastefulness (I)". Fondi oscuri, rumori
metallici distanti e cadenzati, bassi pulsanti, voci umane corali sprofondate
ed echi di altre voci trattate recitanti probabilmente oscuri rituali
costituiscono gli "ingredienti" del successivo, sempre splendido,
"Blowing Funeral Chant". Suoni e atmosfere tutto sommato abbastanza
simili anche in "Signs of the Approaching Wastefulness (II)", dove
però i fondi "corali" sono stati sostituiti da melodiche e discrete
sequenze di pads di synth. Più lugubre, inquietante e onirico "Prophet III",
brano in cui, su fondi sempre oscuri e a base di drones, si sovrappongono la
voce enfatica e inneggiante, "deformata" e sostanzialmente trattata
con delay, del "profeta", e pesanti movimenti ritmici/meccanici
circolari in loop. Straordinari, nel seguente e sempre molto oscuro "Aporrheton",
i suggestivi incantesimi evocati attraverso le inaspettate parti di flauto
riverberato suonate da Amanda Votta. Conclude il CD (ma per i più curiosi
segnalo in realtà la presenza di un'ulteriore traccia, di tipo video, fruibile
attraverso PC) il brano "Signs of the Approaching Wastefulness
(III)", ancora costruito con drones, evocative e lugubri parti corali,
bassi pulsanti, tenui passaggi melodici a base di synth.
(Giuseppe Verticchio)
The latest offering and
first for Cyclic Law of one of Italy's finest Black Ambient master. The main
concept and transpiring feeling of this album and the title "Whispers of
the approaching wastefulness" can best be described as the
"steps" or "journey" leading to the acknowledgment of the
approaching end of all things. "Whispers" represent doubts and
thoughts about the prevalent decadence that is around and deep within us and
"wastefulness" translates to the imminent, definitive end of all
things, to oblivion...The album is divided into 3 chapters:
I - Oblivious to unknown
threat (first signs) Tracks 1 & 2,
II - Acquisition of
knowledge (signs) Tracks 3, 4 & 5,
III - Advent of a
definitive wastefulness (final signs) Track 6.
NEW RISEN THRONE's latest
opus offers a bleak and sorrow filled soundtrack celebrating death with little
hope for rebirth...
This Enhanced CD features
an exclusive bonus video clip of the track "Unknown (II)".
(Cyclic Law)
New Risen
Throne: Crossing the Withered Regions (CD 2009 - Cold Meat Industry)
[ stielh@stielh.com
] [ http://www.stielh.com ]
Già da
diversi anni il progetto New Risen Throne è uno di quelli che più riesce a
"colpirmi" e affascinarmi ad ogni nuova uscita. Dopo varie
pubblicazioni in CD-R per diverse etichette, la efficace collaborazione con
Andrea Freschi/Subinterior al CD "Speech from the Shadows" uscito nel
2006 per Eibon a sigla Konau, e lo splendido "Whispers of the Approaching
Wastefulness" del 2007 per Cyclic Law, New Risen Throne
"approda" ora in "casa" Cold Meat. Una sorta di
"definitiva" consacrazione, il massimo "riconoscimento" per
uno dei progetti dark-ambient in assoluto più significativi dell'ultimo
decennio. Sicuramente l'attuale scena dark-ambient italiana sta offrendo molto
negli ultimi tempi, rilasciando CD pubblicati da etichette di grande pregio e
consolidata fama; penso al "collega" Vestigial e al suo
"Translucent Communion" anch'esso uscito su Cold Meat, al
recentissimo "In Coma" di Aethere pubblicato da Rage in Eden, ma
anche al meno recente "Idolatriae" di Eidulon, uscito nel 2008 su
Malignant. Con il nuovissimo "Crossing the Withered Regions" New
Risen Throne rimane assolutamente "fedele" allo stile e al
"sound" che, in tanti anni di attività, ha abilmente sviluppato e
maturato, tanto che già dai primissimi secondi dell'emozionante brano
introduttivo (Heritage of the Emptiness) è possibile riconoscere distintamente
il "marchio" NRT. Tutto il CD, pur costituito di sei tracce distinte
(più un'affascinante traccia video interamente realizzata in 3D), appare come
un unico, lungo, suggestivo e oscuro percorso rituale, che alterna momenti più
dinamici, evocativi, dagli andamenti quasi "cinematografici", spesso
accentuati da lente cadenze ritmiche e bassi tuonanti profondissimi, ad
atmosfere più eteree e dilatate ma ugualmente di estremo impatto e drammaticità,
in cui compaiono accenni di decadenti sequenze melodiche, suoni metallici,
rumori concreti, cigolìi, voci provenienti dagli abissi più profondi, lamenti
inquietanti, funerei, bisbigli, cori, echi di voci recitanti segreti
cerimoniali iniziatici... Un lungo viaggio attraverso le tenebre più oscure e
inviolate, dominato da un senso di desolazione, angoscia e assoluta
rassegnazione... Un percorso senza vie d'uscita, durante il quale tutto attorno
non è possibile scorgere raggi di luce, ma buio e soltanto buio, e durante il
quale ogni pur sottile filo di speranza sembra definitivamente perduto. E non
aspettatevi un finale "liberatorio" o comunque diverso: la fine del
tunnel è ancora molto molto lontana...
(Giuseppe Verticchio)
The sole member of New
Risen Throne is known as Stielh, and is one of the Grand Masters of the
blackened dark ambient coming from Italy recently (see also Vestigial). His
exceptional black foreboding ambient creations is wellknown in the scene by
now. The previous NRT release "Whispers of the approaching
wastefulness" (Cyclic Law) represented the steps leading to the
acknowledgment of the approaching end of all things... This new chapter
"Crossing the withered Regions" is the journey thru wasted
"regions" of our inner self, withered by our doubts, thoughts and
fear about the end. This is the soundtrack to the world we live and experience
at the very present. This is utterly dark! and there is certainly no sun in the
horizon. Slit your wrists and float away...
(Cold Meat Industry)
New Risen
Throne: Loneliness of Hidden Structures (CD 2011 - Cyclic Law)
[ http://www.stielh.com ]
Quando
debbo recensire un nuovo CD di New Risen Throne, il timore è talvolta quello di
risultare ripetitivo, di usare sempre le stesse parole, e di non trovare uno
"spunto" o un'idea "diversa" e particolare per scrivere
qualcosa che nella sostanza non sia estremamente simile a quanto già scritto
tante volte in passato… Se da una parte infatti bisogna riconoscere a New Risen
Throne il non trascurabile merito di aver
costruito negli anni uno stile musicale personale e inconfondibile, per
il genere di suoni e campioni utilizzati, per
la forma compositiva, per il tipo di atmosfere che puntualmente è in
grado di ricreare, d'altra parte quando
si ascolta un suo nuovo lavoro si sa già più o meno esattamente cosa ci si deve
aspettare; cosicché dopo quasi un decennio di vita di questo progetto, il
rischio, per chi ascolta, è quello di emozionarsi ogni volta un pochino di
meno… Ad ogni modo non è detto che tutti come me già conoscano da così tanto
tempo il progetto New Risen Throne, e non è detto che tutti abbiano già letto o
ricordino a memoria le mie precedenti recensioni, quindi non mi asterrò dal
descrivere anche il presente "Loneliness
of Hidden Structures" come un suggestivo ed ispirato album di musica
tipicamente dark ambient letteralmente sprofondata tra fagocitanti masse di
basse frequenze in perenne vibrazione, dalle atmosfere particolarmente lugubri
e decadenti, a tratti violata da episodi di quasi marziale eppur dimessa
"epicità", e nel caso specifico arricchita da due efficaci
"remix" firmati rispettivamente dai ben noti Northaunt e Nordvargr,
collocati in scaletta, secondo uno schema sicuramente atipico, non in fondo al
CD in forma di "contributi speciali" come ci si aspetterebbe
solitamente, ma in modo più indistinto e "occulto" in mezzo a tutti
gli altri brani firmati dal solo New Risen Throne. Un album che sicuramente non
deluderà i "fan" di uno dei pochi progetti dark-ambient italiani di
"vero", indiscutibile e riconosciuto valore internazionale.
(Giuseppe Verticchio)
New full length album by
Italy's New Risen Throne which marks a welcomed return to Cyclic Law.
"Loneliness Of Hidden Structures" is the latest chapter of a series
that began with "Whispers Of The Approaching Wastefulness" (Cyclic
Law 2007) and continued on with "Crossing The Withered Regions" (Cold
Meat Industry 2009). The first of this series is explained as the annunciation
of the end, while the second part was expressing the advent of this end. Now
this third chapter speaks of rebirth. Within the caves and ruins left by the
destruction, there begins to form the first foundations and structures of a
reconstruction that is in turn in constant evolution. The album's track listing
is structurally organized in order to evoke that evolution:
1. The echoes of the end
that travel through the empty regions ("Into Lungs declining
structures", "Echoes from the loss")
2. New forms listening to
the "silence" of a new world ("Loneliness", "New Risen
Throne", "Lands filled with silence and grief")
3. Structures evolving
and coming out from the shadows ("A vision of the hidden",
"Breath of growing structures")
Filled with New Risen
Throne's now trademark sound of deep cavernous drones, processed voices and
percussive moments, this new album is a superb follow up to his now impressive
discography. Features exclusive remixes by Nordvargr and Northaunt. Edition of
1000 copies. Enhanced CD with a special Video Clip of the track New Risen
Throne (I), comes in a 4 panel A5 folder. 9 Tracks. Running Time 60:00.
(Cyclic Law)
Nimh:
Lanna Memories (Mini CD-R 2002 - Taâlem)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Questo Mini, edito dalla francese
Taâlem, si discosta dalla proposta espressa da Nimh nel precedente "Line
of Fire”, più per la forma che non per il concept, il quale rimane invece
ancorato ad un forte richiamo all' oriente. Se le sonorità evocate dal
precedente lavoro trasportavano l'ascoltatore fra le sabbie mediorientali,
questo "Lanna Memories" si spinge oltre, toccando le lontane terre
thailandesi. Il concept, incentrato sui miti di questo paese, viene rafforzato
dall'impiego di strumenti tradizionali, che tendono - alternativamente - a
distaccarsi e a fondersi col background elettronico creato dal nostro. In
effetti, ciò che tende un filo rosso con "Line of Fire" è l'impiego
di drones ampi e sinuosi, che attraversano le tracce modificando
progressivamente la propria struttura e fornendo una solida base per la
sovrapposizione degli elementi prettamente 'musicali'. Ritroviamo anche i
samples d'ambiente che arricchivano le composizioni del lavoro ed esaltavano la
forza descrittiva del lavoro, collocando 'visivamente' le vicende narrate. E'
necessario attendere l'uscita del nuovo full per identificare pienamente il
sound che Nimh sta oculatamente circoscrivendo. Nell'attesa questo Mini va
fortemente consigliato a coloro che hanno apprezzato l'electro ambient di
"Line of Fire".
(Francesco
Gemelli - Musicboom)
For his latest release on
French label Taâlem, Nimh exclusively uses traditional Thai instruments to
create rich, organic ambiences with a subtle ethnic tint. The first piece, or
“part” of this 3” CD builds from silence to a deep, breathy drone that pins the
track together. In the background there
shimmers some small pieces of metallic percussion and subdued vocals, which
expand the atmosphere; take it away from the heavily processed, almost
electronic, drone towards some more “live” sounding and inherently human. All the while, the piece is carried along by
a repeating chanter melody that evokes the kind of romantic Oriental images
that we find sewn into the prose of William Beckford and the Arabian
Nights. As the composition unravels,
the drone segues to the faint harmonic tone of resonating bells as they knell
the track’s closing. The second part of “Lanna Memories” finds Nimh no longer
rooted in drones and moving towards the realm of processed acoustic
sounds. A small chime melody plays
softly in the distance, then slowly builds through the addition of delays and
further layers of sound into a almost rhythmic clamour. The track then erupts with a snare drum roll
and burst of chanters into a small journey through the Orient - voices circle
all around us, while the lushly captured instrumentation maintains the loose,
atmospheric vibe, which cannot fail to entrance the listener. The closing piece
begins with the euphoric sound of the monsoon - a heavy blanket of rain,
bringing new life and prosperity - the music, too, finds rejuvenation as it
gallops forward with an upbeat percussion line which drives us on through an
ambient noise collage of dissonant instruments, chanting voices and shimmering
chimes. It all has a very “found sound”
feel to it, as though Verticchio had recorded this straight from the streets of
Asia, such is the arrangement and depth of the sounds. This is a beautifully
composed EP that flows remarkably well over its 22 minutes, never sounding
hurried or truncated, yet still giving itself space to evolve and shift through
various dynamic phases. It is also
refreshing to hear obscure instruments used conventionally in experimental
music, as opposed to merely sampling and reducing them to anonymous drones. Highly recommended.
(Gavin Lees - www.fleshmadeword.com/immanence)
Awesome
"ghostly" dark drones sustained by ultra mystical vibrations from
acoustic "exotic" instruments, from Nimh. Contrary to more
"chaotic" / noisy ambient suffs from Nimh ("Subterranean
Thoughts" for instance), this album can easily touch and haunt the listener's
capacities of listening. "Part 1" starts with a hypnotic, "doom
like" drone. A minimal ambience is created, then comes to the distance
mysterious Asian melodies for wind instruments, sounding like a shamanic chant.
"Part 2" is a gorgeous, posessed symphony for ethnic percussions
& bells, voices...a resonant composition for dreamy repetition. "Part
3" starts with an avalanche of noises taken from the natural
environnement, including a long linear chord, ceremonial drums...the song carries
on a religious chant! weird, transcendant and ritual communion. This album is
quite beautiful despite that is only 25 minutes long. Almost a classic! A must
have for fans of early Popol Vuh and Deuter.
(Philippe Blache - www.progarchives.com)
Nimh: Frozen (CD-R 2002
Afe Records)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Il glaciale “Frozen”, esplicativo fin
dal titolo, rappresenta un’ottima escursione nel mondo dei drones. Impossibile
non citare Koner, Biosphere e Hazard.
(Etero
Genio - Blow Up)
E’ da circa dieci anni che Giuseppe
Verticchio, ha cominciato ad esplorare l’ampio spettro della musica
Ambient/Elettronica. Fin dalla fine degli anni ‘90 ha registrato e autoprodotto
molti lavori di diverso genere, sia sotto il
proprio nome sia con lo pseudonimo Nimh, spaziando dagli umori puramente
sintetici di "Fragments from the Lost Time" ai movimenti stratificati
e trattati di "Distant Skylines", passando per la bellezza aborigena
di "‘Tjukurpa", un album basato principalmente sul didjeridoo.
"Frozen" è costruito intorno a lunghi e lenti movimenti evolutivi di
drones che vagano nell’isolamento
attraverso i più freddi territori delle basse frequenze. Il titolo stesso
descrive appropriatamente i contenuti musicali di questo lavoro più di altre
migliaia di parole. Qualcuno la definisce “Terminal Ambient”... Ed ha ragione.
Copritevi bene: il paesaggio è ghiacciato...
(Afe
Records)
The cover is nice and
appropriate, you see a solitary figure wandering in a blue snowy landscape.
This perfectly matches the music, which is rather cold and minimal. The cd-r
consists of one long track, lasting for an hour. This cold soundscape is based
on slow drones, which sometimes swell a little in intensity and then get more
quiet again. Not too much happens in the music, it never get's very obtrusive.
Towards the end the volume of the low machine-like frequencies gets louder, and
the effect of the deep drones becomes more ritual. Listening with full
attention to this cd-r for an hour is rather intensive, despite (or perhaps
because of) the fact that there are only gradual changes in sound. But
certainly a skilfully sculpted long cold wave of glacial sound. Frozen music
indeed.
(www.funprox.com)
“Maybe the title, in this
case, describes exactly what you will find here. A big wall of sound that seems
to stand there untouched by time, untouched by anything, as a monument too big
to be perceived in its entirety. To describe it in term of ambient, i'd say
'terminal' instead of 'dark'. Stark black and white images adorn the jewel
case, maybe arctic landscapes, maybe just an happy island somewhere through the
filter of no-frills, cold-stared disillusion. Imagine Koner's trademark sound,
grown up in a favela instead of Kohln, ending up repeating himself in an
abandoned tibetan monastry, practicing sunyata with John Duncan's tunes. For
the brave among you if you like it loud - and a nice droning background texture
to enrich your day if you like it under -6 dB.”
(P. Ippoliti)
Nimh: The
Impossible Days (CD 2004 - Amplexus)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Un disco teso e difficile, oltre la
cold ambient del pur bellissimo “Frozen”. Musica tutt'altro che consolatoria, densa dei presagi di questi
giorni impossibili, come il titolo ben sottolinea. Tra elettroniche urticanti e
field recordings, segnali perduti e percezioni indefinite, Nimh disegna ancora
una volta una mappa sonora senza compromessi.
(Gino
Dal Soler - Blow Up)
Come non rimanere incantati davanti
al dissolvente astrattismo della copertina, con quelle increspature filiformi
immerse in pastorali ingorghi di luce dalle cangianti tonalità purpuree,
lasciapassare elettromagnetico per questi "giorni impossibili"?
L'autore è Nimh (alias Giuseppe Verticchio), pulsante artista elettronico romano,
che si addentra in maniera singolare nella semantica membranosa della
sperimentazione più surreale e logaritmica. Si possono citare le frequenze
protofoniche di "Lost Signals" (propaggine drenante del subglaciale
"Frozen", uscito nel 2002 per la AFE), la fobica ciclicità di
"The Impossible Day", l'escoriazione industriale di
"Communicating Rooms", ed i quasi dieci minuti di immolazione
modulatoria di "Back To Teheran" (con viscerali reminescenze di
Vittorio Gelmetti, flagellante sperimentatore dei primi anni sessanta). Il
lavoro si chiude in maniera fluorescente con l'affannoso sincretismo di
"Undefined Perceptions" e la spirituale immobilità di "The Final
Challenge", e Nimh (sta per 'nichel-metilidrato') si afferma quale
cristallino alchimista nell'intransigente panorama 'sotteraneo' nazionale, e
non solo...
(Maurizio Bianchi - idbox.it)
"The Impossible
Days" is a mature, inspired cd combining the best characteristics of works
like "Line of Fire" and "Frozen" but taking them one step
ahead. Far from being repetitive, "The Impossible Days" seems to take
the deep synth layers and field recordings from "Line of Fire" to a
different plan; I'd say this is more meditative and indirect in its approach,
though not less effective. Actually, these compositions gain strength from
their rarefaction, like the brilliant incipit "Lost signals", with
its minimal, hypnotic pulses, definitely my fave track here. If I had to
mention some akin artists, I'd say the ritual ambient of Steve Roach, Vidna
Obmana and Robert Rich at their best has left its mark here; but bear in mind
Verticchio's sound easily stand on its own. Really worth checking out, like
every other releases of Nimh's.
(Eugenio
Maggi - Chain DLK)
“The Impossible Days” is a set of very deep and
very dark minimalism from Giuseppe Verticchio, a.k.a. Nimh. From a bass drone,
Giuseppe builds vast atmospheres with effects, processes and experimental
sounds. He combines sci-fi timbres and organic textures to generate massive
soundscapes. He enhances them with bizarre and bombastic samples and hints of
ethnic ambience. This diverse collection of eclectic compositions is rare and worthy.
(Jim Brenholts)
Nimh/Nefelheim:
Whispers from the Ashes (CD 2004 - Amplexus)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Nimh e Nefelheim uniscono le forze
per questo bel progetto, che pur rimanendo all'interno dei canoni di una dark
ambient spettrale e droning, muove in paesaggi altri, malinconicamente
contaminati da suggestioni folk. Accade nella bellissima "Age of Stakes/Cryng
Bard" per esempio, con i dolenti arpeggi di una chitarra memore di arcane
poesie celtiche. Simbologie nordiche e mondi sotterranei sembrano convivere
felicemente, tra oscurità ed improvvisi bagliori. Come preghiere da un universo
parallelo.
(Gino
Dal Soler - Blow Up)
Ispirato al tema delle grandi
inquisizioni “Whispers from the Ashes” è un concept che nasce dalla
collaborazione di due oblique entità artistiche quali Nimh e Nefelheim. La
cifra chiaroscurale incontra il carattere dello psicodramma nello stile
narrativo delle cinque tracce, già giocate sul riflesso emozionale che esse
possono produrre nell’ascoltatore. Gli
ingredienti sono quelli di una ricetta chimica a base di drones e impulsi
metallici, di canti liturgici e di ritmiche marmorizzate che sconfinano nel
solenne-sacrale. L’impiego dei plettri in alcuni episodi è risolutivo perché
conferisce un tocco di liricità al respiro altamente noir del lavoro d’insieme.
(Aldo Chimenti -
Rockerilla)
Inspired by the Inquisition and witch-burning periods,
"Whispers from the ashes" is a great collaborative effort by Roman
artists Giuseppe Verticchio (Nimh) and Nefelheim. "Whispers..." is an
inspired, flawless work which combines the best features of Cold Meat
Industry-inspired dark ambient and a bit of acoustic folk, managing to avoid
the n.1 problem with this genre, i.e. sounding cheesy and cliché. From the very
beginning of the solemn, gregorian chant-driven "Last hours of the
heretic", the listener is plunged into an atmosphere which is at the same
time gloomy and epic, depressing and soothing - a quality which is common not
only to good dark ambient, but also to the best black and doom metal, where
Nefelheim's roots probably lie. "Age of stakes/Crying bard" rises
into a menacing melody and heavy mechanical percussions, before dissolving into
dripping rain and a melancholic guitar arpeggio. "Sounds from the
Ossuary" is utter bass-heavy droning darkness, reminding of Nimh's solo
"Frozen", but a funeral melody emerges from the final layer of
distortion. "Malleus Maleficarum" goes back to the initial Raison
d'Être-sounding fusion of gregorian chants, swirling drones and electronic
throbs. "Peaceless Rest" closes the album with more gentle guitar
picking and a thunderous underlying ambience. A very successful and cohesive
work from start to end, which could reconcile many to the CMI/Northern wave of
dark ambient, definitely not that thrilling over the last few years.
(Eugenio
Maggi - ChainDLK)
Nimh:
Line of Fire (CD-R 2005 - Silentes)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Nimh è l’altro progetto solista di
Giuseppe Verticchio. La spina dorsale di questo lavoro è costituita da
sintetizzatori, suppongo per lo più digitali, sebbene il suono è piuttosto
‘analogico’ in molti passaggi. Due lunghe
tracce (27’ e 25’) con molte variazioni interne e possibili sottodivisioni. A
volte ci sono diversi strati con patterns aggressivi, a volte essi sono ridotti
a drones oscuri e rimbombanti. Rumori d’ambiente e voci aiutano soltanto nella
creazione della tensione, atmosfere mozzafiato di panico e assedio. Giudicando
dalla copertina il lavoro è ispirato a scenari di guerra, efficientemente
evocati da questi suoni freddi e corrosivi.
(Eugenio
Maggi - Chain DLK)
Nimh is the other solo
project of Giuseppe Verticchio. This work has its backbone in synthsizers,
mostly digital ones I guess, though the sound is pretty “analogue” in a lot of passages. Two long
tracks (27' and 25') with a lot of inner variations and possible sub-divisions.
Sometimes there are several layers with aggressive patterns, sometimes they are
reduced to a dark rumbling drone. Environmental noises and voices only help in creating a tense, breath-taking
atmosphere of panic and siege. Judging by the cover the work is inspired by war
sceneries, effectively evoked by these cold, corrosive sounds.
(Eugenio
Maggi - Chain DLK)
Gloom, heavy electronic
textures, over which islamic voices and environmental depiction of a war zone
entwine. Sounds like being there in a nightmare, definitely. Static, suspended,
a feeling of hopelessness and human suffering all over, pernicious, persistent.
Scarcely noted, high quality colour printed sleeve, that seems to invite you to
drown in the listening experience - and come out transformed.
(P. Ippoliti)
Nimh: Subterranean Thoughts (CD 2005 - Silentes)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
L'album si apre con un drone di rara
bellezza, che colma gli spazi auditivi, sfociando nella lunga "Recovered
Memories", in cui il lato elettronico acquista lentamente più spessore.
Una tensione accumulata che sfocia nell'affascinante "Back to
Laudomia" e nelle successive "Subterraneann Thoughts" e
"The Liquid Dream", in cui l'impiego di passaggi musicali
alleggerisce un ascolto sicuramente divenuto impegnativo. Come nello stile di
Verticchio, l'utilizzo di samples ambientali assume un ruolo importante in fase
compositiva senza però arrivare mai a spostare l'equilibrio dei pezzi verso il
puro field recording, prediligendo piuttosto la creazione di atmosfere
sommesse, una elettronica non roboante, ma elegantemente sofisticata che
rinfresca il concetto di "landscapes music".
(Franz Gemelli – Music
Boom)
Nimh in "Subterranean
Thoughts" testimonia il suo notevole eclettismo, passando dai registri
ambientali sporcati da field recordings di "Recovered Memories" alle
Lustmordiane inquietudini di "Back to Laudomia", dalla congiunzione
di respiri concreti e stralci rituali di "Perpetual Cycles"
all'incedere meccanico di "Subterranean Thoughts".
(Paolo Bertoni - Blow Up)
Dopo circa un anno dalla
realizzazione di "The Impossible Days", con il nuovo
"Subterranean Thoughts" Nimh torna ad esplorare i più reconditi
sentieri della sperimentazione elettronica, in un caleidoscopio di suoni ed
atmosfere che spaziano dalle visioni
lisergiche di "Rewind" alle suggestioni cinematografiche di
"Recovered Memories", dalle tensioni oscure di "Back to
Laudomia" agli elementi rituali di
"Perpetual Cycles", dalle distorsioni ritmiche di
"Subterranean Thoughts" alle stasi ipnotiche di "The Liquid
Dream", per chiudere con un breve frammento di liricità nella ripresa
finale della title-track.
(Silentes)
About one year after the
release of "The Impossible Days", Nimh explores the innermost paths
of electronic experimentation again with his new "Subterranean
Thougths". The album showcases a kaleidoscope of many different sounds,
from the lysergic visions of "Rewind" to the cinematic suggestions of
"Recovered Memories", from the tight and dark atmospheres of
"Back to Laudomia" to the ritual elements of "Perpetual
Cycles", from the rhythmic distorsions of "Subterranean
Thoughts" to the hypnotic stasis of "The Liquid Dream" and the
lyrism of the title-track reprise at the end of the disc.
(Silentes)
Nimh's "Subterrean
Thoughts" sees Verticchio's synth-based ambient in its more sombre vein,
already explored in works like "Line of Fire" and "The
Impossible Days". I wouldn't exactly call it "dark ambient", but
the Roman musician surely prefers tension to relaxing atmospheres. To his usual
array of instruments (synths, keyboards, ethnic samples, field recordings,
etc.) he now adds recognizable guitar lines in "Subterrean Thoughts",
a melody which also closes the cd in a piano reprise. I venture Nimh is going
through a process of change and experimentation, as there are many different
inputs in these tracks that could be explored further.
(Eugenio Maggi - Chain DLK)
Nimh/M.B.: Secluded Truths (CD 2005 - Silentes )
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Nuova collaborazione per M.B., questa
volta con Giuseppe Verticchio (Nimh). Su una base concepita da Maurizio Bianchi
e l’intervento successivo con effetti, loops, strumentazione acustica e remix
di Verticchio, “Secluded Truths” è un percorso mirato alla ricerca di una
verità spirituale sfuggente ma che non per questo condanna alla resa, varata
nella spessa coltre buia che grava su “Before the Light”, per attraversare
l’ambient non priva di solforosi ribollìi industriali di “Other Prayers”, le
inquietudini che si riflettono nel cosmico fluire di “Secluded Truths”, il
minimalismo dark ambient pregno di turbativi presagi di “The Sacred Outside”,
episodio non meno che eccellente, con un piano che lentamente scolora stridìi
metallici sullo sfondo, le purificanti asperità da valicare di “Leaving the
Time”, ripresa anche ad epilogo come memoria rimembrata con sollevato distacco,
sino ad una ascendente “The World Beyond” che nel suo multicolore turbinìo
sembra preludio all’afferare quanto anelato.
(Paolo Bertoni - Blow Up)
"Secluded
Truths", the newest production by Maurizio Bianchi and Giuseppe Verticchio
(Nimh) is a really amazing work concerning the concept itself (showing
similarities and parallels of Maurizio's and Giuseppe's life-path) and the
structurized sound-sculpturing. Each piece shows much variety in overlapping
complex sound-fields, partly combined with acoustic instruments. Starting with
very clean ambiences in "Before the Light" the sedative and
weightless atmosphere is very soon combined with reverse voices that constantly
appear and disappear. The second track "Other Prayers" excellently
underlines the similiar spiritual tendencies of both musicians by presenting
two harmonic fields on each channel within the sound-panorama but at various
pitches. Completely astonishing is the title-track itself with its breathless
running sequence integrated into a deep cosmic field; it stays completely in
the background while the gloomy cosmic texture remains the dominant acoustic
factor. "The Sacred Outside" very well combines Maurizio's
incomparable piano-treatments embedded in another cosmic realm of high pitched
frequencies and environmental noise, whereas the CD's longest soundscape
"Leaving the Time" interrupts the meditative and harmonic passages by
fascinating dissonant psychedelia-modulations. Surprisingly the last two
elaborations "The World Beyond" and "Leaving the Time
(Reprise)" re-establish the original harmonic tendency of the whole album
by beautiful melodic fragments mainly realized by acoustic and electric instrumentation.
Spiritual music full of tension, innovative sound-combinations and a perfect
mixture of harmonic and dissonant material. Very interesting are the slight
relations to the cover-design of Maurizio's new masterpiece "Niddah
Emmhna".
(Siegmar Fricke - Pharmakustik)
Nimh/Baghiri: Entities (CD-R
2006 - Silentes) (Baghiri Amir & Nimh)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Primo lavoro (registrato nel 2003) in
collaborazione tra l’artista iraniano Amir Baghiri e Giuseppe Verticchio /
Nimh, nel quale le tipiche atmosfere ritual-ambient ricche di influenze
etniche, da sempre presenti nella musica di Baghiri, trovano un punto
d’incontro con analoghe trame sonore fornite da Nimh, arricchite con alcuni
elementi più spiccatamente elettronici e moderatamente sperimentali. Quattro
brani, per più di 70 minuti di musica, nei quali le “entità” evocate e
descritte attraverso l’uso di sintetizzatori analogici e digitali, macchinari
elettronici, percussioni, canti rituali, registrazioni d’ambiente, ocarine,
didjeridoos e altri strumenti etnici, sono ispirate dall’immagine di copertina
del CD-R, raffigurante l’opera “Entity”
dell’artista californiano Lance Green.
(Silentes)
First work (recorded in
2003) in collaboration between the Iranian artist Amir Baghiri and the Italian
Giuseppe Verticchio / Nimh, in which the typical ritual-ambient atmospheres
rich of ethnic influences, always present in Baghiri's music, find a
meeting-point with similar sonorous textures provided by Nimh, enriched with some
most purely electronic and moderately experimental elements. Four tracks, for
over 70 minutes of music, in which the "entities" evoked and
described using analog and digital synthesizers, electronic machines,
percussions, ritual chants, field recordings, ocarinas, didjeridoos and other
ethnic instruments, are inspired by the cover image of the CD-R, representing a
painting entitled "Entity" by the Californian artist Lance Green.
(Silentes)
Superb ritual ambient
gathering the talents of well-known artist Amir Baghiri and Giuseppe Verticchio
/ Nimh... It's some of the best
ritual/ethnic ambient I've listened to lately - pure drifting beauty and
trance-inducing drones woven with synths, didjeridoos, percussions and field
recordings. If you dig Steve Roach, Vidna Obmana, Robert Rich... look no
further because this might well be one of the best releases of the year. Colour
cover by Lance Green and top-notch sound quality. (Review of 2003 self-produced
edition)
(Eugenio Maggi - Chain DLK)
Nimh: The Missing Tapes (CD 2007 - Silentes)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
A quanto pare Andrea Marutti e
Giuseppe Verticchio in questo periodo sono in splendida forma, o suppongo che
stiano attraversando un periodo a dir poco florido visto che, oltre ad aver
stampato del materiale in duo come Amon/Nimh e come Hall of Mirrors, stanno
facendo uscire anche i rispettivi materiali in solo. La Silentes di Stefano
Gentile butta fuori contemporaneamente sia un rework di Aube del lavoro di
Verticchio/Nimh che l'originale composto dal musicista romano, e com'era facile
aspettarsi si tratta di due dischi molto diversi. "The Missing Tapes"
è un disco strano all'interno della discografia di Nimh anche se in realtà
credo che da un altro punto di vista potrebbe rappresentare uno dei mille modi
possibili in cui poteva svilupparsi il modus operandi di Verticchio. Se lo
conoscete principalmente per le sue uscite ambientali sappiate che potreste
rimanere spiazzati, certo ci sono elementi ambientali e componenti etniche come
in altri suoi lavori in precedenza, ma miscelati ed assemblati in modo molto
diverso dal passato. Il disco nel complesso sembra maggiormente un diario
sonoro di un viaggio, cosa che per altro è, dato che in buona parte è stato
registrato in Thailandia, quindi field-recordings a tappeto, ambientazioni
urbane che fanno da collante e dalle quali emergono strumenti etnici, suoni,
strati di sibili o drones o che da questi vengono inframezzate nelle pause fra
un movimento della traccia e l'altro. Nonostante sia composto di quattro tracce
ho trovato che la cinquantina di minuti di questo disco assomigli maggiormente
ad un flusso continuo ed in questo oltretutto va di pari passo con l'essenza
freak fino al midollo del lavoro. Se per alcuni il contrasto fra suoni ad alta
risoluzione e registrazioni lo-fi di field-recordings e/o alcuni strumenti
possono cozzare, in realtà credo che siano proprio la caratteristica più
interessante del disco e quella che in un certo modo lo distanzi molto da certi
lavori di etichette come la Alluvial che, seppur grandi, talvolta finiscono per
risultare un po' freddi. Non credo che Nimh li ascolti o li annoveri fra le sue
influenze, eppure questo disco si potrebbe trovare idealmente fra alcuni suoi
lavori, del materiale etnico e certi Jackie O' Motherfucker o certi A Short
Apnea, tant'è che un po' quello un po' la componente etnica indurrebbero a
pensare che si tratti quasi di un disco molto psichedelico e quasi kraut a suo
modo. Non si può certo parlare di psichedelia alla leggera, ma non mi
stupirebbe di scoprire che piaccia a molti amici drogherecci o ad alcuni di
quelli che "come suonavano negli anni 70 non ci suoneranno mai
più...". Posto che la seconda categoria spesso mi fa pensare che se uno
ama così tanto il passato potrebbe coerentemente trapassare per diventarne
parte, pur non essendo un fanatico del vintage mi sono ascoltato con piacere il
flusso di questo disco tanto da pensare che per quel che mi riguarda si
potrebbe trattare del miglior disco solista che ho visto firmare da Nimh. A
tratti ruvido e martellante, "The Missing Tapes" trova nella matassa
grezza la sua essenza ed il suo calore/colore, nonostante ciò non si tratta di
materia non lavorata, anzi, la manifattura c'è e si sente, molto semplicemente
non è troppo invasiva, come sempre succede nei molti piccoli lavori artigianali
ben riusciti.
(Andrea Ferraris - Sands
Zine)
When Giuseppe
Verticchio/Nimh sent me this new cd along with Hall of Mirrors' debut, warning
me that it was something completely different, I thought it would be in the
wake of previous recordings of his using ethnic (mainly Thai) instruments and
field recordings from his several trips to the Thailandese area. My mind went
to the sadly never repressed "Distant Skylines", or to "Entities",
with Amir Baghiri (now available on Silentes); but I was only partly right.
"The Missing Tapes" is an altogether more conflictual work, more
about layering and juxtaposing than merging; which doesn't mean that it is a
lazy cut&paste of traditional instruments and electronics (quite the
opposite, actually). I just think that this time Giuseppe was interested in
creating some discordant, more physical soundscapes, with a few more rough
edges than in the past. "Tape 1" begins with a whirlwind of minimal
Jackee (a 3-string instrument) plucking, soon devastated by a layer of
distortion and fragmented voices. "Tape 2" has more monochrome string
picking (this time it's a Tzeebu, a Thai banjo), but the ebbing underlying
ambience is given by menacing low-end sinewaves, as if a helicopter was flying
low over your head. The electronics take over in "Tape 3", with
percussive synth sweeps merging with a filtered mouth-organ drone and acoustic
Thon Chatri drumming. Finally, "Track 4" is pure phonography, as
explained by the laconic liner notes ("boat, market, temple, village,
beach"). As a whole, "The Missing Tapes" was quite a surprise,
and a positively jarring album. It has a wild, almost psychedelic ethnic feel
which could potentially appeal to anybody going crazy for trendy, and often
inferior, neo-kraut/weird folk/psych projects (which obviously doesn't mean
that Verticchio intended to create a niche-friendly work), rather than
traditional ethno-ambient listeners.
(Eugenio Maggi - Chaindlk)
L'uscita del nuovo atto di Nimh,
"The Missing Tapes", rappresenta senz'altro capitolo poco
assimilabile a quanto fatto sino ad oggi dal musicista romano. La componente
etnica, esaltata da un utilizzo generoso di strumentazione autoctona e field
recordings colti in loco, è infatti prevalente in un disco la cui premessa
risale addirittura alla metà del decennio scorso con registrazioni effettuate
da Verticchio in Thailandia, pur duellando nell'intero svolgimento del disco
con a tratti ruvide ingerenze elettroniche, in cui sembra di poter dire che non
si cerchi l'integrazione ma il conflitto, tra il secolare lignaggio degli
strumenti Thai e la impassibile glacialità della tecnologia che in alcuni
frangenti domina in assoluta solitudine con gravi umori in particolare in
"Tape 3", tanto che il riuscito contrasto appare assumere un
significativo valore simbolico dai tratteggi evidentemente drammatici.
(Paolo Bertoni - Blow Up)
Nimh: The Unkept Secrets (CD 2008 - Silentes)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Mi piacerebbe potere leggere nella
mente di Giuseppe Verticchio. Comprendere fino in fondo come si può arrivare
anche a solamente a concepire, immaginare, visualizzare i meandri angosciosi
nei quali ogni volta i suoi mirabili viaggi empirici ci portano. I percorsi
occulti di "Sator" evidentemente non sono stati sufficienti a placare
la fame di sperimentazione di un personaggio che col passare del tempo sta
assumendo un ruolo sempre più importante e travolgente nel processo di
configurazione delle nuove coordinate della musica ambient tinta di oscuro.
"The Unkept Secrets" appare come l'ennesimo coraggioso tentativo di
smuovere porte, analizzare fenomeni e curiosare tra gli abissi di un suono mai
così pregno di rabbia e saturo di elementi contrapposti tra loro ma stupendamente
efficaci colti nell'insieme delle trame risultanti. Trascurare Nimh e il suo
contributo alla scena moderna pare quasi un insulto all'intelligenza. Dobbiamo
essere orgogliosi e allo stesso tempo spaventati di possedere un personaggio
del genere nei fisici dintorni.
(Divine -
www.dagheisha.com)
This is an other perfect
Nimh record, a world of magnetic, somnanbulic, fuzzing, moving electronic
textures and drones covered by glacially melancholic guitar parts. These recent
years there have been many descent projects published under the dark ambient -
prog electronic label, but The Unkept Secrets is exceptional, reaching a degree
of composition and complexity rarely obtained in this specific genre. Meridians
opens the album with an intimate, colourful, extatic droning minimalist guitar
composition with lot of reverbs and reasonances. A majestic, almost
hallucinatory electronic piece. Narrative voices & mysterious abstract
noises also come into the mix. As suggested by the title, Visions in Black is a
haunted, gorgeously dark piece with abundant guitar's fuzzed out static notes,
ghostly dark noises. The composition ends up with an almost funeral electronic
choir. Strangely beautiful, the sound of the apocalypse or forgotten memories.
The call reaches the listener into a parapsychological world made of echoing
guitar tricks, floating electronic waves. A more dreamy-like composition,
perfectly executed and really vibrant emotionally and physically speaking.
Linga is just fantastic, a real buzzing drone trip with tribal-ethnic elements.
An immersive medley of acoustic / electronic elements, it makes me think about
shamanic sermons & ceremonials. The title track opens the way to a really
sinister, dark musical ritual that turns into a shimmering, suspensful
incantation dominated by harsh guitars and doom-like epic drones. The ending
nightmare is a claustrophobic, intoxicated electronic piece for loud guitars,
creepy noises and acoustic exoticism. The last tune is a more relaxed, tranquil
affair after an intense musica ride throw lost deep memories. A totally
absorbing electronic mantra, a real pleasure for the ears. Clearly among my all
time favourite experimental electronic records with a things from Maurizio
Bianchi, Maeror Tri and Aeolian String Ensemble. So recommended.
(Philippe Blache -
www.progarchives.com)
Il nuovo Nimh (Giuseppe Verticchio) è
un lavoro in prima istanza sperimentale oltre che evocativo. Ha la forza di
sorprendere quando meno te lo aspetti, ma allo stesso tempo riesce a creare
visioni inquietanti quanto suggestive. In questi termini "The Unkept
Secrets" è un paradosso, una figura retorica onomatopeica a rovescio che
parte dal presupposto di essere un libro(sonoro) zeppo di termini che
inquadrano un gesto, un movimento, un paesaggio, un tormento. Un insieme di
sfumature elettroniche, dark, drone, etniche che formano un'azione, generano
un'idea, suscitano un'emozione. Come nell'immensa "Visions In Black",
tra le migliori composizioni tra quelle che ho avuto modo di ascoltare fino ad
oggi di Verticchio in cui un crescendo di tensione arriva al culmine per poi
dissiparsi di nuovo: e' un vento minaccioso che fa sbattere porte e finestre
durante una sera d'autunno. All'improvviso ti entrano in casa figure tormentate
che cantano un lamento disperato, straziante. Poi il vento cala di intensità e
la casa si svuota lentamente mentre le ore passano, la notte si presenta ed il
cuore ancora ti trema. "The Unkept Secrets" è un viaggio, il
prosieguo di un viaggio iniziato anni fa, nei labirinti dell'anima e della
mente, ma anche un viaggio nel senso letterale del termine alla ricerca di quei
segreti del titolo in terre lontane, essenzialmente ad est del mondo, in quei
posti dove ancora il tempo scorre certo inesorabilmente, ma molto lentamente,
fino a dare la sensazione di essersi arrestato. Indicativa l'ultima traccia,
"One More Ride On The Merry-Go-Round" dedicata a Tiziani Terzani,
scrittore e viaggiatore che dedicò gran parte della sua vita all'Asia ed alle
sue situazioni politiche, sociali e soprattutto spirituali: lui stesso
affermava la vita è un giro di giostra, ed ogni giro, ogni nuovo giro, te la
cambia. Come cambia anche l'ispirazione di Verticchio il quale ci rende
partecipi della sua traversata virtuale proprio lì dove Terzani si fermò a
vivere. Ad aiutarlo, oltre ad un set di strumenti necessario che marchiano la
direzione stilistica ed emozionale, la presenza di una chitarra elettrica
utilizzata quantitativamente come non mai, forse, in precedenza. Un ulteriore
passo verso la ricerca di uno stato interiore ideale che probabilmente non
troveremo mai, ma motivo primo per cui impegneremo ugualmente un'intera vita
nel tentativo di raggiungerlo. Un ulteriore gran disco.
(Andrea "Emo" Punzo -
www.hardsounds.it)
Nimh: Travel Diary (CD 2009 - Silentes)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Here we go with a new
release by Nimh after a small hiatus he's back with a plethora of new releases,
the label is again Silentes and right after Maurizio Bianchi and Aube he's
probably the most prolific artist on Silentes. According to my opinion this
"travel diary" is the ideal follow up to "The Missing
Tapes", the sound aesthetic of this two records is considerably different
but by some means the travel-diary concept and the travel-music idea is
basically the same. Clean production but with a warm feel, and if you consider
in the line notes the artist wrote there's no synth and no electronic
instrument involved in the production of this full-length we can assume he did
a great work to produce it. The pictures of asiatic people included in the
layout say a lot, infact Nimh used a bunch of singular exotic instruments with
weird names like khaen, falu, bendir, soong and so on, most of them are string
instruments, percussions and flutes, mouth organ. Believe it or not mixed
together with field recording, some voices and with his usual touch behind the
mixing desk he's been able to find out drones he's dragged around in this or
that track adding an high hypnotic feel to an already oniric atmosphere. This
CD features a bunch of tracks Verticchio has put out on some other releases
before plus a new track and everything has been remastered, the result is great
since instead of sounding like a greatest hits it all has a uniform idea that
links all of the tracks of the CD. I'm tented to say some of this artist has
rarefied the atmosphere of his compositions leaving field recordings floating
ashore on the surface of the single song, everything is embroided with a great
taste and the global result stands on the edge between soft dark-ambient and
ethnic-music. I'm sure William Burroughs and mighty Bryon Gysin would have
enjoyed the trip, you can bet it!
(Andrea Ferraris - Chain
DLK)
Nimh/Mauthausen Orchestra:
From Unhealthy Places (CD
2009 – Silentes)
[ http://www.oltreilsuono.com/nimh
]
Due pionieri della musica non
convenzionale che s’incontrano sulla linea del fuoco dell’energia pura. Se
l’eclettismo di Giuseppe Verticchio (Nimh) non si preclude a nulla, il rigore
etico di Pierpaolo Zoppo (Mauthausen Orchestra) resta più che mai piantato nel
solco del power-electronics nichilista che non concede sconti. La bontà del
progetto licenziato col titolo “From Unhealthy Places” sta proprio qui, nel
carattere di un’alleanza tanto atipica quanto intrigante, almeno a giudicare
dai 3 assalti ultrasonici che incendiano i noisescapes di questi “luoghi
insalubri”. E’ il lessico del rumore rivoluzionario che continua a moltiplicare
atti e proseliti perché miniera inesauribile di forme espressive che parlano al
presente, perché metafora del mondo che continua a crollare implodendo su se
stesso.
(Aldo Chimenti – Rockerilla)
In coincidenza con l’uscita del
retrospettivo “Sonic Deprivation” e ad un anno abbondante dalla seconda
resurrezione di Mauthausen Orchestra, sancita da “Where Are You Going?”
accreditato all’acronimo M.O., dopo quella non duratura della prima metà dei
’90, Pierpaolo Zoppo mostra armi ancora affilate coinvolgendo nella furibonda
kermesse industrial di “From Unhealthy Places” Nimh, al secolo Giuseppe
Verticchio, che ad altre sonorità ci ha abituato con una discografia di
indiscusso valore. Granitiche tranche di ferreo credo industrial, “luoghi” come
vengono definiti dai titoli dei pezzi, ove regna incessante tormento e
indistinta, evidentemente esistenziale, sofferenza, e che scientemente
alternano ferocia e terrore, con intermittenti ripiegamenti, più diffusi
soltanto in “Second Place”, che più subdolamente mira la psiche, studiati
esclusivamente per sferrare un nuovo assalto che, secondo le leggi
imprescindibili di genere, sia proteso all’aspirazione sia finale.
