OLTRE IL SUONO

BEYOND THE SOUND

 

Dal 2001 la prima fonte di informazione su internet per la musica ambient-elettronica-sperimentale-etnica-industriale italiana.

Since 2001 the first internet information resource for italian ambient-electronic-experimental-ethnic-industrial music.

 

RECENSIONI IN ARCHIVIO:

REVIEWS IN ARCHIVE:

 

Aethere: Pulvis et umbra sumus... (CD-R 2004)

Aethere: Il giardino epicureo (CD-R 2005) 

Aethere: In coma (CD 2009)

Aglaia: Three organic experiences (CD 2002)

Aglaia: Sacred water (CD 2005)

Airchamber 3: Peripheral (CD 2013)

Aldinucci Giulio: Tarsia (CD 2012)

Alio Die: Sit tibi terra levis / Introspective (CD 1990/1991)

Alio Die: Under an holy ritual (CD 1992)

Alio Die/Ora: The door of possibilities (CD 1993/1994)

Alio Die: Password for entheogenic experience (CD 1997)

Alio Die: Le stanze della trascendenza (CD 1999)

Alio Die: Incantamento (CD 2001)

Alio Die: Leaves net  (CD 2001)

Alio Die: Il tempo magico di Saturnia Pavonia (CD 2003)

Alio Die/Zeit: Sunja (CD-R 2003)

Alio Die: Khen introduce silence (CD-R 2003)

Alio Die/Saffron Wood: The sleep of seeds (CD-R 2003)

Alio Die: Sol Niger (CD-R 2004)

Alio Die/Paladino Francesco: Angel’s fly souvenir (CD 2005)

Alio Die/Durand Werner: Aqua planing (CD 2006)

Alio Die/Festina Lente: Il sogno di un piano veneziano a Parigi (CD 2006)

Alio Die/Daini Luciano: End of an era (CD 2007)

Altieri Corrado/Favaron Gianluca: The system of objects (CD 2013)

Amon/Never Known: Live at  Molto (CD-R 1997)

Amon: Mer (CD-R 2000)

Amon: Foundation (2 CD 2005)

Amon/Nimh: Sator (CD 2007)

Amon: El khela al’akhdar (2 CD 2016)

Antikatechon: Privilegium martyrii (CD 2011)

Antikatechon: Chrisma crucifixorum (CD 2012)

Antikatechon: Woe is the reward (CD 2014)

Antikatechon: I feel nothing but repulsion (CD 2016)

Apart: Across the empty night (CD 2008)

Aqua Dorsa: Cloud lands (CD 2009)

Archetti Luigi: Transient places (CD 2004)

Archetti Luigi: Februar (CD 2005)

Archetti Luigi: Fragments on speed, slowless and tedium (CD 2008)  

Balbo Fausto: Login (CD 2012)  

Balestrazzi Simon: The sky is full of kites (CD 2012)

Becuzzi Gianluca/Orsi Fabio: The stones know everything (CD 2007)

Becuzzi Gianluca: (B)Haunted (CD 2014)

Berardi Luigi: Un portatore d’arpa in Cina (CD 2002)

Berardi Luigi: Le arpe eolie di Luigi Berardi - Notte (CD 2002)

Bianchi Maurizio/Iversen Jan-M.: Rekviem MB-JMI (CD 2011)

Biasthon: Litam (CD-R 2001) (G. Verticchio, M. Ramassotto, A. Scerna)

Boccardi Alberto: Alberto Boccardi (CD 2012)

Borga Ascanio: Altered states (CD 2015)

Borga Ascanio: Raw science (CD 2016)

Candor Chasma: Rings (CD 2012)

Coma Divine: # 10110 (CD-R 2003) (Subinterior