(Paolo Bertoni – Blow Up)
The energy, the genius and
the intransigence of the music of the hystoric “cult” power electronics project
Mauthausen Orchestra/Pierpaolo Zoppo, united to the originalty, the
eclecticism, the rigorous experimental research carried on since fifteen years
by Giuseppe Verticchio, mostly with his “Nimh” solo project... Disturbing
images of unhealthy places, nocturne landscapes covered with fog, psychotic
nightmares, tormenting and delirious, described with sonorities of great impact
and incredible dramatic force... A dark and long itinerary, to be covered
wrapped in the spirals of a time that progressively seems to slow down and
stop, folded on itself, just like suspended in the void, without offering any
way out... A sonic adventure for brave souls... Elegantly packaged in a
digipack.
(Silentes)
Nimh: Krungthep Archives (CD 2011 – Silentes)
[ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Nonostante l'ampio utilizzo di
strumenti etnici “Krungthep Archives” appare l'opera più coraggiosa di Giuseppe
Verticchio o almeno quella maggiormente proiettata verso l'ignoto. Il futuro
viene osservato attraverso la decadenza post moderna di Bangkok tra disegni
elettronici, field recordings e drone che regalano all'ascoltatore suggestive
atmosfere nelle quali la sperimentazione è protagonista indiscussa. La parte
più consistente del materiale risale a quattro anni fa ma l'autore ha attinto
anche da vecchie cassette e, rispetto a “Travel Diary” e “The Unkept Secrets”, si
percepisce una visione globale di quello che sarà Nimh nelle prossime uscite.
Il rumore del traffico, gli abusi urbanistici e il senso di solitudine
trasmessa dai cartelloni pubblicitari che irrompono nell'ambiente accompagnano
la stesura di cinque movimenti di rara bellezza. Lasciatevi travolgere da un
incedere ieratico e meccanico ma non ponetevi mai domande sulla vostra
locazione spazio-temporale perché la musica in questione ha il potere di
trasportarvi lontano non garantendo il ritorno alla ferale quotidianità.
(Lorenzo Becciani “Divine” -
Dagheisha)
In this last effort,
Giuseppe Verticchio (frontman and multi instrumentalist behind Nimh) liberates
the musical possibilities of noises taken from various public places and subtly
interact this study with densely sonic instrumental textures (made of various
ethno-cultural instruments from traditional Asia). The musical signature and
general aesthetic direction are in the direct vein of the two previous releases
Travel Diary and Missing Tapes: moving, symbiotic and spatial relationships
between the acousmatic theater, fragmented acoustic tones and relevant organic
interferencies. The opening theme rises from the distance with an exquisite,
almost liturgical music procession made of hypno- minimal patterns, long
sustained acoustic drones and crowdy noises that progressively come into the
mix. Track 02 starts with an intense burgeoning medley of sounds, abrasive
noises, timbral and polymorphic textures which combined all together create a
kind of vertiginous cyclical mind trip through altered memories. Track 03
probably represents the highlight with its meticulous and well balanced
dialogue between static minimalism, luminous melodies lines, sustained
sonorities and an avalanche of noisy, crashing sounds. Track 04 is an
hypnagogic repetitive mantra for ethno instruments and sonorous, slowly
evolving drone frequencies, punctuated by cinematic noises and physical
atmospheres. Track 05 closes this energetically mobile and sonic voyage with a
vast collection of concrete materials and deliciously introspective acoustic
chords. Krungthep Archives reveal tremendous ecological soudscapes and
introduces the listener into an original trans-cultural sound monography. These
archives spontaneously communicate the pleasure to re-discover in a sensitive
way the micro-polyphony of everyday life. Well recommended for curious, sound
ethnographers and post-industrial (neuro-electronic) listeners.
(Philippe Blache -
Progarchives)
Nimh: This Crying Era (LP 2012 – Synästhesie Schallplatten)
[
http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Roma ed i suoi angoli bui, molti più
di quanti si sia disposti a credere. Eccovi un nuovo elemento sul quale
iniziare uno studio approfondito, partendo da questo commovente debutto che
segna la nascita della Synästhesie Schallplatten, nuova etichetta indipendente
romana dedita al suono ambient, drone ed industrial cui fa capo Matèo Montero,
dj dal gusto sopraffino e cultore di musica contemplativa. A firmare il tutto
troviamo Giuseppe Verticchio, anima eretica di un'Italia sconosciuta attraverso
il suo pseudonimo Nimh. Un musicista legato alla scena drones/industrial che
nasconde proprio nel nostro paese i segreti migliori, all'attivo qualcosa come
una ventina di album ed altrettante collaborazioni, scritti e visioni. This
Crying Era, un titolo che da solo vale ogni superfluo tentativo di spiegazione
e che riflette non tanto un opinabile visione della società quanto un analisi
introspettiva dello stesso artista che in questi sei brani pubblicati
esclusivamente su vinile mette a fuoco una serie di istantanee notturne da
vivere in completo isolamento. L'isolamento è proprio la chiave di lettura del
disco, che nel centro della notte sembra liberare i profumi e le sensazioni
migliori. E' grigio il colore dell'iniziale “This Crying Era”, un lungo
movimento noise a grana sottile che sembra farci sorvolare le rovine post
belliche di qualche straziato centro abitato, dove rimangono udibili solo
lontani echi metallici. E' grave anche la melodia che entra dopo il lungo meditare,
il suono del piano di Philippe Blache è etereo, una candida suonata che
vorrebbe portar sollievo alla cruda realtà vissuta nei primi minuti. Il secondo
brano viene a chiarire la natura dell'ambientazione, “Streets Of Teheran” è il
titolo che serve a renderci tutto più chiaro, fissando un focus sulla capitale
Iraniana sempre al centro dell'attenzione per le difficoltà sociali che il
regime di Ahmadinejad infligge da decenni. Il brano è di una bellezza
struggente, una composizione di fields recordings tra voci, elicotteri, camion,
automobili ed altri veicoli che ci trasportano proprio nella cruda realtà delle
strade della capitale. Un approccio riflessivo è quantomeno necessario per
entrare dentro la forza del brano, una testimonianza che in qualche modo diventa
diretta e che sembra voler denunciare le difficoltà di un popolo che conosce la
violenza fin troppo bene.“The Thanandar's Room” prosegue nel viaggio
increspandosi in un suono forte e penetrante, un brano la cui potenza potrebbe
togliervi la pelle, un ruggito soffocato e circoscritto in questa stanza non
precisamente identificata che sembra voglia gridare ma è in qualche modo
impaurita e frenata. “Dark Earth” scivola di nascosto nel sottosuolo, una serie
di note che ricreano un'ambientazione cinematica di forte intensità sempre
immerse in un ribollente background sporco ed apparentemente tranquillo. “A
Liquid Nightmare” parte con una registrazione di quello che sembra un
documentario medico/scientifico che sfuma pian piano in una zona oscura con le
pareti di metallo. Un flusso compatto e potente che assorbe completamente
l'ascoltatore trascinandolo in un viaggio privo di melodia se non negli attimi
finali. Atmosfera che continuano nei corrosivi drones della conclusiva “The
Garden Of Loneliness” un lunghissimo corridoio pervaso da punte d'acido, tuoni
ovattati e dalla stridula chitarra manipolata, accompagnando l'uscita di un
disco che è prima di tutto uno studio interiore oltre che un alto momento
musicale da vivere lontani da ogni terreno disturbo.
(Ivo D'Antoni –
Electronique.it)
Nimh is an avant-garde deep
ambient industrial electronic project formed by the multi-instrumentalist and
sound designer Giuseppe Verticchio. Nimh has evolved on the territories of
truly ecstatic-drone ambient music since the 90s with a vast catalogue of
releases published on various independent labels such as Afe, Silentes, Eibon
Records. Within a much more sonic industrial direction, Nimh has published
complex, intricate releases in collaboration with pioneers of electronic-noise
music (Mauthausen Orchestra, Maurizio Bianchi). After a series of innovative
releases (The Missing Tapes, Travel Diary etc.) which admit self-reflexive use
of acoustic instruments and turned to ethno-ritual droning music, Nimh is back
from the roots of blackened ambient music. This Crying Era clearly announces
the colour with psycho-acoustic and deeply moving dark ambiences in a pure
classy sounding form. This LP provides a stunning assemblage of rumbling
drones, ghostly like melodic textures, background noises. A sweeping dark
melancholia and an isolationist splendour prevail all along the album. The
droning aesthetism seems to be focused on doomscape laments and frozen-
neurotic sounds. The albums starts with the otherworldly and metaphysical “Crying
Era,” an atmospheric epic tune which slowly emerges from a charged catalogue of
bleak electronic noises. The leading melodious theme provides hauntingly
mysterious and beautiful eerie lines taken from processed piano textures. An
incredible touching and languid piece which carries on the more conceptual,
cinematic but still deeply immersive “Streets of Teheran.” This soundscape
features environmental sound geologies, acousmatic-drone metallic sequences.
Typical sound realms followed by Nimh in the latest releases. “The Thanandar’s
Room” is a breathtaking and amazingly oppressive ambience made of sustained
buzzing phrases and resonating bleak interferences. A mesmeric dronescaping
synthesized piece. The Side B provides burgeoning droney-aesthetic sound tapestries,
made of harsh noises, doom-like ambiences and sinister guitar vibes. Very
reminiscent to Giuseppe Verticchio’s collaborative works with Andrea Marutti
(notably the first release of Hall of Mirrors entitled Reflections on Black).
This Crying Era is a gorgeously cinematic and ominously bewitching album that
will ravish fans of the most uncompromising facet of the dark ambient genre
(masterful works from Lustmord, Raison d’être, Never Known…). Absolutely
recommended for beginners in Nimh’s dark ambient and mystical droning
minimalism.
(Philippe Blache - Igloo
Magazine)
Nimh/Antikatechon: Out
Hunting for Teeth (CD 2013 – Rage in Eden)
[
http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Lo spettacolare “Los Caprichos” di
Francisco Goya è stato scelto da Giuseppe Verticchio e Davide Del Col per
descrivere in termini visuali l'incrocio di stili ed attitudine sperimentale
avvenuto tra i due artisti nel corso di questi anni. Cinquanta minuti sono
troppo pochi per aprire e chiudere un discorso talmente ampio ma questo non impedisce
a “Out Hunting For Teeth” di candidarsi ad uscita dark ambient dell'anno tanta
è la scomoda efficacia dei cinque brani proposti. In alcuni casi si ha
l'impressione che la commistione di intenti sia servita per tirare fuori il
meglio da entrambe le menti e la traccia che presta il titolo all'album e “All
Will Fall” sono magnifici risultati di un processo evolutivo iniziato ancora
prima che i due artisti si conoscessero. In altri si percepisce il desiderio di
andare oltre e la lungimirante ”Those Specks of Dust” vale da sola l'acquisto
di un album da ascoltare in apnea. “Sleep Overcomes Them” chiude in bellezza
lasciando aperta la possibilità di altri volumi considerata l'intesa raggiunta.
(Lorenzo Becciani “Divine” -
Dagheisha)
Nimh e Antikatechon sono due
interessanti realtà del panorama dark ambient italiano. Nimh (Giuseppe
Verticchio), romano di origine e thailandese di adozione, sicuramente gode di
una maggiore notorietà, calcando le scene da ormai oltre un decennio, durante
il quale ha largamente esplorato panorami sonori di diverso tipo, spesso
contaminando la sua musica con sonorità e strumenti etnici provenienti
dall'estremo oriente. Antikatechon (Davide Del Col) è invece sulle scene da
meno tempo, ma il suo nome è già emerso grazie alle due pregevoli produzioni
precedenti, la cui dark ambient cupa, inquietante e a tratti quasi
religiosamente rituale ha fin da subito ricevuto ottimi riscontri da pubblico e
critica. Il risultato della collaborazione non tradisce le prerogative
fondamentali dei due paradigmi musicali, che anzi si sposano meravigliosamente
fra loro, dando vita a un disco di grande spessore. L'atmosfera è spettrale,
"Out Hunting for Teeth" accoglie l'ascoltatore con un crescendo di
distorsioni, un tunnel infinito di frequenze elettroniche il cui loop ossessivo
si arricchisce costantemente di nuovi elementi, sample vocali sembrano emergere
dal tessuto sonoro che si fa sempre più fastidioso. "Those Specks of
Dust" conduce a lidi maggiormente intellegibili e le reminiscenze industriali
della prima metà del brano si diradano, lasciando spazio a una melodia appena
accennata da un qualche tipo di strumento a corde. "You Will Not
Escape", titolo quanto mai appropriato, è un brano all'apparenza più
lineare, un unico flusso sonoro che si modifica e acquista nuove sfumature
senza soluzione di continuità, accompagnato da una ripetitiva sezione ritmica a
tratti appena percettibile. "All Will Fall" riconduce ad atmosfere
più affini alla sensibilità di Antekatechon, gotiche e decadenti, con protagonista
un motivo armonico dettato da un organo che progressivamente vede distorcere il
proprio suono fino alla ritrovata quiete finale. Chiude l'album "Sleep
Overcomes Them", brano in cui tutta la passione per la musica rituale del
duo emerge con maggior forza, le atmosfere son più rarefatte, i riverberi danno
un maggiore respiro alla composizione, mentre una voce sussurra formule
incomprensibili. La tenue linea melodica e le percussioni che accompagnano
l'ascoltatore alla conclusione mettono ancor più in evidenza la varietà di
soluzioni in possesso dei due. Che siate o meno appassionati di un genere
comunque criptico come quello di cui si occupano i signori in questione, la
spiritualità e la profondità di "Out Hunting for Teeth" non vi
lasceranno indifferenti.
(Istrice - Aristocrazia Webzine)
“Out Hunting for Teeth”
consists of a collaborative effort between two major figures and great musical
personalities of the Italian underground venturing electronic scene. Giuseppe
Verticchio (alias Nimh) is a multi-instrumentalist and an influential artist in
the world of esoteric-ambient droning electronic music (with a handful of
recommended albums published on Silentes). He is also known for his notorious
contribution in the territory of diversified acoustic exploration between sound
monographies and ethno-religious stylistical improvs. Davide Del Cole is a
brilliant dark ambient wizard and remarkable sound alchemist whose personal
work (as Antikatechon) can be appreciated as a new standard in the spheres of
moodscaping cinematic ambiences. Two singular and original musical
personalities for an outstanding, tumultuous and resonant dark noise ambient
manifesto. The slowly evolving sound textures and massively psych-acoustic
timbres include the presence of an aesthetic equilibrium between religiously
abstract procession and obsessional rumbling drama. The self-titled track is
such an intense and distorted noisy-bleak sonic demonstration melted into an
aural-decaying symbolist splendor. This last perfectly illustrates the painful-sinister,
fantasist and strangely compelling visual fascination we can find in Goya’s
realistic allegories. “Those Specks of Dust” is a brooding and effervescent
dronescaping lament, hauntingly immersive with some detached-angelic acoustic
based lines which escapes from the magmatic-spectacular and tragically heroic
noisy background. One of my favorites from the album because of its surrounded
metaphysically sounding fortress. “You Will Not Escape” is a more calm and
flowing cloud of sound frequencies for electric drone guitars and distant
subterranean noises which finally come to the fore to create an absolute
entrancing epic and crepuscular ambience. “All Will Fall” is a more
post-industrial soundscaping piece with large and absorbing synthesized chords
and guided by a fabulous energetic, cavernous and sonically doom sense of
unnatural sound imaginary. “Sleep Overcome Them” figures among the most truly
fascinating pieces I’ve heard in the specific dark-ambient genre-a cruel,
raging and spiritually elevated dronescape which leads to a true ecstatic
fervor. This closing track leaves the listener in a state of complete
redemption. To sum up things “Out Hunting for Teeth” is a grandiose, shimmering
and nightmarish dark ambient release that will ravish fans of the genre (New
Risen Throne, Hall of Mirrors, Atrium Carceri et al).
(Philippe Blache - Igloomag)
Nimh: Black Silences (CD 2015 – Naked Lunch Records)
[
http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Reduce dalla stimolante esperienza di
Twist Of Fate, Giuseppe Verticchio torna a rivestirsi dell’abituale alias Nimh,
ritrovando oltre un’ora di rumorose elucubrazioni chitarristiche,
originariamente registrate tra il 2010 e 2011 ma che solo ora vedono la luce.
Di luce, tuttavia ve n’è ben poca, a livello di suggestioni nelle tre lunghe
tracce di “Black Silences”, che fin dal titolo mette ben in chiaro il contenuto
del lavoro, che si attesta dalle parti dei recessi più cupi della produzione
dell’artista romano.
Due brani di circa diciotto minuti
l’uno e la loro ideale sommatoria di trentacinque costituiscono l’itinerario
sonoro proposto da Verticchio nel corso di “Black Silences”. La prima tappa del
suo claustrofobico viaggio attraverso profondità oscure e sinistramente
risuonanti è anche quella più maestosa e dotata di snodi compositivi, che si
svolgono tra cattedrali di rumore, ronzii e correnti di elettricità statica
degne di riconosciuti maestri quali Tim Hecker o Lawrence English, ai quali
Verticchio mostra di avere ben poco da invidiare.
L’approccio dell’artista romano è
comunque estremamente diretto ed esente da compromessi: lo dimostra appieno il
carattere monolitico della sua seconda declinazione del tema portante del
lavoro, dall’incedere granitico su iterazioni sferraglianti, pronte a
sciogliersi nel soverchiante magma sonoro del movimento finale, nel quale
pesanti oscillazioni accompagnano diversi gradi di saturazione dronica.
Al termine del viaggio non c’è luce
né ritorno in superficie: solo le frequenze riecheggianti di un silenzio
rumoroso, nero come la pece, dal quale le stelle restano distanti, eppure
possono ben essere immaginate sulle ali di un suono tanto angoscioso quanto
affascinante.
(Raffaello Russo - Music won’t save you)
Newly launched independent
label based in Italy Naked Lunch Records is an other fine purveyor of now
legendary industrial power electronic acts (Maurizio Bianchi…) and challenging
contemporary artists in the field of abstract and noisy drone ambient. It
sounds quite natural that Giuseppe Verticchio, mastermind of Nimh found a warm
welcome there.
With a quite singular,
eclectic and dense musical production that goes from thrilling cinematic
calmscapes, to ritualistic looped ambient and post-industrial drone artifacts
distributed internationally (Silentes, Eibon, Rage in Eden et al.)
Nimh figures among the
uncompromising icons of Italian experimental music. Despite it saw the light
quite recently this album has been recorded around 2010/2011. Chronologically
it is made of unreleased materials when the project was still signed by Silentes
Minimal Editions and turned to its distinctive ethno-ritual sound mappings
(Krungthep Archives.)
This new album has a
specific charm and flavor in Giuseppe’s fruitful musical trajectory. According
to me it is without any doubt the most minimalist-drenched drone album of the
whole discography. The equipment is reduced to its minimum and simply based on
electric guitar chords and various electronic treatments. Each track is
composed around a similar stylistic schema. Super distorted drone guitars and abrasive
textures are slowly moving and resonate in a rather epic, dramatic and ecstatic
style. The sound aesthetics remind me of transcendental noise acts from Troum,
the buzzing droned out doomscapes of Expo 70 and the post-rock atmospherics of
Tim Hecker.
A relevant and seriously
moody noise ambient album where guitar-orientated black noises are melted with
foggy and melodiously shimmering fragments. A menacing, harsh, intrusive,
nihilist and emotionally disturbing noisescapey experience which is well recommended.
(Philippe Blache - Igloomag)
Dopo una serie di collaborazioni e
progetti personali Giuseppe Verticchio riesce a recuperare queste straordinarie
registrazioni risalenti al 2010-2011 con le quali il prolifico autore scava nei
retaggi più oscuri della sua produzione.
In queste tre lunghe suite l’autore
si rivela più cinico che mai nell’affrontare il suo percorso sperimentale che,
avvalendosi di pesanti drone e strutture atmosferiche dark ambient, si spinge
in territori emotivi inconsueti.
Sfido chiunque infatti ad affermare
che la musica di Nimh sia fredda e calcolatrice. E’ evidente che le macchine
vengano piegate al suo volere secondo uno studio predefinito ma allo stesso
tempo ‘Black Silences’, forse per questo più prossimo a Hall of Mirrors di altri
capitoli della sua discografia, lascia il monolite industriale crescere di
minuto in minuto seguendo un istinto scevro da condizionamenti. Un po’ come se
un pittore dipingesse all’alba e si facesse guidare più dal mutamento dei
colori che dal paesaggio da riportare su tela.
Il secondo episodio è quello che più
travolge l’ascoltatore ma anche le desolanti e claustrofobiche derive degli
ultimi dieci minuti del terzo si rivelano un colpo da maestro.
Oltre ad essere destinato ad ottenere
maggiore visibilità all’estero rispetto al passato, “Black Silences” permette
di riscoprire Nimh alle vette artistiche che lo hanno reso un punto di
riferimento assoluto per tutta la scena italiana.
(Lorenzo Becciani - Suffisso Core)
Nimh: Circles of the Vain
Prayers (CD 2016 – Rage in Eden)
[
http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Ci sono pochi dubbi sul fatto che
Giuseppe Verticchio (Hall of Mirrors, Maribor) stia allargando i propri
orizzonti artistici. Con il passare degli anni la sua ricerca sonora lo ha
spinto ad incorporare influenze folk e world music in un contesto sperimentale
che all'inizio poggiava soltanto sull'elettronica di ambiente.
Le presenti quattro tracce,
registrate due anni fa e distribuite anche in una pregevole edizione limitata
in legno, rappresentano quanto di più tribale immesso sul mercato da Nimh fino
adesso.
L'immagine in copertina è un simbolo
legato alla tradizione tibetana ed infatti per l'album sono stati utilizzati
strumenti come rattles, khlui, tzeebu, rawap e tombak che fanno parte della
cultura asiatica e, oltre al piccolo stato guidato dai monaci, trasportano
idealmente in paesi lontani e affascinanti come Thailandia (già narrata nei
minimi particolari nello splendido “Krungthep Archives”) Iran e Mongolia.
A questa strumentazione si affiancano
pianoforte, violino, vari oggetti metallici e l'uso di field recordings ma non
sintetizzatori e questa è sicuramente una sorpresa.
“Circles of the Vain Prayers”' vede
la presenza di Enrico Verticchio e “Violating the Limits” quella di Claudio
Ricciardi, ma è “Touching the End” a marcare il territorio circostante con un
crescendo epico in apparente contrasto con le divagazioni rumoristiche di
“Black Silences”.
Quando infine si arriva a “Srivatsa”
l'energia sembra avere preso possesso del nostro corpo e, credenti o non
credenti, anime filosofiche o meno, è impossibile non essere trascinati da
tanto fervore spirituale. Difficile immaginare dove lo porterà questo percorso
ma Giuseppe Verticchio si conferma uno dei pochi musicisti di casa nostra
dotato di un tocco unico e di un profilo internazionale spiccato.
(Lorenzo Becciani - Suffisso Core)
For those who are not yet
familiar with the work of Giuseppe Verticchio (Nimh), this Rome-based artist
has created a handful of ethno-ritual, soothing and ominous industrial drone
releases for labels such as Silentes, Eibon and Rage in Eden.
“Circles of the Vain
Prayers” appears to be his latest effort to see the light on the
martial/industrial/neo-folk label Rage in Eden.
In this new release Nimh
reiterates on the entrancing neo-spiritual and mystical direction of his
processed and semi acoustic ambient music.
However, contrary to his
past albums such as “The Missing Tapes” and “Travel Diary” which also have an
inclination for ethnic droning sonographies, this new album reinforces the
darkened religious facet with a great corpus of enthralling and vertiginous
loops which advocates ritual trance states observable during shamanic
ceremonies/catharsis processes and astral voyages.
Based on small repetition
of phrases and electronically processed figures of acoustic timbres the music
really seems to communicate with some invisible forces and deities from the
nature.
Musical comparisons can be
found at the same time in the experimental-conceptual music of Henry Flynt,
Angus McLise or Lamonte Young as well as in the static dreamy ambient tracks of
Rapoon.
The whole thing is enriched
by diverse noisy sequences, field recordings and samples. A very sensorial and
tripped out hypnotic avant-folk ambient album. An absorbing and vertical
listening treat for the ears. Absolutely recommended for fans of blackened
looping ambiences.
(Philippe Blache - Igloomag)
Normality
Edge: Inner Photographs (5+1 CD-R BOX 2002 - Afe)
[ hue@moriremotutti.com ] [ http://www.moriremotutti.com/ne)
Inner Photographs è un'opera
complessa. Trattandosi di materiale che è stato prodotto nel corso di un lungo
periodo di tempo, e soltanto in un secondo momento raccolto in un box di 5
CD-R, più un altro disco disponibile su richiesta, esso riflette in qualche modo
le diverse esperienze di vita dell'autore, le diverse circostanze, i diversi approcci, i diversi stili e le
diverse fonti di ispirazione, non solo musicali, che nel corso di più di cinque
anni ne hanno influenzato e contraddistinto la vita quotidiana... L'autore
stesso, nelle note interne, ci spiega che parte della musica contenuta nel box
gli appare ora piuttosto distante, giacchè molto tempo è passato da allora, e
aggiunge che a tratti stenta persino a riconoscere sè stesso nella persona che,
molti anni fa, l'ha composta e registrata... Ciò nonostante essa è comunque
parte della sua vita, ed egli ancora la ama e la apprezza sinceramente, ed è
felice di aver trovato una opportunità per pubblicarla e proporla ad una
cerchia di persone più vasta di quella, piuttosto ristretta, che per lunghi
anni è stata a conoscenza della sua attività di autore di musica... I 6 CD-R,
pur essendo accomunati da sonorità di matrice elettronica, spaziano tra generi
anche molto diversi tra loro, e ad ogni "genere" è stato dedicato un
CD-R. Trattandosi di una quantità di materiale enorme, più di 4 ore, è impossibile fare una
descrizione analitica e dettagliata brano per brano, ma è comunque possibile
cercare di evidenziarne almeno gli aspetti
principali, soffermandomi magari maggiormente sui titoli che,
stilisticamente, si avvicinano di più ai generi comunemente trattati su “Oltre
il Suono”. Il CD-R "Ambient Grooves: A Drowning Fish" è sicuramente
tra questi.
Suddiviso in nove brani, otto più una
"extra track" che comunque rimane perfettamente integrata al
contesto, Ambient Grooves: A Drowning
Fish propone diversi tipi di situazioni. Si parte con "No Panic",
un intro che descrive dettagliatamente una situazione di emergenza: allarmi e
sirene miscelate a rumori e grida di folle in fuga disordinata, per proseguire
con "A Drowning Fish", la
title track, non a caso uno dei brani migliori dell'intero CD-R, costruita con
registrazioni di rumori concreti, pulsazioni sintetiche, disturbi, onde di pads
e suoni elettronici dalle progressioni dilatate... In "A Blameful Pause" compaiono affascinanti elementi
ritmici sovrapposti a miscele musicali dalle tinte piuttosto oscure, così come
sono sempre piuttosto "dark" le atmosfere del seguente "In White
Buildings", i cui elementi fondamentali sono un substrato di suoni tesi e
una voce recitante in primo piano. "Red Rose Flesh" è poco più di un
frammento, meno di un minuto di durata, e vede ancora la presenza di una voce
umana sovrapposta a rumori di sfondo simili a fogli di carta che vengono accartocciati. In "Useless Garden of Anxiety"
tornano degli elementi percussivi, che questa volta vanno a descrivere e ad
accentuare con un andamento quasi "cerimoniale" suggestioni sonore di
grande impatto e dal sapore vagamente "apocalittico". Nel seguente
brano "Your Wrinkles" tornano ancora efficaci miscele di suoni
elettronici, disturbi vari, e cadenzati movimenti ritmici in lontananza. Particolarmente inquietante l'effetto della
voce maschile trattata che domina la scena in "Everything Float",
brano che descriverei come una sorta di strano incubo, e molto evocativa
l'extra track "You Listen to Me", che chiude, direi decisamente in
bellezza, questo CD-R...
Atmosfere completamente diverse in Industrial Noises: Avoid Contact. Qui
la musica si fa decisamente aspra, "prepotente", i suoni saturi,
distorti, impattanti... Decisamente "energico" il brano introduttivo
"Last Strand", come anche il seguente breve "A Suffering",
alle cui masse sonore devastanti vanno
ad aggiungersi potenti suoni percussivi. In "Stormy Stomach"
compaiono momenti di maggiore quiete, ma si tratta sempre di una quiete
piuttosto relativa: di breve durata (il
brano è di 3 minuti...) e interrotta da
continue percussioni "tuonanti". In "Need" le atmosfere si
fanno a tratti più rarefatte, seppure in genere molto tese, a causa delle
sonorità sempre piuttosto acide e graffianti... Indescrivibili quanto
affascinanti le situazioni "confusionarie" e un po' surreali di
"Loops", cui fanno seguito i due minuti di sequenze ritmiche di
"This Shit", e i sette minuti di "No Reason to Change for",
brano caratterizzato da un incedere ossessivo e un po' ipnotico. "Inner
Sounds" spezza decisamente il quasi ininterrotto flusso di
"straripante" energia che ha caratterizzato la musica fino a questo
punto: nel silenzio assoluto emergono il suono basso e profondo di un cuore
pulsante e quello di un respiro, ai quali vanno progressivamente ad aggiungersi
altri rumori vari ed echi di voci umane. Seguono ancora i crudi movimenti
circolari sintetici ed elettronici di "I Am", la breve versione
"mix one" del già citato "Need", e l'extra track "This
is a Mistake" costruita applicando pesanti effetti eco ad una voce
maschile cantante/recitante.
In Dark Rhythms: Monochrome Life, è sempre abbastanza frequente l'uso di parti ritmiche e percussioni, ma le
sonorità tornano ad essere meno estreme, e decisamente "oscure". Splendido in questo contesto il suggestivo
brano di apertura, "Laudomia (City of the Deads)”, cui fanno seguito i più
ritmici "Run (Authority Hunt)" e "Monochrome", quest'ultimo
caratterizzato da cadenze di tipo marziale. Il brano "Ovunque" sembra
un po' al di fuori del contesto del CD-R, caratterizzato come è da una cantato
distorto, suoni acidi e ritmiche "crude" e pesanti. "The Tiranny
of Order" torna allo stesso tipo di atmosfere più suggestive, oscure e
descrittive, che hanno preceduto "Ovunque". Ancora parti ritmiche, ma
questa volta sovrapposte a suoni di pads più "morbidi" ed evocativi,
in "Minimal (Zu Ende Gehen)" e "Minimal (Ende)". L'extra
track "Hard Enough", decisamente estranea al contesto musicale del
CD-R, propone otto minuti e mezzo di materiale musicale eterogeneo variamente
miscelato, e può considerarsi più una specie di esperimento che non un
"brano" vero e proprio.
Il contenuto musicale del CD-R Anxiogen Dances: Instable Balance è ben
descritto dal titolo. In questo disco tempi velocissimi e ritmiche piuttosto
"frenetiche" dominano incontrastate la scena, accompagnate da effetti
elettronici, masse di suoni spesso saturi e aggressivi, loops di sequenze
armoniche rapidissime che (intenzionalmente...) non lasciano mai (o quasi...)
un attimo di tregua... Abbiamo quindi il brano di apertura "Two" e il
successivo "The Commercial One" che riflettono in pieno questo tipo
di approccio. Segue "If You Think to Know Me" che inizia con strani
rumorismi elettronici, ai quali vanno poi ad aggiungersi ulteriori effetti
sintetici, effetti vocali, e una ritmica un po' meno "aggressiva" di
quanto già ascoltato in precedenza. Seguono quindi "Ira" e "Weak
End", anch'essi costruiti su ritmiche decisamente "prepotenti",
ma che lasciano ogni tanto anche alcune brevi manciate di respiro...
"Drink/Food/Cigarette/Wank" cambia completamente direzione: le pur
presenti basi ritmiche suonano in modo
completamente diverso, i tempi sono lenti, l'andamento più quieto, i suoni più
immateriali, le atmosfere più oscure, decadenti... "Very Instable"
"aggredisce" immediatamente,
riconducendo di colpo l'ascolto verso soluzioni pesantemente ritmiche,
decise e frenetiche... Seguono ancora i tre minuti scarsi di "25
Years", costruita con masse di suono rumorose e campioni trattati di grida
umane dal sapore un po' "orrorifico", e il "reverse mix" della già citata "Weak End".
Unpleasant Songs: Il Confine inizia con una traccia, "Il Confine del
Tempo", che mi ha immediatamente ricordato un certo tipo di musica elettronica, un po' melodica e sognante,
diffusa nei primi anni '80; in particolare mi è venuta in mente la
"Floating Music" di Robert Schröder. Un breve flash. "Song
One" assume immediatamente connotati più "sperimentali", la
struttura della musica si fa più astratta: pulsazioni ritmiche spezzate, suoni
elettronici, disturbi, una voce, altri effetti di vario genere... "Handy
Song" parte con una sequenza ritmica di batteria elettronica cui vanno ad
aggiungersi progressivamente una sequenza melodica, altri giri armonici,
effetti elettronici e "supplementi" ritmici-dinamici... In "Il
Confine degli Amici" tornano gli elementi musicali melodici, ma in questo
caso i suoni sono un po’ troppo "crudi", e le sequenze armoniche un
po' troppo "geometriche"... "A Very Silly Song" sembra
lambire i territori della musica ambient, disegnando a tratti affascinanti
paesaggi sonori, anche con l'ausilio di tenui melodie ed elementi ritmici
piuttosto discreti. "The Social Sadness" vede alcuni inserti ritmici
e percussivi e vari effetti sonori
disposti in modo diverso lungo gli otto minuti di durata del brano,
appoggiati su basi di suoni elettronici e di (apparenti...) chitarre elettriche
distorte (forse sintetiche...). La successiva "Il Confine" propone un
frammentato collage sonoro, della durata di 10 minuti, senza alcuna forma di
continuità, costituito da campionamenti audio provenienti dalle sorgenti sonore
più disparate. Un esperimento più che un brano, cui segue ancora un minuto e
mezzo di sole sequenze ritmiche sintetiche registrate, come extra track, sotto
il titolo "New Song".
In aggiunta ai cinque CD-R
sopraelencati, c'è un sesto disco che è disponibile a richiesta, e che completa
il box. Si tratta di Nervous System Overload, e la
particolarità di questo CD-R è che viene fornito con una copertina sul cui
fronte è presente un disegno fatto a mano dall'autore, diverso per ogni copia
che viene distribuita, e quindi in
sostanza "personalizzato"a seconda del richiedente. Questo lavoro
racchiude undici brani che fanno prevalentemente uso di aggressivi rumorismi
elettronici, suoni acidi e graffianti, loops ossessivi e ansiogeni, sibili
acuti, ronzii, potenti picchi dinamici, voci umane rielaborate, disturbi di
vario genere. Spesso è abbastanza percepibile la semplicità degli elementi
usati per le composizioni, ma
nonostante questo la
musica contenuta nel CD-R esprime solitamente un certo
fascino, pur nella sua non celata elementarità... Non mancano inoltre episodi
in cui la musica cessa di "aggredire", lasciandosi andare a soluzioni
meno "impattanti", e in questo ambito desidero segnalare in
particolare "An Attempt of Kindness", brano particolarmente
significativo nel quale le atmosfere si fanno quasi "ambient", e nel
quale si scorge una maggiore cura e attenzione all'aspetto compositivo, alle
progressioni e ai vari "passaggi" che caratterizzano i diversi
momenti del brano. Sempre in questo ambito desidero citare ancora il seguente
"Black Memory", che pur sfruttando elementi abbastanza semplici
riesce a ricreare atmosfere oscure molto suggestive, e il brano di chiusura
"Serial Meet Parallel", nel quale è possibile osservare una strana
miscela di rumoriosmi elettronici e voci in loop disordinato ai quali dopo
alcuni minuti vanno a sovrapporsi lente sequenze di accordi d'organo dal suono
caldo e avvolgente, che progressivamente prendono il sopravvento mentre i
rumorismi si dissolvono, e che poco oltre cambiano forma trasformandosi in
rapide sequenze di note melodiche sulle quali torna in primo piano una voce
umana dall'impronta timbrica in realtà molto poco "umana"... Inutile
dire che, se avete acquistato il box, non è certo il caso di rinunciare a
questo sesto CD-R, che ne è l’essenziale complemento...
Concludo questa lunghissima e
articolata recensione, sottolineando come la realizzazione di questo ricco
"box" da parte della Afe Records, sia da premiare anche per l'estrema
qualità della confezione e della presentazione più in generale, aggiungendo che
l'autore della musiche ha anche curato personalmente l'aspetto della grafica,
davvero raffinata e perfettamente adeguata al contesto....
(Giuseppe Verticchio)
Normality Edge's
"Inner Photographs" box-set consists of five discs and collects all
the tracks produced by this project during its existence between 1996-1999. All
material was reworked and put into shape in 2001 and is released here for the
first time. All tracks were created by Hue using only cheap microphones,
various objects, primitive sound editors and Dos sequencers. No midi machines,
synths, external samplers and so on were ever used. The musical contents are
different for each disc and vary from the Dark/Isolationist atmopheres of
"Ambient Grooves: A Drowning Fish" to the harsh and distorted assaults
of "Industrial Noises: Avoid Contact", passing through the more
layered and rhythmically structured "Anxiogen Dances: Instable
Balance" and "Dark Rhythms: Monochrome Life", ending with the
less obsessive and gentler "Unpleasant Songs: Il Confine (The Edge)".
It would really make no sense getting into the details about each track since
this work must be seen/listened as a whole. The Normality Edge "Opera
Omnia" is completed by a sixth disc entitled "Nervous System
Overload" recorded back in 1995, which is sold separately from the box and
is a mixture of Power Electronics and strange ambiences created assembling only
sounds captured with microphones and without any kind of sequencer. The
inspiration for all the music contained on this box is the sadness, anxiety and
angst felt by the author at that time. Life changes, things get worse or better
for anyone and Hue is making completely different music now with his
"Sparkle In Grey" project, but
"Inner Photographs" is here and it's now: don't miss it.
(Afe Records)
Nosesoul: Angel Ghost &
Human Shades (CD 2006 - Hic Sunt
Leones) (Francesco Paladino & Opium)
[ opium@regnodelsuono.com
] [ http://www.regnodelsuono.com ]
A pochi mesi di distanza dall'uscita
di "Angel's Fly Souvenir", CD di Alio Die in collaborazione con
Francesco Paladino, Hic Sunt Leones propone un altro lavoro che vede
protagonista lo stesso Paladino, stavolta affiancato dal ben noto e apprezzato artista italiano Opium, uniti per
questo nuovo progetto musicale battezzato "Nosesoul". Ciò che
affascina e colpisce, sin dalle prime battute, è l'impronta ben riconoscibile
del tipico "sound" di Opium, sempre estremamente elegante, ricco,
raffinato, caratterizzato da un fantastico senso di "apertura",
spazialità, profondità, limpidezza, frutto di un perfetto connubio di sonorità
elettroniche, elementi acustici, sofisticata elaborazione e trattamento delle
sorgenti sonore... Sicuramente uno degli artisti italiani in contesto
ambient-elettronico che cura gli aspetti più spiccatamente tecnici legati alla
qualità del suono con la stessa attenzione e meticolosità che riversa
nell'affrontare gli aspetti meramente creativi-compositivi della musica che da
molti anni produce e propone. Alle tipiche e affascinanti atmosfere in stile
ambient-rituale che da sempre caratterizzano l'opera di Opium, si sovrappongono
gli interventi vocali di Francesco Paladino, che con forma e soluzione diversa
enfatizza e talvolta "pilota" le variazioni stilistiche e anche
emozionali dei brani, indirizzandoli ora verso atmosfere d'impronta più
sciamanico-cerimoniale, come nell'ottimo brano introduttivo
"Preghiere", nell'altrettanto valido "Grasswall Painted
Green" o ancora in "Sunrise
Overflow", ora verso situazioni più inquiete e "aspre", come ad
esempio in "Light", in "Me, the Sky Sleeping" o
"Lament", brani in cui compaiono suoni molto rochi e gutturali,
strani vocalizzi, mugolìi e lamenti "disperati"... Analogamente a
quanto avevo osservato a proposito del già citato CD "Angel's Fly Souvenir",
sottolineo di aver trovato maggiormente riuscite e coinvolgenti le ampie parti
in cui la voce di Paladino si appoggia su substrati sonori più materici e
articolati, su fondali già pregni di forte impatto drammatico ed emotivo,
riuscendo ad arricchirli e ad enfatizzarne l'efficacia attraverso ulteriori
suggestivi elementi di tipo vocale ben integrati, amalgamati e talora
"confusi" tra le trame sonore sottostanti. Interessante e valida
collaborazione/progetto che ci auguriamo possa in futuro riproporsi
nuovamente...
(Giuseppe Verticchio)
Olhon: Sinkhole (CD 2006 - Eibon)
(Where & Bad Sector)
[ sobolkho@yahoo.it ] [ http://www.olhon.org ]
Assolutamente impressionante. Un CD
di spessore "monumentale", che sembra aver preso forma direttamente
dalle profondità delle più impenetrabili viscere della terra... Dietro questo
indiscusso capolavoro di musica d'impronta fortemente oscura e drone-oriented,
che definire però "dark-ambient" sarebbe alquanto riduttivo e
impreciso, hanno "operato" gli italiani Zairo e Massimo Magrini, già
conosciuti per i rispettivi progetti personali "Where" e "Bad
Sector". Indispensabili alcune note esplicative, tratte dalla copertina
del CD, presentato peraltro da Eibon in una elegantissima e pregiata confezione
in cartoncino. Il "Pozzo del Merro" è una profonda depressione sulla
superficie della terra, situata a pochi chilometri ad est di Roma. Si tratta
sostanzialmente di una profonda cavità naturale verticale, in gran parte
sommersa dalle acque, che termina a forma di imbuto nella parte superficiale,
apparendo come un piccolo lago del diametro di circa trenta metri. La parte
asciutta e imbutiforme di questo "pozzo", ricoperta di rigogliosa
vegetazione, arriva ad una profondità di circa 70 metri rispetto al suolo
cirostante. La parte più stretta e sommersa invece, che è stata esplorata
diverse volte nel corso degli ultimi anni per determinarne la profondità, si
spinge ulteriormente nel sottosuolo ancora per 392 metri, come evidenziato
dall'ultima rilevazione effettuata nel marzo del 2002; ma non si tratta in realtà dell'effettivo
limite estremo, in quanto sembra che attraverso un più stretto e ricurvo
percorso sotterraneo l'abisso si spinga ancora più in profondità... Zairo,
attraverso l'utilizzo di particolari microfoni e speciali apparecchiature, ha
contribuito alla realizzazione di questo CD effettuando delle incredibili
registrazioni in loco, sia nella parte "asciutta" di questa
depressione, sia nella zona superficiale della più profonda area sommersa.
Magrini, come anche lo stesso Zairo, ha
successivamente rielaborato in studio il materiale sonoro originale, attraverso
l'applicazione di vari processi ed effetti quali pitch shifting, filtraggi,
riverberi, missaggi, dissolvenze... Il risultato finale, come già anticipato, è
assolutamente incredibile e straordinario, per impatto, per la qualità del
suono, per profondità, per dinamica... Vivamente consigliato in questo caso
specifico un "doppio ascolto" del CD; uno in stato di assoluto
"isolamento" dall'ambiente esterno, attraverso una buona cuffia in grado
di riprodurre le frequenze più basse altrimenti non percepibili attraverso il
vostro (seppur ottimo...) impianto stereo, l'altro invece, più
"naturale", a volume piuttosto sostenuto attraverso i diffusori,
esperienza che vi regalerà incredibili vibrazioni "fisiche", colpendo
dritto allo stomaco nei momenti di maggiore dinamica e impatto, e consentendovi
di percepire concretamente, anche a a livello "tattile" e
"corporeo", le incredibili metamorfosi sonore delle dieci tracce presenti su questo CD, tutte idealmente
ispirate all'espolorazione in profondità di questo oscuro abisso naturale
ancora parzialmente inviolato.
(Giuseppe Verticchio)
One Sound Duo: The Way
Becoming (CD 2014 – Tide)
[
http://www.oltreilsuono.com/claudioricciardi ]
Dopo qualche anno di silenzio, e
alcuni interessanti lavori autoprodotti su CD-R realizzati tutti tra il 2013 e
il 2014, Claudio Ricciardi (già membro in passato di formazioni quali Prima
Materia, Handance, Timelines) stavolta insieme all’amico/musicista Orlando
Lostumbo (anch’egli ex membro di Handance e tutt’ora componente dei Cosmogram)
realizza come “One Sound Duo” questo nuovo CD pubblicato attraverso Tide
Edizioni. Se negli anni passati Claudio Ricciardi è stato noto soprattutto per
le sue varie attività ruotanti “intorno” al didjeridoo (con album pubblicati,
esibizioni dal vivo, pubblicazione di uno dei primi e fondamentali libri in
lingua italiana sull’argomento, costruzione dello strumento in vari
materiali…), negli ultimi anni, grazie soprattutto all’acquisizione di
specifiche competenze nell’ambito dell’audio editing e del montaggio/mixing al
PC, ha notevolmente ampliato il suo raggio d’azione, realizzando, oltre ai già
citati CD-R in solo, questo nuovo e affascinante album collaborativo. Otto
tracce di difficile collocazione stilistica, dove comunque i riferimenti più
significativi possono essere colti nella musica ambient, intesa in senso lato,
e nella musica di matrice etnico/rituale.
Così mentre i brani “Kindred Spirits
on the Sea” e il seguente “Becoming Way” rimangono abbastanza “sospesi”, tra
“discrete” melodie di disco armonico, rumore di onde marine, morbidi
accompagnamenti e melodie di sintetizzatore, “grappoli” di note di basso
elettrico e contrabbasso, il successivo “Basho’s Hermitage” punta in una
direzione spiccatamente rituale, descrivendo, attraverso voci recitanti, cori,
percussioni, e inserti elettronici, una sorta di ipnotico e coinvolgente
cerimoniale.
“Terrestrial Core” vira in altra
direzione ancora, abbinando il suono “quieto” e aritmico del didgeridoo di
Claudio Ricciardi a substrati e inserti spiccatamente elettronici: quasi cinque
minuti di pura “stasi” “dronico-elettronica”.
In “Jumping Fifth” tornano di nuovo
protagoniste le melodie metalliche e riverberate del disco armonico di Claudio
Ricciardi abbinate alle pulsanti sequenze ritmiche di basso elettrico e
contrabbasso di Orlando Lostumbo. Sul fondo ancora fondi di synth, ma il brano
assume connotati improvvisamente più “incisivi” laddove inaspettatamente entra
in primo piano una “prepotente” melodia di organo.
Segue “The Voice in the
Room”. La voce (canto armonico), la stanza e
le note di chitarra sono quelle di Claudio Ricciardi, così come il trattamento
della medesima sorgente sonora, talvolta stratificata su più piani, mentre
ulteriori, “sommesse” elaborazioni e l’aggiunta di suoni elettronici di
arricchimento sono evidentemente ad opera di Orlando Lostumbo.
“Lovers” vede l’accostamento di
delicate sequenze di piano digitale, disco armonico, “morbidi” fondi sintetici,
gocciolii d’acqua… Sei minuti di pure, quiete e sospese atmosfere
ambientali…
“The Cave” si addentra invece in
antri cupi e sotterranei, dipingendo attraverso profondi drones, campionamenti
di rumori naturali e suoni di synth atmosfere oscure, inquietanti ed evocative,
concludendo con grande efficacia questo lungo e variegato “viaggio sonoro”.
Non perdete di vista questa
formazione: per l’inverno sono in programma esibizioni live cui consiglio
vivamente di non mancare.
(Giuseppe Verticchio)
To produce and compose
music in the very moment of its execution: in a sense, One Sound Duo was born
thus, by letting a time made of silences and sounds free to flow, until a music
happens, like a sudden answer to some question. There is no time to think, no
arrangement before; one’s own instrument becomes the expression of the self, of
individual history, listening to many years, many sounds. The way becoming is a
path that initially leads nowhere, with no fixed intentions; it creates itself
in the very moment one travels through it. Even mistakes are unpredictable
elements introducing to new directions, helping to find new solutions. The presence of the Other, the hearing of
the Other, the positive and comfortable sound produced by the Other, leads to travel
through the same path more than once; it is not a repetition but a new way
towards new solutions, before coming back to silence; a freedom of expression
that finds in itself the limits of its own path. Spacedrum and double bass, two
instruments so far apart for their acoustics, look for a fusion into one sound;
they ask questions and propose solutions. The first belongs to the grouping of
the handpans: it is a melodic metal percussion that puts the rhythm into play
with a scale of notes, and that, in the range of its limitations, permits a harmonic
discovery on which the second, the bass belonging to the grouping of the
stringed instruments, inserts itself with its deep notes; they fuse together,
as in a blacksmith melting, linking quality of notes, pauses of silence,
manifold leaps of other harmonic intervals.
Later, the compositions
blend with electronic sounds and field recordings; thanks to reverberations and
several other effects, they create the illusion of a wider sound, becoming once
again something else. It is an always-moving arrangement that, even without any
staff, travels through, enters into, and goes beyond electronics. A
non-rational way that originates from and rests on that vital energy
accompanying every one of us since our birth. Pauses are inside, silence at the
end.
(Tide - Label Press)
Opium: The Reborn of the Rebel Angel (CD 2001 - Hic Sunt Leones)
[ opium@regnodelsuono.com
] [ http://www.regnodelsuono.com ]
Con questo primo lavoro da solista,
Opium ci mostra in modo evidente le due diverse "anime" che si
"contendono" lo spazio per l'intera durata del CD: una squisitamente "ambient", che
tende a fornire substrati costituiti da morbidi suoni di pads, onde cicliche, e nitide registrazioni di rumori naturali, l'altra invece
decisamente più dinamica ed elettronica, che si manifesta con giri di
sequencers e parti ritmiche concatenate che ora emergono e ora sprofondano nel
plasma sonoro sottostante, mutando continuamente forma e colore... Talvolta le
parti ritmico-dinamiche dominano la scena sonora, proponendo situazioni molto
coinvolgenti e misuratamente "energiche", talvolta sono invece le
sonorità più dilatate a prevalere, offrendo altrettanto efficaci momenti di
quiete e stasi... Le registrazioni sono molto nitide e dettagliate, e Opium
riesce a "sposare" splendidamente queste due esigenze, facendo in
modo che il continuo alternarsi di situazioni
differenti riesca a sottolineare e mettere in risalto le qualità sonore
ed emotive di tutte le parti...
"One Second Ago" introduce splendidamente l'ascolto,
proponendo sei minuti di ipnotici loops elettronici miscelati in vario modo
con pads di sfondo, rumore d'acqua, e
altri suoni di diversa natura... Nella seconda traccia, sovrapposti a sfondi di
pads in qualche modo simili a quelli del brano precedente, compaiono delle strane
parti ritmiche dall'andamento un po' disarticolato... Il terzo brano propone
scie di suoni caldi e avvolgenti sui quali si inseriscono di nuovo interventi
ritmici molto efficaci ed eteree parti vocali. Segue quindi una traccia
decisamente più "ambient", costituita da onde in evoluzione libera
dall'andamento più quieto, ma forse, per la stessa ragione, anche un po' più
anonima... Ovattate parti ritmiche e
pulsazioni elettroniche di "Schulziana" memoria sono gli elementi
fondamentali della quinta traccia: undici minuti di atmosfere molto suggestive
che non passeranno certo inosservate... Ancora ritmi miscelati a suoni
elettronici, questa volta però organizzati in modo meno efficace, nel brano che
segue; quindi la chiusura affidata ad una traccia caratterizzata da sonorità
spiccatamente "ambient", tese, oscure, e vagamente dissonanti. Un
lavoro particolarmente interessante, che riesce ad unire felicemente e con
grande gusto una misurata dose di energia e una discreta componente dinamica ad
una musica che vede comunque nel genere "ambient" il suo principale
punto di riferimento.
(Giuseppe Verticchio)
Opium: Floatdownstream
(CD-R 2005 - Silentes)
[ opium@regnodelsuono.com ] [ http://www.regnodelsuono.com ]
Nuova conferma per Opium, qui alla
sua seconda prova solista, che pur allontanandosi in quest'occasione da quelle sonorità più eterogenee, a tratti più elettroniche e molto dinamiche che
hanno caratterizzato ampie parti del precedente "The Reborn of the Rebel
Angel", ci propone un ottimo e ispirato lavoro di "classica"
ambient rituale dalle atmosfere generalmente dilatate e piuttosto oscure. Pur
allineandosi a schemi abbastanza collaudati (ma non per questo meno degni di
merito o considerazione...), questo CD-R,
originariamente uscito come autoproduzione nel 2003 e ora ristampato
dall’etichetta italiana Silentes, stupisce ugualmente per l'eleganza e la cura
con la quale è stato realizzato... Perfetti e misurati i passaggi tra le
diverse atmosfere, le dissolvenze tra le parti, i mixaggi, splendidamente omogenea
ma mai ripetitiva o noiosa la miscela sonora, ottima cura del dettaglio, della
composizione, ed evidente la capacità di saper dosare e integrare fra loro a
perfezione gli "ingredienti" utilizzati: basi di pads fluttuanti,
tessiture elettroniche, voci, percussioni, strumenti etnici a volte molto
rielaborati e quasi indistinguibili quali flauti, sitar, didjeridoo, strumenti
ad arco, registrazioni di rumori naturali... Le cinque traccie sono legate tra
loro, senza pause di silenzio tra i brani, a costituire un suggestivo continuum
sonoro per quasi un'ora di durata. Chi sia alla ricerca di sperimentazioni
estreme o grandi novità, potrebbe non comprendere il reale valore di questo
disco, ma se desiderate, più semplicemente, ascoltare un ottimo lavoro di musica
ambient-rituale in grado di condurvi tra splendide atmosfere, perfettamente
costruite e sicuramente emozionanti, non mancate di procurarvi questo CD-R...
(Giuseppe Verticchio)
Opium/Corder Jason: The
Present Day (CD-R 2006 - Practising
Nature)
[ opium@regnodelsuono.com
] [ http://www.regnodelsuono.com ]
Cinquantacinque minuti di flusso
sonoro ininterrotto, seppure suddiviso in sette indici, durante il quale, in
modo pressochè ciclico, si alternano tre o quattro "situazioni tipo"
che, in forma di volta in volta leggermente variata, si rincorrono e si
ripropongono per l'intera durata del CD-R. Ed ecco quindi, in apertura,
prendere forma atmosfere ambientali para-statiche molto calde,
"aperte", emozionanti ed evocative, arricchite di indecifrabili e talora
sommersi suoni e rumori derivanti da registrazioni ambientali,
riconoscibilissime, "tipiche" e ricorrenti in tanta musica già
siglata Opium. Gli strati sonori si arricchiscono progressivamente di nuovi
elementi, fino a che, discretamente dal fondo, appaiono i primi accattivanti
giri di sequencer. In questa prima "comparsa" si mantengono
"discreti" in termini di impatto e "presenza", pur
"conquistandosi" presto nel panorama sonoro un posto in primo piano,
ma nelle ricorrenze successive le linee di basso del sequencer si arricchiscono
spesso di sincroni ritmi di batteria sintetica e paralleli strati di suoni
spiccatamente elettronici organizzati in articolate e più incisive parti di
groove machines... Nella maggior parte dei casi il tutto evolve in un progressivo
e dinamico "crescendo", durante il quale ai caldi substrati sonori
ambientali, ai sommersi echi delle field-recordings, e alle emergenti parti
ritmiche e di sequencer, si sommano via via una quantità indescrivibile di
suoni e rumori, per lo più di origine elettronica, anch'essi organizzati in un
progressivo, talvolta anche molto invadente, "rumoroso" e
pseudo-caotico "crescendo": disturbi, ronzii, sibili, scricchiolii,
scie sonore, gorgoglii, pulsazioni, frammenti impazziti di suoni spezzati... Il
tutto talora sfocia in una vera e propria esplosione di dinamica, ricca di
microsuoni affastellati, cristallini dettagli, valorizzato peraltro da una
pulizia timbrica e da una qualità del suono straordinaria; altre volte invece
cresce in modo più moderato e "sommesso", per poi comunque
"spegnersi", in ogni caso, con un progressivo "acquietarsi"
di ritmi e suoni, e concludersi lasciando spazio nuovamente, per alcuni minuti,
a quelle stesse atmosfere statiche e ambientali tipiche di Opium già descritte
poco sopra, atte ad allentare temporaneamente la tensione emotiva e dinamica, e
a fungere da "ponte" per il successivo "movimento"... Sicuramente nulla da eccepire sulla qualità
delle musica e sulla qualità tecnica della registrazione, il tutto
indiscutibilmente di alto livello, e ben abbinato ad un impatto sonoro/emotivo
garantito... Ciò che soltanto mi sentirei di osservare è un senso di sottile
"prevedibilità", dovuta probabilmente alla ripetitività delle
soluzioni e dei suoni adottati. Questo in realtà si percepisce, durante
l'ascolto del CD, soprattutto nella seconda metà, quando cioè soluzioni e suoni
sono stati ormai in qualche modo già tutti "rivelati", e nel
prosieguo tendono un po' a "riciclarsi" senza aggiungere nulla di
sostanzialmente "nuovo" e marcatamente caratterizzante. In ogni caso
un CD-R sicuramente consigliato, che, grazie anche all'insostituibile apporto
di Jason Corder, va ad arricchire la già nutrita e validissima serie di CD e
CD-R firmati da Teo Zini/Opium.
(Giuseppe Verticchio)
Opium: Algorithms (CD 2007 - Silentes)
[ opium@regnodelsuono.com ] [ http://www.regnodelsuono.com ]
Straordinario ritorno di Opium, con
un CD, di nuovo pubblicato dall'etichetta italiana Silentes, che
sicuramente risulta essere in assoluto
una delle sue prove migliori. Stilisticamente sempre coerente con una musica
ambient "morbida" e fluttuante ma mai "anonima", nonchè
estremamente curata e dal consistente impatto emotivo, in quest' opera Opium
trova il perfetto connubio tra staticità e movimento, tra quiete e dinamica, in
una miscela straordinaria e perfettamente integrata di suoni sintetici, pads,
elementi acustici ed elettronici, suoni naturali, registrazioni ambientali,
echi appena sussurrati di componenti di matrice etnica. Un equilibrio che si
mantiene costante dall'inizio alla fine, un flusso sonoro emozionante in grado
di mantenere sempre alta l'attenzione, grazie ad un sottile e apparentemente
invisibile quanto in realtà robusto filo di tensione che tiene saldamente
legate le infinite particelle sonore che costituiscono, nel loro insieme,
questa ora di ambient music di altissmo livello. Nessun attimo di
"rilassatezza" eccessiva, nessuna autocompiacente e poco fantasiosa
"lungaggine", come capita di riscontrare spesso in altri album di
ambient music che condividono con questo CD di Opium sostanziali analogie
stilistiche. Nessun suono "fuori posto"; anche laddove emergono
alcuni elementi di più spiccata matrice elettronica il tutto è perfettamente
"misurato" e ben amalgamato... Nessuna "spigolosità",
nessun eccesso, ma al tempo stesso nessuna "leggerezza" o ricorrente
e mal celata carenze di idee. Fluido, elegante, raffinato, emozionante.
Sicuramente da non perdere.
(Giuseppe Verticchio)
A stunning new offering by
Opium. Classically elegant and extremely refined ambient music.
Multi-dimensional sounds that are warm and enveloping. An emotional travelogue,
starting dramatically, then taking the listener down a slower path, comfortably
easing you into a long and fascinating sonic trip, where the sounds grow wide
and large, and finally crumble inward, then regenerate, returning for another
phase. A new sonic alchemy, and an entirely new world of soothing sounds for
the adventurous listener to visit.
(Silentes)
Opium: Watercolors (CD-R 2007 - Practising Nature)
[ opium@regnodelsuono.com
] [ http://www.regnodelsuono.com ]
Debbo ammettere di avere qualche
difficoltà ultimamente nel recensire le nuove uscite di Opium, e non perchè non
le trovi sufficientemente valide o interessanti, quanto perchè ormai da anni
l'artista ha trovato un suo "standard" stilistico e qualitativo ben
stabile e definito, per cui mi riesce piuttosto difficile descrivere i suoi
lavori senza correre il rischio di ripetermi, di utilizzare in sostanza le
stesse espressioni, gli stessi termini, giungendo poi, in conclusione, alle
"solite" (positive) conclusioni. In tempi abbastanza recenti ha fatto
un po' eccezione il CD-R "The Present Day", realizzato insieme a
Jason Corder, CD-R che, probabilmente proprio perchè trattavasi di una
esperienza collaborativa, non era esattamente assimilabile a quanto solitamente
propone Opium quando lavora in solo. In "Watercolors" invece i suoni,
le atmosfere, le dinamiche, tornano a rispecchiare fedelmente la
"classica" ambient music "by Opium", costituita da un mix
eterogeneo, raffinato ed elegante, di suoni sintetici, registrazioni di suoni
naturali, elementi elettronici tenuti sempre discretamente in secondo piano o
che comunque non risultano mai predominanti o "invadenti", drones, pads, onde sonore dai movimenti
lenti e circolari, occasionali suoni metallici distanti e riverberati, talvolta
tracce di confuse parti ritmiche destinate a rimanere prudentemente
"seppellite" all'interno delle ricche e articolate stratificazioni
sonore... Utilizzando questa "formula" Opium ha già realizzato molti
CD, ma un elemento "chiave" che spesso li differenzia e li
caratterizza è, di volta in volta, una minore o maggiore propensione a lasciare
andare i freni, a "spingere" a tratti verso movimenti più dinamici,
drammatici e "impattanti" piuttosto che mantenere la musica
costantemente sospesa tra atmosfere più crepuscolari, quiete, statiche e
introspettive... Talvolta Opium appare più "coraggioso", e
"osa" maggiormente, sia per quanto riguarda la scelta dei suoni, sia
per quanto riguarda una maggiore "incisività" dal punto di vista
delle composizioni; talvolta invece prevale un atteggiamento più intimista e
"moderato", più vicino ad una musica ambient che, rifuggendo il ruolo
di "protagonista", è orientata invece a fungere più che altro da
discreto e quieto sottofondo sonoro "di riempimento". Personalmente
tendo a preferire Opium nelle sue versioni un po' più "audaci" (anche
se "audace" non è forse il termine più adeguato...), e parlando in
particolare di "Watercolors", direi che rispetto a questo discorso si
pone su un piano intermedio, seppure forse un po' più incline alla
"moderazione" che non all'esigenza dinamica e alla sperimentazione.
In ogni caso un nuovo valido lavoro che tutti gli estimatori di Opium e della
sua musica non mancheranno di
apprezzare.
(Giuseppe Verticchio)
[ http://www.silentes.net ]
Atmosfere oscure e al tempo stesso
sognanti, progressioni lente e dilatate, sonorità morbide e avvolgenti, tappeti
fluttuanti… Lo scorrere del tempo scandito dal ticchettìo di un orologio,
imprevedibili e indecifrabili suoni aspri e taglienti che violano il
quasi-silenzio; una nebbia che avvolge inquietanti paesaggi notturni
confondendone i contorni e distorcendone le forme… Poi ancora la stasi e la
quiete, interrotta da rumori percussivi riverberati, metalli risonanti,
movimenti di indefinibili masse materiche sferraglianti, echi di suoni saturi e
distorti … Sempre in equilibrio tra tessiture sonore più distese e spiccatamente
ambientali ed evocazioni di più tetre e oscure suggestioni notturne, gotiche e
decadenti, il connubio tra l’apporto dei due protagonisti di questo CD
collaborativo, i ben noti progetti Opium e Sostrah Tinniutus, appare
assolutamente perfetto e ottimamente calibrato. Un continuum sonoro di grande
fascino che non scontenterà sicuramente chi già conosce e apprezza la musica
dei due partecipanti nelle loro precedenti esperienze in solo, e che ugualmente
si farà apprezzare da chi si avvicini a questo imponente album collaborativo
senza avere contezza dei trascorsi musicali dei singoli artisti.
(Giuseppe Verticchio)
Warm, involving, deep and
penetrating sounds... Flowing sounds patterns, vibrating drones permeated by a
discreet sense of tension, evolving in dark, obscure, foggy, nocturnal
atmospheres, violated by raven voices, mysterious noises and sounds of metal
objects in motion... And then concrete noises, confused and elusive melodies,
feeble light flashes, buried echoes of human voices, distant whispers, sudden
passages of rough sounds, undefined nuisances, subliminal and hypnotic
sequences, just like a recollection of unreal and dusty sounds from an old
carillon... An extraordinary and not to be missed journey in the darkness, lead
with great skill by two of the most remarkable artists coming from the Italian
ambient/dark-ambient scene of the last decade.
(Silentes)
Orchestra Vuota: Naïve Music for Border-Line People (CD-R 2002 - Autoproduzione)
[ salvatpecoraro@tiscali.it ] [ http://www.oscillator707.net/sal-vat ]
Ascoltando questo CD-R, la prima cosa
che si percepisce è la varietà di stili
e influenze musicali che hanno sicuramente contribuito, almeno a livello di
ispirazione o di stimolo più o meno conscio, a fornire le basi per il
concepimento e la realizzazione dei 10 brani in esso contenuti. Il lavoro
infatti, caratterizzato fondamentalmente da sonorità elettroniche, attinge di
certo da esperienze musicali di tipo
diverso, ad ampio raggio. Si passa
infatti dalle atmosfere vagamente psichedeliche, come nel suggestivo e
originale brano d’apertura “Naïvemusic” e nel più “scioccante” e volutamente
“confusionario” “70’s Disaster”, alle
pulsazioni elettroniche e ai patterns ritmici della splendida “Lifeafterlife”,
di “Commercial #3”, e del (meno originale) “LostP”; dai “bozzetti” elettronici e sperimentali delle brevi “Commercial
#2” e “Commercial #4”, quasi degli “spunti” per brani che non sono stati
sviluppati in forma più ampia, alle sonorità ibride di “Whitejazz”, dove suoni
elettronici e una base ritmica sintetica dal (molto vago...) sapore jazz si
uniscono a costituire nove minuti di musica dall’indefinibile classificazione
stilistica; dalle progressioni più descrittive e drammatiche del buon brano
“Lovelyday”, alle sonorità “leggere” e “disimpegnate” del brevissimo
“Commercial #1”, che pur lasciando decisamente disorientati al primo ascolto
(essendo oltretutto posizionato nel CD-R subito dopo la tutt’altro che
“semplice e disimpegnata” “Naïvemusic”...), trova comunque una ragione di
essere nel contesto generale dell’opera, soprattutto se lo si interpreta come una specie di breve “omaggio” a quelle soluzioni Elettro-Pop che hanno caratterizzato
ampia parte della musica elettronica più “di consumo” negli anni ’80. Musica
dai molti volti e dalle mille sfaccettature quindi, che potrà essere apprezzata
a pieno soprattutto da chi è in grado di ascoltare e valutare un’ opera con un
atteggiamento di assoluta assenza di pregiudizi e preclusioni mentali a sonorità che traggano origine e
ispirazione da universi musicali anche molto diversi fra loro… Una interessante
realizzazione di musica elettronica, di buona qualità media, nata da una mentalità aperta che guarda verso il
futuro...
(Giuseppe Verticchio)
This is the 4th CD-R
released by Salvatore Pecoraro under the name of Orchestra Vuota (...) and it
also comes with a great title which saves me part of the trouble of describing
the music… Orchestra Vuota is a bizarre electronic creature with a strong kraut
feel and a taste for unconventional cut-ups and arrangements. Manipulated
samples (an acoustic guitar, gregorian chants, other people's records…) are
mashed with digital rhythms and textures in an often disquieting whole. Longer
tracks interspersed with shorter Can-inspired "commercials". Pecoraro
has a lot of good ideas and a selection of his works could well give birth to a
great album.
(Eugenio Maggi - Chain DLK)
Orchestra Vuota: Ethnological Electronic Research Volume
I° (CD-R 2003 - Autoproduzione)
[ salvatpecoraro@tiscali.it ] [ http://www.oscillator707.net/sal-vat ]
Molto particolare questo nuovo lavoro
di Orchestra Vuota, che proponendo qualcosa di completamente diverso dal
precedente "Naïve Music for Borderline People" si avventura questa
volta in un universo fatto di sonorità etniche e contaminazioni elettroniche.
Undici brani piuttosto semplici nella loro essenza, che vedono fondamentalmente
campioni di musica etnica più o meno rielaborati, organizzati, sfruttando
spesso la tecnica del loop, e miscelati ad altre sonorità di evidente impronta elettronica. Un
approccio abbastanza semplice, essenziale, così come molto semplice è la
struttura e la forma dei brani, i quali però stupiscono ugualmente per la loro
efficacia, per la loro capacità di evocare immagini e suscitare emozioni... L'andamento spesso ipnotico e rituale dei
brani, accentuato dall'uso frequente di brevi frammenti musicali o ritmici
mandati in ciclo, contribuisce a creare una strana atmosfera, e ad evocare
immagini di epoche antiche e mondi lontani, nel tempo e nello spazio... Pur sfruttando in gran parte suoni e
fraseggi campionati di strumenti etnici, ciò che si apprezza in particolar modo è il fatto che questo CD-R è
ben lungi dall'apparire come una sorta di esperimento di "clonazione"
di musica etnica, un tipo di esercizio che ovviamente non avrebbe alcun
senso, e riesce invece a mantenere
l'impatto emotivo molto "diretto" che può derivare dall'ascolto di
musica etnica "genuina", combinandolo con semplicità ma efficacia ad
elementi sonori di tipo diverso e strutture musicali di tutt'altra
derivazione. L' approccio piuttosto
"diretto" e non troppo artificioso alla composizione e alla
realizzazione della musica tipico dell'autore, è però riscontrabile (e questo è
l'unico appunto che mi sento di fare a questo lavoro di Orchestra Vuota...)
anche sotto forma di alcune
"imprecisioni" e lacune a livello prettamente tecnico per quanto
riguarda la qualità della registrazione, che ovviamente possono in qualche modo
"disturbare" l'ascolto di chi ricerchi, in un CD, non solo della buona
musica, ma anche una registrazione
assolutamente fedele ed esente da
disturbi e imperfezioni. In ogni caso un lavoro di sicuro interesse, del quale
attendo con molta curiosità l'uscita di un secondo volume....
(Giuseppe Verticchio)
Ornament: Adorers (CD-R 1999
- Oktagon)
[ ornament@libero.it ] [ http://www.ebriarecords.com/ornament ]
Un’opera davvero interessante,
prodotta da Oktagon, per un artista
che, tra atmosfere ora più oscure e
dilatate, ora più percussive e ipnotiche, costruisce la sua musica intorno a lunghi e
suggestivi loops, talvolta lasciati
risuonare a lungo, in modo crudo
e privo di substrato musicale, in una sorta
di rituale ossessivo e alienante, a volte invece inseriti in contesti
più elaborati e organici, avvolti tra suoni di tappeti morbidi dall’incedere
discreto ma al tempo stesso drammatico e fortemente evocativo, come nel
meraviglioso e suggestivo “Terminal Equinox”. Atmosfere diverse quindi, ma
equilibrate nelle progressioni ed in una perfetta coerenza stilistica dall’inizio
alla fine del disco… Si passa così dalle atmosfere oscure introduttive di “Feed
the Fortress of Hate”, ai loops percussivi e ipnotici dal sapore industriale di
“Burning Blood-Vessels”, dalle atmosfere quasi rituali di “New Flash for your
Incarnation” e del già citato “Terminal Equinox” alle inquietanti
tessiture sonore di “The Absent God”, dalle progressioni geometriche e
alienanti di “Plague-Spreader” e di “The Finger” alla chiusura caotica e
imponente di “Chasm”, costruita su un crescendo di loops di suoni taglienti, rumori metallici reverberati, sequenze
circolari di suoni percussivi in lontananza,
il tutto collocato su un
substrato sonoro a base di frequenze basse e profonde che descrivono
efficacemente la collocazione atmosferica oscura e sotterranea degli spazi
evocati… Un CD-R fortemente consigliato a tutti gli amanti del genere, e,
ovviamente, anche a tutti gli altri...
(Giuseppe Verticchio)
Very evocative and dark,
this Ornament album makes this band a must for every dark wave lover. Drum
loops, hypnotising drones and other cyclic sounds paint eight painful and
powerful canvases. Each track has a specific sound and rhythm and even if other
bands’ tracks that follow this way of composing are boring, Ornament succeed
where others fail. Feed The Fortress Of Hate, Burning Blood Vessels, New Flesh
For Your Incarnation, Terminal Equinox, The Absent God, Plague-Spreader, The
Finger and Chasm are the tracks that are waiting for your next mind
exploration. Landscape music for escaping people…
(Maurizio Pustianaz - Chain DLK)
Ornament: Yzaniaveis (CD-R
2002 - Blade Records)
[ ornament@libero.it ] [ http://www.ebriarecords.com/ornament ]
Una confezione che non passa
inosservata: due lastre di materia plastica trasparente, con un effetto a
rilievo simile a gocce di pioggia che scivolano sul vetro di una finestra... Le
due lastre sono tenute insieme attraverso una vite di ferro e un controdado,
che le tengono serrate quasi a proteggerne il prezioso contenuto... Con un po’
di pazienza e tanta curiosità mi accingo a prendere un paio di pinze, per
rimuovere questa sorta di sigillo... Tra le lastre infatti è alloggiato il
CD-R, avvolto all’interno di un cartoncino dall’ottima qualità di stampa, a sua
volta protetto da una bustina di cellophane... L’impressione è quella di un
pezzo da collezione, qualcosa che ricorda vagamente la prima versione del CD
“Early Man” di Steve Roach, custodito tra due lastre di lavagna nera... Finalmente riesco ad estrarre il dischetto, sicuramente
faticando di più di quanto abbia mai fatto con qualsiasi altro CD che mi sia
capitato di voler ascoltare... ma è uno sforzo che faccio volentieri. Sono
convinto di avere tra le mani un disco che sarà all’altezza della sua
confezione, ed anche che qualcosa è probabilmente cambiata nella musica di
Ornament... Così è infatti. Ornament sembra aver messo da parte quasi
completamente le ormai già deboli influenze industrial, e si tuffa in
un’ambient-music sempre molto oscura, profonda e al tempo stesso sempre più
matura... Non che non abbia apprezzato gli elementi industrial che hanno
caratterizzato in parte i suoi precedenti lavori, ma questo cambio di direzione
introduce un elemento di originalità nella musica di Ornament, e ciò che
impressiona positivamente è la migliorata capacità nel miscelare e movimentare
le masse sonore... I passaggi sembrano più fluidi, meno spigolosi, più
naturali. Le progressioni sembrano vivere di vita propria, generalmente
ben dosate, armoniose nel loro
incedere, precise. La coesione tra i diversi elementi si fa sempre più
accurata, e diventa sempre più difficile trovare un suono fuori posto, troppo
in primo piano come volume, o troppo
aggressivo come timbro, dall’ingresso
troppo precipitoso o dal fade-out troppo brusco... In genere nelle recensioni mi piace segnalare qualche brano che
ho particolarmente apprezzato, ma in questo caso più che mai bisogna
considerare il CD-R come un’entità unica e indivisibile, nella quale la
suddivisione in tracce avrebbe potuto anche non esserci: tanto è l’organicità
dell’opera nel suo insieme, e tanto è necessario ricorrere ad un ascolto
completo, senza interruzioni dall’inizio alla fine. Eppure c’è un momento in
cui ho provato davvero la cosiddetta “pelle d’oca”, e che non posso fare a meno
di svelarvi. Aspettate pazientemente di arrivare verso la metà del brano di
chiusura, “Lame”, e lasciate che la musica vi guidi verso il baratro... Un
unico difetto? Forse proprio la sfumatura finale del suddetto brano, che chiude il disco lasciando con un po’
d’amaro in bocca... ma non sentitevi giustificati a non procurarvi questo CD-R
della Blade Records per così poco...
(Giuseppe Verticchio)
Ornament: Unicorn Lullaby (CD-R 2005 - Afe)
[ ornament@libero.it ] [ http://www.ebriarecords.com/ornament ]
Realizzato originariamente nel 2000
in una edizione privata dall'aspetto piuttosto "spartano" circolata
in poche copie, "Unicorn Lullaby" esce finalmente, grazie
all'italiana Afe Records, in una nuova forma che rende piena giustizia al
valore di questo CD-R, per l'occasione rimasterizzato e notevolmente migliorato e arricchito dal
punto di vista della grafica e della confezione. Il suono di Ornament è immediatamente riconoscibile, lo stile
inconfondibile, così come i riferimenti
musicali ad una dark-ambient con (rare in questo caso...) venature industriali. Un' opera nella quale questa
volta prevalgono le parti statiche,
costruite su sonorità basse e profonde, rispetto alle parti più ritmiche, costruite su loops più o meno ossessivi, che
emergono chiaramente soltanto in "Masked Complicity" e in "Only
Life Remains". Questa impronta più oscura, nella quale il protagonista non
è la sequenza ritmica ciclica o prepotenti e freddi suoni metallici, è
finemente elaborata attraverso la costruzione di ambientazioni sonore che offrono il meglio di sè soltanto attraverso
un ascolto attento e ad un volume discretamente sostenuto. Il substrato sonoro
infatti è ricco di sottili sfumature,
echi di rumori distanti, elementi sonori tenuti intenzionalmente (ed
elegantemente...) in secondo piano: tutte componenti destinate a perdersi
durante un ascolto disattento o ad un volume troppo basso, che a tratti
lascerebbe percepire masse di basse frequenze soltanto apparentemente informi e
senza evoluzione. Fatta questa constatazione "strategica" sulle
migliori condizioni d'ascolto, posso soltanto confermare il mio più pieno
apprezzamento per un'opera estremamente interessante, che conferma il giudizio positivo già espresso a proposito di
"Adorers" e "Yzaniaveis".
Trovo in "The Heretic's Heritage" e "High Density of
Grief" gli apici espressivi ed i momenti maggiormente emozionanti
dell'intero CD-R, ma è necessario anche menzionare le stupende, fragili e
appena accennate melodie di "Unicorn Shaped Labyrinth", le atmosfere
rarefatte e cangianti di "Noctifer", le tensioni inquiete di
"High Density of Grief", le pulsazioni ritmiche dei già citati
"Masked Complicity" e "Only Life Remains", la parte più
scura e tenebrosa del CD-R, rappresentata da "I Opened my Eyes in the
Liquid Room", "Fiendish Ego" e "Under Shivering Columns".
Un CD-R nuovamente consigliato a chiunque.
(Giuseppe Verticchio)
It's a more mature work,
less death industrial-oriented and more focused on creating dark, obsessive
atmospheres with mind numbing reiterations (Masked Complicity, High Density Of
Grief) or paralizing static environments (From Concealed Gardens, with
upsetting animal sounds). Gloomy dark ambiances for deep onirical states. If
you're into the releases of labels like Cold Meat Industry, Dragon Flight or
Cold Spring you should definitely check this one out.
(Eugenio Maggi - Chain DLK)
Papi Moreno/Tanni: In the Beginning (CD 2001 - Didjeridu Italia)
[ info@papimoreno.com
] [ http://www.papimoreno.com ]
Un buon CD tutto italiano, di puro e
"classico" didjeridu, prodotto dalla "Didjeridu Italia",
etichetta fondata nel 1997 dallo stesso Moreno Papi e specializzata nella
realizzazione di CD incentrati sul noto strumento di origine australiana. Otto
tracce nelle quali Moreno Papi e "Tanni" Walter Mandelli propongono,
con diverse soluzioni, efficaci e spesso articolati "duetti" di
didjeridu, mostrando, oltre ad un grande talento e un'ottima tecnica, anche la
grande versatilità di questo strumento, e affrontando con uguale disinvoltura
sia parti d'impronta più spiccatamente ritmica, sia parti più sospese e
dilatate, maggiormente orientate alla percezione del suono e degli armonici
nella loro essenza più pura, ad un tipo di ascolto più marcatamente intimo e
introspettivo, in un certo senso più "profondo"... Data l'assoluta
essenzialità, in termini di strumentazione usata e struttura generale dei
brani, c'è forse poco da descrivere a riguardo di questo CD, ma sicuramente c'è
molto da ascoltare, soprattutto per gli appassionati di questo strumento, e in
particolar modo per chi ama il suono del didjeridu nella sua forma più pura e
originaria, al di fuori di qualsiasi forma di contaminazione di stampo
moderno.
(Giuseppe Verticchio)
Papi Moreno/Smith Monica: Sweet (CD 2004 - Didjeridu Italia)
[ info@papimoreno.com ] [ http://www.papimoreno.com ]
Uno splendido lavoro, nato
dall'incontro tra il didjeridu di Moreno Papi e il fascino impareggiabile del
suono di strumenti come il tavolo e l'arpa monocorde, le crystal bowls, la
tampura e il koto, qui suonati da Monica Smith. Quasi settanta minuti di emozioni
acustiche, splendidamente registrate in presa diretta, e prive di successivi
trattamenti di editing digitale, nelle quali il didjeridu di Moreno Papi
rinuncia al ruolo di protagonista assoluto, per fondersi più discretamente in
una magnifica simbiosi e in un perfetto equilibrio cromatico con il suono
ipnotico e profondo (inteso in senso emotivo e non come frequenze sonore basse)
che Monica Smith estrae dai suoi strumenti, ora pizzicando delle corde, ora
sfiorando delicatamente le campane di cristallo, ora unendo il suono della
propria voce a quella dello stesso
Moreno Papi, come avviene in un brano, "Crepuscolo", nel quale
gli artisti hanno scelto di inserire anche parti di canto armonico. Uno splendido
viaggio al confine del suono, tra atmosfere ora più tese ora più quiete, dove
più che ritmi o melodie il protagonista quasi assoluto è il suono stesso, le
sue sottili vibrazioni, le variazioni armoniche, il timbro, la voce degli
strumenti... Un ottimo lavoro che vede il duo Moreno Papi/Monica Smith accostarsi con grande efficacia ad un
genere di musica che, come riportato tra le note di copertina, conduce
l'ascoltatore verso una forma di ascolto interiore: "Il Suono precede la
musica e ogni frequenza si apre su una nuova dimensione, ma la percezione esterna
non è tutto, c'è anche un ascolto interiore. In questo modo si rivelano grandi
spazi in noi, che risuonano silenziosamente risvegliando il nostro Suono
interiore...".
(Giuseppe Verticchio)
Pecorelli Daniele: Theatrical Works (CD-R 2002
- Autoproduzione)
[ dany.pecos@tiscali.it ]
Questo lavoro è una raccolta di brani
nati prevalentemente per opere teatrali, più precisamente spettacoli di danza.
Essi sono raggruppati in sezioni, ognuna delle quali relativa ad uno specifico
lavoro teatrale. I tre brani di
chiusura del CD-R, non appartenendo a nessuna delle suddette sezioni, sono
stati inseriti perchè hanno avuto la funzione di temi principali per brani poi
rielaborati, o perchè avrebbero dovuto essere utilizzati per future
coreografie. Il materiale è piuttosto eterogeneo, e al di là di questa
suddivisone di tipo tematico, sotto il punto di vista più prettamente musicale
il disco può essere invece suddiviso in due parti. La prima, preponderante,
della durata di circa 45 minuti, include gli undici brani più interessanti, che
per sonorità e suggestioni trovano una
più appropriata collocazione tra le pagine di Oltre il Suono. Particolarmente
efficaci e ben congegnate le progressioni delle tre parti di “Asylum” (Intro,
Part 1 e Part 2), con suoni a tratti sussurrati e vicini al silenzio, a tratti
estremamente acuti, acidi e graffianti; coinvolgente il pur breve
frammento narrativo di “Rising sun” (un
brano sulle cui poche e abbozzate sonorità sarebbe stato possibile realizzare
un intero CD di meravigliosa e dilatata deep music: Daniele, perchè in un tuo
prossimo lavoro non provi a muoverti in una direzione di questo genere?);
discorso analogo anche per quanto riguarda “Damasco”, frammenti di voce
femminile trattata, dai quali avrebbe potuto scaturire molto di più di quello
che è possibile ascoltare nei quattro minuti e mezzo della durata del brano;
ancora affascinanti e surreali le atmosfere di “Sortilegio”, sei minuti e mezzo
di materiale sonoro dai movimenti
imprevedibili e a tratti inquietanti. La seconda parte del CD, più breve
e costituita di cinque brani, si
addentra invece in soluzioni e sonorità
generalmente più melodiche e ordinarie,
un pò al di fuori di quelli che sono i generi proposti da Oltre il
Suono. E’ sicuramente la parte che verrà apprezzata di meno da chi predilige
ascolti più introspettivi, crepuscolari, o anche sperimentali, e in generale
caratterizzati da sonorità e soluzioni più desuete. Quello che emerge da questo lavoro, è un forte potenziale
artistico e compositivo, nonchè una lodevole dedizione, evidente però soltanto
in alcune parti, alla ricerca di sonorità e soluzioni fuori dall’ordinario. Questa è secondo me la direzione da seguire
nel futuro, unitamente all’impegno nella realizzazione di opere dal carattere
più organico e omogeneo, da ricercare soprattutto in una maggiore dilatazione
temporale delle numerose idee e degli
efficaci spunti compositivi, e in una
univoca direzione stilistica che non conceda nulla al “facile” ascolto.
(Giuseppe Verticchio)
Punck: MU (CD-R 2002 -
Autoproduzione)
[ info@punck.net ] [ http://www.punck.net ]
Dopo aver esplorato in passato altri
generi musicali, sempre comunque in un ambito elettronico inteso in senso lato,
Adriano Zanni mette a punto, e ci propone, il CD-R “MU", un breve lavoro suddiviso in 5 brani, per
una durata totale di 20 minuti. Le sonorità sono prevalentemente elettroniche,
pur essendo presenti in diverse parti frammenti di rumori concreti,
registrazioni di vita reale, nonchè un drammatico documento sonoro (in
"090578") relativo alla telefonata con la quale nel lontano 1978
veniva comunicata l'avvenuta uccisione di Aldo Moro unitamente alle indicazioni
necessarie al ritrovamento del corpo. Con questo lavoro Punck dimostra di
essere in grado di ricreare suggestive atmosfere sospese, miscelando e
alternando elementi e situazioni sonore che sembrano descrivere ambientazioni futuribili e claustrofobiche, a tratti alienanti e quasi opprimenti, ma intendendo
dare a questi termini che ho utilizzato un significato assolutamente positivo.
Improvvisi cambi di sonorità, e quindi
di "ambientazione",
restituiscono un andamento quasi
"cinematografico" alle progressioni musicali di Punck, disegnando
scenari sempre diversi ma legati da un'impronta fortemente drammatica, da una
sensazione continua di inquieta tensione. Un buon CD-R che dimostra ancora una
volta come sia possibile realizzare un'efficace musica elettronica sfruttando un approccio "discreto",
senza ricorrere a tutti quegli elementi quali linee di basso, sequenze
melodiche, soluzioni ritmiche, loops di sequencer, ed effetti troppo
"speciali", che spesso
finiscono per "appiattire", anonimizzare, e quindi banalizzare gran
parte della musica prodotta con l'uso
di strumenti elettronici e computers.
(Giuseppe Verticchio)
The music is parted in 5
tracks that sound different, but have a similar feeling. It starts with some kind of neo-sinewave-ambient. The second track has something that sounds like odd and cut real-sound
effects, repeated in a good and amusing
way during the track. Then some
ambients appear, made of very clear,intense, sharp and harmless stretched
sounds, with additional continuously present alien sound effects. In one track
even a phone conversation in italian appears. Having in mind that pop
interpretations of experimental music
can be a bit boring and repetitive
sometimes, it's great to hear experimental music like this Punck
release, without pop signs.
(Microsound.org)
Punck: A Movie Without Images (Mini CD-R 2004 - Autoproduzione)
[ info@punck.net ]
[ http://www.punck.net ]
A circa un anno e mezzo di distanza
dall'uscita di "MU", Adriano Zanni ci propone un nuovo lavoro che sia per la durata (anche questa volta si
tratta di un Mini CD-R di venti minuti...) sia per alcuni elementi di carattere
prettamente musicale, mostra sicuramente diversi punti di contatto con il
precedente CD-R d'esordio siglato Punck. Riscontriamo infatti ancora una
spiccata prevalenza di atmosfere tese e claustrofobiche, cariche di una certa
drammaticità, espressa attraverso una miscela di pochi suoni, piuttosto
discreti, in parte di origine elettronica, in parte frutto di campionamenti e
registrazioni microfoniche. In un contesto generale di fondamentale semplicità
ed essenzialità, e nonostante le analogie con il lavoro precedente, c'è da
sottolineare come "A Movie Without Images", costituito stavolta di
un'unica lunga traccia, appaia in realtà un passo avanti rispetto al precedente
"MU", risultando sicuramente meno frammentario, più fluido e
"organico", sicuramente più maturo... Più accurata che nel passato la
scelta dei suoni, maggiormente ricercati e misurati, migliore la costruzione
dei vari passaggi, l'equilibrio in senso generale, per un CD-R che, seppure di
breve durata e d'impronta piuttosto minimale, non manca di un suo fascino e di
una certa personalità... In attesa di un altro lavoro, già annunciato
dall'autore, che ci auguriamo possa finalmente concretizzarsi nella forma di un
CD-R di durata normale, e quindi anche in una prova sicuramente più impegnativa
e rivelatrice, il giudizio d'insieme su questo "film senza immagini",
che definirei piuttosto una sorta di "cortometraggio sonoro", non può che essere positivo... Attendiamo
però con grande curiosità e interesse la prossima uscita, dalla quale ci
auguriamo possano emergere in modo più deciso il "carattere" e le
effettive capacità artistiche e tecniche di Punck: quaranta minuti di musica
pubblicata in un anno e mezzo di attività, suddivisi in due CD-R, sono ancora
pochi per poter esprimere con assoluta convinzione un giudizio
definitivo...
(Giuseppe Verticchio)
Punck: Nowhere Campfire Tapes (CD 2005 - Afe/Ctrl+Alt+Canc)
[ info@punck.net ] [ http://www.punck.net ]
Dopo due mini CD-R realizzati tra il
2002 e il 2004, attraverso i quali Punck ha iniziato ad esplorare l'universo
della sperimentazione elettronica, giunge ora la prima prova un po' più
"impegnativa" dell'artista di Ravenna, nella forma di un primo CD di
lunga durata, (56:21, inclusi dieci minuti di silenzio assoluto presenti nella
quarta traccia...), interamente autoprodotto con la collaborazione della Afe
Records. In questo nuovo lavoro Punck sembra riprendere il proprio discorso
esattamente lì dove si era interrotto
con "A Movie Without Images", proponendo nuovamente una
"formula" musicale sostanzialmente invariata, basata su
situazioni sonore d'impronta piuttosto
minimale e para-statica con alternanza di diversi scenari che si compongono ed emergono lentamente in
modo equilibrato e discreto, descrivono
atmosfere attraverso suoni ben scelti e registrati, facendo leva anche su un
buon lavoro di assemblaggio e missaggio delle parti, e tornano quindi a
sprofondare nel buio, per cedere il passo al nuovo "capitolo" del
libro, o se vogliamo alla successiva scena del film... Le sonorità, soprattutto
quelle d'impronta spiccatamente elettronica, sono spesso piuttosto fredde,
taglienti, quasi glaciali (molto in linea con le splendide foto scelte per le
grafiche del CD), ma l'efficace mix di tali suoni con substrati sonori più
profondi e dettagliate, "vive" e "calde" registrazioni
ambientali riescono a restituire alla musica il necessario equilibrio, senza
sbilanciare troppo (cosa purtroppo piuttosto frequente in altri CD che mirano a
descrivere gelide atmosfere...) verso le frequenze alte e medio-alte il
"centro" delle masse sonore proposte da Punck. Qualcosa che forse ci
saremmo aspettati in più, da questa primo CD di lunga durata, è forse un
"guizzo" di maggiore fantasia e creatività, giacchè, pur ben
costruita, la musica contenuta in "Nowhere Campfire Tapes" sembra
spesso suggerire possibili e più intriganti evoluzioni, per poi invece
ripiegarsi più "modestamente" su sè stessa, senza trovare uno
"sbocco" un po' più deciso, una forma un po' più caratterizzante e,
se vogliamo, un po' più "coraggiosa". Le mie preferenze vanno
comunque per i brani "Almost Anything" e "Almost Nothing", mentre ho trovato particolarmente
estraneo al contesto globale del CD l'inserto in "Tsunami Notes" di
una voce maschile ben intellegibile ma poco espressiva che recita un testo in
lingua italiana, scarsamente efficace dal punto di vista prettamente
"musicale", nonchè (pur non volendomi improvvisare recensore d'arte
poetica...) piuttosto inconsistente nei contenuti e nella forma.
(Giuseppe Verticchio)
For me this is the third
time I encounter the music of Adriano Zanni, a.k.a. Punck, but this is the
first "real" CD; his sound-sources still consist of laptop, objects,
field recordings, contact microphones and samples... In the eighties he started
playing music, going electronic in the nineties and using the internet to
distribute his work. I think that with "Nowhere Campfire Tapes" he
has reached his most refined moment. Playing around with his sources quite
clearly (the rain in "Almost Anything" or the water sound in "Tsunami
Notes"), each on its distinct part of the sound spectrum, the four pieces
are lengthy, microscopic and detailed precise pictures. Whereas his previous
works had industrial music elements, this is all gone here and replaced by a
more than excellent work along the lines of Richard Chartier or Roel Meelkop,
but with even clearer diversification of the sound sources. A very fine work!
(Frans De Waard - Vital Weekly)
Regivar: Colonna Sonora per un Film Immaginario (CD-R 2002 - S'agita Recordings)
[ regivar@libero.it ]
Finalmente ristampato dalla S'agita
Recordings in 150 copie numerate, questo magnifico lavoro di Raffaella Graziosi
"Regivar", precedentemente realizzato in edizione privata sotto lo
pseudonimo "Kekszakallu". Presentato in una nuova veste grafica, con
una bella copertina in elegante cartoncino a rilievo con venature, questo
lavoro racchiude al suo interno tre brani che riflettono le diverse influenze
musicali che hanno ispirato l'artista nel realizzare quest'opera.... Attraverso progressivi e curati cambi di scena
e sonorità, Regivar ci conduce tra atmosfere ora più oscure, ora più
marcatamente elettroniche, ora più statiche e dilatate, ora più sperimentali ,
ora vagamente melodiche e "musicali". Il brano iniziale, quasi sei
minuti di durata, stupisce per l'immediatezza con la quale riesce a portarci
"dentro" il film che la stessa musica vuole descrivere... Quindi la
seconda parte (22 minuti), prima più oscura e statica, poi più sperimentale ed
elettronica, poi giocata su loops ipnotici, quindi ancora un ritorno a sonorità
più elettroniche, attimi di tenui accenni melodici, di nuovo suoni elettronici
a dominare prepotentemente la scena sonora, quindi una chiusura nuovamente oscura e statica, un ritorno quasi
"circolare" alle atmosfere che hanno caratterizzato l'inizio del
brano... La terza parte, dodici minuti circa, è dominata inizialmente da
sequenze di accordi dal suono caldo e avvolgente, poi si inarca in una zona più
sperimentale che conduce progressivamente verso gli abissi ... Una zona oscura
e profonda, costruita su strati sonori sovrapposti, basse frequenze, deboli
suoni acuti in lontananza, probabili echi di voci... sicuramente gli istanti
più magici e suggestivi dell'intero CD-R.
(Giuseppe Verticchio)
"Colonna sonora per un film
immaginario" ("Soundtrack for an imaginary movie") is Raffaella
Graziosi's debut as Regivar. With a
background in photography, Raffaella has been one of the main promoters of the
brilliant Oltre il Suono webpage and forum; now her 1999 recordings see the
light on Logoplasm's S'Agita Recordings, with the usual care for visual
presentation (this time it's a minimal layout on cream marbled carboard) and a
limited edition on 150 copies. "Colonna sonora..." is a fascinating
work mainly based on synth waves and loops, with a kind of free-flowing stream
of different fragments and atmospheres; at times concrete sounds (a rewound
tape, drops of water...) crawl in, contributing to the feel of mystery... I
like to think of this cd as a kind of intimistic sci-fi soundscape: the sense
of wonder, subtle bewilderment or trascendental peace is all there, but moving
within an inner universe... Sharing some "poetic" similarities with
her label-mate AAL, especially in his more "cosmic" side, and I'll
repeat myself for the 100th time by quoting Tarkovskij as an ideal counterpart
for these dream-like sounds...
(Eugenio Maggi - Chain DLK)
Regivar: Afairytaleelatyriafa (2 CD-R 2003 - S'agita Recordings)
[ regivar@libero.it ]
Sono passati ormai tre anni da quando
la versione originale dell'interessante CD-R d'esordio di Regivar (allora
ancora “Kèkszakàllù”) "Colonna Sonora per un Film Immaginario" ha
visto la luce per la prima volta... Tre lunghi anni di silenzio interrotti
soltanto dall’ apparizione nella compilation "Beyond the Sound", alla
quale Regivar ha partecipato con lo splendido brano "Visioni". Mi
sono quindi apprestato all'ascolto di questo nuovo lavoro con una particolare
curiosità, e, soprattutto, con grandi aspettative. L'inizio mi suona
familiare... il CD-R infatti sembra ripartire laddove si era interrotto il già
citato brano "Visioni", riprendendone nei minuti iniziali alcuni
suoni e alcuni campionamenti... La
musica sembra subito volare alta, e provo immediatamente un senso di grande benessere e
soddisfazione... I suoni e le atmosfere
cambiano e si evolvono lentamente, e in questo ritrovo e riconosco subito la
grande capacità già dimostrata in passato da Regivar nel costruire passaggi sonori e situazioni magiche, eteree ed
impalpabili... Per i primi 12 minuti nulla interviene a interrompere questo
magnifico flusso di emozioni, ma poi emerge per alcuni istanti una pulsazione
elettronica dal sapore un po' troppo "spaziale/fantascientifico" che
mi lascia un attimo perplesso... Verso il quindicesimo minuto tornano di nuovo
sonorità ed effetti elettronici di tipo analogo, che questa volta però si
spostano decisamente in primo piano, diventando il "soggetto" della
scena sonora... Suoni che non ascoltavo più in un CD da molti anni, e che, dopo
averne fatto enormi "scorpacciate" nella seconda metà degli anni '80,
consideravo ormai "consegnate" definitivamente alla musica del
passato... Dal ventesimo minuto la musica torna a scorrere di nuovo lungo
binari completamente diversi, ripiegando nuovamente su sonorità e atmosfere
decisamente più emozionanti e originali... Emerge ogni tanto quella pulsazione
elettronica troppo "ad effetto" già ascoltata pochi minuti prima, ma
senza compromettere troppo l'ascolto. In questa ampia parte si alternano
momenti più musicali, a tratti
lievemente melodici, registrazioni ambientali, gocciolii d'acqua, rumore
di un treno in corsa... La forte presenza di registrazioni di rumori dalla vita
reale è un elemento abbastanza nuovo nella musica di Regivar, e pur non
trovando in esse un senso di continuità "logica" nella narrazione, il
risultato ottenuto, sotto il punto di vista puramente emotivo e sonoro, è
comunque in genere molto affascinante...
Al quarantacinquesimo minuto del CD-R c'è un ritorno a quelle sonorità "spaziali/fantascientifiche" già
menzionate poco sopra, che saranno propotentemente protagoniste dei successivi
cinque minuti... Quindi alcuni momenti di atmosfere intense e crepuscolari,
descritte da vaghe e indistinte voci corali femminili in lontananza su sfondi
sintetici molto "oscuri",
qualche breve ritorno di effetti elettronici, alcuni minuti di
"immagini sonore" evocative e sognanti, e gli ultimi sette minuti
durante i quali la musica torna in modo
quasi "circolare" alle sonorità e alle atmosfere che hanno aperto
questo primo disco... Il secondo CD-R (più breve, circa 38 minuti) si apre
splendidamente, con una manciata di minuti di ambienze molto "dark",
profonde e suggestive, ma dopo un po' torna nuovamente a sfruttare alcuni suoni
ed effetti elettronici che continuo a trovare un po' "datati"...
Quindi compaiono alcuni rumori concreti, una sorta di "strofinamento"
di qualche materiale, una melodia in loop che fuoriesce dai solchi di un
vecchio disco in vinile, una lunga parte caratterizzata principalmente da suoni
elettronici che sembrano descrivere passaggi di navicelle spaziali, di nuovo rumori concreti e il suono in loop
del disco in vinile; quindi una miscela di campionamenti di cori e orchestra
d'archi, e la chiusura affidata
nuovamente a sonorità oscure che riprendono in qualche modo le atmosfere
iniziali di questo secondo disco. Al termine di questo lungo ascolto, insieme
alla rinnovata consapevolezza di quanto Regivar sia spesso in grado di
elaborare e assemblare materiale sonoro con grande sensibilità e abilità, ho
tuttavia avuto l'impressione che questo doppio CD-R sia stato
"confezionato" con una eccessiva "fretta", seppure questa
constatazione può apparire paradossale, dal momento che sono passati ben tre
anni dall'uscita del suo precedente "Colonna Sonora per un Film
Immaginario"... Probabilmente la "dimensione" del doppio CD-R è
un po' eccessiva, e la mia impressione
è che Regivar avrebbe potuto ottenere un risultato migliore facendo una
selezione più "severa" del materiale da includere in questo lavoro,
da pensare comunque come CD-R singolo, curando maggiormente la scelta dei
suoni, e cercando di dare all'insieme un'impronta un po' più omogenea. In ogni caso non perdete l'occasione di
ascoltare i 100 e oltre minuti di musica di "Afairytaleelatyriafa",
soprattutto se, come me, amate da tempo la musica di Raffaella/Regivar, e attendevate con ansia la sua nuova uscita…
(Giuseppe Verticchio)
A new release by Raffaella
Graziosi/Regivar after "Colonna sonora per un film immaginario"; this
time it's a double CD-R, with circa 90 minutes of music. "Afairytaleelatyriafa" follows the steps of
"Colonna sonora...", with its mix of deep cosmic ambient and eerie
concrete material crawling in here and there. But, in a way, I feel this is a
much more mature, and more daring, release. Possibly even darker, though it's
probably a matter of personal perception. Definitely akin to past greats like
Klaus Schulze or Edgar Froese, but still "modern" in its approach,
I'd immediately associate this release with label-mate AAL's "In
Luce"; they share the same hallucinated, but soothing mix of light and
darkness.
(Eugenio Maggi - Chain DLK)
Revglow:
Liquid Pearls
(CD 2009 – Artesuono)
[
http://www.myspace.com/revglow ]
Quasi per
caso, soltanto pochi giorni fa, ho scoperto su Myspace la pagina del progetto
“Revglow” di Lilium e Francis M. Gri. Avendo già apprezzato molto, in un
passato abbastanza recente, il CD “Across the Empty Night” dello stesso
Francis, uscito a nome “Apart” per Final Muzik, mi sono immediatamente
incuriosito, e ho deciso così di contattarlo per chiedergli (anche un po’
“sfacciatamente”…) se avesse piacere di propormi anche questo CD. Decisamente
un’ ottima idea. Seppure in questo caso il “soggetto” principale del CD è
indubbiamente la voce, sicuramente affascinante, eclettica, versatile, “trainante” di Lilium, il contributo di Francis appare
comunque assolutamente determinante. La raffinatezza delle parti strumentali di
“sfondo” e di contorno, in buona parte costruite con suoni sintetici ma
efficacemente arricchite da suoni di strumenti acustici (piano, chitarra…),
l’eleganza delle composizioni e degli arrangiamenti, l’estrema pulizia del
suono, la cura dei dettagli, la capacità di costruire atmosfere introspettive e
“rarefatte” ma al tempo stesso estremamente evocative e coinvolgenti dal punto
di vista emotivo, sono tutte qualità che questo CD condivide con il già citato
CD “Across the Empty Night” del solo
Francis/Apart, il quale evidentemente “marca” con un’ impronta molto personale
e poco confondibile la propria presenza in questo progetto collaborativo con
Lilium. Una straordinaria conferma, e per me una nuova piacevolissima scoperta,
non solo per quanto riguarda il progetto Revglow cui auguro lunga vita e grande
fortuna, ma anche per quanto riguarda la sola Lilium, artista e voce dalle straordinarie
qualità a me ancora sconosciuta prima dell’ascolto del presente “Liquid
Pearls”.
(Giuseppe Verticchio)
Ricciardi Claudio: Blue Outlines (CD-R 2003 - Autoproduzione)
[ ricciardi@katamail.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/alberochecanta
]
Interamente registrato nel 2003,
anche con la collaborazione di Giuseppe Verticchio, Cosimo Marino Curianò e
Simone Fiaccavento, attuali compagni d'avventura di Claudio Ricciardi nel nuovo
progetto musicale "Timelines", "Blue Outlines" raccoglie
sette brani, per una durata totale di 55 minuti, nei quali il didgeridoo si
fonde e si mescola in modo diverso a suoni di altri strumenti come saz, flicorno, ocarina, elementi percussivi,
trame di sintetizzatori, pur rimanendo sostanzialmente protagonista principale
dei singoli brani. Le situazioni ruotano fondamentalmente intorno a sonorità
di tipo ambient-rituale con evidenti influenze di musica etnica, alternando
parti più eteree e dilatate, nelle quali sembra prevalere l'intento di
descrivere e ricreare particolari ambientazioni e atmosfere, a parti invece dai
contorni più precisi e definiti, caratterizzate da un incedere più deciso,
parti più orientate a movimenti ritmici, presenza di elementi discretamente
melodici.
(Label Press)
Riparbelli Pietro/Franck Yannick:
Whinny Muir (CD 2011 – Silentes)
[ http://www.silentes.net ]
Sorprendente collaborazione tra
Pietro Riparbelli (K11, PT-R) e Yannick Franck (Y.E.R.M.O., Idiosyncrasia), in
un album costituito di una sola lunga traccia, costruita attraverso un sapiente
e suggestivo lavoro di raccolta, selezione, stratificazione e mixing di suoni;
per lo più onde radio, feedbacks, voci, spesso pesantemente trattate e
rielaborate con effetti e filtri. I
frammenti più spiccatamente “musicali” che emergono talora tra i suoni
solitamente profondi, oscuri, dilatati, spesso violati da “correnti” fruscianti e distorte, sono rielaborazioni
di frammenti sonori del compositore italiano barocco Alessandro Scarlatti
(1660-1725). Un continuum sonoro di grande fascino e di grande impatto, in cui
i movimenti lenti, progressivi, dalle variazioni talora quasi impercettibili,
conducono con grande accortezza ed efficacia da un silenzio quasi assoluto alle
più ”potenti”, devastanti, “aggressioni” dinamiche, talora a base di profonde,
pulsanti basse frequenze, talora a base di suoni invece più aspri, saturi e
“abrasivi”… Una nuova, significativa
conferma per Pietro Riparbelli; un album sicuramente da non perdere.
(Giuseppe Verticchio)
A single, long, deeply
moving, slow and expanded drone-track, built on everchanging sonic masses, low
frequencies, strong electric/electronic sounds, field recordings, feedbacks,
buzzes, hisses, rough distortions, sunken organ chords, subdued inserts of
strings orchestral parts. Alternation of progressive crescendos, ambiental
stasis, sudden, dramatic and catching dynamic shocks... An involving and
extraordinary "trip" across an obscure sonic path, convincingly
assembled in collaborative form by italian Pietro Riparbelli (K11, PT-R) and
belgian Yannick Franck (Y.E.R.M.O., Idiosyncrasia).
(Silentes)
Saffron Wood: Platonica Filosofia
della Temperanza (CD 2006 - Hic Sunt Leones)
[ saffronwood@fastwebnet.it ] [ http://www.saffronwood.net ]
Straordinario CD dalle sonorità
d'impronta ambient-ipnotico-rituale magistralmente realizzato facendo largo
impiego di strumenti etnici dalle sonorità ricercate, suggestive ed originali.
Strumenti a fiato, ad arco, cembali, percussioni... Bansuri, rabab egiziano,
corni tibetani, flauti di bamboo, oboe, shakuhachi, dan moi vietnamita... Un
album affascinante e crespuscolare, sospeso nel tempo, firmato da Saffron Wood,
aka Lorenzo Scopelliti, artista che comparì per la prima volta su un CD
prodotto da Hic Sunt Leones sin dal lontano 1993, nella storica compilation
"The Promise of Silence", insieme ad artisti allora già più noti
quali Vidna Obmana, Jeff Greinke, Robert Rich, Temps Perdu, Hybryds, Alio Die,
Walter Maioli. "Platonica Filosofia della Temperanza", molto diverso
per stile e sonorità dalla maggior parte delle produzioni Hic Sunt Leones,
solitamente orientate a sonorità ambient di tipo più "tradizionale",
si distingue sicuramemente dalla media, risultando essere uno degli album
migliori pubblicati dall'etichetta in questi ultimi anni. Atmosfere magiche e
sonorità ricche di vibrazioni, che risaltano in particolar modo in brani quali
"Nel Ventre della Verginità", in "Assopito Sole Scaleno dei
Ciclopi" e nella spettacolare title track "Le Platoniche Filosofie
della Temperanza", riportando alla mente lavori di artisti di grande spessore
come il "maestro" Stephan Micus e il già menzionato Walter Maioli. Un
CD assolutamente consigliato a chiunque, in particolar modo a chi ricerchi
sonorità d'impronta ambientale arricchite da un più spiccato spirito di
ricerca, per chi cerchi un "Suono" più acustico e che non sia
assolutamente condizionato e talvolta "sottomesso" all'uso quasi
esclusivo di sintetizzatori, computers, campionatori, ed altre apparecchiature
elettroniche.
(Giuseppe Verticchio)
Scala Stefano: Nel Mondo non del Mondo (CD 1997 - SC)
[ essescala@tiscali.it ] [ http://www.stefanoscala.com ]
Questo interessante e particolare
lavoro di Stefano Scala è costituito di sedici tracce interamente realizzate
facendo uso di strumenti etnici, molti dei quali di fattura molto primitiva,
originari delle più diverse aree geografiche del pianeta. Nato da un lavoro,
evidentemente appassionato, di ricerca antropologica e musicologica, questo CD
sembra a tratti assumere quasi i connotati di un "documento sonoro"
piuttosto che quello di un tradizionale CD musicale, come se l'autore avesse
deciso di "tradurre in musica" piuttosto che in testo scritto il
risultato di un proprio personale lavoro di ricerca e approfondimento volto
alla scoperta di tradizioni musicali e strumenti etnici originari delle più
diverse popolazioni abitanti gli angoli più remoti della terra. Sessantasette
minuti circa di musica, registrata
dall'artista con la collaborazione di altri strumentisti, dalle sonorità
etniche abbastanza "pure", dove appaiono esempi di brani più fedelmente
riconducibili per stile e strumentazione usata alle regioni geografiche e alle
tradizioni culturali e musicali da cui i brani stessi traggono ispirazione,
quali ad esempio quelli ispirati ai
nativi d'America realizzati con flauti Lakota e frame drums, e altri invece che
vedono forme di "contaminazione" tra strumenti originari di etnie e
aree geografiche diverse, come nei brani idealmente ispirati alle tradizioni
degli aborigeni australiani, dove però compaiono anche suoni di flauti di
diversa origine geografica, nonchè (in
"Il luogo della vita dopo la morte") il suono di una moderna versione
a pitch variabile (probabilmente di materiale plastico e struttura telescopica)
del più tradizionale didgeridoo australiano in legno di eucalipto scavato dalle
termiti. La qualità della registrazione è per la maggior parte delle tracce
molto buona e dettagliata, e durante l'ascolto si alternano brani sicuramente
più riusciti e curati nella forma e nella struttura, a brani che invece
sembrano proporre una sorta di più semplice e frammentaria "galleria dei
suoni". Il lavoro nel suo insieme è comunque più che apprezzabile, ed è
consigliabile soprattutto a chi, conoscendo poco o nulla di musica etnica e
relativi strumenti, desideri avvicinarsi a questo sorprendente e sempre
affascinante universo musicale. Unica
nota davvero "stonata" dell'intero CD è il brano "La danza del
mare", dove compare una parte di sax dal sapore molto "New Age"
assolutamente estranea al contesto generale. Il suddetto brano è però collocato
(opportunamente) in chiusura di CD, e pertanto non interrompendo la continuità
dell'ascolto non disturba più di tanto, e non compromette il giudizio
sostanzialmente positivo che mi sento di dare di "Nel mondo non del
mondo".
(Giuseppe Verticchio)
Scala Stefano: Bagliori dell'Anima (CD 2001 - Pongo)
[ essescala@tiscali.it ] [ http://www.stefanoscala.com ]
Un interessante e intenso lavoro,
basato fondamentalmente su canto armonico arricchito da vari elementi
percussivi d'impronta rituale e suoni di altri oggetti e strumenti etnici
(ocarine, shakers, semi, metalli, bamboo oscillanti...), che rispecchia
fedelmente le scelte, non solo artistiche e musicali ma anche di vita, che
attraverso un lungo percorso hanno condotto l'autore a realizzare questo
lavoro. Le atmosfere evocate delle cinque tracce di questo CD (cui bisogna
aggiungere una brevissima traccia introduttiva con voce femminile recitante)
trasmettono sempre un forte senso di equilibrio e spiritualità, assumendo a
tratti quasi la forma di antichi cerimoniali sacri, suggestivi riti
ancestrali... La musica, o meglio la voce di Stefano Scala, fluisce con
movimenti lenti, discreti e grande senso della misura, in modo quasi
ininterrotto, per tutti i quaranta minuti di durata di questo lavoro,
proponendo sia parti in cui l'autore si concentra in modo quasi esclusivo sulle
variazioni delle componenti armoniche del canto, come ad esempio in "Part I", o "Part
IV", quest'ultima sicuramente una delle tracce più "ipnotiche" e
riuscite dell'intero CD, sia parti in cui viene lasciato maggiore spazio agli
aspetti più prettamente melodici, come ad esempio nella splendida "Part
II", una delle mie tracce preferite, nella quale appare evidente
l'influenza di artisti come Stephan Micus, non a caso menzionato per primo
nelle note di copertina tra gli artisti di riferimento, oppure nella più lunga
"Part III", traccia che invece "cede" un pochino,
soprattutto nella seconda metà, "soffrendo" di una certa caduta di
tensione... Particolarmente intenso, ben realizzato e ben registrato il brano
di chiusura, "Part V", dove canto,
percussioni, suoni di oggetti naturali e richiami si appoggiano ad un
efficace drone di sottofondo che arricchisce il brano di un senso di respiro,
profondità e atmosfera davvero particolare...
(Giuseppe Verticchio)
Scala Stefano: Unsui - Il Sentiero dei Bambù (CD 2004 - Pongo)
[ essescala@tiscali.it ] [ http://www.stefanoscala.com ]
Un'opera matura e affascinante, in
assoluto un ottimo CD, e sicuramente il miglior lavoro realizzato fino ad ora
da Stefano Scala, il quale, con la collaborazione di altri due musicisti (il
giapponese Akira Yokohama e il franco-cinese Laurent Fu) propone una
reinterpretazione di brani di musica tradizionale giapponese e cinese, oltre a
due brani di sua creazione. Se da una parte può apparire inconsueto che un
musicista italiano decida di proporre un CD di musica tradizionale giapponese e
cinese, e ci si potrebbe chiedere per
quale ragione dovremmo accostarci a questo tipo di musica attraverso la
"mediazione" di un artista italiano e non piuttosto, come forse
appare più logico, attraverso registrazioni realizzate interamente da musicisti
direttamente appartenenti a determinate aree geografiche e culturali, d'altra
parte è possibile comprendere questa scelta sottolineando come Stefano Scala,
appassionato musicista, compositore, musicoterapista, ricercatore musicale ed
etnomusicologo, sia approdato alla realizzazione di questo CD attraverso un
lungo percorso di studio, documentazione, e di esperienze di vita, che lo ha
condotto gradualmente a trovarsi quasi in una sorta di "simbiosi" con
quella stessa musica tradizionale che l'artista ha scelto di interpretare e
proporre in "Unsui". Uno splendido booklet ricco di informazioni e
immagini accompagna gli otto brani raccolti in questo CD, quattro dei quali di
origine giapponese, due cinese, e due, composti in prima persona da Stefano
Scala, comunque perfettamente integrati al resto del materiale. Il suono dello
shakuachi e atmosfere piuttosto contemplative sono i principali protagonisti dei brani tradizionali giapponesi, mentre
il suono di altri flauti e movimenti molto più veloci sono alla base dei due
brani tradizionali cinesi; tutta la musica presente nel CD è comunque
arricchita da una gran quantità di suoni di altri strumenti etnici, più o meno
primitivi, di percussioni, di richiami, di rumori prodotti da semplici oggetti
come pigne, semi, foglie... Tecnica esecutiva e qualità del suono assolutamente
impeccabili, oltre ad un evidente grande spirito di ricerca e profonda passione
e senso di ispirazione, fanno di questo
CD un’ opera davvero eccelsa, e se aggiungiamo che una parte dei proventi delle
vendite sono destinati al sostegno di una cooperativa di artigiani di Srinagar,
nella parte indiana del Kashmir, un territorio tormentato da anni di guerre
relative alle rivendicazioni di India e Pakistan, possiamo suggerire un altro
buon motivo in più per acquistare questo CD.
(Giuseppe Verticchio)
Scala Stefano: Bon Voyage - Lungo i Sentieri dell'Africa (CD 2004 - Pongo)
[ essescala@tiscali.it ] [ http://www.stefanoscala.com ]
Con "Bon Voyage",
uscito a poca distanza del precedente "Unsui", Stefano Scala si avventura questa volta
"lungo i sentieri dell'Africa", come lo stesso sottotitolo del CD
lascia intendere, e lo fa con la stessa efficacia con la quale aveva affrontato
la prova precedente, interamente dedicata alla musica tradizionale giapponese e
cinese. Con "Bon Voyage" ci troviamo però proiettati in un universo
musicale completamente diverso, caratterizzato da forti componenti ritmiche e
suoni di strumenti dalle sonorità solitamente più potenti e
"aggressive", tra i quali spicca spesso la voce "tuonante"
dello Djembe. Anche in questo caso il CD è corredato da un ricco booklet nel
quale vengono descritti nel dettaglio molti degli strumenti musicali usati
durante le registrazioni, registrazioni di nuovo davvero sorprendenti per
qualità tecnica, cura del dettaglio e resa sonora complessiva. La mia
preferenza per il precedente CD "Unsui" va forse ricercata nella mia
personalissima propensione per musiche dal carattere più sospeso ed
introspettivo, ma questa mia considerazione nulla toglie al grande valore
oggettivo di "Bon Voyage", una raccolta di 15 brani tradizionali
africani magistralmente riproposti da Stefano Scala, ai quali l'artista ha
aggiunto, in chiusura, una sua breve composizione dalle sonorità analoghe a
quanto già ascoltato nel resto del CD. Le parti che ho preferito sono
sicuramente quelle in cui compaiono alcuni strumenti molto primitivi ma
dall'impronta timbrica davvero insolita e affascinante, come le trombe di
corteccia centroafricane o l'arco sonoro (Mbuti, ex Zaire Nord Orientale), ma
nell'insieme ho comunque apprezzato molto l'intera opera. Sottolineo inoltre
come, anche in questo caso, una parte dei proventi delle vendite del CD
andranno a sostenere iniziative di solidarietà a favore di popolazioni
bisognose.
(Giuseppe Verticchio)
Scala Stefano: Il Tempo del Sogno (CD 2006- Hic Sunt Leones)
[ essescala@tiscali.it ] [ http://www.stefanoscala.com ]
Un'opera di grande spessore e di
notevole fascino che il Maestro Stefano Scala, ricercatore musicale,
polistrumentista e compositore, da anni dedito in particolare a ricerche
etnomusicologiche e musiche etniche, ha voluto dedicare alla cultura degli
aborigeni australiani, ispirandosi in particolar modo a "Le Vie dei
Canti" di Bruce Chatwin, testo dal quale ha peraltro tratto un passo
recitato da Stefano Taglietti in "Origin", straordinario e trainante
brano introduttivo. Lavoro incentrato su sonorità di tipo ambient-rituale con
forte prevalenza di suoni di strumenti etnici, tra cui inevitabilmente quello
del Didgeridoo o Yidaki, tradizionale strumento a fiato dei nativi australiani,
"Il Tempo del Sogno" si articola in otto tracce che evocano
suggestive immagini e scenari primordiali, tra antiche pitture rupestri, terre
color ocra, immense distese di sabbia e tramonti colore rosso fuoco riflessi su
sacri, antichi e mastodontici monoliti rocciosi... Pur caratterizzato da un
utilizzo predominante di strumenti etnici, peraltro non soltanto di specifica
origine australiana, il CD utilizza al contempo trame sonore di matrice
elettronica che contribuiscono a creare atmosfere di grande suggestione,
aiutando a descrivere e "dipingere" con grande efficacia e ricchezza
di dettagli quegli stessi scenari primordiali che la musica intende evocare. La
strumentazione impiegata non si esaurisce qui, giacchè Stefano Scala, talvolta
supportato dal contributo di alcuni collaboratori, ha voluto utilizzare anche
varie percussioni, chitarra elettrica, vibrafono, timpani, ocarine, flauti,
voce, rainstick, campionamenti di canti aborigeni, affrontando situazioni
talora di impronta più etnico-ritmico-rituale ("Corroboree",
"Danza degli Antenati", "Seguendo Namarrgon"), talora più
dilatate e d'atmosfera e quindi prossime ad un contesto "ambient"
("Il Tempo del Sogno", "Il Canto dell'antenato", la prima
parte del già citato "Origin"), talvolta caratterizzate da una
inconsueta vena di tipo più spiccatamente sperimentale, come nella breve
"Voices", nella seconda metà di "Origin", e nella più
lunga, articolata, e assolutamente imprevedibile "Danza degli
Eucalipti", traccia che unisce il suono lungo e profondo del didgeridoo,
frenetici e secchi suoni percussivi, e una curiosa sequenza melodica
"portante" in ripetizione di un suono di origine (quasi certamente)
sintetica. Concludo aggiungendo che avrei desiderato utilizzare per questa
recensione aggettivi e parole di apprezzamento ancora più decise ed enfatiche,
ma che mi sono astenuto dal farlo in quanto, rientrando personalmente nella
"rosa" degli strumentisti che hanno offerto il proprio contributo a
Stefano Scala per la realizzazione di questo CD, un giudizio eccessivamente
sbilanciato avrebbe potuto apparire, come forse in fondo un po' lo è in ogni
caso, non del tutto obiettivo e assolutamente "imparziale".
(Giuseppe Verticchio)
Di sogni si parla nel nuovo disco di
Stefano Scala, ricercatore e polistrumentista che da tempo ha intrapreso un
viaggio-ricerca di stampo etnomusicologico, ma sopratutto interiore, alle
radici della musica, non prima di aver militato in orchestre sinfoniche e
popolari. Suona una gran quantità di strumenti, con precisione e stile:
percussioni, tastiere e synth, vibrafono, didjeridoo, flauti e ocarine,
chitarra elettrica. Qui è affiancato da altri amici musicisti tra cui Giuseppe
Verticchio/Nimh al didjeridoo, click sticks, synth, voce e computer. Un omaggio
al "Tempo Dei Sogni" della mitologia aborigena australiana dunque, ma
filtrato attraverso il percorso narrativo di un Bruce Chatwin, di cui viene
ripreso e recitato nel lungo brano introduttivo Origin, forse il passaggio più
bello del suo libro "Le Vie Dei Canti". Temi questi che a sua volta
avevano ispirato gente come Steve Roach, Stephen Kent e i suoi Lights In A Fat
City.
(Gino Dal Soler - Blow Up)
"... Un'opera che consiglierei
fortemente agli appassionati di musica ambient ovviamente, ma ancora di più a
chi non ha mai sentito parlare di Australia o non ha mai sentito i suoni
provenienti da questa terra lontana, nella speranza che possa rimanerne
piacevolmente stupito."
(Andrea Ferroni - Yidaki
News)
Scala Stefano: Impermanence (CD 2008 - Hic Sunt Leones)
[ essescala@tiscali.it ] [ http://www.stefanoscala.com ]
In un periodo in cui, causa prossime
Olimpiadi, stranamente si sente parlare molto del Tibet e del suo popolo,
abbandonato da lungo tempo alla persecuzione e all'oppressione del governo
cinese che ne ha occupato militarmente da decenni il territorio annettendolo
abitrariamente alla Cina, con il sostanziale assenso di tutti quei Paesi
occidentali che invece proprio ora vorrebbero dare ipocritamente l'impressione
di essere vivamente preoccupati per le sorti dello stesso popolo tibetetano, mi
è giunto a casa questo nuovo CD di Stefano Scala, dal titolo "Impermanence",
evidentemente ispirato a quei territori e alla cultura dei suoi abitanti
nativi. Ovviamente l'autore del CD aveva in lavorazione quest'opera già molto
prima dei recenti e particolarmente drammatici avvenimenti, quindi non si pensi
assolutamente ad una manovra "furba" e strumentale nata per sfruttare
la momentanea (purtroppo) "popolarità" dell'argomento sulla carta
stampata e sui telegiornali delle emittenti televisive.
"Impermanence" potrebbe essere una perfetta colonna sonora per un documentario
sul "paese delle nevi", durante il quale scorrono immagini di
sentieri e passi di montagna, corsi d'acqua, temporali, pastori nomadi,
villaggi, animali al pascolo, ma anche scene di antichi cerimoniali religiosi,
templi dorati, monaci, pellegrini... Il CD è realizzato facendo largo uso di
strumenti etnici ed acustici di vario genere, non necessariamente di origine
tibetana, abbinati a field recordings e quindi a molti suoni naturali di
pioggia, vento, acqua, campionamenti di voci, canti, cori, passi, varie
attività umane, rumori concreti di metalli, campane, trombe, oggetti di legno,
sonagli, semi, richiami, percussioni, con aggiunta di alcuni suoni/substrati di
origine elettronica. Soltanto negli ultimi venti minuti circa la musica del CD
vira in direzione di soluzioni più "leggere" e d'impronta più
tradizionalmente melodica e orecchiabile, "osando" nella seconda
parte della title-track persino l'utilizzo di una "classica" parte
ritmica di batteria su cui emergono suoni di pads spiccatamente sintetici, e
l'inserimento, stavolta in "Kailash II", di una parte molto melodica
di pianoforte estratta (leggo dalle note di copertina...) da "Tibetan
Dance" di Gurdjeff.
(Giuseppe Verticchio)
The new CD by Stefano
Scala, "Impermanence" have is focus on Tibet, where Stefano Scala
went for musical researches and recordings some years ago. The magic of the
cult and traditions of the country with hightest peaks in the world accompany
us in this journey, on a mountain pass, walking along the pathways of the
rarefied Himalayan atmosphere,escorted by a convoy of mules or yaks. Sounds can
be heard of the wind and rain, voices,songs and steps of nomads of
Impermanence. An album that displays different acoustic instruments, armonic
chant, percussions, flutes, rattles and bells, and field recordings... This CD
is more close to the Hic Sunt Leones releases then the previous "Il Tempo
del Sogno".
(Hic Sunt Leones)
Scala Stefano: Nel Cuore
dell'Amazzonia (CD 2009 - Pongo Edizioni)
[ essescala@tiscali.it ] [
http://www.stefanoscala.com ]
Un album assolutamente
"perfetto", che centra in modo straordinario l'obiettivo di
descrivere, ed evocare in forma sonora, l'affascinante universo amazzonico.
Attingendo ad una gamma vastissima, incredibile e sorprendente di suoni,
rumori, strumenti, registrazioni ambientali, e con il rigore e la serietà che
da sempre caratterizza l'impegno artistico dell'autore, "Nel Cuore
dell'Amazzonia" ci trasporta in quegli stessi scenari magici, incantati,
ma al tempo stesso spesso ancora selvaggi e "primitivi", che altri
autori hanno già descritto ed evocato in foma letteraria. Non a caso tra le
note di copertina compare, tra le varie fonti che hanno in qualche modo
ispirato questo lavoro, il nome di Estanislao Pryiemski,
viaggiatore/esploratore/naturalista di Varsavia, nato nel 1892, che nel suo
libro "Le Voci del Pantanal", temendo un'opera di deforestazione
sciagurata che presto avrebbe impedito per sempre di ascoltare nel loro
ambiente naturale i suoni, i versi, i rumori, i richiami degli animali che
abitavano e animavano quei luoghi, volle fissarne per sempre il ricordo in
forma scritta, descrivendo con cura, passione ed entusiasmo quell'incredibile
"universo sonoro" che lo aveva accompagnato negli ultimi venti anni
della sua vita nel Pantanal brasiliano. Utilizzando strumenti a fiato, flauti,
richiami, percussioni, metalli, voci, canti, semplici oggetti in grado di
emettere suoni e rumori, e miscelandoli con grande gusto e capacità compositiva
a substrati di registrazioni ambientali che descrivono perfettamente le
atmosfere dei luoghi che hanno ispirato la realizzazione di quest'album,
Stefano Scala mette forse a segno la sua opera più riuscita e
"matura", coniugando perfettamente le sue capacità artistiche,
tecniche ed esecutive, con la qualità imprescindibile (e non affatto scontata…)
che qualsiasi opera di tipo "sonoro" dovrebbe avere, e cioè la
capacità di "emozionare" e di essere ascoltata con "vero"
piacere e istintivo "trasporto". E se volete approfondire
l'argomento, o accompagnare l'ascolto del CD con una buona lettura, oltre al
già citato "Le Voci del Pantanal" di Estanislao Pryiemski, suggerirei
ancora "I Fiumi Scendevano a Oriente" di Leonard Clark, avventuroso
resoconto dell' esploratore statunitense che narra la storica spedizione nel
Gran Pajonal alla ricerca del mitico Eldorado, verso la fine degli anni '40.
(Giuseppe Verticchio)
Selaxon
Lutberg/Subinterior/Ándreij: Kether
(CD-R 2006 - Invitation à la Mort)
[ http://www.selaxonlutberg.tk
] [ http://www.subinterior.tk ]
Pregevole realizzazione, presentata
in una confezione costituita da un elegante box di cartone rigido nero,
contenente, oltre al dischetto, anche un bel booklet di otto pagine, ricco di
suggestive e "oscure" immagini fotografiche in bianco e nero di
ambientazioni naturali. Il CD-R split "Kether" ha una durata totale
di poco superiore ai 47 minuti, più o meno equamente distribuiti tra i tre
diversi artisti italiani coinvolti (ognuno ha contribuito con un proprio
brano), tutti attivi in area dark-ambient. Introduce il CD-R
"Consciousness Raising", di Selaxon Lutberg, proiettando subito
l'ascoltatore tra sonorità scure e drone-oriented molto "grumose" ed
"impastate", sottilmente elaborate in realtà attraverso
stratificazioni di suoni molto effettati di diversa origine e di difficile
identificazione, dipingendo scenari e situazioni in continua evoluzione, mirate
a restituire un senso di cinematografica drammaticità e tensione, anche grazie
all'uso di evocativi inserti corali, anch'essi molto elaborati, confusi e in
continuo movimento... ora più chiari, riconoscibili e collocati in prima piano,
ora più tridimensionalmente "sprofondati" nel resto del rovente magma
sonoro... Segue "Solitude", di Subinterior, brano che traccia in modo
ottimale il "seguito" di quanto già ascoltato ad opera di Selaxon
Lutberg. Le sonorità e l'impronta di base del brano di Subinterior sono infatti
piuttosto simili, forse soltanto caratterizzate da un senso di maggiore
"presenza", profondità, "calore" e
"pulizia"; simile è anche
l'andamento del brano, anch'esso fondamentalmente drone-oriented ma ricco di
variazioni, stratificazioni di suoni, lenti e progressivi cambi di atmosfera...
Il "viaggio" continua...
Quindi "Silence of Martyr" di Ándreij Ívan Vládimír, traccia
di durata leggermente superiore alle altre che, per quanto sostanzialmente ben
fatta e ricca di spunti e varie idee, appare ugualmente un po' più
"debole" e "indecisa" rispetto al resto, causa forse anche
una certa ripetitività, che si palesa soprattutto nella scelta di mantenere
presente, più o meno per l'intera durata del brano, una sequenza di fondo di
due accordi di pad accompagnati da distanti rintocchi metallici riverberati,
soluzione che alla lunga tende un po' a stancare. In realtà c'è da aggiungere
che la scelta di inserire alcuni elementi più spiccatamente "musicali"
(parti di pianoforte, altre sequenze "melodiche" di pads...) rende la
gamma dei suoni utilizzati anche più varia rispetto a quanto ascoltato nei
brani precedenti, ma nell'insieme "Silence of Martyr" non sembra
comunque trovare nei suoi 17 minuti circa di durata una decisa e più efficace
"via di sbocco", apparendo in conclusione un po' meno convincente. In
ogni caso una realizzazione assolutamente consigliata che vi consentirà di
accedere in un solo colpo all'universo musicale di tre diversi e validi artisti
italiani attivi in area dark-ambient.
(Giuseppe Verticchio)
Selaxon Lutberg: Think (CD-R 2006 - Opaco)
[
an.penso@tiscali.it ] [
http://www.selaxonlutberg.tk ]
Tre brani
di piacevole musica "discreta", costruita utilizzando solo piano,
synth e alcuni campioni audio tratti da un film di Kitano, nati, spiega
l'artista nelle note di copertina, come "terapia personale contro l'ansia
e gli attacchi di panico". Quasi quaranta minuti di durata per un CD-R che
nella precedente edizione, uscita per Cold Current Production, mancava della
traccia "Snow Over the Sea", qui inclusa in chiusura come bonus
track. Musica sostanzialmente "quieta", adatta soprattutto per
ascolti di sottofondo e "riempimento", non per questione di scarsa
qualità, quanto per le sue caratteristiche sonore e strutturali, per la sua
intrinseca "vocazione" fruitiva. Musica realizzata con pochi elementi
essenziali, per lo più sequenze melodiche di piano reverberato poggiate su
substrati forgiati con drones caldi ed elaborazione elettroniche di altri suoni
vari, spesso mandate in loops o che comunque si ripetono ciclicamente in forma
di continuum sonoro "circolare". Musica caratterizzata da una
spiccata ma al tempo stesso "delicata" impronta melodico-musicale,
tinte tenui e sognanti, atmosfere ambientali tranquille e crepuscolari, forse
soltanto lambite da un sotterraneo e non del tutto celato senso di malinconia
ed inquietudine, che, malgrado tutto, emerge a tratti, e in qualche misura,
dagli strati più nascosti e profondi... Un CD-R "semplice" ed
"essenziale" ma di buona fattura, curato e piacevole da ascoltare.
Musica senza tempo, per riflettere, e per sognare...
(Giuseppe
Verticchio)
Selaxon Lutberg: Cold House of Love (CD 2006 -
Eibon)
[ an.penso@tiscali.it ] [ http://www.selaxonlutberg.tk ]
Con "Cold House of Love"
Selaxon Lutberg approda alla pubblicazione di un suo lavoro su CD prodotto
dalla prestigiosa etichetta italiana Eibon, una circostanza che consolida la
presenza e l'importanza di Andrea Penso/Selaxon Lutberg nel panorama della
musica italiana di matrice ambient-oscura (ma neanche troppo oscura...), e che
segna un significativo traguardo, apparendo anche come un
"riconoscimento" di una certa importanza, per quanto riguarda la sua
pluriennale attività artistica. La musica contenuta in questo lavoro,
cinquantuno minuti suddivisi in dieci tracce, non è dissimile nella sostanza e
nella forma da altri lavori pubblicati dall'artista, alcuni dei quali già
recensiti su "Oltre il Suono". Alla piacevolezza e al valore di quanto
ascoltato e recensito in tempi più recenti, si aggiunge questa volta una più
"generosa" durata del CD, elemento che, soprattutto per quanto
riguarda questo specifico genere musicale, caratterizzato da suoni
"morbidi" e dinamiche piuttosto lente e dilatate che richiedono dei
tempi maggiori per essere "assimilate" e per favorire il
coinvolgimento emotivo, rende sicuramente più "completo" e
"appagante" l'ascolto complessivo dell'opera. Ancora musica di
matrice sostanzialmente ambient dunque, dal sapore più malinconico e talvolta
inquieto che non prettamente "oscuro" o addirittura
"catacombale", costruita il
più delle volte con pochi "discreti" suoni sovrapposti; pads, note di
pianoforte, sfondi di registrazioni ambientali, drones utilizzati più come
"riempimento" che non con ruolo di "protagonista". Tutto
molto equilibrato, etereo, misurato, ma al tempo stesso non "anonimo"
o, peggio ancora, "trasparente". Certo è un CD che, per la sua forma
sonora estremamente "discreta", può essere ascoltato molto
piacevolmente anche solo come sottofondo musicale, ma consiglio questo
eventuale modo di fruizione solo come fruizione occasionale e
"alternativa", e soprattutto solo dopo averlo ascoltato almeno un
paio di volte in modo attento e "dedicato", giacchè la musica di
Selaxon Lutberg, pur adatta al ruolo di semplice e discreta
"compagnia", è in grado di suscitare emozioni intense e regalare il
meglio di sè soprattutto attraverso un ascolto "puro", inteso nel
senso stretto del termine, e volto a cogliere l'essenza e la bellezza di ogni
minimo dettaglio e di ogni recondita sfumatura.
(Giuseppe Verticchio)
Serra Raffaele: Heaven & Earth Magic Feature (CD 1992 - Mantric Wave)
[ raffaele.serra1@tin.it ]
Una sorprendente testimonianza
sonora, una raccolta di tanta ottima produzione artistica di Raffaele Serra
negli anni antecedenti al 1992, trenta brevi brani che descrivono una musica senza confini e senza definizione… In
alcune parti compaiono altri musicisti che hanno aggiunto suoni di tastiere,
percussioni, chitarre, basso, xilofono, tablas, strumenti a corda, voce... Lo
“stile” non è quello degli ultimi anni, le sonorità sono ben distanti da quelle
del Serra “sperimentatore” in “Disappearing Music” o dello “sciamano
elettronico” dei 5000 Spirits in “A
Tapestry for Sourcerers”, ma in questi
30 meravigliosi gioielli gli amanti della “vera” musica sapranno ritrovare tutti gli elementi che
più di 10 anni fa già consacravano
Raffaele come uno dei maggiori artisti italiani nel panorama della Nuova
Musica senza frontiere… Un CD imperdibile
per chi segue e ama la musica di questo eccezionale autore, ancora più
interessante in quanto estremamente diverso
da tutte le sue produzioni della seconda metà degli anni ‘90 e del nuovo
millennio…
(Giuseppe Verticchio)
Serra Raffaele: Our Lady of the Sphere (CD-R 1998 - Autoproduzione)
[ raffaele.serra1@tin.it ]
Soltanto un paio d'anni prima di
approdare alla Afe Records, prestigiosa etichetta italiana che dal 2000 in poi
offrirà grande spazio alla musica di Raffaele Serra, l'artista realizza in proprio
uno degli album più innovativi e memorabili della sua intera produzione
artistica, nonchè dell'intero panorama italiano nell'ambito della musica
elettronica-sperimentale dell'ultimo decennio. "Our Lady of the
Sphere" può essere infatti considerato un punto di riferimento assoluto e
un esempio ineguagliabile per chiunque negli anni a venire si occuperà di
ricerca musicale e sperimentazione elettronica... Quasi un' ora di durata per
un CD-R che è un vero caleidoscopio di suoni, di emozioni, immagini, visioni...
Un' unica lunga suite che tesse incredibili trame sonore sintetiche e
acustiche, le intreccia con suoni di percussioni, le alterna a cupi rumorismi,
pulsazioni, sibili, disturbi, registrazioni ambientali di ordinarie attività
umane, voci e rumori di strada, suoni di cicale e di altri insetti, pause di
silenzio... Il tutto con un sorprendente e avvincente senso di continuità,
anche laddove l'alternanza nell'uso di materiale sonoro di origine così
eterogenea e i rapidi e frequenti
"cambi di scena" avrebbero invece potuto condurre l'artista a
realizzare un disordinato collage elettroacustico, facile "trappola"
che Serra schiva elegantemente, e nella quale invece molti autori che
utilizzano comunemente la tecnica dell' "assemblaggio di suoni"
tutt'ora tendono facilmente a cadere... Così come in un qualsiasi film della
durata di due ore un buon regista è in grado di condensare e raccontare storie
avvenute in realtà in periodi di tempo lunghi anche diversi giorni, settimane o
addirittura anni, e ambientate in spazi e luoghi distanti anche centinaia di
migliaia di chilometri tra di loro, in questo album Raffaele Serra è riuscito
meravigliosamente a condensare in un' ora di musica una serie stupefacente di
situazioni ed emozioni sonore che, una volta ascoltate, sarà impossibile
dimenticare…
(Giuseppe Verticchio)
Serra Raffaele: Memories of an Unborn Baby (CD-R 1999 - Autoproduzione)
[ raffaele.serra1@tin.it ]
Pertendo da un approccio compositivo
abbastanza simile a quello già collaudato nel suo precedente lavoro “Our Lady
of the Sphere”, lo sciamano elettronico Raffaele Serra riesce a ripetere il
miracolo, mettendo a segno il secondo entusiasmante capitolo di una trilogia
che troverà conclusione solo nel 2004 con "The Third Mind", terzo
CD-R di questa imperdibile serie. Difficile esprimere un giudizio di preferenza
tra questa seconda opera e la precedente... Se "Our Lady of the
Sphere", in quanto primo titolo della trilogia, colpisce particolarmente
per originalità e genialità, è forse in "Memories of an Unborn Baby"
che prendono forma in musica i sogni/incubi più intimi e segreti del Serra più
visionario e allucinato; è qui che l'uomo/artista racconta con un carico enorme di tensione, e con un angoscioso
senso di solitudine, quel mondo alienato, frenetico e perverso che ci circonda,
e che il bambino mai nato citato nel titolo non potrà mai conoscere nè
vedere... Un lavoro di grande impatto che colpisce allo stomaco prima ancora
che al cuore... Settanta minuti di musica
semplicemente straordinaria…
(Giuseppe Verticchio)
Serra Raffaele: Disappearing Music (CD-R 2000 - Afe)
[ info@aferecords.com ]
Primo capitolo della serie
"Cinema per le Orecchie" di Raffaele Serra. Una musica difficile da
descrivere, e altrettanto difficile da etichettare in un "genere" musicale
più o meno preciso... L'universo "Serra" è un mondo a sè, e per
essere compreso deve necessariamente essere ascoltato in prima persona. Suoni
elettronici e provenienti da sorgenti acustiche, pulsazioni, elementi ritmici,
voci e campionamenti di varia natura, momenti di accentuata musicalità e attimi
di spiccato sperimentalismo, si alternano in un variegato collage
elettroacustico di rara bellezza e originalità. Un CD-R da ascoltare con la
mente aperta ad ogni possibile emozione sonora, e senza alcun pregiudizio verso
elementi costitutivi che nascano dalle più disparate influenze musicali…
(Giuseppe Verticchio)
First chapter in the
"Cinema for the Ears" serie.
Analogic synths and treated tapes lead through a real cinematic
experience.
(Afe Records)
Serra Raffaele: Journey Around a Zero (CD-R 2000 - Afe)
[ info@aferecords.com ]
Secondo capitolo della serie
"Cinema per le Orecchie". Analoghi a "Disappearing Music"
gli ingredienti. La prima parte del CD-R si muove tra progressioni generalmente più drammatiche, spesso tese e
inquiete, lasciando spazio anche ad atmosfere sospese e ad evoluzioni dai tempi
più dilatati… Quindi la musica sembra
cambiare progressivamente direzione, lasciando maggiore spazio a quegli
elementi ritmici che avranno un ruolo predominante nella parte che segue. Poi di nuovo voci, cori, campionamenti vari,
in una sorta di ritorno
"circolare" agli elementi compositivi che hanno caratterizzato la
prima parte del CD-R... Un percorso da seguire tutto d'un fiato...
Un'esperienza d'ascolto affascinante come poche...
(Giuseppe Verticchio)
Second chapter in the
"Cinema for the Ears" serie, and the ideal companion to
"Disappearing Music", introduces more rhythmic layers.
(Afe Records)
Serra Raffaele: Theta Experience (CD-R 2000 - Afe)
[ info@aferecords.com ]
Un lungo viaggio sonoro dal sapore
introspettivo, tra pads dai suoni caldi, rumori concreti, stasi liquide e
sospese, improvvisi suoni elettronici, frammenti audio dal mondo reale, treni,
rumori di pioggia, voci, canti di uccelli, motori... Elementi che si miscelano,
si alternano e si sovrappongono, forgiando 54 minuti di musica sorprendentemente organica e coinvolgente, attraverso
una sottile tensione emotiva che accompagna l'ascolto nella continua incertezza
di quello che potrà venire negli istanti successivi... Un'ottima opera, e sicuramente uno dei
lavori di Raffaele che ho maggiormente apprezzato...
(Giuseppe Verticchio)
The approach to music is
"Environmental Ambient", the compositions wrought with worldly sounds
- that of a speeding train, bird songs and the like. Raffaele Serra has
composed the music in a way that works around the ‘sounds’ - thus creating a
symphony of life. Sometimes the music stops for a period, allowing the listener
to soak up the sounds of a forest brimming with creatures. (…) The effect is
quite effective reminding the listener of the vast world outside. The
composition - although sub-divided into separate tracks - is recorded as a
seamless whole. There seems to be a theme as the voyage takes us on a journey
from the ancient to the future - the end replete with bleeping, machine-driven
sounds. There is, in "Theta Experience", originality found lacking in
many ambient recordings - managing to distance it from the mundane. Another
winner from the Italian team.
(Glenn Hammett - The Raging Consciousness Desk,
webzine, August 2000 - U.S.A.)
Serra Raffaele: Holographic Soundscapes (CD-R 2000 - Afe)
[ info@aferecords.com ]
Un Raffaele Serra abbastanza diverso
da quello di "Theta Experience", che nella realizzazione di questo
lavoro tende in alcuni momenti ad usare un approccio compositivo, nonchè forme
e sonorità, di tipo più convenzionale.
Il materiale è più eterogeneo. L'interessante aspetto della ricerca sonora tipico
di Raffaele, in questo caso in un ambito prevalentemente elettronico, è
comunque spesso evidente, ma in altre parti l'autore direziona invece i propri
sforzi verso composizioni dal sapore meno "pionieristico". Sempre
eccezionale la qualità tecnica, la resa sonora e la cura del dettaglio.
(Giuseppe Verticchio)
In these 20 tracks, we find
Raffaele shifting around beats and rhythmic textures, and what a nice surprise
it is!
(Afe Records)
Serra Raffaele: Molecular Memory (CD-R 2001 - Afe)
[ info@aferecords.com ]
Quello che non bisogna fare,
ascoltando questo CD-R, è cercare a tutti i costi un filo conduttore, una
precisa direzione musicale... Raffaele infatti sorprende con continui e
repentini cambi di rotta, con incursioni in territori musicali a volte anche
molto diversi da quelli solitamente recensiti su Oltre il Suono, spiazzando
l'ascoltatore che cerchi necessariamente di inquadrare l'opera in un contesto
musicale ben definito. Solo in questo modo è possibile apprezzare a pieno i
diversi volti che brano dopo brano, istante dopo istante, la musica di Raffaele
vuole mostrarci. "Molecular
Memory" è un CD-R che, un po' come "Disappearing Music",
richiede una grande apertura mentale verso esperienze musicali molto
eterogenee. Si passa così da voci etniche e situazioni ipnotico-rituali a preponderanti
linee di basso e batteria, da momenti
più prettamente elettronici e sperimentali a strani e ricercati suoni
reverberati di percussioni metalliche, senza dimenticare alcuni momenti nei
quali invece la struttura musicale e le sonorità appaiono meno inconsuete.
(Giuseppe Verticchio)
Here at last we have the
third chapter in Raffaele Serra's "Cinema For The Ears" serie. Sound
sources include rare field recordings taken in Tibet and India along with
Raffaele's trademark analogic synthesizers.
(Afe Records)
Serra Raffaele/Marutti Andrea/Atto: Frontiere (CD-R 2001- Afe)
[ info@aferecords.com ]
Un eccezionale documento sonoro, la
registrazione di una rara esibizione dal vivo di Raffele Serra, con la
partecipazione di Andrea Marutti e Atto agli effetti visuali… Otto tracce, per
la durata totale(purtroppo un po’ breve…)
di 35 minuti, che alternano
momenti di maggiore sospensione, di
tesa e drammatica staticità, a momenti ritmici dal forte impatto
dinamico, il tutto in un contesto musicale dominato da sonorità spiccatamente
elettroniche... “Frontiere” è il magnifico punto d’incontro di due artisti fondamentali nel panorama della
musica elettronica e sperimentale italiana, che ci auguriamo tornino presto a
lavorare insieme ad un progetto musicale comune, consolidando ulteriormente
quello spirito di collaborazione che già da tempo li unisce, e che ha portato alla pubblicazione e alla
diffusione di tanta musica di Serra pubblicata dalla Afe Records… Un disco da
non perdere...
(Giuseppe Verticchio)
In September 2000 Raffaele
Serra and I were invited to play a live concert in Milan at the
"Frontiere" multimedia happening. This was one of the extremely rare
public apparitions of Raffaele and this is the reason why the concert was so
important for us and the audience. During the performance, Atto, a famous
italian videomaker, joined us on stage to feed the audience with live videos
sourced from his powerbook. In such occasion we performed a mixture of ambient
/ analogic textures along with some more beat-oriented tracks thrown in for
good measure.
(Afe Records)
Serra Raffaele: Hypnagogic Algorithms (CD-R 2001 - Afe)
[ info@aferecords.com ]
Una raccolta di brani caratterizzati
da sonorità e strutture piuttosto eterogenee, nella quale sembra che il desiderio
di ricerca si sia un po’ affievolito, lasciando spazio a composizioni che si
evolvono in direzioni musicali dal sapore più ordinario, o comunque meno
sorprendente. In questo contesto trovano spazio anche alcune parti, come ad
esempio la traccia di apertura o ancora di più la quinta traccia, che mostrano
la vena più romantica e melodica di Raffaele, e che troverebbero una perfetta
collocazione per la sonorizzazione di scene da films e/o documentari. Non
mancano ovviamente momenti in cui invece prevale lo spirito più inquieto di
Raffaele, come ad esempio la seconda
bellissima traccia, che ricorda
un po’, per struttura e sonorità, alcuni momenti del suo vecchio lavoro “Memories
of an Unborn Baby”, lavoro che ci auguriamo di vedere presto ripubblicato dalla
Afe.
(Giuseppe Verticchio)
A new chapter in the ever
growing "Cinema for the Ears" serie. This time Raffaele's trademark
synthesizers overcome the concrete elements and transform his compositions in
pure electronic delights. In between tracks filled with tension and reiteration
we also discover some pleasant melodic moments and in the last track the old
pioneer pays his sincere homage to the new electronic generations.
(Afe Records)
Serra Raffaele: Digital Avatar (CD-R 2002 - Afe)
[ info@aferecords.com ]
Sono sgomento… Ho appena finito di
ascoltare il CD-R e non ho la più pallida idea di quali parole userò per farne
la recensione, così decido di cominciare a scrivere senza pensarci troppo su…
La parola più adatta a descriverlo forse è “Capolavoro”, ma anche questo
termine mi sembra riduttivo… “Digital Avatar” è qualcosa di più… In genere
cerco di evitare espressioni troppo enfatiche, ma questa volta stento a
controllarmi… Ogni autore, nella vita
artistica, ha il suo momento di maggiore creatività, il culmine
dell’ispirazione, l’istante in cui trova l’equilibrio perfetto tra sè stesso,
gli strumenti, la musica, e il mondo che lo circonda… Il mio entusiasmo nasce
dal fatto di essere convinto che Raffaele sta vivendo esattamente adesso questo
momento, e tale entusiasmo si trasforma
poco dopo in una sorta di inquietudine, nel chiedermi se in futuro un simile miracolo potrà
ripetersi… Ma perché rovinare un momento così magico pensando già al futuro?
Procuratevi e ascoltate tutto d’un fiato il disco più bello che io abbia potuto
ascoltare in questi ultimi anni… Lasciatevi trasportare dalle trame ora più
elettroniche ora meramente acustiche che vi offre il CD-R, lasciatevi deliziare
dall’incantevole suono del Santur e dalle ipnotiche progressioni ritmiche, ora
di natura sintetica, ora squisitamente concrete e materiali come quelle
provenienti dal suono delle Tablas… Lasciatevi cullare dal suono teso ed
evocativo dei tappeti elettronici,
laddove la musica sembra cercare un momento di introspezione, di stasi
meditativa… Non perdete questo disco per nessuna ragione al mondo, perché è un
disco che merita di restare, e sono certo che resterà, nella storia della
musica elettronica internazionale...
(Giuseppe Verticchio)
A true veteran of the
Italian electronic/ambient scene, with renown works like "Kodak Ghost
Poem", "Ritual in transfigured time" and "A tapestry for
the sorcerers", Raffaele Serra has been collaborating over the last few
years with Andrea Marutti (Amon, Never Known, Lips Vago, Spiral...)'s AFE, now
a kind of official label for his releases, like the most recent one,
"Europe Endless". This work, released last year with the usual
professional care (AFE's cdr's could undoubtly be mistaken for
"official" releases), is explicit from its very title and layout: a
blend of Oriental spirituality and modern technology, a sort of heartfelt
prayer from an Occidental man of today. The opening track, "Morning
Glory", and the closing one, "River of No Return", embrace the
whole work with a frame of ritual ambient textures reminding of Steve Roach or
Vidna Obmana; ethereal drones bearing light and shades. The rest of the work,
while sharing a common atmosphere - like a sort of "unquiet trance",
if you pass me the oxymoron -, is definitely more rhythmic, with remarkable
tracks like "Water-Lily" and "The Glass Key", or the more
serene "Wooden"; I can only say they reminded me A LOT of the works
of the Portuguese duo Ras.Al.Ghul, possibly for a common "spiritual
sense" as well.
(Eugenio Maggi - ChainDLK)
Serra Raffaele: Europe Endless (CD-R 2002 - Afe)
[ info@aferecords.com ]
Con questo lavoro, il cui titolo
vuole essere, oltre alla descrizione del tema del CD-R, anche un omaggio ai
Kraftwerk degli anni d'oro, Raffele Serra ci conduce in un affascinante
"viaggio elettronico" attraverso dodici città europee, ad ognuna
della quali è dedicato un brano, con la sola eccezione della città di Berlino
alla quale l'autore concede uno "spazio" doppio... Avvalendosi di uno stile assolutamente
inconfondibile per chi conosce tanti
suoi precedenti lavori, e coadiuvato da una qualità della registrazione
dettagliata e sorprendente, Raffaele
spazia dalle atmosfere quiete e crepuscolari di "Berlin - Return to the
Source", brano introduttivo che è anche un omaggio ai primi Tangerine
Dream, alle lente e ipnotiche suggestioni ritmiche di "Zürich -
L.Labs", dalle melodie tenui di un suono di fisarmonica in "Paris -
Abduction" a quelle più marcate e d'impatto, costruite su una scala
balcanica, di "Zagreb - Nomad Brain", dalle atmosfere più drammatiche
e inquiete della splendida "Köln - Modified" alle ritmiche spezzate e
il pianoforte dal sapore vagamente "jazz" di "Düsseldorf - Wings
of Desire", dalle stasi tese e taglienti dell'ottimo brano "Wien - Innerverse" agli energici
movimenti dinamici e ritmici dell'altrettanto splendida "Berlin - Metallic
Universe". Tutti i brani hanno una durata intorno ai cinque minuti, e per
chi non ama i viaggi organizzati dalle
agenzie turistiche, e preferisce itinerari aperti ad ogni possibile variazione sul
percorso programmato, suggerisco ascolti in "repeat" e impostazione
"randomizzata" della sequenza dei
brani…
E auguro ovviamente uno splendido
viaggio!
(Giuseppe Verticchio)
"Europe Endless"
is the 9th album of Serra released on Afe, and one of best recent works in his
impressive discography. It contains the sound-portraits of various european
cities: Barselona, Zurich, Amsterdam, Cologne, Paris, Prague, Wien, Berlin
(divided into two tracks - as I suppose, considering western and eastern parts),
13 tracks total. The diversity of each city atmosphere is mirrored in tracks
structure: styles are varying from cold experimental electronics and dark
ambience to the minimal technoid pulses and even hip-hop rhythms. Well I think
that this album is less experimental than others but nevertheless interesting
because of evokative soundscapes. What is notable, there is absolutely no
affected, false national "colours", so the composition follows
cosmopolitan way of "imaginary travel". This album is sincerely devoted
to changes, waiting, journey, hope... the most important and remarkable thing
out of it all.
(Dmitry Vasilyev - IEM Webzine)
Serra Raffaele: Le Spectre de la Rose (CD-R 2004 - Afe)
[ info@aferecords.com ]
Collocabile idealmente in un’ area
musicale intermedia tra l'elettronica
d'impronta più "tradizionale" del precedente "Europe
Endless" e le sperimentazioni più estreme di "The Third Mind",
album uscito più o meno contemporaneamente a "Le Spectre de la Rose",
quest'ultimo è un lavoro che, proprio per questa caratteristica, potrà essere
sicuramente apprezzato da un pubblico molto vasto. Molto elegante, raffinato,
equilibrato seppure piuttosto vario, e ulteriormente valorizzato da un' ottima
qualità del suono. Il disco alterna
situazioni piuttosto diverse, passando dai momenti più statici e tesi
dell'efficace brano introduttivo "Siege of the Unseen", alle
atmosfere sognanti e oscure al tempo stesso, surreali e crepuscolari, dello
splendido "Fog" e di "Dreaming Escape", dalle strane
sonorità di "Garden in the Void" dove un pianoforte dal suono molto
aggressivo è sovrapposto ad affascinanti registrazioni ambientali, alle
sequenze ritmiche-sintetiche-elettroniche di "She Who Laughs"
(evidentemente ispirato alla musica dei Kraftwerk), dalle atmosfere più "notturne"
del lungo brano di chiusura "Night Flight" alle magiche sequenze
costruite con il suono del santur in
"Dark Interlude", senza dimenticare le originali miscele
sonore, davvero difficili da descrivere, di brani come "Love Vs.
Gravity" o le particolari sequenze d'organo protagoniste di "Stars
Like Dust" e "Slow Fire". Impossibile annoiarsi insomma, così
come è impossibile non apprezzare questa nuova e ottima produzione Afe che,
secondo la mia personalissima opinione, si colloca un gradino più sù del
precedente "Europe Endless",
grazie al maggiore spirito di ricerca che evidentemente caratterizza
questo nuovo album, e alla sua più
spiccata personalità e originalità...
(Giuseppe Verticchio)
Exactly one year after the
release of the acclaimed "Europe Endless", an album that aptly
bringed back Raffaele Serra to success after some years of struggling, our
favourite electronic shaman returns on Afe with a very beautiful, delicate and
experimental new work. Partly inpired by Fleur Jaeggy's "I Beati Anni del
Castigo / Sweet Days of Discipline", "Le Spectre de la Rose"
tells the imaginary story of a thirteen years old girl, her vision of the
world, her many dreams and nightmares, hope and fears. The music has obviously
a cinematic quality, as it often happened in other Raffaele Serra's works. His
usual references appear each now and then all over the disc: the santur on Fog
and Dark Interlude, the Kraftwerk-inspired sequencer lines on She Who Laughs,
the mantric melodies on Dreaming Escape and the long final Night Flight.
(Afe Records)
Serra Raffaele: The Third Mind (CD-R 2004 - Mantric Wave)
[
oltreilsuonomail@tiscali.it ]
Ci sono voluti circa cinque anni
prima che Raffaele Serra tornasse dietro le sue apparecchiature elettroniche
per mettere a segno il terzo e ultimo capitolo di quella imperdibile trilogia
di impronta fortemente sperimentale inaugurata nel 1998 con "Our Lady of
the Sphere", cui seguì a breve
distanza "Memories of an Unborn
Baby". Chi ha avuto il buon senso di seguire l'artista in questi ultimi
tempi, e ha quindi avuto modo di ascoltare nel 2003 il suo progetto dark
ambient/sperimentale "Talharion" con il CD-R "Footsteps on Dead
Leaves", non vedrà come un fulmine a ciel sereno il ritorno di Raffaele
Serra alla sperimentazione più pura e ricercata con questo nuovo "The
Third Mind". Quasi settanta minuti
di musica sconvolgente, un' opera sudivvisa in dieci parti, costituita di sospesi mantra elettronici, incredibili
registrazioni ambientali, improvvise pulsazioni ritmiche, straordinari loops
ipnotici... E poi ancora suoni tesi e taglienti, ronzii, voci
inquietanti, parti di sequencer, rumori di aeroplani, motori, acqua... Provate
ad immaginare un album che, partendo dalle medesime intenzioni ed esigenze
creative che nel 1998 e nel 1999 hanno portato alla realizzazione dei primi due
capitoli della trilogia, nasca fondendo ad esse le esperienze dei successivi
cinque anni di attività artistica, attingendo agli elementi più sperimentali,
estremi e "deep" che è stato possibile riscontrare nelle numerose
produzioni pubblicate dall'autore per la Afe Records tra il 2000 e il 2002,
quali "Disappearing Music", "Theta Experiences",
"Journey Around a Zero", "Molecular Memory" e "Digital
Avatar" tanto per citare qualche titolo... Tutto questo
"condensato" e raccolto in un unico CD-R nel quale Raffaele Serra,
ancora una volta, sembra voler insegnare alle nuove generazioni elettroniche
cosa sia la vera sperimentazione sonora... Occorre aggiungere che nessuno
dovrebbe perdere "The Third Mind"?
(Giuseppe Verticchio)
"The Third Mind"
shows the highest skills and appears to be the welcomed guest in every
sound-medium head. The music itself tends to be intuitive, but more like the
inward meditation, inducing the exclusive mental response. If you sometimes experienced
the isolation amongst the everyday life workflow, standing still and listening
to your inner state of mind, with no special aims, all alone with your refined
personal emotions - you'll find here at least ten such situations, ten
fragments of unconscious trips. This is neither ambient music neither
industrial, and even not avangarde or environmental studies, but all those
elements bound together - weird electronica, as they say. Serra usually
describes his latest works in the manner of "cinema for ears". The
point is, free the mindflow from chains of logical thinking, take it away from
the dogmatic way which is leading through our planned life. Every track is the
incarnation of beautiful moment, recorded in extendable sound. The trembling
aura of sounding silence, spashing water, waves riding back to the invisible
shores of distant past.
(Dmitry Vasilyev - IEM Webzine)
Sigurtà Luca: Complesso Momento Negativo (CD-R 2000 - Autoproduzione)
[ eelsforfun@yahoo.it ]
Un breve CD-R della durata di circa
15 minuti, suddivisi tra 7 brani. Le sonorità che prevalgono sono quelle
tipicamente elettroniche e sperimentali: sibili, ronzii, effetti distorti, voci
umane, rumori di varia natura, qualche momento di stasi, istanti vagamente
musicali, libere improvvisazioni…Un collage di frammenti sonori che sembra
nascere in risposta ad esperienze di ascolto di artisti di teutonica memoria
dei primi anni ’70, come i Kraftwerk nella loro fase più sperimentale e
rumorista… Un documento che testimonia i primi passi di Luca Sigurtà
nell’universo della composizione elettronica, in un momento in cui l’
istintività, la totale dedizione ad una forma espressiva e creativa al di fuori
da ogni schema, e il desiderio di sperimentazione, prevalevano su qualsiasi forma di condizionamento formale,
generando una musica che trova in questi stessi elementi i suoi principali
pregi ma anche i suoi limiti. La
qualità delle registrazioni risente inoltre di probabili limitazioni tecniche,
essendo in diverse parti affetta da un fruscio di fondo un po’ troppo presente.
(Giuseppe Verticchio)
Sigurtà Luca: Sinusoidale Desiderio Informatico (CD-R 2000 - Autoproduzione)
[ eelsforfun@yahoo.it ]
Un altro breve CD-R della durata di
15 minuti. Un altro lavoro a base di sonorità elettroniche in cui i tre brani
che la costituiscono assumono forse una forma evolutiva un po’ più definita.
L’autore sembra non accontentarsi più di estrapolare suoni ed effetti dai suoi
macchinari, ma tenta di organizzarli in modo un po’ più organico, compiuto, e di dare un senso più ordinato alle progressioni sonore. Il tutto comunque in un contesto di rumorismo e sperimentazione
abbastanza spinto, quindi sempre ben distante da atmosfere ambient, dilatate e
dall’ampio respiro.
(Giuseppe Verticchio)
Sigurtà Luca: Triplice Scansione Temporale (CD-R 2000 - Autoproduzione)
[ eelsforfun@yahoo.it ]
Sempre un breve CD-R di 15 minuti (a
quando un lavoro dalla durata più
impegnativa?). Inizia il CD-R e
l’impressione iniziale è che l’evoluzione continui. Le atmosfere si fanno più
rarefatte, le sonorità meno acide e “ad effetto”: “Non Tempo” sembra proiettare
l’artista verso nuove direzioni musicali. Forse tra un “Ralf and Florian” e
“Kraftwerk 1” qualcuno ha suggerito a Luca l’ascolto di Robin Storey?
“Temporanea perdita di coscienza” fa un passo indietro, affidando a scricchiolii e cigolii (non sintetici) il
compito di catturare l’attenzione dell’ascoltatore, senza però riuscire a
ricreare un’atmosfera particolarmente interessante. Segue “Natante”, che vede protagonista il suono ipnotico e ben
trattato di una chitarra elettrica… Purtroppo il brano finisce senza che l’idea
di partenza abbia avuto modo di svilupparsi in alcun modo (durata: un minuto e
mezzo...) e l’unica variazione è costituita da alcuni suoni di batteria (sintetica) che più che aiutare disturbano
un po’ quei già brevi istanti di emozione che
la chitarra elettrica era stata in grado di regalare. “Margini del Caos”
sembra ritornare ad atmosfere più dilatate, curate, e sofisticate sotto il
punto di vista della costruzione, ma purtroppo anche qui l’emozione si spegne
presto, nei due minuti di tempo concessi al brano per raccogliere elementi,
spunti e suoni con i quali sarebbe stato possibile realizzare una buona
mezz’ora di interessante musica ambient-elettronica dal respiro più ampio...
Anche “Cronos” è forse in bilico tra il desiderio di prolungare i suoni verso
la loro giusta direzione temporale, e l’impazienza di passare al “frammento
sonoro“ successivo senza aver sfruttato a pieno gli spunti musicali già
utilizzati… E comunque anche qui è difficile, nei due minuti di durata del
brano di chiusura, trovare parole adatte a descrivere la musica contenuta in
una frazione di tempo così breve: più o
meno la durata del fade-in medio di un brano di musica ambient che usa questa
soluzione per emergere discretamente dal silenzio… Qualcuno ricorda “Siren”, da “Ending Mirage” di Vidna Obmana?
(Giuseppe Verticchio)
Sigurtà Luca: La Sindrome di Stoccolma (CD-R 2001 - Autoproduzione)
[ eelsforfun@yahoo.it ]
Luca sceglie la via del minimalismo
più estremo per dare forma ai suoi sogni (incubi?) e lo fa senza compromessi.
Le 5 tracce (25 minuti circa) che lo compongono sono pregne di suoni creati
chissà come e riprocessati al PC, di glitches nati da CD graffiati ricampionati
mandati ossessivamente in loop e che rimbalzano da un canale all’altro, di
piccoli frammenti melodici decontestualizzati e suonati al contrario. Una voce
"lontana" e carica di eco tenta faticosamente di emergere perforando
le pareti che la imprigionano; un pianoforte (suonato da Tommaso Clerico) di
tanto in tanto invece ad emergere ci
riesce, e quando lo fa rende ancora più drammatico il tutto. Sicuramente un
lavoro difficile ma ricco di fascino, e che, come ci consiglia l’autore, dà il
meglio di sè ascoltato in cuffia. La sindrome di Stoccolma è quello strano
fenomeno che tende a far sì che il rapito familiarizzi con il rapitore, e che
con il trascorrere del tempo di prigionia arrivi addirittura ad affezionarsi a
lui. Chi scrive è stato tenuto prigioniero di questo dischetto e comincia ad
invaghirsene al punto tale da attendere con ansia il materializzarsi dei nuovi
incubi (sogni?) del suo creatore.
(A. Zanni - Spectrum)
A nice surprise from this
(probably young) Italian sound-assembler. Sigurtà’s non-songs are cut ups of
skipping CD’s, eerie machine noises, primitive keyboards. A piano and a singing
voice (by the guest musician Tommaso Clerico) appear here and there, but they
only add to the general feeling of alienation. What is great in this CD is that
theese sounds made of nothing actually convey feelings, suggest images, create
an atmosphere of their own. Concrete music for pulsating damaged objects,
deserted fields, abandoned places lightened by neon tubes.
(Eugenio Maggi - Chain the Door)
Sigurtà Luca/Cecconello Manuele: Terre (CD-Rom 2002 - Autoproduzione)
[ eelsforfun@yahoo.it ]
Una recensione un po’ “atipica”, per
un prodotto diverso. Non si tratta infatti di un CD audio, ma di un CD Rom, in
100 copie numerate, realizzato in collaborazione tra Manuele Cecconello, autore delle riprese, e Luca Sigurtà, autore
di suoni e musiche. Il CD Rom, molto curato, e di ottima fattura per quanto
riguarda la realizzazione grafica e la stampa, propone un cortometraggio di
circa 5 minuti di durata, fruibile sia
utilizzando il semplice “Windows Media Player”, sia utilizzando un lettore DVD.
La prima scelta che mi trovo a condividere è quella di aver realizzato un
prodotto che non necessita di alcuna installazione, e questo con grande
sollievo del nostro Hard Disk e soprattutto del (mai abbastanza stabile...)
sistema operativo Windows. Il CD-Rom è comunque fruibile anche con Mac, e contiene inoltre due tracce audio, in
formato Wav, ascoltabili con qualsiasi software di riproduzione di files audio.
Una di esse è una versione “remixed” della colonna sonora del filmato. Premetto
che non essendo abbastanza competente per potemi improvvisare “recensore di
cortometraggi”, mi limiterò a descrivere le mie impressioni mettendomi nei
panni di un qualsiasi spettatore, con un occhio particolarmente attento al
contenuto sonoro. C’è da dire che l’abbinamento tra immagini e musica è
perfetto, tanto da non riuscire a capire se è più corretto classificare l’opera
come un filmato accompagnato da una colonna sonora, o piuttosto considerarla una
specie di videoclip, nel quale il soggetto dovrebbe essere la musica, e le
immagini il “contorno visivo” della
stessa... Il filmato, realizzato in superotto ed elaborato con tecniche
digitali, è diviso in due parti. Nella
prima, quella che ho personalmente trovato più suggestiva, evocative immagini
in movimento, a volte confuse, di
foglie portate dal vento, acqua, fuoco, riflessi di luce, residui organici e
fondi di torrenti melmosi, sono accompagnate da atmosfere sonore dal sapore
etnico-rituale... Pochi minuti di coinvolgenti sequenze ipnotiche nella cui
breve durata è possibile trovare l’unico “difetto”: avrei desiderato poter
godere di questo suggestivo abbinamento immagini/musica per un periodo di tempo
molto più lungo... Nella seconda parte la musica si fa rarefatta, assumendo
l’aspetto di una pulsazione elettronica, e va ad accompagnare confuse e
surreali immagini di porzioni di corpo umano nudo in una oscurità dalle
tonalità violacee... Immagino che dietro
questi pochi minuti di filmato e musica, ci sia stato in realtà un grosso
lavoro da parte dei due autori, e mi sento di incoraggiarli con entusiasmo nel
proseguire in questa direzione... Le idee sono interessanti, e Luca e Manuele hanno dimostrato di avere
le capacità per andare molto oltre...
Spero davvero che “Terre” avrà presto un seguito, magari sempre in forma
di cortometraggio, ma dalla durata un po’ più “generosa”...
Per contattare Manuele Cecconello
scrivere a: m.cecconello@libero.it
(Giuseppe
Verticchio)
A collaborative experiment between
a film-director and a sound artist. A short movie, almost zen-like in its
depiction of details agrandis, a sensuous eye seeing things in a dream
commented by a sound crystal clear and essential as appropriate. Contains two
bonus audio tracks, one of which is a remix of the soundtrack. Packaged in a
beautiful dark red velvet case (courtesy of Barbara Grieco) and high quality
printed colour sleeve, featuring stills from the movie. Runs on PC, Mac and
standard DVD players. Get it while you can.
(P. Ippoliti)
Sigurtà Luca: La Vera Macchina d'Argento (CD-R 2004 - Afe)
[ eelsforfun@yahoo.it ]
Dopo un lungo periodo di silenzio
discografico, periodo durante il quale Sigurtà è stato invece estremamente
attivo per quanto riguarda la propria attività "live", spesso a
fianco di Fhievel (altro attivissimo e apprezzato artista già presente su
"Oltre il Suono"), ecco finalmente il nuovo e tanto atteso lavoro
"La Vera Macchina d'Argento". Un CD-R piuttosto
"silenzioso", dai movimenti lenti, che contrasta abbastanza con
quanto ascoltato nei precedenti lavori di Sigurtà, pur rimanendo
sostanzialmente invariata l'impronta fondamentalmente elettronica, e pur
rimanendo legato all'ampio uso di disturbi e rumorismi, questi sia di tipo
elettronico che concreto. La "ricetta" della nuova musica di Sigurtà
è nell'essenza abbastanza semplice, costituita di fondi spesso tesi e
apparentemente statici, seppure in realtà in continuo, lento movimento, sui
quali si "appoggiano" in vario modo altri suoni e rumori dall'impatto
però sempre molto "discreto", misurato e perfettamente equilibrato.
Due lunghi brani (Part 1 e Part 2) cui si interpone "L'assassino
Minacciato", un breve "bozzetto" nel quale, verso il finale, la
presenza di un suono d'impronta moderatamente melodica restituisce un senso di
lieve "musicalità", regalando una manciata di istanti di
"luce" che forse avrebbero meritato di essere sviluppati in forma più
ampia. Un' opera matura e affascinante, realizzata con grande gusto e senso
della misura, seppure, per la sostanziale assenza di elementi sonori e forme
costruttive più marcatamente riconoscibili e quindi
"caratterizzanti", non lascia forse un' "impronta
personale" ben definita e dettagliata. Copertina di pregevole fattura e
ottima qualità di stampa, in cartoncino "oversize" ripiegato e
alloggiato in bustina trasparente apribile, in linea con lo standard delle più
recenti produzioni Afe Records.
(Giuseppe Verticchio)
Following a series of three
self-released EPs published during 1999-2000, the slightly longer "La
Sindrome di Stoccolma", the beautiful "Terre" multimedia CD-Rom
in collaboration with Manuele Cecconello, and a few compilations appereances,
here at last we have the full-lenght debut album of Luca Sigurtà. "La Vera
Macchina D'Argento" ("The Real Silver Machine") was composed and
recorded in 2003 using many different sources/instruments such as broken/faulty
discs, environmental/field-recordings, guitars, percussions, various objects
and self-built devices. The long title track is splitted in two distinct parts
separated by a fully new remastered version of "L'Assassino
Minacciato", a track inspired by René Magritte's painting "L’assassin
Menacé" coming from the Homemade Avantgarde's "On How a Picture Can
Sound" theme compilation. To enhance the intimate feeling of the music,
according to the author's fascination with low volume levels, and the nature of
the recordings themselves, the disc was mastered at -3dB, a volume lower than
the standard 0dB, and is better experienced when listened in relax mode with or
without headphones at a low volume. The artwork of "La Vera Macchina
D'Argento" was created by Hue using stills from some of the gorgeous
Manuele Cecconello's videos and comes as s pro-printed high quality sleeve.
(Afe Records)
Sigurtà Luca: Bliss (CD 2012 - Fratto9 Under the Sky)
[ http://www.fratto9.com ]
Trovandomi tra le mani questo CD, e
scorrendo gli anni passati con la memoria (oltre che leggendo le note
biografiche dell’autore) mi rendo conto che, escludendo progetti collaborativi
e piccole produzioni artigianali/amatoriali (CD-R, cassette…) il presente
“Bliss” sembrerebbe di fatto il primo CD solista stampato e pubblicato di Luca
Sigurtà. Una “tappa” importante quindi, paradossalmente una sorta di “esordio”,
oltre che un tardivo ma doveroso riconoscimento per un artista che conosco già
da molti anni, e che probabilmente fui tra i primi a scoprire e recensire proprio tra le pagine di “Oltre
il Suono” già dai tempi delle sue prime sperimentazioni sonore (“Complesso
Momento Negativo”, “Sinusoidale Desiderio Informatico”, “Triplice Scansione
Temporale”…). E’ passato molto tempo da allora, e avvicinandomi a questo CD con
grande curiosità scopro con piacere che le forti “asperità” caratterizzanti il
suo trascorso musicale, anche relativamente recente, sembrerebbero ormai ben
“limate” a finalmente alle spalle. La frammentarietà estrema, i “pesanti”
rumorismi elettronici, gli scricchiolìi “glitcheggianti” spesso abbastanza
sterili e almeno in parte gratuiti che hanno caratterizzato ampia parte della
musica cosiddetta “sperimentale” dell’ultimo decennio e che avevano influenzato
in una certa misura anche la musica di Sigurtà sembrerebbero finalmente essere
“usciti di scena”, per lasciare posto a miscele sonore molto più “sobrie”,
profonde, emotivamente coinvolgenti, e strutturalmente più “costruite”, coese,
“compiute”, più elaborate ed efficaci. Le cinque tracce, prive di nome, che
costituiscono il presente CD, sono costituite fondamentalmente da miscele di
field recordings, rumori concreti, drones, onde sintetiche, e altri suoni di
probabile origine elettronica comunque ben “misurati” e mai invadenti o
comunque eccessivi; il tutto arricchito da occasionali, suggestivi e delicati
“tocchi” melodici. Cinque “affreschi” di musica “discreta” dalle tinte color
pastello, per suggerire nel loro insieme atmosfere crepuscolari, paesaggi di
ambienti statici, dai contorni confusi, morbidi, evanescenti, all’interno dei
quali si percepiscono comunque lenti,
svogliati, talvolta quasi ipnotici e surreali movimenti di distanti e quasi
indistinguibili presenze umane… Davvero
un bell’album, di profonda, raffinata e allo stesso tempo abbastanza
“tradizionale” musica ambient, intesa però nel senso più “alto” della
definizione di un genere musicale che troppo spesso è purtroppo “bistrattato”,
e visto con distacco e sufficienza da molti ottusi sostenitori di quella
presunta “musica sperimentale” che il più delle volte consta invece di
accozzaglie di suoni e rumori vari mal assemblati e di assoluta, imbarazzante
se non patetica inconsistenza artistica. Bravo Sigurtà.
(Giuseppe Verticchio)
Some years ago Luca Sigurtà
has been brought to my attention from my Chaindlk-mate/musician Eugenio Maggi
aka Crìa Cuervos, Eugenio gave me some of his early releases, later I've bought
myself his cdr on Afe records, his cds with Pocket Progressive, Harshcore and
so on. We're not writing about a newjack since the guy has an intense touring
schedule both alone and with bands like Harshcore or Luminance Ratio, he's also
been sharing splits or collaborative efforts with Andy Ortmann, Claudio
Rocchetti, To Live and Shave in La, Slicing Grandpa and Fhievel just to name a
few. For this second chapter of Fratto9's Microcosmos series Sigurtà has shaped
his best work so far, finally enriched by a boombastic production with the aid
of Giuseppe Ielasi during the mastering process. This piemontese musician has
put together a release that is intriguing, meditative but at the same time
relaxing. Always close to the border of ambient music, this crepuscular
collection of drones is really inspired, by some means I've been quite
surprised during the early listenings and it has to be addressed to the fact
Luca has basically worked with weird, noisy, electro-acoustic projects and his
live acts, without being exactly "power-noise" oriented, are physical
and angular (whatever it means). I think despite the many influences you can
perceive here and there the sound of this music is really "american",
I mean even if this music sometime may suggest you comparison to Oren Ambarchi,
Brendon Labelle or similar artist, Sigurtà stylistically is probably closer to
John Wiese or Aaron Dilloway and this' more evident if you have the luck to see
one of his shows.
(Andrea Ferraris - Chain
DLK)
Sigurtà Luca / Lòpez Francisco: Erm (CD 2013 – Frattonove)
[ http://www.fratto9.com ]
Split album costituito di due tracce,
una ad opera di Luca Sigurtà e una
firmata Francisco Lòpez, elaborate in modo indipendente a partire però
dalle medesime sorgenti sonore, in realtà di origine e “paternità” sconosciuta
in quanto nulla è descritto in merito tra le note di copertina.
Traccia di ottima drone-deep ambient
quella di Sigurtà (in realtà seconda in scaletta), di grande impatto, tutta
“lavorata”, finemente e in modo estremamente efficace, utilizzando suoni
“organici”, profondi e “vibranti” in
quella “zona oscura” che inevitabilmente porta a ricordare opere di più
“storici” artisti come Thomas Koner o Nick Parkin, giusto per fare qualche
nome, che già più di quindici anni fa esploravano con coraggio e ambizioso
spirito di ricerca i medesimi territori sonori.
Grandi atmosfere, ovviamente
estremamente oscure e “sotterranee”, dominate da basse frequenze mai troppo
statiche (come in tanta drone-dark-ambient
di quello stesso periodo già citato…), ma piuttosto estremamente
“incisive”, pulsanti, dinamiche e coinvolgenti.
Decisamente più “asciutta”,
relativamente più “minimale” e “silenziosa”, la traccia di Francisco Lòpez, che
comunque mantiene una perfette coerenza stilistica con la traccia di Sigurtà, e
che al suo interno sviluppa con eguale efficacia alcune coinvolgenti e
impattanti progressioni dinamiche.
Un ottimo album, sicuramente una
delle migliori produzioni di Fratto9 dell’ultimo periodo.
(Giuseppe Verticchio)
Sil Muir: Sil Muir (CD 2009 – Diophantine)
[ ics_ferraris@libero.it ] [ andrea.marutti@aferecords.com ] [ http://www.myspace.com/silmuir ]
Un’ora di musica; quattro tracce
realizzate a partire da un’ unica ed “essenziale” sorgente sonora, la chitarra
di Andrea Ferraris, successivamente trattata e rielaborata, in modo anche
sostanziale ma senza “stravolgimenti”, senza snaturarne completamente il suono
primitivo e “l’anima”, da Andrea Marutti. Il suono è, sempre “morbido”, etereo,
dilatato, fondamentalmente oscuro, “drone oriented” e dalle atmosfere
“ambient”… Anche laddove, a seguito dei trattamenti e delle stratificazioni,
sembra perdersi quasi completamente la riconoscibilità della sorgente sonora
origianaria, ciò che rimane è pur sempre una tessitura sonora ricca di
vibrazioni armoniche “vive” e “toccanti”, concrete e “reali”, che non cedono il
passo ad una sorta di sinteticità predominante e “fagocitante”, che pure
avrebbe potuto prendere il sopravvento se in fase di elaborazione del materiale
sonoro ci si fosse lasciati prendere la mano dall’applicazione di filtri ed
effetti “metamorfosanti” troppo “spinti” e di dubbio gusto ed efficacia. Di
particolare fascino le parti in cui, come sottili raggi di luce, le parti di
chitarra emergono dall’oscurità ed esprimono fragili e malinconici accenni di sequenze
melodiche, perfettamente “frenate” e
misurate, e pur sempre perfettamente “inglobate” e amalgamate, a livello di
timbrica e sonorità, agli elementi sottostanti e di contorno. Come in “Light at
4:48”, forse la traccia più suggestiva in assoluto, che nel contesto del CD
segna il confine estremo tra il buio impenetrabile della notte che l’ha
preceduta, e i primi confusi, impercettibili bagliori di luce del giorno che
seguirà.
(Giuseppe Verticchio)
Italy's Sil Muir presents
to us here their first full-length work. It is a beautiful, yet melancholy,
hour-long recording carrying us along that sleepless journey from dusk 'til
dawn. Powerful and gentle drones shudder and shimmer through these four dense
and amazing tracks. Sil Muir is the collaboration between Andrea Marutti (Amon,
Never Known, Afe Records) and Andrea "Ics" Ferraris (Ur, Airchamber3,
Ulna). Their only previous appearances are a lengthy compilation track on
Transf.Order and a collaboration with Horchata on Taâlem.
(Diophantine)
Sola Translatio: Ad Infinitum (CD 2001 - Hic Sunt Leones) (Alio Die & Opium)
[ aliodie@tiscali.it ] [ http://www.aliodie.com ]
Un CD che definirei semplicemente
“entusiasmante”, seppure l’entusiasmo è un’emozione che solitamente si immagina
manifestata con esternazioni di tipo “plateale”, mentre invece in questo caso
il mio entusiasmo si è tradotto in un quieto, sereno, e soddisfatto senso di
benessere personale, unito ad un’ approvazione assoluta per la musica contenuta
in questo dischetto… Le atmosfere sono prevalentemente oscure, e contrastano
forse un po’ con il colore rosso vivace della pur bellissima copertina
(confezione in digipack), ma il duo “Sola Translatio” non si limita a scendere
negli abissi della terra e a vagare in un buio descritto da basse frequenze...
La musica si basa su continui cambi di sonorità e atmosfere, un lungo cammino
tra diversi paesaggi sonori, e lungo corridoi al termine dei quali c’è sempre
una porta che conduce in una stanza diversa, in un ambiente nuovo ancora tutto
da esplorare. L’incedere è spesso teso e drammatico, ma non parlo di una
drammaticità descritta con mezzi di “facile presa”, esplosioni dinamiche o improvvisi interventi ritmici, quanto di una drammaticità costruita sulle
progressioni, sull’avvicendarsi di momenti musicali diversi che dipingono
continui, quanto ben studiati ed efficaci cambi di scena. Difficile segnalare un brano migliore
rispetto ad un altro, in un’opera così organica e da ascoltare tutta di
seguito, così come un film che va seguito dall’inizio alla fine… Un ottimo CD
per due artisti italiani (Stefano Musso e Matteo Zini) che hanno trovato in
questa collaborazione un eccezionale punto d’incontro fra le proprie esperienze
musicali individuali...
(Giuseppe Verticchio)
Alio Die/Opium collaboration. This disc is so intriguing because of the contrasting
styles being meshed, like floating through space one second and then floating
an inch above the ground in deep swamp brush. Always calm yet constantly
flowing, ebbing and flowing beautifully.
(Hic Sunt Leones)
Sola Translatio: Enigma (CD 2006 - Hic Sunt Leones)
(Alio Die & Opium)
[
aliodie@tiscali.it ] [
http://www.aliodie.com ]
[
opium@regnodelsuono.com ] [
http://www.regnodelsuono.com ]
Atteso da
molto tempo, e con ovvia, grande curiosità, Hic Sunt Leones rende finalmente
disponibile il terzo "capitolo" del duo Sola Translatio, progetto
musicale dietro il quale tessono fili e trame i "nostri" ben noti
Alio Die e Opium. "Enigma" è il titolo di questo nuovo CD, che si
rivela molto diverso sia da "Ad Infinitum", licenziato da Eibon nel
2001, sia da "Mother Sunrise", realizzato nello stesso anno
attraverso l'etichetta statunitense Hypnos. Molto simile in realtà nella
sostanza, nel tipo di sonorità, e nell'approccio compositivo ad alcune recenti
produzioni di Alio Die, quali ad esempio "Il Sogno di un Piano Veneziano a
Parigi" realizzato in collaborazione con Festina Lente/Mario Brieda, il
nuovo Sola Translatio è costruito sostanzialmente attraverso delicate e
crepuscolari variazioni cromatiche su eteree, stratificate, indecifrabili ed elaborate miscele sonore realizzate
usando strumenti acustici talora anche pesantemente processati, come zither,
flauti, campanelli, a tratti integrate da registrazioni ambientali e rumori
concreti, risultando particolarmente adatto per ascolti di sottofondo, o
comunque in situazioni in cui si desideri una proposta musicale non
"invadente" dal punto di vista della presenza, perfettamente
compatibile con il libero fluire di pensieri contestualmente all'ascolto, con
l'esercizio simultaneo di altre eventuali attività che richiedano assoluta
concentrazione, o più semplicemente adatto a chi sia in cerca di un
"discreto" background musicale da abbinare ad un ora di assoluto
relax... Il principale "enigma"
di questo CD, che di brano in brano ho cercato via via di
"svelare", è in realtà dal mio punto di vista l'identificazione
esatta dell'origine dei molteplici suoni utilizzati e dei possibili processi di
rielaborazione applicati agli stessi... Talvolta credo di esserci riuscito,
talvolta no, in ogni caso è evidente come questa musica nasca attraverso
l'impiego di diverse tecniche di filtraggio ed equalizzazione, dall'ampio uso
di loops, di effetti più "classici" come riverberi e delay con
variate impostazioni parametriche, ma anche dal probabile utilizzo di tracce
mandate in reverse e talvolta forse anche rallentate o velocizzate... Da
segnalare in chiusura del CD una splendida versione "Rebuilt" del
brano "The Domus" di Opium, già pubblicato nella sua versione originale
sulla compilation italiana "Beyond the Darkness" nonchè sul recente
CD di Opium "Sympathetic Flying Objects" pubblicato da Silentes.
(Giuseppe
Verticchio)
Sorrentino Sergio/Machinefabriek: Vignettes (CD 2013 – Frattonove)
[
http://www.fratto9.com ]
Binomio
particolarmente riuscito, questo tra Sergio Sorrentino, chitarrista di
estrazione classica ma da anni attento all’universo della sperimentazione e
della musica di avanguardia, e l’olandese Machinefabriek (Rutger Zuydervelt),
che attraverso esperienze completamente diverse è comunque da anni attivo in
contesti musicali analoghi, miscelando nella sua musica elementi di tipo noise,
drones, field recordings, ambient.
Questo
album, costruito sostanzialmente da Machinefabriek selezionando, tagliando,
trattando ed assemblando in vario modo registrazioni di chitarra improvvisata
fornite da Sorrentino, si articola in 13 brevi, frammentarie tracce di
matrice piuttosto “ambient”, che
miscelando con gusto e giusta “discrezione” elementi melodici, frammenti di
rumorismi, drones e field recordings restituiscono un risultato finale
sicuramente affascinante, spesso emotivamente toccante e a tratti molto
coinvolgente, seppure la ricerca di un forte impatto non è evidentemente tra
gli obiettivi principali di questo genere di musica.
Un altro
valido CD rilasciato dalla sempre attiva e sempre valida etichetta italiana
Frattonove (o Fratto 9 che dir si voglia), label di pluriennale e consolidata
esperienza, che per le sue varie, ricercate e sempre interessanti uscite è
ormai un punto fermo e una garanzia di qualità, non soltanto per i contenuti
musicali delle sue produzioni, ma anche per quanto riguarda la cura delle
grafiche e delle confezioni dei suoi prodotti.
(Giuseppe
Verticchio)
Subinterior: Obstacles (CD-R 2005 - Deserted Factory)
[ subinterior@email.it ] [ http://www.subinterior.tk ]
Dopo due CD-R autoprodotti (“Outfall”
e “Insomnie”) realizzati nel 2003 e ora ristampati in un unico CD-R
dall’etichetta italiana Silentes, con "Obstacles" Subinterior vede il
frutto del proprio lavoro "premiato" anche dall'etichetta giapponese
Deserted Factory, che ha scelto di produrre, seppure sempre su supporto CD-R,
questa sua nuova release. Sei brani, per una durata di poco inferiore ai 40
minuti, dominati ancora una volta da atmosfere oscure, drones, ampie parte di
apparente immobilità, suoni tesi, lente progressioni, alle quali però si
alternano e si contrappongono parti di maggiore impatto e drammaticità, e nelle
quali si fa più marcata la radice industriale del suono proposto da Subinterior.
Apre il CD-R "Assestamenti", traccia
in cui compaiono efficaci onde di basse frequenze sulle quali, poco
oltre, vanno a sovrapporsi reverberati
rumorismi industriali. Segue quindi "Electron Tube", brano che ci
proietta immediatamente lungo un tunnel di basse frequenze, squarciato qua e là
da sibili e rumori metallici, nella cui parte finale compaiono morbidi ed
evocativi accordi di pads. In "The Corridory of the Empty Rooms"
drones statici e atmosfere a volte prossime al silenzio formano un substrato sonoro
sul quale si alternano vari inserti rumoristici, ora più aggressivi e improvvisi, ora più "discreti", ora dall'impronta timbrica più
bassa e profonda, ora più aspri, tesi, metallici e taglienti.
"Asynchronism" "esplode" quindi in tutta la sua dinamica e
a tratti quasi "epica" drammaticità. E' qui che movimenti ritmici
circolari e rumorismi di evidente impronta industriale prendono il sopravvento
sul magma sonoro, disegnando scenari di grande fascino e di grande, inquieta,
notturna suggestione. Ritorno quindi ad atmosfere più tipicamente statiche e
drone-based nel successivo "Circulation", brano che evolve al meglio
soprattutto nel potente crescendo e nel successivo decadimento che ne
caratterizzano gli ultimi minuti, laddove le masse sonore sono maggiormente
ricche e stratificate, e i suoni più accuratamente scelti, miscelati e
integrati. Chiude quindi il CD-R "Hurst", traccia in cui le
"scariche"di suoni aspri e metallici che caratterizzano i minuti
iniziali, tendono via via a lasciare spazio ad uno strato sonoro a base di
drones elettronici, dissolvendosi completamente nell'ultima parte. Dall'ascolto
di questo nuovo lavoro appare evidente come Subinterior stia continuando ad
espandere in varie direzioni la propria ricerca sonora, raccogliendo continuamente
nuovi elementi e nuove idee, e arricchendo attraverso l'utilizzo di esse la
propria proposta musicale. L'artista ha già dimostrato di saper descrivere
egregiamente atmosfere oscure di grande presa, e l'utilizzo di sonorità di
impronta più spiccatamente industriale che caratterizzano "Obstacles"
ampliano ulteriormente le possibilità di espressione e il raggio d'azione. Mi
piacerebbe ancora, in una futura release, poter ritrovare, integrati a tali
soluzioni, e utilizzati in forma anche un po' più ampia, quegli elementi
discretamente melodici e più "musicali" che ho potuto cogliere, ad
esempio, nel brano "Close to the End" del CD-R "Insomnie".
Credo che una ricerca in questo senso potrebbe davvero imprimere alla nuova
musica di Subinterior una svolta decisiva, elevandone ulteriormente la
"personalità" e la già indiscutibilmente elevata qualità artistica...
(Giuseppe Verticchio)
Subinterior: Outfall/Insomnie (CD-R 2005 - Silentes)
[ subinterior@email.it ] [ http://www.subinterior.tk ]
Ristampa su singolo CD-R, ad opera
dell’etichetta italiana Silentes, di due lavori di Subinterior realizzati
originariamente come autoproduzioni nel 2003.
Outfall
(Recensione della edizione originale)
In un momento in cui una parte della
scena elettronica-sperimentale italiana sta facendo un largo uso, probabilmente
anche eccessivo, di registrazioni ambientali, campionamenti e rumorismi di
varia natura, esasperando talvolta il concetto di "sperimentazione"
al punto tale che, pur di proporre qualcosa di "strano" e/o fortemente
concettuale, si è arrivati a volte a far quasi coincidere quello che dovrebbe
essere il punto di partenza per la realizzazione di un CD, e cioè la ricerca,
la registrazione e la raccolta di frammenti sonori allo stato
"grezzo", con il punto
d'arrivo, proponendo materiale di questo genere semplicemente riunito in tale
forma e diffuso come prodotto finito, ho ricevuto questo lavoro di Subinterior,
che in alcune note allegate mi veniva descritto come un CD-R realizzato
attraverso l'uso esclusivo di campioni e rumori derivanti da registrazioni
ambientali. Ho dunque inserito il disco
nel lettore con una certa diffidenza, temendo di potermi trovare di fronte
all'ennesima anonima e poco fantasiosa operazione di "collage sonoro"
d'impronta ambiental-rumoristica, seppure in cuor mio confidavo che non fosse
così giacchè in in alcuni scambi di
email avuti con l'autore alcuni mesi fa, nei quali mi veniva descritta l'idea e
l'approccio attraverso il quale sarebbe stato realizzato questo lavoro, non
avevo mancato di sottolineare preventivamente il rischio di cadere in questa
specie di "trappola". Non so dire se le mie parole possono avere in
qualche modo influenzato il lavoro dell'artista, ma ciò che è certo è che
questo "Outfall" è ben distante da soluzioni sperimentali d'impronta
semplicistica, e pur partendo da registrazioni di comuni rumori
ambientali, riesce, attraverso un efficace trattamento dei campioni sonori
resi il più delle volte assolutamente irriconoscibili, e attraverso un buon
lavoro di assemblaggio e missaggio delle parti, a proporre efficaci atmosfere
cupe e ossessive, in un contesto musicale decisamente "ambient" dalle
tinte particolarmente oscure. Il
substrato sonoro in realtà non appare particolarmente ricco e articolato, e i
singoli brani di questo breve CD-R (31 minuti circa) si evolvono spesso
attraverso l'uso di pochi suoni essenziali, gran parte dei quali a base di
basse frequenze, che in qualche modo si
incontrano, si sovrappongono e si alternano; ciò nonostante le atmosfere
ricreate sono spesso ricche di fascino, e riescono a descrivere con pochi
minimali elementi dei paesaggi sonori molto suggestivi e stati d'animo inquieti
e carichi di tensione. Tra i sei brani desidero segnalare in particolare
"Metropolis", che introduce il CD-R , il seguente "A subtle vapour", sicuramente meno
elaborato ma ugualmente efficace, "Outfall", dalle sonorità un po'
più elettroniche, caratterizzata da un particolare senso di spazialità e
da un potente suono pulsante basso e
profondo, il conclusivo "Exoneration", nel quale situazioni più statiche e vicine al silenzio si
alternano a suoni ancora bassi e profondi, ma questa volta elaborati in forma
di drones. Prima di "Outfall" avevo già avuto il piacere di ascoltare
questo artista all'interno della formazione "Coma Divine", con il
CD-R "#10110", e debbo dire che, pur risultando questo forse più
complesso e mediamente più articolato nella forma, "Outfall" si pone
però un gradino più sù per quanto riguarda la capacità di emozionare, e soprattutto
per la scelta dei suoni, che risulta essere più misurata ed equilibrata, priva
di quelle asperità dal sapore spiccatamente elettronico che costituivano il
limite maggiore del precedente lavoro realizzato in duo come "Coma
Divine". Spero vivamente che il progetto "Subinterior" ci regali
in futuro nuove oscure e tenebrose emozioni…
Insomnie
(Recensione della edizione originale)
A distanza di soli quattro mesi
dall'uscita di "Outfall", il nuovo CD-R di Subinterior
"Insomnie" conferma immediatamente le impressioni avute ascoltando il
precedente lavoro di questo artista... La suggestiva immagine di copertina,
molto curata ed elaborata sotto il punto di vista grafico, i titoli fortemente
evocativi del CD-R e dei singoli brani,
e la durata più estesa di questo lavoro
(41:07) rispetto al precedente "Outfall", mi fanno subito
presagire di trovarmi di fronte ad un CD-R particolarmente interessante, dal
cui ascolto potrò difficilmente rimanere deluso... Le sonorità e le atmosfere
di base sono abbastanza simili a quelle già conosciute in "Outfall",
ma stavolta, grazie alla maggiore durata, il
CD-R risulta più ricco di idee, e le stesse idee sono più finemente
elaborate, e sviluppate in modo più esteso. Se alcuni brani, come "Il Guardiano
del Nulla", "Repulse" e "Padrone delle Ombre", sono
ancora costruiti in modo abbastanza semplice ma piuttosto efficace su pochi
suoni sovrapposti dai movimenti lenti e minimali, non mancano invece tracce nelle quali le masse sonore sono maggiormente stratificate ed elaborate,
nonchè episodi in cui le variazioni, anche timbriche, e i cambi d'atmosfera,
sono più rapidi e maggiormente
accentuati, a volte talmente repentini e imprevedibili da lasciare quasi disorientato l'ascoltatore... Nuove soluzioni insomma, maggiore spirito di
ricerca, e sicuramente un impegno maggiore nella scelta del materiale sonoro e
nella fase compositiva, sono alla base di questo nuovo lavoro di Subinterior...
In un contesto sempre piuttosto teso e oscuro, tra atmosfere surreali, spesso
angosciose e da incubo, si insinuano i
suoni più stridenti e distorti del brano introduttivo "Black
Distorsion", il plasma sonoro deforme e pulsante di "Insanity",
la fascinosa e crepuscolare melodia di una chitarra (dal suono trattato in modo
tale da essere facilmente confuso per un pianoforte) su splendidi strati di
suoni e rumori indecifrabili in
"Close to the End", quest'ultimo probabilmente il brano più geniale,
meglio riuscito, e probabilmente maggiormente curato dell'intero CD-R... E'
stata davvero una bella sorpresa questo "Insomnie", e per me è stata
anche una grande soddisfazione poter constatare che non avevo sbagliato,
ascoltando il primo lavoro di Subinterior e il CD-R "#10110" di Coma
Divine, nel rilevare grandi potenzialità in questo artista, e nell'auspicare e
prevedere interessanti e valide evoluzioni nel futuro della sua musica...
(Giuseppe Verticchio)
Outfall/Insomnie is the new
edition produced by Silentes in a single CD-R of two works originally released
as self-productions in 2003 by Subinterior.
Outfall
(Review of original edition)
Subinterior is a solo
creature of Andrea Freschi's, also in Weltschmerz and in Coma Divine. Actually,
these tracks were originally created for Coma Divine, but later became a
project of their own - I'm pretty glad of it, because, in all truth, I liked
this better than Coma Divine's cdr (quite good in itself). The press sheet says
that the main source are digitally manipulated environmental sounds, and I'd
say they have been HEAVILY treated, since you can hardly recognize but a few
(dripping water, etc.). While this strategy can remind of Nihil Est Excellence,
I think the best possible comparison is Robert Hampson/Main (and this is a HUGE
compliment for me!) in his most abstract moments. Deep drones, slowly crawling
bass frequencies, and minimal electronic disturbances - yeah, isolationist
ambient to the max. There can be hardly any innovation in this field, but
Subinterior manages to create some genuinely disturbing and mind-altering
pieces, so I guess the mission was accomplished. There are 6 tracks clockin' in
at 31', which is a very reasonable length to avoid attention-slipping. I'd
really recommend you this cdr if you like your ambient solipsistic and
obsessive
Insomnie
(Review of original edition)
After the very positive
debut mcd, Andrea Freschi (also in Coma Divine, Canaan and Weltschmerz) is back
with the Subinterior monicker and a full length 41' work. This time the sound
sources do not seem to be manipulated field recordings only, but I could be
wrong. The fact is, Subinterior has become even more solipsistic in his
approach to ambient drones. Isolationism may not be a trendy tag anymore, but
it's perfect to describe "Insomnie". Most tracks seem to be
originated from manipulated feedbacks creating clouds of black droning
frequencies. I still have to use the Main comparison as the most fitting one -
Main at their darkest and less cosmic, that is. Amon's "The Legacy"
could be a possible paragon as well. This is like being plunged into total
darkness. Listening to the bottomless moanings of "Insanity" and the
final, elegiac "Close to the end" is almost soothing after so much
void. A recommended listen for sure.
(Eugenio Maggi - Chain DLK)
Subinterior: The Chrysalis
Secret (CD-R 2006 - Afe Records)
[ subinterior@email.it
] [ http://www.subinterior.tk ]
A breve distanza dall'uscita per
Eibon di "Speech from the Shadows", straordinario CD realizzato a
sigla Konau in collaborazione con New Risen Throne, Subinterior propone su Afe
il suo nuovo lavoro solista, "The Chrysalis Secret", confermando ancora
una volta l'estremo valore della propria proposta musicale, e il proprio ruolo
"chiave" nell'ambito dell'attuale scena dark-ambient italiana. In
"The Chrysalis Secret" appare sempre più evidente la maturata
capacità di trovare un ideale punto di equilibrio tra il desiderio basilare di
descrivere situazioni di impronta fondamentalmente oscura, statica e drone-based, e la necessità di ampliare e
arricchire tali situazioni integrandole con elementi e interventi di moderata ma efficace e più emozionante "musicalità".
Questo tipo di approccio, e le soluzioni che ne derivano, riescono sia a
regalare alla musica di Subinterior un'impronta stilistica piuttosto
"personale" e riconoscibile, sia a
rendere la stessa proposta più articolata, interessante e meno "prevedibile",
certamente più "arguta" a ambiziosa se confrontata con tanta altra
musica dark-ambient in circolazione che, per quanto di buona fattura e
piacevole da ascoltare, manca però spesso di particolare inventiva, risultando
più "anonimamente" orientata (e "adagiata" aggiungerei...)
a descrivere minimali variazioni di masse sonore su frequenze basse e
ultrabasse al di sotto dei 150 Hz. Tutte molto curate, ricche di idee e ben
realizzate le tre tracce che costituiscono il CD-R, seppure la mia decisa preferenza
va alla più breve traccia centrale (Part Two), caratterizzata da sonorità e
cambi di atmosfera particolarmente intriganti, fluidi e ben congegnati, cui
segue, sempra nella mia personalissima lista delle preferenze, la lunga e
"mastodontica" traccia conclusiva, anch'essa assolutamente
straordinaria e ricca di ottime intuizioni, variazioni, cambi di scena...
Assolutamente consigliato a chiunque.
(Giuseppe Verticchio)
"The Chrysalis
Secret" is Andrea Freschi's fourth work and comes after the self-released
"Outfall" and "Insomnie" (both recently re-issued as a
full-lenght disc by Silentes), and "Obstacles", which was released in
Japan by Deserted Factory. The album clearly showcases Subinterior's skills at
creating good dark atmospheres and it's another step forward in his music
career. It's impressive that, as usual, almost no synthesizers and samples were
used during the creative process: the equipment used to create "The
Chrysalis Secret" simply consists of a mini-disc recorder that was mainly
used to capture sounds and noises created by millers, lapping wheel, lathes,
industrial refrigeration plants, safety doors and other unusual
"instruments"... These recordings were massively processed and
assembled using computer technology and softwares, and turned into the finished
work. "The Chrysalis Secret" is a long evocative track divided in
three parts. The journey begins with a sort of repeated bell-like sound which
is soon backed by an unsettling and obsessive echoed pad. Along the road we encounter
deep drones - both of a windy and metallic nature - and abstract textures keep
on overlapping themselves creating slow but ever changing atmospheres, like an
infinite serie of reflections created by subtly different distorting mirrors.
Low frequencies make room for more recognizible sounds of what seem to be
flowing water and animals. We can even imagine (...or are they really there?) a
few piano notes at some point...
Sometimes the music seems to stop and drones turn into a minimalistic
affaire, but suddendly melodies emerge from the background filling the air with
colours for a while, just before turning back to black again. Intertwined with
some isolationist passages, "The Chrysalis Secret" offers many
abstract moments and more complex sections of aural psychedelia. We can't help
to recommend it, even to our most demanding listeners.
(Afe Records)
Subinterior/Selaxon
Lutberg: Spring Meeting (Mini
CD-R 2006- Cold Current Production)
[ subinterior@email.it
] [ http://www.subinterior.tk ]
[ an.penso@tiscali.it
] [ http://www.selaxonlutberg.tk ]
Debbo premettere di non essere
d'istinto particolarmente attratto da produzioni in formato "mini",
non per qualche forma di immotivato pregiudizio, quanto perché sono convinto
che tutta la musica che ruota intorno al genere "ambient", quindi
anche l'ambient di impronta più oscura come in questo caso, per essere
"goduta" e apprezzata al meglio richieda dei tempi
"fisiologici" di fruizione e "assimilazione" sicuramente
più lunghi, direi in linea di massima non inferiori ai 45 minuti di durata. Per
questa ragione credo sia molto più difficile, rispetto a produzioni di CD di
lunghezza più "generosa", riuscire a condensare, nel limitato arco
temporale dalla durata massima consentita da un mini CD-R, musica che riesca ad
essere effettivamente efficace e che lasci nel tempo a seguire particolare
memoria di sé. Credo in sostanza che realizzare un "buon" mini, sia
in realtà molto più difficile che realizzare un "buon" CD "full
lenght", e che la scelta della durata ridotta possa essere giustificata
soltanto nei casi in cui il contenuto musicale proposto sia assolutamente
geniale, sorprendente, di grande impatto, e privo di pur brevi momenti di
"calo" di tensione ed emotivo. Venendo ad esempio al primo brano
"Spring Meeting", di fattura piuttosto semplice ma sicuramente
gradevole, valido e ben curato, c'è da dire che avrebbe sicuramente offerto il
meglio di sé in una versione magari leggermente ampliata e
"arricchita" nel contesto di un CD di lunga durata, mentre invece, in
questa versione e collocato in apertura di questo "mini", appare
"sacrificato" nella sua forma ed estensione, e al contempo fin troppo
"lungo" se si considera che, a conclusione di esso, rimarranno
soltanto 12 minuti scarsi di musica da ascoltare prima che il lettore CD
termini la sua "corsa". Particolarmente interessante il successivo
"April", brano molto oscuro e drone-based che mostra una forma
compositiva sicuramente più articolata e complessa e una maggiore ricerca a
livello di sonorità e "stratificazioni", ma che nei suoi sei minuti
di durata non ha la possibilità e il tempo "fisico" per crescere ed
"evolvere" come ci si sarebbe potuti aspettare. Di maggiore
"immediatezza" ed impatto il seguente "Prayer Behind the
Sun", altro valido brano caratterizzato da atmosfere ancora oscure ma da
suoni più definiti e "decifrabili". Incentrato su una sorta di
"crescendo", sul quale vengono progressivamente a sovrapporsi drones,
pads e bei suoni metallici, trova forse il suo unico limite nell'uso un po'
troppo palese e "disinvolto" di parti ripetute in loop (in
particolare i due diversi "strati" di suoni metallici), che dopo un
po' donano un senso di indesiderata "prevedibilità" all'andamento del
brano. Nell'insieme insomma il giudizio che mi sento di dare sui tre singoli
brani che compongono questo lavoro è sicuramente positivo, ma... che cosa manca
allora? Forse un senso di maggiore "compiutezza", un senso di
maggiore "respiro"... Forse
pesa l'impressione, a fine ascolto, di essere riuscito soltanto a
"sbirciare" attraverso un uscio socchiuso, quando era invece più
forte il desiderio di oltrepassarne il confine ed esplorare nel dettaglio, e
con gran curiosità, cosa ci fosse "oltre" quel limite... Attendiamo dunque che questa collaborazione
tra Subinterior e Selaxon Lutberg si ripeta, per mostrarci finalmente,
attraverso un CD di lunga durata, cosa fino ad ora ci è stato ancora precluso
scoprire oltre quella porta...
(Giuseppe Verticchio)
Talharion: Footsteps on Dead Leaves (CD-R 2003 - Mantric Wave) (Serra Raffaele)
[ oltreilsuonomail@tiscali.it ]
Con "Footsteps on Dead
Leaves" lo sciamano elettronico Raffaele Serra, attraverso il suo nuovo e
oscuro progetto musicale "Talharion", torna alla pura ricerca e alla
sperimentazione sonora, e lo fa con quella stessa efficacia e inconfondibile
personalità che già nel passato lo aveva condotto a realizzare opere memorabili
come "Memories of an Unborn Baby" e "Our Lady of the
Sphere", capolavori che non dovrebbero mancare nella discografia di ogni
vero appassionato di musica di confine, e che non essendo stati allora
adeguatamente distribuiti e diffusi, possono essere considerati, da chi li
possiede, dei veri pezzi da collezione
da custodire gelosamente... Sonorità
oscure, atmosfere tese, suoni taglienti, pulsazioni ossessive, loops ipnotici,
occasionali effetti elettronici, piccoli disturbi e lievi distorsioni,
decadenti processioni dall'andamento lento,
inquietante e surreale, brevi istanti di registrazioni d'ambiente,
sfondi di voci e rumori distanti di ordinarie attività umane... Tutto questo e
molto di più è possibile trovare nei sei brani presenti su questo entusiasmante
lavoro, identificati semplicemente come Part I - Part VI. Difficile indicare
preferenze per l'uno o l'altro brano, giacchè tutti vanno considerati come insostituibili
tasselli che costituiscono un'opera unica da valutare nel suo insieme... Voglio
però sbilanciarmi lo stesso, e segnalarvi il fascino impareggiabile della
quinta parte: nove minuti di lente progressioni, atmosfere cupe e intense che
sembrano uscire dal ricordo delle migliori produzioni Cold Meat Industry dei
primi anni '90. Se qualcuno di voi conosce "This Crying Age" dei
Morthond può farsi un'idea abbastanza precisa
di cosa sto parlando... Un CD-R
da non perdere assolutamente: lo sciamano è ancora tra noi!
(Giuseppe Verticchio)
Talharion is the new
obscure musical side-project of Raffaele Serra, already author of several CDs
and CDs-R, most of them produced by the Italian label Afe Records.
"Footsteps on Dead Leaves" is the first chapter in this new musical
adventure. Fascinating dark sounds, strained atmospheres, obsessive pulsations,
hypnotic loops, occasional electronic effects,
little noises and distortions, decadent processions with slow,
disquieting progressions, short environmental recordings moments,
voices and distant noises of human ordinary
activities in background... A very intense and evocative album: don't
miss it!
(Label Press)
Terrapin: Killing HF Harlow (CD 2012 - Fratto9 Under the Sky)
[ http://www.fratto9.com ]
Brevissimo album della durata di poco
più di 20 minuti, costituito da porzioni di registrazioni live selezionate e opportunamente “riassemblate”
senza ulteriori sovraincisioni di sorta. A partire da un “concept” che suggerisce
una riflessione sul tema della vivisezione citando (o meglio “uccidendo”…) nel
titolo lo storico e crudele vivisettore H.F.Harlow (a quando un secondo
capitolo ispirato al “nostro” Silvio Garattini?), la musica si snoda lungo un
lugubre percorso dominato da suoni oscuri, profondi e inquietanti,
caratterizzato da movimenti lenti e progressivi, a volte scanditi da pulsazioni
ritmiche artificiali che dipingono perfettamente l’orrore delle pratiche
vivisettive e l’agonia delle vittime di questa abusata, disumana e
anacronistica pratica di “sperimentazione” scientifica. Se già a metà degli
anni ’70 Hans Ruesch nel suo libro “Imperatrica Nuda” condannava tali pratiche
denunciandone con argomentazioni inattaccabili anche i pesanti limiti e la
sostanziale antiscientificità dei metodi, stupisce ancora di più che a quasi 40
anni di distanza ci si trovi a dover parlare di questo argomento, che una
società che si vorrebbe presumere “civile”, moralmente e tecnologicamente
“avanzata”, dovrebbe aver già “archiviato” da tempo. Consoliamoci pensando che
è anche “grazie” a ciò che potremo comunque goderci questo ispirato e ben
realizzato album di oscura e toccante musica
drone-dark-ambient-elettronica-sperimentale, che avrei soltanto desiderato
essere di durata un po’ più “generosa”.
(Giuseppe Verticchio)
The Last Hour: The Last
Hour (CD 2008 – Intuition)
[ http://www.thelasthour.it
]
Recuperato fuori tempo massimo per
una recensione questo CD uscito a Dicembre 2008 per la russa “Intuition”. Primo CD a sigla “The Last Hour”, progetto
solista di Roberto Del Vecchio, già membro dei Gothica, formazione con cui tra
il 2000 e il 2003 ha firmato due CD pubblicati su Cold Meat Industry.
Splendidido debutto, per un artista che anche da solo, seppure con il
contributo estemporaneo di alcuni collaboratori quali Aimaproject e Nicola
Zinni, e “attingendo” persino al repertorio dei mitici Joy Division per una
suggestiva versione di “New Dawn Fades”, riesce a mettere a segno un’opera
prima di estremo fascino e di straordinario impatto. Un alternarsi di evocative
atmosfere fondamentalmente dark-gothic, talora sconfinanti in sonorità
ambientali ancora più sotterranee ed inquiete, trafitte da aperture più
spiccatamente melodiche, inaspattati e mai troppo enfatici inserti
sinfonico-orchestrali, “discrete” e mai “pesanti” parti ritmiche e percussive,
occasionali suoni di più evidente matrice elettronica, sottili venature
vagamente “medievaleggianti”… Mi riesce davvero molto difficile rendere l’idea
di come Roberto Del Vecchio sia riuscito a mettere insieme tutti questi
elementi in modo estremamente creativo e così perfettamente omogeneo,
costruendo una musica elegante, “ricca” ma al tempo stesso “composta”, priva di
eccessi e ridondanze, straordinariamente coinvolgente, “diretta” ma non per
questo “facile” o men che mai “scontata” o prevedibile… Un CD vivamente
consigliato a chiunque, assolutamente da non perdere.
(Giuseppe Verticchio)
Roberto Del Vecchio gained
recognition and fame through his involvement in Gothica. This project released
2 albums on the famous Cold Meat Industry. When this project split in 2004 R.
Del Vecchio set up The Last Hour. Now here comes his official debut opus, which
took a few years to be achieved. The style of The Last Hour is quite different
from Gothica, but for sure has some similarities as well. The sound mixes
ambient parts and other new wave and ethereal influences with each other. I
guess that the term ambient-wave music is appropriate. A few ethereal elements
emerge to the surface and I’m here referring to the heavenly voices featured on
the song “Chanson d’Automne”. This is for sure one of my favourites from the
album. The ambient part of The Last Hour dominates on the tormenting “It Is The
Hour”. This track comes closer to the Cold Meat Industry style while injects
some diversity in this album. The spooky vocals reinforce the horror feeling of
the atmosphere. A few more ambient cuts remain instrumentals and are definitely
closer to pure soundtrack music. I’m here referring to “In Search of the
Infinite” and “The Cold Embrace of the Universe”. This album reveals different
facets from R. Del Vecchio, but creates a rather homogenous entity. This is for
a promising reconversion for this Italian musician.
(ED – Side Line)
Twist of Fate: Tales from a
Parallel Universe (CD 2014
– GS Productions)
[ http://www.oltreilsuono.com/nimh
]
Al di là di ogni retorica, quello
della sperimentazione ambientale è a volte veramente un universo parallelo, non
soltanto rispetto a musica in un certo senso più “canonica”, ma anche rispetto
ai segmenti del suo stesso territorio espressivo che costituiscono “scene” più
o meno definite e seguite con attenzione.
Quello di Giuseppe Verticchio, che da
anni conduce la propria ricerca sonora sotto l’alias Nimh, è un universo ormai
consolidato nella conformazione di un profilo caratterizzato da una pluralità
di linguaggi, che negli anni ha lambito la musica industriale e
l’isolazionismo, includendo nella propria tavolozza anche elementi etnici ed
acustici.
Twist Of Fate è il nuovo progetto
intrapreso di recente dal poliedrico artista romano, che lo vede accanto a
Daniela Gherardi (violino, effetti, synth) nella narrazione di avventure sonore
in grado, appunto, di trasportare in una diversa dimensione. Quella di “Tales
From A Parallel Universe” è una dimensione identificata fin dall’inizio come
frutto del binomio tra luce e buio (“Lost In Darkness”), nella quale maestose
coltri distorsive disegnano atmosfere senz’altro oscure ma spiccatamente
ariose, niente affatto opprimenti. A tale breve premessa, il lavoro tiene fede,
bilanciando chitarre effettate, field recordings, synth e manipolazioni
digitali con il cuore pulsante di una tavolozza sonora dallo spiccato calore
umano.
Anche nei passaggi più solitari e
increspati (“Under An Electric Sky”, “Walking Along The Railway”), ricorre
sempre un contenuto in qualche misura morbido ed evocativo, persino romantico,
alimentato dal violino della Gherardi che funge ad esempio da mirabile
contrappunto dei riverberi della sinfonia elettrica in miniatura “Disclosing An
Unexpected Universe” (quasi dieci minuti). La dimensione umana del progetto
Twist Of Fate si fa ancor più evidente nelle fragili filigrane arpeggiate di
“Footprints In The White Sand” e “Back Pages”, fino a sublimarsi nella
gentilezza incantata di “A Spring Afternoon Amid The Trees” e nella nostalgia
ambientale della conclusiva “Returning Home”, un ritorno con i piedi sulla
terra, ma con il cuore ancora a mezz’aria, da un itinerario sonoro alieno che
sintetizza in maniera pregevole ricerca concettuale e coinvolgente resa
espressiva.
(Raffaello Russo - Music
Won’t Save You)
Quando un artista affermato in un
certo ambito si cimenta su territori sonori differenti di solito si parla di
sperimentazione o riciclaggio.
In questo caso non è possibile perché
se è vero che “Tales From A Parallel Universe” distoglie l'attenzione sulle
uscite precedenti di Nimh è altrettanto vero che di sperimentazione qui ce n'è
molta poca.
Con i Twist Of Fate, formati insieme
alla moglie Daniela Gherardi, Giuseppe Verticchio si è infatti rivolto ad una
struttura compositiva più standard con basi di chitarra acustica impreziosite
dal violino e sezioni dark ambient costruite su synth e field recordings.
Non viene inoltre riciclato niente.
Al contrario alcuni passaggi segnano una lettura mai banale di quello che il panorama
shoegaze e post rock ha saputo proporre nell'ultimo decennio.
L'incedere spirituale dei brani crea
una sorta di rituale magnetico spezzato talvolta da soluzioni folk semplici ma
efficaci.
“Disclosing An Unexpected Universe” e
“Walking Along The Railway” spiccano in una scaletta che alterna momenti di
luce ed altri in cui la foschia rivela le amene rovine di un castello diroccato
oppure un orizzonte nebuloso.
I drone di “Under An Electric Sky”
sono a cura di Davide Del Col ed il digipack a è limitato a sole cento copie
quindi affrettatevi.
(Lorenzo Becciani “Divine” -
Dagheisha)
Giuseppe Verticchio (aka
Nimh) has made a solid reputation in the world of (post) industrial
experimentalism with a bunch of well noted releases published on Silentes, Eibon
and Rage in Eden.
Structured and developed
under the moniker of Nimh his musical production oscillates between abstract
droning shimmer, ethno-ritual sound motifs and transcendental noises.
Twist of Fate is his new
born project and duet which features the presence of Daniela Gherardi on violin
and various electronic effects.
The duo delivers here their
first release published on the independent, underground music label and
distributor GS Productions. If a few Nimh albums occasionally infused intense
melodious vibes in the original sound architecture, this new project brings to
the fore the melodic technique around the repetition of small phrases.
However Twist of Fate is
not a complete Tabula rasa of previous stylistic experiences acquired as Nimh,
we can distinguish and appreciate a certain continuity in a track such as the
opening theme with its densely vibrant dark droney air.
The listener progressively
navigates through more ethereal, fragile and remarkably dreamy atmospheric
pieces built around acoustic guitar’s micro-tonal textures and processed
electronic sounds.
This album can be largely
appreciated as a tremendous guitar ambient release but the result includes much
more variety with some delicate melodious interludes which provide to the
ensemble an almost minimalist glitch dimension.
“Disclosing an unexpected
universe” is an enchanting and enveloping smoothly track with a subtly dark
droning line and detached guitar arpeggios, revealing a powerful dreamy
cinematic tendency. This is quite a puzzling piece of “sound art.” Tracks such
as “Footprints in the white sand” or the closing “Returning home” represent the
softer sonic facet of this musical adventure with simple and meditatively
impressionistic guitar tricks, almost shoegazy and imaginatively conceived
instrumental tracks.
Tales From A Parallel
Universe is a mysteriously evocative and nostalgic dreamlike ambient album
which shows an other original and interesting facet of Giuseppe Verticchio’s
compositional aptitudes.
Tales From A Parallel
Universe is available on GS Productions.
(Philippe Blache -
Igloomag)
Twist of Fate: September
Winds (CD 2016 –
Oltrelanebbiailmare)
[
http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Non è stato affatto un episodio
isolato, nella copiosa produzione di Giuseppe Verticchio, la divagazione in un
parallelo universo acustico intrapresa due anni fa insieme a Daniela Gherardi
(violino, effetti, synth) nel progetto Twist Of Fate. Come corrispettivo più
lieve e arioso delle tenebrose sperimentazioni droniche di Nimh, ecco infatti Verticchio
rinsaldare il sodalizio che già aveva prodotto le esili filigrane armoniche di
“Tales From A Parallel Universe” (2014) in un nuovo lavoro, che anzi amplifica
il sognante respiro bucolico già lasciato intravedere dal duo.
Nelle sette tracce strumentali di
“September Winds”, l’antitesi tra luce e buio che ancora caratterizzava il
predecessore scolora infatti nell’impressionistico naturalismo acustico di
pièce ispirate a una serena contemplazione e a un romanticismo che
nell’immaginario autunnale suggerito dal titolo e dall’artwork trova
manifestazione dal fascino agrodolce. Tutto ruoto intorno al picking gentile di
Verticchio, che ricama armonie baciate dai raggi obliqui di un sole di fine
estate e sospinte da brezze piacevolmente frizzanti: è la cornice all’interno
della quale il duo inscrive quadretti dai colori pastello che evocano solitari
paesaggi in penombra (la title track d’apertura e “In Some Lonesome Shadows”),
via via pennellate di calde tinte crepuscolari dai dialoghi con il violino e
morbide risonanze (“The Colours Are Changing”, ”In The Light Of Dusk”, “A Warm
Day In Autumn”), che definiscono un ambiente sonoro ovattato e sognante.
Ben più vicini alle estatiche
contemplazioni della countryside che a retaggi neo-folk, i tre quarti d’ora di “September
Winds” delineano un itinerario d’ascolto gentile e cristallino che, pur
ispirato all’autunno, si attaglia a qualsiasi transizione quotidiana ed
emozionale con delicatezza poetica, profondamente empatica.
(Raffaello Russo - Music won’t save you)
Giuseppe Verticchio è Nimh e metà
Hall Of Mirrors. Ha pubblicato molti album – anche collaborativi – nel corso
degli ultimi quindici anni, ha curato e cura il sito Oltreilsuono, su cui
recensisce materiale appartenente allo stesso scenario nel quale agisce. Si
occupa inoltre di mastering. Se faccio l’elenco dei suoi editori (Silentes,
Malignant, Eibon, Afe…) s’intuisce in modo vago come possa suonare un suo
disco, ma l’uomo ha molta esperienza alle spalle, quindi è un po’ stupido
andare a comporre l’albero delle influenze, dato che stiamo parlando di
qualcuno capace allo stesso tempo di lavorare a quattro mani con Mauthausen
Orchestra e coltivare una passione per alcune musiche e alcuni strumenti “non
occidentali”.
A un certo punto del suo percorso
Giuseppe ha recuperato la chitarra come strumento per dar forma ai suoi dischi,
declinandola in chiave ambientale. Ciò non toglie che, in alcuni casi, la sei
corde abbia favorito la presenza di tracce più “suonate” e melodiche, per cui
ha senso che di recente abbia messo in piedi questo progetto assieme a Daniela
Gherardi (violino, synth, effetti) e deciso di sviluppare una narrazione ancora
una volta libera e destrutturata (le sette tracce di September Winds non sono
canzoni, ma passeggiate), però in qualche modo più umana e rasserenante.
L’artwork, realizzato con fotografie di un bosco illuminato dal sole che forse
si sta colorando d’autunno, è lo specchio fedele di quanto andremo poi ad
ascoltare: un intreccio di chitarra acustica e non, accompagnato da violino e
linee impalpabili di synth, che sembra essere il racconto di una giornata
passata in pace a camminare e suonare, lontani dalle scocciature cittadine
(verso la fine di tutto, grazie al field recording, l’umanità si ripresenta
sotto forma di treno).
Siccome immagino che la parte più
“gotica” del pubblico di Nimh abbia a casa qualche disco “neofolk” o
“neoclassico”, preciso che September Winds non ha nulla a che fare con quei
sottogeneri e con quelle scene, non esprime particolari nostalgie per piccoli
mondi antichi o ideali di bellezza particolari, perché è molto più terrestre,
semplice senza essere banale. Potrebbe essere un disco Gizeh Records, per fare
un paragone meno scontato: qualcosa che non è post-rock, né ambient o folk, ma sta da quelle parti;
qualcosa che è poetico, senza però che nessuno se la tiri da poeta.
(Fabrizio Garau - The New Noise)
Uggeri Matteo & Moita
Nuno: Batalha (CD 2013 – Old Bicycle
Records)
[
http://oldbicyclerecords.blogspot.it ]
Debbo confessare che è da un po’ di
tempo che ho perso le “tracce” di Matteo Uggeri. In realtà in questi ultimi
anni mi è capitato spesso di vedere il suo nome all’interno di diversi progetti
collaborativi, comunque mediamente interessanti e per lo più insieme ad altri
artisti italiani, che lo hanno visto in qualche modo partecipe. Nonostante
questo è dal lontano 2006, anno di pubblicazione del CD “di esordio” “Un’estate senza pioggia”
(titolo però riferito all’estate del 2003, occasione in cui ho avuto modo di
conoscerlo di persona) che non ho più avuto modo di ascoltare un CD del “solo”
Matteo, o Hue che dir si voglia. Sicuramente mi sono perso qualcosa… e infatti
andando a documentarmi sul suo sito scorgo la recente pubblicazione del nuovo
EP in edizione limitata e della breve durata di circa 20 minuti a nome Matteo
Uggeri, “Four Steps on Points”, il quale, effettivamente, sembrerebbe essere il
primo lavoro non collaborativo ufficialmente pubblicato su CD dopo il già
citato “Un’estate senza pioggia” del 2006. Per questa ragione, nonostante siano
passati parecchi anni da allora, in tutto questo tempo non sono comunque mai
riuscito a “focalizzare” in modo sufficientemente “nitido” l’attività e le
“virtù” (per così dire…) di Matteo Uggeri, né a scovare, all’interno dei suoi
vari album collaborativi, quegli elementi chiari e distintamente
“caratterizzanti” che consentono abitualmente di farsi un’idea precisa su un
singolo artista, piuttosto che non sui vari progetti collaborativi di cui ha
fatto parte. In attesa della pubblicazione di un auspicato futuro “full lenght”
CD del solo Matteo, colgo comunque con piacere l’occasione per recensire il
presente “Batalha”, ancora una collaborazione, questa volta in compagnia del
portoghese Nuno Moita, il quale ha fornito la parte preponderante di suoni
elettronici (analogici, digitali) e registrazioni “di base”, successivamente
“assemblate” da Matteo Uggeri con aggiunta di proprie field recordings, e
ulteriormente valorizzate in una terza fase dal lavoro di mastering di Edo
Grandi. Prescindendo dalla quantità e qualità dei singoli apporti individuali,
il CD nella sua forma complessiva risulta davvero di grande impatto. Le miscele
di suoni elettronici e field recordings sono estremamente efficaci, e la
costruzione dei brani, nella loro progressione, riesce a creare e mantenere
costante per l’intero ascolto del CD un senso di
evoluzione-tensione-drammaticità, dai connotati quasi-musicali, che
difficilmente si riesce trovare in altri CD di genere analogo, o che comunque
condividano con il presente “Batalha” modalità di approccio e tipo di sorgenti
sonore. Fortunatamente la corretta
“misura” nell’utilizzo delle parti elettoniche, ma ancora di più il buon
“gusto” nella scelta di suoni e timbri “giusti” che non dipingano le “solite”
sterili, noiose e anonime cacofonie glitcheggianti poggiate su field recording
“nonsense”, rendono particolarmente efficace un CD che, altrimenti, non avrebbe
potuto aggiungere molto a quanto è possibile ascoltare attualmente nella
medesima “scena”. Personalmente ho trovato soltanto un po’ fuori “luogo” e
“disturbanti”, se non dal punto di vista “concettuale” sicuramente dal punto di
vista più “musicale”, cani, galline e campane di chiesa inserite un po’ troppo
“disinvoltamente” (seppure solo in brevi tratti…) tra le pulsanti trame sonore
CD… Va bene, come spiegato nelle note a corredo del CD ricevuto, il concept
basato sulla “battaglia” tra le forze della natura e quella delle macchine,
nella cui tenzone inaspettatamente si scopre corrispondere un senso di conforto
e sollievo alla parte “artificiale” e un senso di ansia e stress a quella
“naturale”. Ma se in termini pratici questo deve tradursi in un forzoso e
“improbabile” inserimento sonoro di latrati ed avicolo chiocciare… nel prossimo
CD ci troveremo comunque sicuramente tutti a parteggiare per le macchine.
In ogni caso un buon CD, peraltro
elegantemente presentato in una pregiata e ben realizzata confezione in
cartoncino.
(Giuseppe Verticchio)
Ulna: Ligment (CD 2012 – Karlrecords)
[ http://www.karlrecords.net ]
Album stilisticamente un po’ distante
da quanto solitamente recensito su “Oltre il Suono”, trattandosi di musica
elettronica molto “energica” e di matrice spiccatamente ritmica.
Non per questo meno meritevole di
recensione (è peraltro una produzione non proprio recente), in quanto il lavoro
dei due artefici di questo CD siglato “Ulna”, Andrea Ferraris e Valerio Zucca
Paul, è davvero notevole.
Otto brani di grande impatto e di
grande dinamica, dalla qualità sonora sorprendente, dominati da articolate
strutture ritmiche e onnipresenti linee di basso portanti, costruiti
incasellando in modo complesso, minuzioso e intelligente una quantità
impressionante di patterns e suoni di origine elettronica.
Alcune tracce sono davvero
spettacolari, ad esempio l’introduttiva “Lnce Wrnr” (in assoluto la mia
preferita) e la conclusiva “Nhndred”, entrambe estremamente coinvolgenti,
trainanti, e dall’incedere “potente” e “drammatico”.
Ugualmente molto suggestive le sempre
molto dinamiche e “accattivanti” “Prmary Schl” e ”Rsetta”, mentre nella zona
centrale del CD “spicca”, in questo caso per le sue sonorità più “quiete” e
quasi “ambientali” (unica eccezione all’interno dell’album), la più “dilatata”
e sperimentale “Chrnc Sleep Db”, traccia arricchita dall’eterea voce di Barbara
De Dominicis.
La presenza di una “morbida” chitarra
elettrica in “Pgava” e nella già citata “Nhndred” arricchisce con gusto ed
efficacacia la comunque già ampia gamma di suoni, fungendo da valida “variante”
a strutture costruite quasi esclusivamente attraverso sonorità di origine sintetica.
(Giuseppe Verticchio)
Uncodified: Document (CD 2012 - Lisca Records)
[ http://www.liscarecords.com ]
Meno di venticinque minuti di potenti
e ipnotiche aggressioni sonore di derivazione noise/industrial/power
electronics, tanto intransigenti, dirette e “genuine” nella loro forma e nel
loro “violento” e drammatico incedere quanto, come diretta conseguenza, prive
di particolari velleità dal punto di vista della ricerca sperimentale (altri
artisti “nostrani” come il compianto Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra o
Maurizio Bianchi/M.B. già trent’anni fa concepivano e diffondevano analoghe
“deviazioni sonore”) nè (men che mai…) di una ricerca di tipo più prettamente
“musicale”. Difficile descrivere o commentare di più. Semplicemente “prendere o
lasciare”. Questo è quanto. Consigliato vivamente, ma esclusivamente, a chi,
dopo tanti anni, non è ancora completamente “sazio” di prorompente rumore
elettronico allo stato quasi puro.
(Giuseppe Verticchio)
Under the Snow: Delta (CD 2011 –
Silentes)
[ http://www.silentes.net ]
“Under the Snow” è il nuovo progetto
musicale dietro il quale “militano” Stefano Gentile, già “boss” dell’etichetta
Silentes nonché ideatore e primo artefice del progetto collaborativo “Maribor”,
e Gianluca Favaron, metà di Lasik Surgery (progetto condiviso con Pierpaolo
Zoppo/Mauthausen Orchestra), di cui abbiamo già recensito due album, uno
licenziato dalla stessa Silentes (Cyclo), e un altro, più recente (As One
Entity), uscito per Menstrual Recordings. La “ricetta” di Under the Snow appare
essere la più libera apertura, seppure in un ambito evidentemente orientato
alla sperimentazione elettronica e mirata ad un risultato finale comunque
abbastanza “coeso” per sonorità e per intenti, a influenze e sonorità di vario
genere, miscelando con disinvoltura ma con indiscutibile efficacia elementi di
matrice spiccatamente elettronica e ambient, field recordings ad ampio spettro,
campionamenti di voci e canti, scricchiolìi e disturbi di derivazione “quasi”
glitch, accennati “bozzetti” melodici, brevi fraseggi di chitarra acustica,
loops, rumori concreti; il tutto in un contesto di atmosfere sostanzialmente
“quiete” e perennemente sospese, pur non mancando in alcuni casi, come nella
splendida ed evocativa quinta traccia, di “spingere” con un po’ più decisione
verso forme sonore di maggiore impatto, emotivamente più incisive e in un certo
senso più “accattivanti”… Nessun “effetto speciale” ovviamente, ma talora anche
un semplice, avvolgente, statico seppur “oscillante” drone elettronico con
sovrapposti nitidi suoni riverberati di gorgoglìi di acqua e pioggia e distanti
tintinnìi metallici ben miscelati, può fare la differenza e “scrollarci”
decisamente dalla poltrona… Semplicemente un interessantissimo e ambizioso CD
d’esordio.
(Giuseppe Verticchio)
Extended sonic fluxes of
synthetic nature mixed with delicate acoustic and electric guitars chords and
riffs, crowd noises, indefinite and fading melodic “spots” of unknown origin,
feedbacks, echoes, pulsations, vibrations, cracklings, rustling waves in
continuous movement… But also sudden pauses, unpredictable and improbable
inserts of folk blues radio transmissions, crystal clear water sounds, static,
wrapping and dramatic electronic weaves, metallic tickings… An extraordinary
range of sounds and atmospheres for this new, challenging and really particular
experimental-explorative project by Stefano Gentile and Gianluca Favaron.
(Silentes)
Under the Snow: The Other
Room (CD 2012 - Silentes)
[ http://www.silentes.net ]
Nuova uscita, sempre in “casa”
Silentes, per il progetto “Under the
Snow” di Stefano Gentile e Gianluca Favaron. Questa volta l’album si articola
in sette tracce, ognuna delle quali descrive una differente “stanza”. La musica
appare ancora una volta costituita di suoni, elementi e progressioni molto
“minimali”, seppure in realtà il substrato sonoro è sempre molto “ricco” di
fondi, suoni armonici e frequenze “di riempimento” che, grazie anche all’ottimo
lavoro di mastering di Giuseppe Ielesi che ha certamente valorizzato il tutto, restituiscono
per contro atmosfere molto “avvolgenti”, calde e profonde… Oltre a drones, sibili, ronzìi, abbondanti
field recordings, e suoni più prettamente elettronici, la presenza di corde di
chitarra elaborate ed inserite in varia guisa estende la gamma delle sonorità,
andando ad aggiungere opportunamente e nella giusta ”misura” elementi melodici
o comunque di maggiore “musicalità” senza i quali l’album sarebbe risultato
senz’altro più “anonimo” e “freddo” in termini di impatto emotivo… Un lavoro
interessante e consigliabile a tutti, offerto peraltro in una elegante
confezione in cartoncino, e in una perfettamente attinente veste grafica.
(Giuseppe Verticchio)
Seven “rooms” described
through the visual essentiality of sober and linear photographic images in
black and white, and through sonorities just as essential based on whispered
and discrete synthesis, often bordering on silence, violated by occasional
harshness, chimes of plucked strings, hissings, cracklings, electrical
tensions, gurgles and digital creaks... An intimate and introspective path,
through long and deserted corridors, entering spacious and bright rooms
surrounded by white large walls, walking on reflective polished floors, cold
and aseptic just like the sounds that Gianluca Favaron and Stefano Gentile
chose to ideally fill with vibrations their spaces and architectural forms... A
limited edition of 300 hand-numbered copies in cartonsleeve. Each copy contains
a different slide.
(Silentes)
Under the Snow: Popsongs (CD 2016 – 13 - Silentes)
[ http://store.silentes.it
]
Nell’ambito dell’ambiziosa serie “13”
Stefano Gentile di Silentes rilascia “Popsongs” di “Under the Snow” (progetto
dello stesso Gentile e Gianluca Favaron), pubblicazione che, come descritto
nelle stesse note, presenta una raccolta di pensieri e suoni a proposito del
“Pop”.
All’interno di un bel libretto in
formato quadrato 21x21 cm trovano posto scritti di Paolo Cesaretti, Manuel
Gentile, Marco Pandin, Vittore Baroni, disegni di Massimo Giacon, e immagini di
collages dello stesso Stefano Gentile, oltre a una cartolina di Lapo
Belmestieri.
Filo conduttore tematico è il “Pop”,
termine che, come si evince anche dagli stessi scritti, si presta a
interpretazioni molto variegate ed eterogenee, ancora più se si va ad
analizzare il significato che è stato attribuito allo stesso termine e a tutto
ciò che”ruota” intorno ad esso (musica, arte in senso lato, mode, scuole di
pensiero…) nel corso degli anni, fin dal lontano 1926 quando, come scrive
Baroni, si è parlato per la prima volta
di “Pop” per definire un tipo di musica caratterizzato da un “appeal popolare”.
In questa pubblicazione l’idea del
“Pop” sembra assumere dei connotati molto particolari e ben definiti. Ma ciò
che colpisce maggiormente non è tanto il fatto che per l’aspetto “visivo” essa sia stata rappresentata attraverso I
suggestivi collages di Stefano Gentile, realizzati lavorando su molteplici
strati di carta stampata con immagini e testi, sovrapposti e poi creativamente
strappati, scollati, sgretolati, “decomposti”…
Ciò che “spiazza” è il contenuto
musicale del CD, che se da una parte ha ben poco a che vedere con quello che
nella più diffusa interpretazione si usa intendere per “Musica Pop”, dall’altra
è invece perfettamente coincidente con la rappresentazione visiva già adottata,
trattandosi di fatto di una raccolta di collages elettroacustici costituita di
suoni/rumori strutturati/destrutturati che sembrano intenzionalmente imitare o
quanto meno riprendere, attraverso il mezzo audio, lo stesso processo
compositivo/decompositivo messo in atto nella realizzazione dei collages
“fisici” di Stefano Gentile.
Opera evidentemente “intrisa” di
forte valenza estetica e concettuale, “Popsongs”, nella sua unicità,
rappresenta qualcosa di davvero particolare nell’ambito di quanto è possibile
reperire attualmente nell’ambito della distribuzione discografica di matrice
“sperimentale” e dintorni.
(Giuseppe Verticchio)
Underwood: Flowing (CD-R 2006 - Autoproduzione)
[ clarocks@tin.it ]
Un CD-R di piacevole, discreta,
"classica" ambient music, dall'andamento sempre "quieto" e
"morbido", costruita prevalentemente con suoni di sintetizzatore e
chitarra trattata, facente ampio uso di elementi e "tocchi" melodici,
arricchita a tratti con misurate strutture ritmico/percussive e rumori della natura.
Sonorità e "approccio" dunque un po' "d'altri tempi",
giacchè lo "stile" e il risultato complessivo porta subito alla mente
alcuni artisti e alcuni CD di musica ambient che hanno espresso e proposto
"soluzioni" molto simili già quindici/venti anni fa, tra i quali
posso citare Nik Tyndall tanto per dare un riferimento noto e più preciso.
Nonostante questo però il lavoro in questione non appare in realtà così
"anacronistico" come si potrebbe immaginare, e si lascia invece
ascoltare con piacere, rivelando una grande sensibilità, un gran senso della
misura, una apprezzabile capacità nel dipingere, spesso con pochi semplici
elementi, atmosfere e "acquarelli sonori" di pregevole fattura e di
grande intensità. Sicuramente questo CD-R autoprodotto da Claudio Giani,
l'artista che si cela dietro il progetto "Underwoood", non può essere
definito assolutamente maturo, e anche a livello di produzione poteva essere
sicuramente migliorato. Dal punto di vista tecnico c'è da segnalare la presenza
di alcuni difetti nel mastering che avrebbero dovuto senz'altro essere
corretti, in particolar modo nel secondo brano, affetto, tra le altre
imperfezioni, da un evidente fruscio di sottofondo che lo accompagna per tutta
la sua durata. Nonostante tutto non si può non riconoscere a
"Flowing" diversi pregi e una sostanziale validità intesa in senso
più generale, qualità che mi preme sottolineare anche per incoraggiare un
artista che senz'altro, in futuro, sarà in grado di proporre musica ancora più
convincente e di probabile ottimo livello.
(Giuseppe Verticchio)
Underwood: Hidden Reality (CD-R 2008 - Autoproduzione)
[ clarocks@alice.it ]
Decisamente migliore, rispetto al
precedente e comunque piacevole CD-R "Flowing", questo nuovo lavoro
di Claudio Giani/Underwood, seppure almeno in un paio di tracce, in particolare
nell'introduttiva "A Long Journey", ma in una certa misura anche in
"Memory of a Dream", compaiono ancora alcune evidenti ingenuità,
soprattutto per quanto riguarda la scelta di
alcuni suoni di synth piuttosto datati, e per la "forma"
anch'essa un po' "all'antica" e abbastanza "semplice" dei
brani stessi. Il genere è ancora una ambient music di stampo abbastanza
"tradizionale", ma maggiormente arricchita di parti ritmiche sostanzialmente
"discrete", solitamente ben "calibrate", ben costruite e
bene inserite nel contesto sonoro. Molto
piacevole, fluido, stilisticamente omogeneo e "coeso", senza
particolari "guizzi" di genialità o particolari velleità sperimentali,
ma ugualmente molto gradevole da ascoltare, ben realizzato, e comunque non
povero di idee; questo a dimostrazione che non è assolutamente necessario
talvolta spingersi troppo "oltre" nella ricerca sonora per mettere a
punto cinquanta minuti di musica comunque di buon valore e al tempo stesso non
troppo stereotipata nè peggio ancora banale. Dal prossimo lavoro mi attendo
ancora maggiore cura dei dettagli, del master (alcuni suoni su frequenza basse
tendono ad andare talvolta in risonanza, e non sempre le sfumature tra i brani
sono sufficientemente precise), e, per quanto riguarda il contenuto musicale,
mi aspetto una maggiore "severità" nella scelta dei suoni, suggerendo
di stare a maggiore "distanza" da "classici" preset e suoni
un po' troppo datati di sintetizzatori digitali e simili. Giudizio complessivo
comunque più che positivo.
(Giuseppe Verticchio)
Ur: Triadic Memories (CD-R 2006 - Afe Records)
[ ur_society@libero.it ]
Nell'accingermi a recensire questo
affascinante CD-R degli Ur, appena realizzato e presentato in una curatisima
veste grafica da Afe Records, la mia unica difficoltà è nel dover constatare
che tutto quanto mi è venuto in mente di scrivere in proposito durante
l'ascolto (descrizioni, sensazioni, constatazioni varie, giudizi di merito e
quant'altro...) concide in modo quasi esatto con quanto la stessa Afe Records
ha scritto nel testo che accompagna, sul proprio sito web, la
presentazione/promozione di questo nuovo "Triadic Memories". Cercando di non lasciarmi condizionare
troppo da questo fatto, non posso che confermare l'evidente matrice
spiccatamante industriale che caratterizza le tre tracce (intitolate
semplicemente Movement #1, #2 e #3) presenti su questo CD-R, seppure la più
breve e relativamente "quieta" traccia centrale, peraltro di ottima
fattura e forse la mia preferita, si adagia su situazioni sonore più
para-statiche, sicuramente meno "caotiche" e "rumorose",
lambendo quasi i confini della musica ambient, soprattutto laddove si
inseriscono con grande efficacia dei "dolci", gradevolissimi, efficaci
e dilatati suoni di fisarmonica. "Movement #1" è certamente il brano
più "diretto", aspro, crudo, aggressivo, impattante... Potenti e
dinamici agglomerati sonori miscelati a suoni tesi allo spasimo, costruiti con
distorsioni, feedbacks, pulsazioni basse e profonde, taglienti rumori metallici,
voci umane in loops pesantemente processate... Atmosfere cupe e pesanti che
trovano il logico seguito, seppure in forma più "moderata", nel terzo
movimento, nel quale, in aggiunta ad un loop ossessivo, drones elettronici di
fondo, e altri elementi sonori già descritti, compaiono inoltre inaspettati
suoni di glockenspiel. Quando il brano sembra terminare, a conclusione di
alcuni interventi vocali sussurrati misti a ronzii e disturbi elettronici, c' è
in realtà da attendere un minuto circa di silenzio assoluto prima che il brano
riprenda nuovamente (o forse è da intendersi come ghost track?) attraverso un
lento fade-in, in un suggestivo crescendo di movimenti meccanici-circolari,
rudimentali loops, crepitìi, drones, voci processate... Un CD-R sicuramente piuttosto
"crudo", di grande immediatezza ma anche di grande efficacia, che pur
rinunciando evidentemente alla ricerca di soluzioni e forme sonore
particolarmente sofisticate, "raffinate" e/o sperimentali, risulta
ugualmente di grande fascino e di sicura presa.
(Giuseppe Verticchio)
Ur were born in early 2005
as a collaboration between Federico Esposito and Mauro Sciaccaluga; they were
later joined by Andrea Ferraris. Their music is mostly based on free
improvisation and its sonorities can't easily be described without referring to
the seminal work of the well-known and wildest Industrialists of the late '70s
/ early '80s. "Triadic Memories" is their first "official"
disc and comes after the self-released "Baptism & Birthday".
There is a strong dramatic feeling in their powerful sound, where everything
seems to reproduce a sort of wedding between the modernity of the media and the
primordial instincts of the performers. "Movement #1" is taken
straight from "Baptism & Birthday", and is usually played as the
opening number of their live-sets. The track begins with an high-pitched
theremin sound laid on a bed of reverbered and tortured bass guitar. More
percussions and distortions appear along with a looping voice as the music
turns into industrial madness. "Movement #2" is a more laid down
piece of music built on a continuous drone enriched with scraped metals/objects
and a female voice building tension over tension. Surprisingly enough, an
accordion enters the mix accompanied by more looped voices and fades out as the
track ends with cymbals hits. An early version of "Movement #3"
already appeared as an untitled contribution to "Breaking Down the
Barriers 1995-2005, Ten Years of Afe", an on-line compilation issued by
Afe in late 2005 to celebrate its tenth birthday. With this final track we
return to the industrial atmospheres of "Movement #1": feedback and
bass distortions overwhelm a glockenspiel as an hooter alarm becomes more
disquieting loop after loop. All sort of uncomfortable noises are used, and
"Movement #3" ends with the lonely sound of a breathing voice. Far
away from Power Electronics and Harsh Noise, "Triadic Memories" is
more a sort of psychedelic and liberatory journey reminding the best old-school
Industrial music experiments.
(Afe Records)
Ur: Trieb (CD 2008 - Topheth Prophet)
[ ur_society@libero.it
] [ http://www.myspace.com/ursociety ]
Con questo nuovo "Trieb",
felicemente pubblicato in CD dall'etichetta israeliana Topheth Prophet, gli Ur,
(Andrea Ferraris, Federico Esposito e Mauro Sciaccaluga) portano avanti con
continuità e sostanziale coerenza il percorso musicale intrapreso nel
precedente e già recensito "Triadic Memories", pubblicato su CD-R nel
2006 da Afe Records. Circa un ora di musica sicuramente destinata ad orecchie
abbastanza "navigate", ben "allenate" a situazioni sonore
che fanno di drones, distorsioni, suoni talvolta taglienti,
"pesanti", atmosfere cupe, oscure, spesso ossessive, rumorismi
industriali, gli "ingredienti" principali... Ovviamente una
descrizione che si esaurisse qui sarebbe decisamente riduttiva e in un certo
senso fuorviante, giacchè se è vero che i pochi elementi sopra riportati
aiutano ad "inquadrare" sommariamente il contesto nel quale si
colloca la musica degli Ur, è altrettanto vero che la struttura compositiva dei
quattro brani che costituiscono il CD (della durata totale di circa un'ora) è
l'elemento "chiave" che va a valorizzare e caratterizzare la proposta
musicale del gruppo, distinguendola da quanto è possibile ascoltare da altri
artisti/progetti attivi in aree musicali analoghe. Seppure il "sound"
generale e l'impronta della musica mantengono una forte impronta
istintivo-improvvisativa e una certa "crudezza", le quattro
composizioni beneficiano altresì di una efficace struttura costituita solitamente
da lunghe, lente, "costruite" progressioni ipnotiche, oscure e
drone-based, che nel loro incedere si arricchiscono via via di ulteriori
"strati" e suoni di varia natura, (chitarre distorte e pesantemente
effettate, feedbacks, "sferragliamenti" metallici, voci, ronzii e
sibili elettronici...) i quali minuto dopo minuto "plasmano" la forma
del brano, ne determinano i "movimenti", le dinamiche, mantenendo
sempre viva l'attenzione di chi ascolta e restituendo un senso di continua
tensione e drammaticità. In questo senso debbo dire che è soprattutto negli
ultimi due brani, e quindi nella seconda metà del CD, che la forma compositiva,
e la musica nel suo insieme, riescono ad esprimere il meglio di sè. Parlando
ancora di "dinamiche", si apprezza inoltre particolarmente la
capacità, degli artisti in fase di registrazione e mixing, ma probabilmente
anche di Andrea Marutti che ha curato il master finale, di
"organizzare" egregiamente il livello dei volumi nei vari passaggi e
il livello dei brani, in modo tale che, pur conservando una buona gamma
dinamica, e pur dovendo tecnicamente "gestire" momenti di una certa
criticità, soprattutto laddove i suoni si fanno particolarmente
"decisi", aspri e "ingombranti", non si è indotti a
modificare il volume d'ascolto generale intervenendo sulla manopola
dell'amplificatore, per "compensare", come purtroppo accade talora
ascoltando altri CD, imprecisioni o comunque scarsa accuratezza nella messa a
punto del master finale.
(Giuseppe Verticchio)
In the UR-project, the
composers move into more introvert sound spheres of claustrophobic ambient
noise. Containing four lengthy pieces of dark compositions, the expression is
first of all built on thick drones that emerge from a combination of subdued
noises, distant sounds of voices and industrial sounds. The atmosphere is
apocalyptic and dark, with a psychedelic touch that sometimes reminds of
earliest Pink Floyd thanks to the frequent use of distorted guitars and
acid-like electronic soundscapes, especially on the final track "Happy
hour (abattoir lounge)"...
(Niels Mark - Vital Weekly)
Urkuma: Tinnitus (CD-R 2002
- Autoproduzione)
[ urkuma@yahoo.it ] [ http://www.sanfocahotel.com ]
Di fronte alla sperimentazione sonora
portata all'estremo, e alle opere musicali completamente assoggettate ad
un'idea concettuale, ognuno di noi può porsi con un atteggiamento diverso...
Qualcuno può accettarle e apprezzarle con convinzione, arrivando persino a
prescindere dal discorso della "godibilità uditiva", se non
addirittura dalla "ascoltabilità" dell'opera stessa... Qualcuno le
giudica negativamente, rifiutando in
modo assoluto che un'idea concettuale e/o il desiderio di sperimentazione
possano influire così pesantemente su un'opera musicale arrivando al punto di
renderla quasi estranea a quello che dovrebbe essere lo scopo primario ed
originale dell'opera stessa, e cioè la "fruibilità" uditiva, il puro e semplice "piacere
dell'ascolto"... Qualcun’ altro invece, e io sono tra questi, è disposto
ad accettare che un'idea concettuale possa "sacrificare" tale piacere
in nome di contenuti di tipo diverso, ma purchè tali contenuti non finiscano
per annientare e mortificare lo scopo primario per cui nasce un’ opera
musicale, e cioè la sua proponibilità come opera anche, e soprattutto, "da
ascoltare". Nelle note di copertina, Urkuma ci descrive il suo lavoro.
"Tinnitus", da un termine medico latino che indica quel tipo di
disturbo per cui alcune persone percepiscono dei suoni anche in totale assenza
di stimoli sonori provenienti dall'esterno, è un CD-R che descrive in qualche
modo questo fenomeno, in grado di alterare anche profondamente la qualità della
vita delle persone che ne soffrono. Su questo tema il CD-R sviluppa cinque
brani, per una durata totale di 25 minuti, costruiti esclusivamente con sibili,
fischi, ronzii, drones, correnti elettriche, pulsazioni, onde, scricchiolii,
organizzati e messi insieme secondo schemi diversi, ora in modo apparentemente
più "strutturato", ora in modo più caotico e "disordinato".
Tornando al discorso introduttivo, la mia opinione è che questo CD-R si divida
tra brani che, pur nel pieno rispetto dell'idea concettuale su cui è basato,
offrono alcuni interessanti momenti di ascolto, paragonabili per certi versi ad
alcune sonorità di artisti come Thomas Köner o Francisco Lopez ("First
Acufene", "Meniere's Disease",
"Cochlear Mechanics"...), mentre altri invece ("Disturbed
Musical Perception", e soprattutto "Second Acufene") oltrepassano
invece quel limite di "tollerabilità" che il mio (personalissimo!)
apparato uditivo è in grado di "sopportare", e il mio
"intelletto" di concepire…
Un'opera audace in ogni caso, e, mi sento di dire al di là delle mie
osservazioni critiche, sicuramente onesta, sincera e appassionata... Se lo
acquisterete, o avrete comunque modo di sentire questo lavoro, fatemi sapere
cosa ne pensate...
(Giuseppe Verticchio)
Urkuma: Misophonia (CD-R
2003 - Autoproduzione)
[ urkuma@yahoo.it ] [ http://www.sanfocahotel.com ]
"Misophonia" è
sostanzialmente una versione ampliata del CD-R "Tinnitus"; i primi cinque
brani infatti, seppure riportati con un diverso titolo, sono in realtà delle
versioni leggermente modificate dei brani già pubblicati sul precedente CD-R.
La durata totale di "Misophonia", realizzato in una veste molto
"essenziale" dall'etichetta polacca "Mik Musik", è
superiore ai cinquantadue minuti, e l'ampliamento, dovuto sia all'aggiunta dei
nuovi brani "Mali Annetta" e "Mavro Thanato" che alla
leggera rivisitazione del materiale già conosciuto, aggiunge sicuramente valore
a quest'opera. Non soffermandomi sulle prime cinque tracce, a proposito delle
quali si può leggere nella precedente recensione di "Tinnitus", debbo
sottolineare come entrambi i nuovi brani risultino efficaci e ben costruiti,
seppure piuttosto diversi nella forma e nel contenuto sonoro. "Mali
Annetta" è infatti un brano d'impronta piuttosto statica, caratterizzato
da suoni e atmosfere piuttosto tese, stilisticamente vicino a quelle parti di
"Tinnitus" che avevo maggiormente apprezzato. "Mavro Thanato"
è costruito invece su interessanti e ben riuscite elaborazioni elettroniche di
un canto femminile, sul quale si inseriscono e si intersecano trame e rumorismi
elettronici con soluzioni variate e piuttosto suggestive. Pur confermando
alcune mie perplessità già espresse nella recensione di "Tinnitus",
c'è da riconoscere come l'ampliamento operato per realizzare il presente
"Misophonia" è da intendersi in modo estremamente positivo, e c'è da
sottolineare come, proposto nella forma attuale, il CD-R risulti certamente più completo, "compiuto",
valido ed interessante.
(Giuseppe Verticchio)
Urkuma: A Cricket in the River (CD-R 2003 - NEUS-318)
[ urkuma@yahoo.it ] [ http://www.sanfocahotel.com ]
Una composizione surreale,
apparentemente di natura fortemente
improvvisata, tra sibili, feedback, suoni di strumenti a corda utilizzati in
modo non convenzionale, elementi elettronici, rumori concreti, effetti, loops.
Un unico lungo brano (durata 21:36) di grande suggestione, in un contesto
musicale che è assolutamente impossibile classificare o etichettare in alcun
modo e che è assolutamente difficile descrivere a parole, fatto che di per sè è
già probabile sintomo di una certa originalità e di una assoluta indipendenza
dall'adesione a modelli musicali ben conosciuti, collaudati e/o stereotipati.
L'indefinibile universo sonoro di Urkuma trova infatti in "A Cricket in
the River" la sua massima espressione e la sua maggiore compiutezza e
corenza formale, stupendoci per il suo semplice ma emozionante, ingarbugliato
ma ordinato disordine... Un CD-R., prodotto dell'etichetta giapponese NEUS-318,
non certo di facile ascolto (a qualcuno potrà apparire addirittura ostico…), ma
ugualmente molto consigliato, soprattutto a chi, più che cercare garanzie a
tutti costi, ha soprattutto voglia di
scoprire cosa possa esserci "oltre"...
La mia unica e inevitabile
osservazione critica è rivolta alla produzione, decisamente insufficiente sotto
l'aspetto della grafica e della confezione. Un CD-R come "A Cricket in the
River", seppure di breve durata, avrebbe meritato sicuramente di più che non una presentazione costituita da
un supporto CD-R privo di etichetta o stampa sulla superificie, e di una
copertina stampata in bianco e nero ripiegata
e collocata, insieme al CD-R, all'interno di una bustina trasparente. Comunque
non fatevi suggestionare troppo negativamente dal fattore estetico: succede di
rado, ma talvolta la musica contenuta in un CD vale davvero di più dell'aspetto
della sua confezione...
(Giuseppe Verticchio)
Vannucchi Ilario: Didgeridoo Sounds (CD-R 2003 - Autoproduzione)
[ ilario@didgeridoo.it ] [ http://www.didgeridoo.it ]
In questa raccolta di dieci brani
registrati in periodi diversi, e riuniti soltanto in tempi recenti a costituire
il CD-R dal titolo piuttosto esplicativo "Didgeridoo Sounds", Ilario
Vannucchi, abile suonatore di didgeridoo, esplora le varie possibilità offerte
dallo strumento in contesti musicali anche molto differenti tra di loro.
L'autore infatti passa con grande capacità e disinvoltura da situazioni
sicuramente più prossime alla natura
tradizionale aborigena australiana dello strumento, come nello splendido brano
"Alan's Water", dove il didgeridoo è protagonista assoluto, a
situazioni di matrice comunque etnica ma arricchite dal suono di strumenti
originari di altri continenti, come in "Rio" e "5 e 6",
dove compaiono parti percussive di djembe eseguite da Andrea Tognetti e
Cristian Pannega. Non mancano situazioni di tipo più "atmosferico",
come nell' affascinante ed evocativo "Solari", brano in cui una parte
aritmica di didgeridoo si sovrappone a voci campionate di canti aborigeni e non
solo, lambendo stilisticamente i territori della musica ritual-ambient, così
come non mancano esempi di sperimentazioni e contaminazioni più
"ardite", come nel brano
introduttivo "Theft 5", una strana miscela di didgeridoo e canto
armonico sovrapposta ad una ritmica jazz, o in "Etno Hip Hop" e
"Jack", brani che vedono il
suono del noto strumento di origine australiana audacemente (ma piuttosto
efficacemente bisogna riconoscere...) accostato a ritmiche Hip Hop e, nel caso di "Jack", a parti di
basso e chitarra.
"Didgeridoo Sounds" è un
CD-R che potrebbe forse far storcere il naso ai "puristi" che non
vedono di buon occhio esperimenti di contaminazioni estreme tra il sacro
strumento australiano e le più profane e moderne esperienze musicali d'impronta
occidentale, ma che sarà invece molto apprezzato da chi, pur rifiutando il
gratuito e incosciente "saccheggio" di suoni e strumenti antichi
molto di moda in questi ultimi anni, operato con eccessiva disinvoltura
per produzioni musicali tanto banali
quanto però efficaci sotto il punto di vista puramente commerciale ed
economico, guardi comunque con interesse a tentativi intelligenti e misurati di
accostamenti stilistici e sperimentazioni sonore che non precludano a monte
l'utilizzo degli stessi strumenti
etnici in contesti musicali anche molto diversi da quelli originali...
(Giuseppe Verticchio)
Vannucchi Ilario: Didjabout (CD-R 2005 - Autoproduzione)
[ ilario@didgeridoo.it ] [ http://www.didgeridoo.it ]
Un CD-R contenente dieci brani, per
un totale di 33 minuti circa, che condivide con il precedente "Didjeridoo
Sounds" il fatto di proporre sia parti in cui il didjeridoo è protagonista
più o meno assoluto, quindi di matrice più etnica o comunque più
"tradizionale", sia parti in cui compaiono sezioni ritmiche
d'impronta moderna, elaborate attraverso l'uso di drum machines, che fungono
sostanzialmente da "linee guida" per gli interventi al didjeridoo
dell'autore. La qualità del suono è
mediamente molto buona, così come molto gradevole è anche l'aspetto del
prodotto nel suo insieme. Se è vero che il mio gusto personale e l'orientamento
musicale di Oltre il Suono,
naturalmente "vocati" a sonorità dal carattere più profondo e
introspettivo, tenderebbero a farmi preferire, anche stilisticamente parlando,
i brani in cui il didjeridoo appare nella sua forma più "pura", debbo
però riconoscere la particolare abilità con la quale Vannucchi riesce a
interagire e "dialogare" attraverso il suo strumento con le parti
ritmiche a base di drum machine, riuscendo a cesellare i propri interventi di
didjeridoo mostrando grande perizia e notevole abilità tecnica, sviluppando
strutture articolate e spesso piuttosto complesse e inserendole con gusto e
maestria nel contesto sonoro generale. Questa alternanza di situazioni ora
d'impronta più etnica e ora più moderna può, a seconda dei gusti
dell'ascoltatore, risultare efficace in quanto propone una più variegata gamma
di atmosfere e situazioni musicali, ma può invece apparire poco coerente a chi
invece ricerchi in un CD un percorso musicale più continuo, omogeneo,
caratterizzato... Pur comprendendo e
condividendo da una parte il desiderio di ricerca dell'autore, e la sua
propensione a confrontarsi con situazioni musicali di tipo piuttosto diverso,
mi piacerebbe però d'altra parte poter ascoltare in futuro un nuovo lavoro di
Vannucchi indirizzato in modo più
deciso verso l'una o l'altra direzione, sperando al contempo che l'autore
scelga di esplorare quegli spazi sonori che fanno delle vibrazioni più profonde
e delle più sottili variazioni armoniche il primo territorio di ricerca, e
abbandonando, almeno per una volta, quelle esigenze ritmiche e sonore
d'impronta fortemente moderna che hanno caratterizzato ampie parti dei suoi primi
due lavori.
(Giuseppe Verticchio)
Vari Artisti/Various Artists: Beyond the Darkness (CD-R 2005 - Compilation Oltre il Suono)
[ oltreilsuonomail@tiscali.it ]
Dodici tracce quasi interamente
inedite dei migliori nomi dell'ambient del nostro paese, soprattutto di
derivazione dark, industrial, ma anche esoterica e meditativa. A quest'ultima
appartengono i pezzi di Opium, Alio Die & Michele Brieda, e in una terra
più di confine anche Ornament e Nimh. D'impronta più elettronica la traccia di
Raffaele Serra. Nell'oscurità più fitta e densa di presagi potrebbero invece
condurci Crìa Cuervos, Never Known, Nefelheim e Subinterior. Su tutti svetta il
bagliore quasi luminoso, tra gli arpeggi di una chitarra trattata, nel
“Finally” di Luca Formentini, che chiude anche il disco, mostrando una scena
"ambient" italiana variegata e ancora incredibilmente vitale. Da
“Oltre il Suono” un altro ottimo compendio.
(Gino Dal Soler - Blow Up)
Il progetto Oltre il Suono
monitorizza da anni il panorama electro-avanguardistico italiano, promuovendo -
soprattutto attraverso internet - l'attività delle migliori realtà nostrane.
Nel 2002 fu pubblicata la raccolta "Beyond the Sound", che presentava
una variegata selezione di brani, appartenenti a molti artisti emersi dalla
scena elettronico-sperimentale italica nel corso degli ultimi dieci anni.
L'attenzione ottenuta da questa release, troverà un giusto seguito nella nuova
compilation che Oltre il Suono ha assemblato con un attento e lungo lavoro,
durato più di due anni. "Beyond the Darkness" raccoglie
settantaquattro minuti di musica ambient, proposta in un ricco ventaglio di
sfaccettature: dalle proposte più facilmente accessibili, fino alle più estreme
derive isolazioniste. La compilation si apre con un brano di New Risen Throne...
Il pezzo qui proposto ricalca appieno lo stile del progetto, molto vicino a
quel tipo di dark ambient statunitense che fa ampio utilizzo di possenti
inserti industrial. Seguono due artisti maggiormente legati ad un approccio
dark ambient classico come Nefelheim e Never Known: il primo presenta un brano
ricco di tensione che struttura su low drones alcune eteree melodie, riuscendo
a fondere lo stile CMI con la singolare proposta dell'ultimo Vikernes; Marutti,
dal suo lato, rimanendo fedelissimo al suo modello interpretativo, presenta una
traccia in cui l'intensità è resa grazie ad una minuziosa sovrapposizione di
layers sonori, profondi e lentissimi. I brani che compongono la parte centrale
dell'album risultano maggiormente influenzati dalla scena industriale; le
tracce proposte da Crìa Cuervos, Nimh, Subinterior e Normality Edge includono,
infatti, l'utilizzo di samples e ricercati inserti industrial, dando vita a
cangianti ibridi sonori. Con le idee espresse da Ornament, da Raffaele Serra,
ma, soprattutto, da Opium - la cui 'The Domus' costituisce il punto più alto di
questa raccolta - l'ambient più 'ortodossa' riacquista peso nel finale di
questa ricchissima raccolta. "Beyond the Darkness" rappresenta un
calzante spaccato di una parte importante della scena elettronico-sperimentale
del nostro Paese; una compilation interessantissima che può essere facilmente
consigliata sia ai conoscitori del genere sia a coloro che intendono
avvicinarsi al lato 'oscuro' dell'elettronica.
(Francesco Gemelli - Flash)
Eager to promote italian
industrial and ambient bands, Oltre Il Suono presents here a really interesting
overview of a scene full of talented artists, each with their own personality.
We can find the most famous of them, Alio Die (and his cristalline and thoughtful
ambient with tones of acoustic guitar and almost new age melodies), Nimh and
Nefelheim with classic but efficient dark-ambient tracks or Subinterior and New
Risen Throne (both being here more electronic and aggressive than usual). The
rest of the compilation is as well worth listening to, Opium and the Raison
D’Être-like ‘The Domus’, the frightening and cold minimalistic ritual ambient
of Crìa Cuervos and so on. Each project has its own touch (thanksfully !) which
makes the whole compilation aim all the more relevant. Some of the artists drag
us into more experimental fields like Normality/Edge or even psyche-ambient
like Luca Formentini. A really nice sampler that gives a consistant glimpse of
the italian scene, incredibly active in many genres and seemilingly limitless.
(Guts of Darkness - www.gutsofdarkness.com)
Vari Artisti/Various Artists: Beyond the Sound (CD-R 2002
- Compilation Oltre il Suono)
[ oltreilsuonomail@tiscali.it ]
“Beyond the Sound” è una raccolta di
brani, quasi tutti inediti, di artisti italiani indipendenti operanti nell’ambito del panorama
ambient-elettronico, volendo includere in questa definizione piuttosto generica
anche le varie correnti elettroacustiche, sperimentali, ritual-ethnic, dark
ecc... Questo progetto è nato dalla collaborazione tra il sito Oltre il Suono e
alcuni artisti in esso recensiti. Il CD-R, alloggiato in una semplice ma curata
confezione in cartoncino, è introdotto da un breve brano di Daniele Pecorelli
dalle sonorità acute, scarne, sottili, vicine al silenzio. Inizia quindi
la zona più oscura: 16 minuti circa di dark-ambient dalle sonorità basse e
profonde, avvolgenti, efficacemente
rappresentata da Amon, Maath e Nefelheim. Car introduce quindi discretamente
l’area più elettronica, sperimentale e rumoristica, che assumerà connotati sempre più forti e decisi, in un
cresecendo dinamico che vedrà
protagonisti in sequenza i brani di Anofele, Nimh e Logoplasm. Alessandro Fogar
ci riporta quindi ad atmosfere meno tese, con un brano piuttosto astratto, ma nel quale ricompare
qualche elemento vagamente musicale, elemento completamente dimenticato nella lunga parte che lo ha
preceduto. Seguono le suggestioni visionarie di Regivar, in un brano
caratterizzato da lente progressioni, che inizia con atmosfere crepuscolari e
dilatate per concludersi in un’esplosione di dinamica e di energia dal forte
impatto emotivo. Chiudono l’opera i Ku, con un brano dalle sonorità tutte
“terrene”. Un brano che è quasi un invito al raccoglimento interiore,
all’introspezione, ad una forma di quieta spiritualità, che aiuterà a concludere l’esperienza
d’ascolto conducendo tra atmosfere più pacate, meditative, dilatate e
profonde...
(Oltre il Suono)
This sampler, subtitled
"new ambient-electronic music from Italy", is the physical compendium
to the excellent website Oltre il Suono, gathering several Italian underground
projects and artists working in the fields of ambient (from dark to
ethnic/ritual), experimental electronics and electroacoustic/concrete music.
While the site has been constantly expanding, the cd-r, compiled by the trio
Biasthon, features a selection of 11 artists, of whom I only knew Amon/Andrea
Marutti. I guess that all tracks are exclusive/unreleased. Now, talking about
the sounds, I really think it's hard to find such a well-assembled sampler.
Music ranges from oppressive dark ambient (Amon, Maath, Nefelheim…) to field
recording manipulations and electroacoustic (Car, Logoplasm), from cosmic music
(Regivar) to mesmerizing ethnic atmospheres (Ku), but these "tags" are
often oversimplifications, since most artists seem to actually cross boundaries
and opt for oblique approaches - see for example Anofele (who also collaborate
with Car), Alessandro Fogar and Nimh (alias Giuseppe Verticchio, main
responsible for Oltre il Suono, here offering a mix of live sounds from the
streets of Teheran and abrasive analogue synth patterns). Throughout the whole
compilations, emphasis is focused on pure sound experimentation, with almost no
melody at all, except for a really brief hint at the end of Regivar's
"Visioni" and the more "humane" approach of Ku - so expect
gloomy atmospheres and often alien, disquieting sounds. A must if you're even
remotely interested in deep listenings and aural experimentation, and a healthy
portrait of Italian underground… Check this out and visit the site, where you
can find lots of info about the artists, with sound clips provided. I hope a
second volume of the cd will be compiled soon.
(Eugenio Maggi - Chain DLK)
Veneziani Paolo: The Puddle EP (1996)
[ paoloveneziani@ogredung.org ] [ http://www.paoloveneziani.net ]
Un buon CD-R, che dimostra come già
nel 1996 Paolo Veneziani fosse in grado di manipolare con grande capacità e
disinvoltura suoni e apparecchiature elettroniche... Circa 27 minuti di musica,
suddivisa in 4 brani, ognuno dei quali contribuisce in modo esemplare a fare di
questo CD-R un’ opera di grande interesse, sicuramente consigliato a
chiunque... Apre “Sinusoidal
Meditation”, una perfetta miscela di
tappeti e suoni elettronici, rumorismi, efficaci parti ritmiche, effetti
vocali... Nove minuti di musica davvero ben costruita, coinvolgente e dal
grande impatto emotivo. Segue “Encode e Decode”, con nuove parti ritmiche ben
miscelate ad elementi melodici molto evocativi, talvolta “disturbati” da improvvisi rallentamenti del tempo e leggere
dissonanze... Quindi 8 minuti di
“meditazione elettronica” con “Hypnotic Pleasure”, costituito da correnti e
pulsazioni elettriche, sibili e ronzii, “appoggiati” ad uno sfondo
apparentemente statico, ma in realtà in continuo movimento, di drones
carichi di tensione... Chiude il CD-R “The Puddle”, brano nostalgico e
malinconico, dall’impronta “ambient”, ma arricchito di giri di basso e sequenze
di pads dal sapore discretamente melodico. Un brano per sognare, soltanto
chiudendo gli occhi... Un valido lavoro insomma, nel quale la parte più
sensibile ed emotiva del carattere di Paolo ancora contendeva spazio al suo
innato (e nei CD-R che seguiranno decisamente prevalente...) desiderio di
sperimentazione. Musica in grado di parlare al cuore e all’anima, senza
sacrificare nulla in nome della pura ricerca sperimentale...
(Giuseppe
Verticchio)
Imagine being at home,
watching tv at late night, surfing through unbelievable things just to be
entertained to oblivion. Then, between a diamond sale and some animal
documentary from the seventies, you stumble upon some hong kong thing ; you
know the deal ; flying invisible ninjas and people screaming out their kyai,
roofs falling down. If a music is to be heard at some point, it's exactly the
one that is to be heard on this disc - only through today sound and computers.
I hope Paolo would forgive me for writing this, but that's exactly the
impression that me and Laura got by listening to this, over lunch - that means,
almost ambient textures with an overall oriental feeling, scattered beats and
trademark bursts, so that we wished to start a coreography fight with our dogs
:-) That means : ideal to be listened at sunset, preferably looking at a
red-lit sky ( and you could also lie down, and imagine Van Damme doing his kata
against the thailand dusk :-) , and another brick in Veneziani's history.
(P. Ippoliti)
Veneziani Paolo: The First Floor (CD-R 1997 - Autoproduzione)
[ paoloveneziani@ogredung.org ] [ http://www.paoloveneziani.net ]
Quasi quarantacinque minuti di musica
suddivisa in sei brani, per uno dei CD-R di durata più "generosa"
realizzati da Paolo Veneziani... Un
CD-R che considero senza dubbio uno dei
più rappresentativi della sua intera produzione, oltre che un ottimo
lavoro in assoluto... Un' opera che
include in sè tutti i diversi aspetti della musica di Paolo Veneziani, riuniti
in modo efficace, ed in grado di regalare forti emozioni... Si passa infatti dai rumorismi, disturbi, e
dalle sonorità acide, aggressive e taglienti di "Pulse" (efficace
brano introduttivo...) e "Perpetual Green", alle indescrivibili
quanto affascinanti atmosfere crepuscolari e vagamente melodiche di "The
First Floor", dagli avvincenti movimenti ritmici ed evocativi dal sapore
vagamente industriale di "With Silent Gravity", poggiati su sfondi di
pads e suoni elettronici, al crescendo drammatico, dall'incedere un po'
"epico" ma intenzionalmente "disturbato" da interferenze
elettroniche di "Before the Flood", per concludere con la splendida
"Violet", in bilico tra fragili melodie, influenze ambient, rumori di
sfondo, e inserti di aggressivi suoni elettronici che a tratti emergono e si
dissolvono creando un'atmosfera tanto suggestiva quanto tesa ed inquietante. Se desiderate possedere
un CD-R di Paolo Veneziani che rappresenti in modo abbastanza significativo i
diversi aspetti della musica di questo autore, che sia di durata
sufficientemente "appagante", e che sia anche e soprattutto un bel
disco da ascoltare, "The First Floor" è sicuramente il disco che fa
per voi…
(Giuseppe Verticchio)
It sounds like a modem in
love. Regressing back into Veneziani's history, we stop between 1996 and 1997,
and find this beautiful disc : pop harshness, warm basses, organ ghosts and
ambient washes and a listening that goes straight from headphones to the heart
; maybe it's today, maybe it's the period, but i'm finding this almost over
enjoyable ! I keep thinking to how very amazingly nowadays this sounds : and
delicate, despite the contained fierceness of some sounds, that are accurately
kept in line, and almost stroked on their back to be tamed. This is how pop
music would sound , somewhere between the clear bright sky outside the window
at the moment and the skyscraped, flying machines future i dreamed about
reading science fiction when i was a child. stylish colour cover as well, very
clean.
(P. Ippoliti)
Veneziani Paolo/Malvezzi Marco: Comini Session (CD-R 1998 - Autoproduzione)
[ paoloveneziani@ogredung.org ] [ http://www.paoloveneziani.net ]
Un unico brano, una lunga suite di 25
minuti registrata in diretta senza alcuna successiva rielaborazione, che vede Paolo Veneziani al sintetizzatore e
alla generazione di altri effetti sonori, accompagnato al basso elettrico
(evidentemente processato...) da Marco Malvezzi. Quest’ultimo fornisce in
sostanza una specie di substrato, costituito da sequenze di note molto discrete
ed eteree, qualche fragile accordo, brevissimi istanti che suggeriscono
immaginarie melodie mai portate a compimento, che sprofondano immediatamente
nel silenzio, nel giro di pochi istanti, con la stessa velocità con cui sono
emerse, senza prendere mai una forma precisa, senza invadere mai pesantemente
il paesaggio sonoro... Su questo substrato Paolo Veneziani inserisce, quasi
ininterrottamente, interventi spiccatamente elettronici dai suoni quasi sempre
molto decisi, a tratti graffianti, acidi, anch'essi apparentemente privi di una
direzione precisa, intenzionalmente applicati
senza la ricerca di un determinato "percorso", di una "regia" sonora, di una
evoluzione mirata al raggiungimento di un obiettivo "premeditato", di
un punto fermo. Se tutto ciò può lasciare disorientato chi si avvicini
all'ascolto di questo lavoro sperando di trovare una composizione un po'
"strutturata", che abbia un "decorso" evolutivo preciso e
in sostanza di tipo più "tradizionale", è invece possibile godere di quasi mezz'ora di buon ascolto
lasciandosi semplicemente andare, abbandonandosi in modo più "passivo"
ai suoni che provengono dai diffusori, senza ricercare per forza una struttura,
dei punti fermi, dei momenti palesemente "riconoscibili"... Un opera
in bilico tra ambient, elettronica, sperimentazione, improvvisazione, noise...
Di difficile classificazione e consigliata soprattutto ad ascoltatori di musica
"di confine"...
(Giuseppe Verticchio)
This is a short live
session dating back to 1998, Veneziani engaged into his electronics and
Malvezzi on bass guitar. Paolo's trademark chaotic eruptions, in this occasion,
are held back, and a quiet, phasing in and out droning sews a perfect carpet
for some mild cosmic wailing. Sounds like very early AAL, if only Davide ever
had somebody playing over his delicate, warm waves. I like this, really. And i
think you will, too : the excerpt wouldn't pay it what's due, as this is to be
listened in its entirety, but, hey, give it a try ... stylish colour cover,
very effective.
(P. Ippoliti)
Veneziani Paolo: Alphabet (CD 1998 - PLV)
[ paoloveneziani@ogredung.org ] [ http://www.paoloveneziani.net ]
Un CD ufficiale autoprodotto stampato
in 500 copie, di quasi venti minuti di durata, suddiviso in tre brani. “Alphabet” apre con rumorismi spinti
elettrici ed elettronici, acidi e graffianti, frenetici, che sembrano
prescindere dalla ricerca di una direzione precisa... Segue “Inside the Edge”, sicuramente la parte più riuscita del
CD, un brano nel quale Paolo sembra invece muoversi alla ricerca del tempo e
dello spazio… Suoni discreti e dilatati, pochi elementi sonori che in un
contesto musicale molto prossimo al silenzio creano accenni di suggestive e
coinvolgenti atmosfere. Peccato la durata sia così breve... Un’ idea sviluppata
e chiusa in soli cinque minuti, che avrebbe invece potuto essere approfondita
ed estesa lungo un arco temporale molto più ampio... Quindi “Perpetual Green”, ancora disturbi elettronici incalzanti,
quasi violenti, questa volta appoggiati su uno sfondo di pads dal suono morbido
che a tratti sembra restituire un vago senso di evoluzione progressiva al brano
stesso. Ma anche qui il rumorismo
prevalente non trova una direzione precisa, se non nel momento in cui
retrocede, lasciando spazio agli ultimi tre minuti di cullanti onde statiche a
base di pads, che sembrano voler descrivere la ben nota quiete dopo la
tempesta… Un CD che esprime la forte
propensione alla ricerca di Paolo
Venziani, in bilico tra influenze rumoristiche e quiete statica, che vede il
meglio di sé soprattutto laddove questa ultima tendenza riesce a prevalere sul
resto…
(Giuseppe Verticchio)
This is a short work that ,
besides being deeply rooted in digital electronics, hinted, at least in my
mind, at old italian progressive rock from the seventies. Not that you would
recognize a direct Balletto di Bronzo or Pholas Dactylus influence in here, but
some of the characteristic quirks of the aforementioned seems to be there -
only through a wormhole, through some malfunctioning or misintepretation of
sort. Maybe it's the shattered guitar-tinged crystals and very submerged organ
tones of the title track, maybe it's me. Rest of the disc evolves in the
typical Veneziani's approach of adding a little chaos to another - all very
powerful and yes, noisy. Strange, strange thing.
(P. Ippoliti)
Veneziani Paolo: Lambda Suite (CD-R 2000 - Autoproduzione)
[ paoloveneziani@ogredung.org ] [ http://www.paoloveneziani.net ]
Un unico brano di mezz’ora, un
interessante “film sonoro” di fantascienza, con un “regista” che alterna quiete
riprese effettuate in volo dall’ oblò di una navicella spaziale (le parti più
statiche e sognanti...) a claustrofobiche immagini di equipaggi alla deriva,
alle prese con macchinari malfunzionanti e minacciose piogge di asteroidi (le
parti più “rumorose” e sature di
interventi dalle sonorità più elettroniche e “fantascientifiche”)... Questo lo
scenario evocato da questo affascinante CD-R, almeno per quanto riguarda la mia
personalissima esperienza d’ascolto... Belli i passggi sonori, i cambi
d’atmosfera, e molti sono i momenti di buon ascolto... Particolarmente intensi
e ben riusciti gli ultimi minuti di chiusura del CD-R... Avrei forse soltanto preferito un uso un po’
più misurato e discreto di alcuni interventi elettronici spiccatamente “ad
effetto”, spesso elaborati attraverso un eco un po’ troppo “rimbalzante”, e a
tratti un po’ invadenti... Ma qui entriamo troppo nel dettaglio, nonchè anche
nel campo dei gusti personali e strettamente soggettivi, quindi mi fermo e
concludo dicendo: un buon CD-R, forse con qualche “effetto speciale”
di troppo, che comunque vale davvero la pena di ascoltare!
(Giuseppe Verticchio)
A single, medium duration
track, that shows but one aspect of Paolo's personal research. Eno comes to
mind, but so does some laptop crooners: high tones, at times piercing, sampled
dolphins and whales, plenty of delay, something that sounds like a guitar
occasionally emerging. And if you think you got the picture from this words -
well, it's not all that there is here. About halfway through it, it suddenly
gets gentler, caressing, with warm, delicate organ-like tones, very evocative
and a bit unexpected, a slow, invisible crescendo that gets eventually
submerged in chaos once again, progressively, by means of simulated explosions,
granularized stretching electrons, delayed things playing on dying battery .
Interesting listening.
(P. Ippoliti)
Veneziani
Paolo: Loop, are you Circular? (CD-R 2002
- Autoproduzione)
[ paoloveneziani@ogredung.org ] [ http://www.paoloveneziani.net ]
Questa volta Paolo si muove su
territori musicali rischiosi, e il risultato è che questo lavoro stenta a decollare, rimanendo un po’ prigioniero
dei propri suoni e dello stesso approccio compositivo che lo ha
generato... Ascoltando questo CD-R, 34
minuti circa, ho avuto la conferma
delle mie precedenti impressioni, e cioè che Paolo riesce a dare il meglio di
sè soprattutto nelle parti in cui si dedica alla creazione di atmosfere e
paesaggi sonori più dilatati (terreni e ultraterreni, così come è emerso anche
in lavori come “Lambda Suite”...), piuttosto che lavorando su costruzioni
ritmiche o adoperandosi nell’assemblaggio di rumorismi elettrici ed elettronici
“ad effetto”. E’ ormai divenuto sempre
più difficile “scovare” sonorità davvero in grado di sorprenderci, e questo
vale ancora di più vivendo in un’epoca storica in cui l’effetto sonoro più
“speciale” che sia possibile percepire dall’orecchio umano è quello del
silenzio assoluto... Non voglio con
questo suggerire a Paolo di registare in futuro CD-R di silenzio assoluto (per
esperimenti di questo genere o comunque analoghi abbiamo già personaggi come
Jliat...) ma soltanto di trovare la sua prossima fonte di ispirazione in
sorgenti sonore e approcci compositivi che siano estranei a soluzioni che
trovino nell’impatto a tutti i costi e nella massa sonora elettronica più o
meno organizzata i principali ingredienti per la realizzazione di nuove
composizioni...
(Giuseppe Verticchio)
Eight tracks, revolving
around beats and loops, made with a laptop and way different from what you
would expect from a blatant description as the aforewritten. Certain sharp
percussive tones, that may be already familiar to the listener of some Warp or
early Photek's things, are there, but it's mostly, at least somewhere, as if
Paolo is forcing dub into his mind, attempting to superimpose a structure over
his trademark piercing compositions. Good, disgregated, dancing: ambient
tapestries and idm cavalcades, more like cutting up a remembered record
collection and drawing a complex square structures with the tiny slices. But
hence you start getting used it all changes back. Ideal for a break in those
droning afternoons.
(P. Ippoliti)
Veneziani Paolo: Quadramusic (CD-R 2002 - Autoproduzione)
[ paoloveneziani@ogredung.org ] [ http://www.paoloveneziani.net ]
Nuovo interessante lavoro di Paolo
Veneziani, di breve durata (17:39), suddiviso in tre brani. In "Part
A", stupendo brano introduttivo, Paolo si addentra in territori puramente
"ambient", e lo fa con grande capacità e stile, riuscendo con pochi
suoni essenziali a creare un'atmosfera di grande suggestione. Questo brano
conferma quanto l'autore avrebbe ancora da dire se decidesse, almeno per una
volta, di esplorare in profondità questi territori musicali, lavorando su un'
opera interamente basata su sonorità e atmosfere analoghe, e magari cogliendo
l'occasione per realizzare un CD-R di ampia durata. Un desiderio che ho da
molto tempo, e che spero un giorno di poter vedere realizzato... "Part
B" ripropone soluzioni e sonorità già collaudate e immediatamente
riconoscibili da chi ha bene in mente i precedenti lavori di Paolo Veneziani.
Circa tre minuti di suoni elettronici d'impatto, dinamici, aggressivi,
taglienti, che spezzano bruscamente le atmosfere "quiete" del brano
che li ha preceduti... "Part
C" chiude il lavoro proponendo uno
strano, quanto affascinante connubio tra suoni elettronici piuttosto
"presenti" e posti in primo piano, dietro i quali si muovono lentamente onde di pads dal suono
caldo e morbido, con passaggi discreti e fortemente evocativi. A mano a
mano che il brano procede, i suoni elettronici retrocedono progressivamente,
lasciando l'ultimo minuto in completa balìa dei pads, per alcune manciate di
secondi di affascinanti stasi liquide, dalle quali avrei fortemente desiderato farmi "cullare" per tempi
più dilatati… Una
nuova conferma per Paolo Veneziani, ed un CD-R caldamente consigliato.
(Giuseppe Verticchio)
Veneziani Paolo: Sea
(CD-R 2003 - Autoproduzione)
[ paoloveneziani@ogredung.org ] [ http://www.paoloveneziani.net ]
Nuovo breve CD-R per Paolo Veneziani
(durata totale 17:22), contenente sostanzialmente due versioni diverse del
medesimo brano. Elementi comuni a entrambe le versioni sono uno sfondo di pads
dai suoni tenui, con giri armonici
pacatamente melodici, rumori di distanti ambienze naturali dalle quali emerge a
tratti il suono delle onde del mare, rumorismi ed altri vari suoni di origine
evidentemente elettronica. Nella prima traccia questi ultimi prendono talvolta
il sopravvento, conquistando il ruolo di soggetto nel panorama sonoro,
accentuando l'intenzionale contrasto tra le componenti più quiete e dilatate,
che suggeriscono immagini di paesaggi immobili e crepuscolari, e le componenti
più rumoristiche ed elettroniche, di maggiore impatto e consistente
"presenza", che invece introducono un senso di tensione, ed emozioni di opposta natura. La seconda traccia invece si abbandona senza
indecisioni a sonorità più squisitamente "ambient", trasportando
l'ascoltatore per circa dieci minuti tra atmosfere quasi immobili, prive di
elementi dinamici, particolari colpi di scena, o inserti di elementi sonori che
contrastino con le immagini dei paesaggi evocati, sfruttando una soluzione
abbastanza semplice e una "gamma" abbastanza limitata di suoni, e
dimostrando ancora una volta come sia possibile realizzare buona musica in
grado di trasmettere forti vibrazioni anche senza fare un uso smodato di
sovraincisioni, suoni di particolare impatto o effetti troppo
"speciali"… Entrambe le versioni del brano, "Sea DNTST" e
"Sea AW" si fanno decisamente apprezzare, essendo molto ben
realizzate ed equilibrate, e quindi, pur con il frequente rammarico (parlando
delle produzioni di Paolo Veneziani...) di dover vedere anche questo CD-R
concludersi proprio laddove la musica cominciava a coinvolgermi maggiormente,
iniziando a trasmettermi quell' effetto
di serenità e rilassatezza "benefico-terapeutico" tutto particolare
che spesso l'ascolto di un buon CD riesce a darmi, mi sento comunque di
consigliarvelo senza indecisioni...
(Giuseppe Verticchio)
Veneziani Paolo: 1995-2005 (2 CD-R 2005 - Autoproduzione)
[ paoloveneziani@ogredung.org ] [ http://www.paoloveneziani.net ]
A chiusura di un intero decennio di
attività artistica, Paolo Veneziani ha scelto di proporre un doppio CD-R nel
quale ha raccolto 15 brani, in parte già editi, in parte versioni alternative o
comunque rimasterizzate di brani già pubblicati, e in buona parte brani più o
meno recenti che non erano mai stati inclusi fin ad oggi nelle sue releases
ufficiali. Se, soprattutto negli ultimi anni, avevo trovato un po' troppo
dispersiva e frammentaria l'attività di Paolo Veneziani, soprattutto per il fatto
di aver realizzato tutti lavori di durata molto breve, questa fantastica e
"generosa" raccolta viene ad esaudire finalmente il mio desiderio di
poter fruire di quasi due ore di musica
ininterrotta, splendidamente selezionata tra vecchie e nuove proposte,
in grado di offrire una panoramica davvero completa ed esaustiva
dell'articolato universo musicale di Paolo Veneziani, e di ciò che la sua
musica, in questo ultimo decennio, è stata in grado di offrire in tutte le sue
molteplici e variate sfaccettature... Un' opera ambiziosa e, oserei dire, quasi
"necessaria", per focalizzare al meglio e valorizzare in un'unica
release il lungo cammino musicale percorso dall'artista in un periodo di tempo
tanto lungo. Un artista che sicuramente avrebbe meritato una maggiore
attenzione da parte delle etichette di produzione e degli "addetti ai lavori", tanto è che anche questa
validissima raccolta antologica, che pure avrebbe meritato una pubblicazione ufficiale su CD, è invece
messa a disposizione degli interessati ancora in versione autoprodotta
artigianalmente su CD-R, nonchè in versione MP3 liberamente scaricabile dal
sito Ogredung. Tornando alla musica contenuta in questa doppia release, sarà
possibile riscoprire in essa il Paolo Veneziani più emozionale e in qualche modo
più "melodico" ed evocativo, quello più tecnologico, dinamico,
ritmico e vagamente "technoide", il Paolo Veneziani più estremo,
aspro e rumoristico, quello più "quieto", introspettivo e vicino ai
territori della musica "ambient", nonchè quel Paolo Veneziani, forse
il più frequente a dire il vero, in cui la musica proposta risulta
costantemente contesa tra sonorità "morbide", crepuscolari,
sottilmente melodiche, e improvvise e aggressive scariche elettriche, rumorismi
e sibili elettronici, lasciando prevalere ora la "dolcezza" e
l'aspetto più "umano", la sensibilità interiore dell'artista, ora lo
sfogo in qualche modo più istintivo, in una certa misura più
"violento" e intransigente,
l'aspetto più inquieto e "aspro" della personalità musicale (e forse anche umana...)
dell'artista... In tanti anni mi sembra
di poter davvero dire che Paolo Veneziani sia riuscito a trovare una propria
strada, una propria "impronta" musicale evidentemente riconoscibile,
attingendo a diverse esperienze musicali e facendone propri degli
elementi, riunendoli e combinandoli in
una forma espressiva molto personale, particolare e ricercata, il tutto senza
lasciarsi troppo condizionare dalle "mode" del momento o da fattori
di pura "convenienza"
strategica. Trovo piuttosto inutile, parlando di un'opera di tale spessore e di
interesse davvero "globale", soffermarmi a descrivere o commentare i
singoli brani, ma desidero almeno fare una menzione speciale di alcuni
splendidi inediti, come "IWS", "Twin Lakes", "Pulse
Session (extract)", "Centrifugal Emotions", "Mint" e
"DS Follower" che da soli basterebbero a comprendere a ad apprezzare
le grandi capacità, la versatilità di questo artista, e la qualità della musica
che è stato fino ad ora in grado di concepire e proporre...
(Giuseppe Verticchio)
A series of releases of
untold beauty has seen Paolo Veneziani as a protagonist of deep sound
experimentation and this truth is not to be argued at the present state of
things. This beautiful double-release flows like a river, and the undiscussable
execution of the tracks (some of which are re-mastered) brings a level of
professionality hardly reachable by todays average in electronic music. Fifteen
compositions which sound like joie-de-vivre in its true (though vague) romantic
sound, and that conceal interpretative and audible hints of every kind; from
melancholic suggestions to minimalism, musical caresses which, at parts, touch
upon noises, in an amazing continuum of ten years of music, ten years
which draw an always more
defined framework around
this amazing artist. (www.ogredung.org)
Verticchio Giuseppe: Fragments from the Lost Time (CD-R 1998 - Autoproduzione)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Un CD-R di musica ambient-elettronica
dall’incedere lento, a tratti rituale, costruito con strati sovrapposti di
pads, rumori ambientali, discreti
accenni melodici e alcuni movimenti percussivi.
(Label
Press)
Ritual ambient-electronic music, composed with
layers of pads, environmental noises, discreet melodic moments and some
percussive movements.
(Label Press)
Verticchio Giuseppe: Tjukurpa (CD-R 1999 - Autoproduzione)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Un CD-R interamente incentrato sulla
cultura degli aborigeni australiani, realizzato facendo ampio uso di parti
eseguite al didjeridoo sovrapposte a rumori naturali, trame quiete di pads
elettronici e inserti di canti etnici .
(Label Press)
Un lavoro apprezzabile sia per la
qualità della registrazione, sia per la ricerca di sonorità, che da una parte
propongono il suono del didgeridoo così com'è, e dall'altra strizzano l'occhio
alle atmosfere ambient.
(Ilario Vannucchi - www.didgeridoo.it)
This is a CD-R around the
dreamtime concept, proper to the australian aboriginal cultures (the tjukurpa
of the title stands for that, in fact ). Get in if you are into didjeridoo:
Giuseppe's a skilled pratictioner, and though i'd have appreciated more a bunch
of crude, unmediated recordings of the instrument's playing, this disc goes by
way fascinating, enriched by tribal chants, processed crickets, synthesizer
textures and a bunch of fx's that helps making the whole smoother. If the name
of Steve Roach comes to your mind reading these words, be warned: this is less
produced, less big studio imprinted than the before mentioned, therefore, at
least to my ears, sounds more genuine, authentic, sincere. No loops, no tricks,
just somebody blowing into a big hollow trunk and an old computer tricking
backgrounds into existence while it happens. The jewel case presents a colour
print of a cave painting, perfectly in argument.
(P. Ippoliti)
Verticchio Giuseppe: Resonant Ambiences (CD-R 2000 - Autoproduzione)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Sei brani che contengono tutti quegli
elementi sonori e compositivi che
saranno successivamente rielaborati e ampiamente sviluppati nei lavori che
seguiranno. Parti di impronta prettamente “Ambient”, suoni di strumenti etnici
(didjeridoo, rainstick, click sticks, ocarina, salaw...) voci di monaci, rumori
concreti, pesanti rielaborazioni al
computer di suoni di varia natura,
discreti elementi elettronici e minimali...
(Label
Press)
“This is one of Giuseppe's
earliest works - that i managed to listen to only recently, and that left me
quite pleasantly surprised, as it seems to represent a fundamental knot in his
production, one from which the several paths he took in the future seems to
have originated. Ethnic instruments, electronics, software processing, field
recordings: balanced onto creating some delicate, softly-sweeping tracks of a
serene beauty, that reminded me, all over and curiously enough, of the most
isolationist moments in Aphex Twin's selected ambient works II - wide eyed,
dreamy, simply shifting unperceivably instead of going anywhere in particular.
If you don't know Giuseppe's work you are missing something, and getting this
for a starter might be a remedy. High quality printed full colour sleeve,
revolving around, in text and images, some ancient italian well.”
(P. Ippoliti)
Verticchio Giuseppe: Distant Skylines (CD-R 2001 - Autoproduzione)
[ giuver@yahoo.com ] [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
Distant Skylines è un lavoro superbo. Le principali sorgenti sonore sono
strumenti etnici (soprattutto
percussioni e strumenti a corda thailandesi ) e voci; entrambi talvolta
sono processati e trasformati per via digitale in suoni irriconoscibili e
misteriosi. ’The Market Place’, ’Village Feast’ e ’Children Memories’
condividono una rilevante presenza di
voci che, miscelate con i suoni metallici degli strumenti, e un sottile strato
sotterraneo di rumori concreti (le prime due tracce), formano un vortice che
conduce a una sorta di torpore mentale: registrazioni d’ambiente di voci comuni
e canti sono miscelati e stratificati, messi in loop e processati con
incredibile abilità e cura per il dettaglio, e l’effetto è sbalorditivo. ’Late
Afternoon at Wat Phra Yai’ è un meraviglioso brano vibrante: xilofoni, cembali,
gongs, canti mantrici... la traccia più
eterea dell’intero lavoro. ’Keota’s Song’
è una breve e dolce traccia (poco più di un minuto), con una bambina che
canta una canzone sull’alfabeto con sfondo di windchimes. Verticchio mostra un
eccellente gusto nella composizione - il CD-R riunisce materiale diverso senza
mai perdere la sua coerenza, e le tracce più lunghe (tre di esse sono di circa
13’) non annoiano mai. Inoltre la qualità del suono è estremamente alta, ogni
dettaglio è chiaramente udibile, e non ci sono imprecisioni nel missaggio -
assolutamente professionale anche sotto questo aspetto. Ma probabilmente il
merito principale di questo lavoro è quello di partire da sorgenti etniche,
dando l’idea di una dimensione ‘al di fuori’ senza cadere in esotismi a basso
costo o ingenuità new-age. Questa è
davvero un’esperienza sonora dei sensi e dell’anima...
(Eugenio Maggi - Chain DLK)
“…Il meticoloso lavoro di
riprocessamento delle fonti sorgenti e l'azzeccatissima scelta di montaggio
delle stesse riescono a conferire al tutto un'atmosfera sinistra e malsana,
quasi rituale. L'apparentemente giocoso vociare di un mercatino mandato in loop
inquieta, i suoni creati da strumenti dall'impronunciabile nome e suonati in
una sorta di festa, ci portano lontanissimo dai consueti itinerari turistici e
ad anni luce da Club-Med vari e da visioni di spiagge incantate. Si prosegue
con eteree e ipnotiche linee melodiche
spezzate da percussioni varie, loops vocali carichi di eco, e si
conclude con la bellissima voce di una bambina, che con la sua filastrocca finale
sembra riportarci alla più rassicurante
(?) realtà quotidiana. Per girare il mondo a volte non occorre prendere un
aereo…”
(A. Zanni - Spectrum Webzine)
“Distant Skylines is a
superb work. The main sound sources are ethnic instruments (mostly Thai
percussions and strings) and voices; both are sometimes digitally processed and
transformed into unrecognizable, eerie sounds. ‘The Market-Place’, ‘Village
Feast’ and ‘Children Memories’ share this pervading presence of voices, which,
mixed with the metallic sounds of the instruments, and a thick subterrean layer
of noises (first two tracks), constitute a mind-numbing whirlpool: field
recordings of common voices and chants are mixed into layers, looped and
processed with an incredible ability and care for detail, and the effect is
stunning. ‘Late Afternoon at Wat Phra Yai’ is a beautiful droning piece:
xylophones, cymbals, gongs, mantra-like chants… the most ethereal track of the
work. ‘Keota's Song’ is a short (just a bit more than a minute), sweet track
with a baby singing an alphabet song with background windchimes sounds.
Verticchio shows an excellent taste in composition - the CD-R assembles
different materials but never loses its coherence and the long tracks (3 out of
5 are around 13') are never boring. Moreover, sound quality's extremely high,
every detail is clearly audible and there are no flares in the mix - absolutely
professional also in this aspect. But possibly the main merit of this work is
that it starts with ethnic sources and does give the idea of an ‘outer’
dimension without falling into cheap exotism or new age naiveté. This is, for
real, a sonic experience of the senses and of the soul…”
(Eugenio Maggi - Chain DLK)
Vestigial:
Translucent Communion (CD 2008 - Cold Meat Industry)
[
omni@vestigialaeon.org ]
Splendido
album di debutto per Vestigial, pubblicato da Cold Meat Industry, perfettamente
in sintonia, dal punto di vista della qualità del prodotto e considerando le
sonorità e il genere proposto, con molte altre produzioni della stessa
etichetta, nonchè perfettamente "allineato" con quanto proposto da
tempo in "casa" Cold Meat da vari artisti/progetti di fama
internazionale quali Desiderii Marginis, Raison D'Etre, Sephirot, Nordvargr...
Evidentemente parliamo di musica dark-ambient di straordinario livello, che
unisce a sonorità di base oscure e drone-based, elementi di maggiore impatto,
drammaticità e variabilità, quali parti percussive profonde e riverberate,
sfuggenti e "contenuti" passaggi melodici, alcuni elementi di matrice
più elettronica, voci umane distanti, inquietanti e pesantemente effettate...
La qualità del suono, forse grazie anche al contributo di Peter Andersson che
ha curato la realizzazione del master finale, appare assolutamente superiore,
per ricchezza di dettagli, nitidezza, profondità, dinamica; ma evidentemente il
meticoloso lavoro di composizione, registrazione, trattamento, assemblaggio e
missaggio delle singole parti di ogni brano è merito del solo Vestigial, che a
encomiabili capacità tecniche unisce anche una non comune sensibilità per
quanto riguarda la capacità di sviluppare le idee, scegliere suoni particolari
e interessanti, abbinarli in modo assolutamente equilibrato ed efficace. Non mi
soffermo a commentare le singole tracce giacchè mi riesce difficile esprimere
preferenze specifiche, e giacchè tutta la musica scorre in modo perfettamente
fluido e coeso dall'inizio alla fine senza particolari "sorprese", ma
concludo suggerendovi vivamente di acquistare questo CD, preferendolo
senz'altro rispetto a tante altre produzioni circolanti di musica dark-ambient
di impronta molto più anonima e qualità artistica e tecnica notevolmente
inferiore...
(Giuseppe Verticchio)
Vipcancro:
Tropico (CD 2010 –
Lisca Records)
[
http://www.liscarecords.com ]
Recupero
fuori tempo massimo un CD che imperdonabilmente ho lasciato “giacere” nel
dimenticatoio davvero per troppo tempo, scusandomi sinceramente con chi, dopo
avermi inviato il presente “Tropico”, non ha avuto (se memoria non mi inganna)
alcuna risposta da parte mia… Talvolta si fanno errori di valutazione.. magari
un CD arriva sfortunatamente in un periodo “sbagliato”, e un ascolto un po’
poco “concentrato” può restituire un’impressione fuorviante. Così si può
commettere l’errore di sottovalutarlo, e dimenticarlo sugli scaffali per lungo
tempo fino al giorno in cui, quasi per caso, si nota il dorsetto di quel CD di
cui si è persa memoria, lo si inserisce nel lettore con curiosità, e ci si
rende conto dell’imperdonabile errore. Cerco quindi di “riparare” ora,
recensendo finalmente questo “Tropico” dei VipCancro, una formazione che vede
Andrea Borghi al basso, Filippo Ciavoli Cortelli alla manipolazioni di nastri e
percussioni, Alberto Picchi alle “macchine”
elettroniche, e Nicola Quiriconi alla voce. Sei tracce di sperimentazioni
sonore oscure e profonde, “vibranti”, inquietanti e cariche di tensione,
costruite con lente e progressive stratificazioni di sprofondati drones, suoni
elettrici, feedbacks e sibili elettronici, infiniti delay; arricchite di
suggestivi campioni vocali pesantemente trattati, ronziìi, aggressioni di suoni
metallici più aspri e sferraglianti, pulsazioni, indefinite masse sonore in
progressivo accumulo e in continua, organica
metamorfosi; talora forgiate in forma più “quieta”, silenziosa e
quasi-ambientale, pur trattandosi in ogni caso di un silenzio “inquieto”,
“pesante”, perennemente carico di un senso di angoscia e rassegnata
disperazione. Monolitico e perennemente cangiante al tempo stesso, articolato e
vario nelle sonorità, ma al tempo stesso perfettamente omogeneo ed uniforme
nella forma e nella sostanza, davvero mi riesce inspiegabile comprendere come
possa essermi “sfuggito”, più di un anno fa, il valore di questo CD, che per
qualità tecnica e “spessore” artistico si attesta decisamente molto al di sopra
della media delle produzioni che ho avuto modo di ascoltare negli ultimi anni.
Spero soltanto che gli autori possano perdonarmi questa incredibile “svista”…
(Giuseppe
Verticchio)
Tuscan improvising
quartet VipCancro are an intriguing new prospect who produce, on this their
third album, a scything cacophony of abrasive drones, gurgling atmospherics and
squealing distractions. Making nice use of the sounds they have available to
them the four players have produced a deeply unsettling body of work with a
delightfully cloying and claustrophobic post-industrial ambience.
There's a commonality of
sound and feel to the 6 tracks that make up this album but at no point do you
get the feel that they are short of ideas or flailing. The music is tightly
controlled and very nicely paced. It's isn't going to set the world on fire
with it's innovations or it's deviations but it's a solid piece of work that
I've returned to several times over the last week.
(Ian
Holloway - Wonderful Wooden Reasons)
Vipcancro:
Gamma (LP 2013
– Lisca Records)
[ http://www.liscarecords.com
]
Ricordo di
aver recensito il precedente album “Tropico” di Vipcancro fuori tempo massimo,
avendolo casualmente recuperato dai miei scaffali molto tempo dopo il primo
ascolto, fatto probabilmente in un momento “sbagliato” tanto da non essere
riuscito, nell’immediatezza, ad apprezzarlo sufficientemente da decidere di
farne una recensione. Un errore, giacché riascoltando quel CD molto tempo dopo
mi resi conto del suo effettivo valore e della mia imperdonabile “svista” (per
così dire…) iniziale. E’ anche per riparare a questo mio passato “peccato di
superficialità” che ho scelto di fare un’eccezione e recensire il presente
“Gamma” appena uscito per Lisca Records su vinile, tipo di formato che per
precisa scelta non viene normalmente recensito su “Oltre il Suono”, data la
scarsa qualità tecnica e sonora di questo tipo di supporto dovuta
principalmente alla enorme quanto indesiderata quantità di arbitrarie e
randomiche “informazioni sonore” in forma di disturbanti scricchiolìì,
crepitìì, “tic” e “toc” più o meno evidenti che inevitabilmente il vinile va ad
aggiungere al contenuto sonoro, alterando di fatto la musica rispetto a quanto
originariamente concepito e “fissato” dall’artista nel master digitale
originale. Una buona occasione comunque per “riattivare” (cinghia permettendo…)
il mio “mitico” ma ormai quasi “pensionato” Thorens TD 316, equipaggiato di
braccio Mission 774 e ancora ben funzionante testina Stanton 681eee MKII-S… Le
sei tracce contenute nel vinile, alloggiato in una ricca e curata confezione,
all’ascolto sembrerebbero essere registrazioni di performances in presa
diretta, fatto salvo un possibile successivo minimo intervento di re-editing e
mastering digitale. Le sonorità e le atmosfere sono prevalentemente statiche,
oscure e “drone oriented”, cupe, nebbiose; a tratti sconcertanti ed
enigmatiche, come le grafiche che accompagnano il vinile, che (almeno nella mia
versione Black/Silver, una tra le quattro versioni disponibili…) sembrano
soltanto “suggerire” accenni di “soggetti”… presenze umane, immerse in un buio
quasi impenetrabile, avulse da qualsiasi decifrabile contesto… I suoni sono
sempre ben “legati”, miscelati e controllati, e le dinamiche delle tracce, per
quanto lente e progressive, non mancano di sorprendere e coinvolgere, grazie ad
un “sobrio” e sapiente utilizzo degli strumenti, che siano percussioni o nastri
(Flippo Ciavoli), macchinari elettronici (Alberto Picchi), basso (Andrea
Borghi) o più “semplicemente” voce umana (Nicola Quiriconi). Perfettamente
uniforme dal punto di vista stilistico, omogeneo e privo di “spigolosità” per
quanto riguarda le sonorità adottate, “Gamma” conferma la validità del progetto
Vipcancro, e prosegue senza sostanziali “cambiamenti di rotta” il percorso
intrapreso nel già citato e recensito “Tropico”. Avrei soltanto preferito una
nuova pubblicazione su più pratico, “fedele”, e meno “disturbato” supporto CD,
per poter godere al meglio e senza “scricchiolanti distrazioni” le profonde,
tese e avvolgenti trame sonore egregiamente costruite dai quattro artefici del
presente album, comunque più che consigliato a chi ancora acquisti vinili e sia
equipaggiato di un sufficientemente valido impianto di riproduzione per gli
stessi.
(Giuseppe Verticchio)
We
Promise to Betray: Nothing is as It Seems (CD 2017 –
Oltrelanebbiailmare)
[
http://www.oltreilsuono.com/nimh ]
E’ uscito
da poco “Nothing is as It Seems”, debut album di un duo i cui componenti
tuttavia non sono propriamente dei novellini: di Giuseppe Verticchio, infatti,
alcuni ricorderanno almeno un paio dei suoi progetti, Nimh e Twist of Fate, e
conosceranno il suo impegno nell’elettronica e nella sperimentazione di suoni
etnici o legati alla musica orientale, mentre di Davide Del Col abbiamo già
parlato qui a proposito dei suoi lavori come Antikatechon, “I Feel Nothing but
Repulsion” e “Woe Is the Reward”.
Dalla loro
collaborazione è dunque nato We Promise to Betray, progetto che mette insieme
l’esperienza dei due spostandosi però verso ‘lidi’ più vicini al post-rock, con
sonorità tipicamente atmosferiche e paesaggi non troppo cupi, bensì piuttosto
adatti alla meditazione e all’analisi interiore.
Il lavoro
contiene soltanto quattro brani, ma ciascuno ha una durata considerevole.
Prendiamo,
per esempio, la prima traccia, “The Illusion of Certainty”, lunga circa un
quarto d’ora: il mood è sognante nelle prime note, con una tessitura sonora dai
colori ‘pastello’ che ‘cresce’ in consistenza e ricchezza con il fluire del
brano, aprendo immagini di ampiezza ‘cosmica’; dopo i primi cinque minuti intervengono
gradualmente altri suoni ed una blanda ritmica che spostano quella linearità in
nuove, molteplici direzioni, ove emergono anche confuse parvenze di voci, fino
alla pacata conclusione acustica.”The Certainty of Illusion”, la seconda
traccia, esordisce a tinte più oscure che, forse, sanno di solitudine, ma
presto si aprono orizzonti vasti con il miraggio di un vuoto universo nel quale
un’anima può ritrovarsi a fluttuare: ma è l’introduzione degli altri strumenti
e della ritmica, secondo uno schema che sembra abituale, che impedisce a
quell’anima vagante di perdersi. Poi, la title track si abbandona a visioni
rasserenanti e distensive, tratteggiate da chitarra e basso in delicata
armonia, e, infine, “We Promise to Betray” conclude in estatica e trasognata
contemplazione uno di quei dischi dei quali – ammettiamolo! – ogni tanto si ha
davvero bisogno.
(Mrs. Lovett - Ver Sacrum)
During
the last years Italian based sound artists Giuseppe Verticchio (Nimh) and
Davide del Col (Antikatechon) worked actively in collaboration and offered to
the audience several releases whose musical spectrum covers sonic soundscapes
and droning post-industrialism. Most of their mutual efforts to date can be
found in Rage in Eden online catalogue. With this new chapter the two protagonists
decide to slightly turn the back to their usual dark ambient / dark music
banner to embrace new compositional / stylistic paths. To give a concrete
identity to their new explorations and to handle this challenge they decided
first to progress under the moniker of « We promise to betray » This first opus
is welcomed by the sublabel oltrelanebbiailmare driven by the key Italian
editor Silentes (notably responsible of releases from Nimh, Maurizio Bianchi,
Rod Modell…), headed by Stefano gentile since 2004. For information,
oltrelanebbiailmare is also behind the publication of Twist of Fate (side
project of Giuseppe Verticchio) second full length release. Consequently this
new edition sounds more like a family album and won’t disappoint listeners already
in touch with Silentes massive production in the field of post-industrial music
and other demanding alternative music genres. I was very curious to discover
this new musical adventure and see if the result sounds quite close to the
Antikatechon & Nimh partnership I have kept in mind.
‘Nothing
is at it seems’ appears to operate an almost radical changing dynamic, defining
a new aesthetic, resolutely surfing on the wave of noise pop articulated with
consentual shoegazing atmospheric interludes. The two musicians draw melodious
textures, adopting a sounding schema in touch with dreamy, peaceful and
beatific qualities. We can notice the use of important fuzzed-guitar tricks,
delays and echoing sequences sometimes punctuated by more spontaneous and even
bucolic acoustic lines. The result is beautifully vaporous, intimate, playing
the card of evocativeness around existential concerns and sentimental escapism.
This first album is at the frontier of the ethereal / trip rock subgenre and
noisy minimalist ambient (Somewhere between My Bloody Valentine, Tim Hecker,
Fripp & Eno, Godspeed you black emperor). A musical excursion which does
not lack of charm. If you like introspective music with abrasive emotional
guitars and discreet aerial touches no doubt this album will seduce you.
(Philippe Blache - Mithra Templezine)
Nothing is
as It Seems è un’altra collaborazione tra Verticchio (Nimh) e Del Col
(Antikatechon), che in questi ultimi anni hanno messo sovente insieme le loro
forze. La novità più visibile è che We Promise To Betray esplora zone se non
più luminose, di sicuro all’aria aperta (a voler essere precisi, considerando
Twist Of Fate di Verticchio, la novità non è assoluta). Niente più Secoli Bui o
catacombe, insomma, piuttosto qualcosa di contemplativo che a livello di stato
d’animo sta tra la serenità e la malinconia.
La
struttura dei quattro brani di Nothing is as It Seems è semplice: prima parte
ambient, quasi quell’ambient/shoegaze che va tanto in questi anni, seconda
parte con assetto basso-chitarra-batteria, suonati secondo uno schema molto
minimalista e reiterativo che talvolta fa pensare alla psichedelia, anche se
nell’ultimo episodio la delicatezza della chitarra acustica crea sfumature più
folk, cosa che non fa che ingentilire ancora di più il disco nel suo insieme.
Giuseppe e
Davide, assieme, hanno sempre fatto cose egregie, ma sempre molto cupe, molto
noiseggianti. È apprezzabile che, coi loro tempi, che prescindono – come già
scritto più volte – da qualsiasi calcolo o da qualsiasi esigenza “commerciale”,
abbiano provato a esprimersi in modo differente. Ora aspetto il secondo album
per vedere se sapranno espandere e sviluppare quanto fatto qui.
(Fabrizio Garau - The New Noise)
Where:
Wererat (CD 2006
- Eibon)
[
sobolkho@yahoo.it ]
Anno 1954.
La piccola isola di Engebi, parte di un arcipelago nell'oceano Pacifico,
sottratta dagli americani ai giapponesi durante la seconda guerra mondiale,
viene fatta evacuare per installarvi un poligono di tiro, e nei 4 anni
successivi contro di essa vengono fatte esplodere 14 bombe atomiche e una bomba
termonucleare. Terminati gli esperimenti, e passato ancora un periodo di 4
anni, ciò che gli scienziati americani trovarono sull'isola, sbarcandovi
protetti da pesanti tute protettive antiradiazioni, fu uno spettacolo desolante...
Vegetazione completamente distrutta, terreno vetrificato, tutte le specie
animali sterminate... Tutte tranne una, i topi, che inspiegabilmente avevano
continuato a crescere e proliferare vigorosamente e in buona salute, nonostante
la totale assenza di cibo, gli tsunami che seguirono alle esplosioni,
l'occlusione a causa della pressione di ogni possibile tana o cunicolo in cui
avrebbero potuto rifugiarsi, nonchè le incredibili temperature, milioni di
gradi celsius, raggiunti durante le esplosioni termonucleari. Intorno al
mistero di questo fatto realmente accaduto, e per estensione sul tema
dell'estrema vitalità e adattabilità dei topi, Zairo costruisce un
"concept" fondato sull'idea che l'umanità abbia involontariamente
creato una nuova creatura dalle risorse inimmaginabili, resistente ad ogni
veleno e adattato a cibarsi di qualsiasi cosa, nato come prodotto dei più oscuri e inquietanti aspetti della
natura umana: il Wererat. Come l'impostazione tematica può far facilmente
presagire, le sonorità di questo lavoro sono ovviamente estremamente oscure e
profonde, tese e grondanti angoscia e disperazione... Fondi di drones a
bassissima frequenza, momenti di suoni abrasivi, inquietanti versi sub-umani e sub-animali, e poi viaggi
allucinati attraverso oscuri, interminabili, stretti, angusti, umidi e muffi
tunnel sotterranei, tra lontani gorgoglii e stillicidi di gocce in pozze
d'acqua e fango; proprio in quei luoghi in cui Zairo, che come specificato tra
le note di copertina è un disinfestatore, vive tra gli Wererat, inseguendoli e
cacciandoli nel loro habitat. Un CD sicuramente consigliato... a chi non ha
paura del buio, nè dei topi...
(Giuseppe Verticchio)
Zbeen:
Stasis (CD 2012 –
Entr’acte/Ripples)
[
http://zbeen.wordpress.com ]
“Stasis” è
il primo CD “stampato” pubblicato da Zbeen, progetto condiviso di Gianluca
Favaron ed Ennio Mazzon, che segue il già promettente “K-Frame”, un EP in CD-R
rilasciato dalla Ripples. Chi già conosce Gianluca Favaron, e in particolare
l’altro suo progetto Under the Snow condiviso con Stefano Gentile, troverà nel
presente “Stasis” molti elementi in comune, seppure la differenza sostanziale
tra i due progetti è data dalla scelta assoluta e incondizionata di utilizzare
esclusivamente suoni di origine elettronica e digitale (salvo qualche rara
eccezione…), ambito in cui evidentemente anche Ennio Mazzon si trova
perfettamente a suo agio. Le progressioni sono sempre lente, “discrete”, con
qualche momento di maggiore “enfasi”
costruita attraverso “accumuli” di maggiori quantità di “strati sonori”
in forma di “crescendo”… Il suono è
sempre e comunque evidentemente freddo, sintetico, perennemente
“scricchiolante”, seppure fondi sonori basati su frequenze basse attenuano
spesso le “spigolosità elettroniche” restituendo un più “caldo” ed emotivamente
“avvolgente” risultato sonoro… La melodia in senso stretto è pressochè del
tutto assente, seppure alcuni brevi, accennati, quasi “subliminali” suoni d’impronta più vagamente “musicale”
arricchiscono qua e là le glaciali trame sonore… “Stasis” è un album che sicuramente potrà apparire un po’ “ostico”
a chi ricerchi emozioni “forti” e contenuti sonori d’impronta più “drammatica”
e “toccanti” dal punto di vista prettamente emotivo; ma riuscirà invece ad
essere sicuramente apprezzato da chi abbia maggiore “dimestichezza” con
sonorità più estreme prettamente elettroniche e digitali, grazie anche ad una
forma compositiva ben “ponderata” e finemente articolata che, unitamente ad una
buona qualità tecnica del suono, rende comunque estremamente “fruibile” e di
piacevole ascolto l’intero CD.
(Giuseppe Verticchio)
“Stasis”
is a human/digital hybrid. Here the sound appears to be rather dark. Melody
appears throughout these enigmatic pieces. Tiny snippets of humanity burst form
from the calm. Large periods of calm are broken up by these few events. At
times it appears reminiscent of something approximating field recordings.
Clearly elements of a natural world can be heard coming from far away. Yet the
focus is on the human aspect of things from a digital perspective. In other
words there is a great deal of distance Zbeen puts between the sound and the
natural environment. Neither one is entirely comfortable in the situation. And
the sudden impulses are reminders of this tension-fueled sound. Zbeen begins
with a wistful melody. “Skyr Stillheten” hovers around. The sound is metallic.
At first it resembles a drill. Eventually Zbeen takes this noise and transforms
it into an almost extended-carousel tune. In spite of the obvious intense
exploration of sound there is playfulness behind it. It is perhaps the closest
one can get to a digitally realized inner child. From there Zbeen transforms
into ghostly broadcasts. Radio pieces break through the crystal clear surface.
Elements of real life break through. Water or an approximation of water weaves
its way through. Towards the end it gets particularly harsh in nature. For the
closer “Flytende Stillheten” things are much more concentrated. Unlike the
opener there is little illusion of a natural world. Rather a take on ONYKO is
explored. Behind the harsh tone are atmospheric noises keeping the environment
surprising active. While less immediately understood than the first track upon
repeated listens it begins to come together. Both pieces require a large degree
of deep listening. Multiple listens can result in greater understanding not
only of the sound but of one’s environment. Stasis teems with life.
(Beach Sloth)
Zbeen:
Eigen (CD 2013 –
Ripples)
[
http://zbeen.wordpress.com ]
A
brevissima distanza temporale dal precedente “Stasis” Gianluca Favaron ed Ennio
Mazzon presentano il loro nuovo nuovo CD “Eigen”, pubblicato anch’esso grazie a
Ripples Recordings. Sostanzialmente invariata la “formula”, una sorta di
freddissima, scricchiolante noise-elettronica minimale-astratta che in questo
caso si spinge ancora di più nella direzione del rumorismo pseudo-caotico e
dell’astrattismo quasi puro, riducendo ad una forma davvero “minima” quella che
potremmo definire la “struttura compositiva” dei vari pezzi. Con questo non
voglio dire che alla base della realizzazione delle tracce non ci sia una
precisa “regia”, ma piuttosto che essa
appare sempre più, “impalpabile”, evanescente, dai contorni quasi
indistinguibili… In questa variegata e talvolta apparentemente informe “massa”
di sibili, disturbi, fruscìi, scricchiolìi, ronzìi, suoni sintetici, pulsazioni
elettroniche, è soltanto verso la metà del quarto brano che, improvvisamente e
inaspettatamente, si fa spazio un’ incredibile cadenza ritmica metallica posta
su un profondo e incisivo drone che, pur “aggredita” nel suo incedere da
“disturbi” e rumorismi di varia natura, si evolve drammatica e imponente,
dipingendo finalmente un possente “quadro” quasi-musicale, non solo regalando,
per tutto il resto del brano, il meglio di quanto sia possibile ascoltare
nell’intero CD, ma marcando più in generale un nuovo potenziale punto di
partenza per quella che potrebbe essere la nuova, ottima ed “energica” musica
del progetto Zbeen se solo i due “artefici” scegliessero in futuro di prediligere
forme e sonorità che, pur partendo dalle medesime “radici”, mirino a perseguire
un più strutturato, coinvolgente, “personale”, riconoscibile ed emotivamente
toccante “obiettivo sonoro”…
(Giuseppe Verticchio)
Zoloft Evra: Negative
Infliction Pleasure (CD
2015 – Naked Lunch Records)
[
https://nakedlunchrecords.bandcamp.com/music ]
Progetto
fondato nel 2014 da ZC (Macelleria Mobile di Mezzanotte) insieme a Blackfrost e
Cold, Zoloft Evra propone, come indicato nelle stesse note di copertina, una
“perverse suicidal drone ambient”
music.
Descrizione
perfettamente calzante, cui aggiungerei quanto meno il termine “black” per
alludere sia alla significativa presenza di suoni di chitarra elettrica
distorta che di voci “infernali” in “classico” stile black metal.
Le
dinamiche e le atmosfere sono però molto più prossime ad una post-ambient drone
music costruita, oltre che con “classici” drones e sintetizzatori, con un uso
intelligente di suoni elettrici e abrasivi; e per quanto il tutto appaia
abbastanza tetro, “pesante”, inquietante, e non certo “di facile ascolto” per
così dire, c’è da dire che il risultato, ad un ascolto attento, non è poi né
così “ostico” né così “estremo come il “concept”, i titoli, le immagini, e
l’impianto grafico potrebbero far presagire.
Siamo
infatti ben lontani da certa musica “rumorosa” e inconsistente, tipo rigurgiti
di pura musica industrial/power electronics fuori tempo massimo (che certo
aveva invece un suo valore, uno suo significato ed una sua valida ragione
d’essere a fine anni ’70 /inizio anni ’80, ai tempi dei primi innovativi e
intransigenti esperimenti in tale direzione di artisti come Maurizio Bianchi o
Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra…), perché qui la scelta dei suoni, la
struttura compositiva delle tracce, e in senso generale la lavorazione del
“materiale sonoro” è tutt’altro che rozza e sommaria, e i brani hanno una loro
“forma” e una pur sepolta “musicalità” assolutamente estranea ai succitati
generi.
Un
particolare plauso a Jacopo Fanò, della giovane ma estremamente attiva label
“Naked Lunch Records” che con coraggio e ambizione ha scelto di pubblicare un
album comunque “difficile” che probabilmente avrebbe avuto difficoltà ad essere
collocato altrove, offrendo tra l’altro una “lussuosa” edizione in formato digipack
a sei pannelli.
(Giuseppe
Verticchio)
The perverse suicidal
dark ambient project Zoloft Evra was founded in 2014 by the will of the main
figure: ZC (Macelleria Mobile di Mezzanotte, Cronaca Nera) with the intention
to create a new musical act focusing on disturbing atmospheric suicidal themes
and visuality.
The project was later on
joined by COLD (Nocturnal Degrade, Scent of Silence, Der Noir) on guitars and
by BLACKFROST (Apolokia, Nordavind, Nostalgya, In Nomine) on vocals.
The music itself reflects
the different personalities and background of the three known extreme artists
involved in Zoloft Evra, each one through their own perceptions and negative
meaning.
(Naked
Lunch Records)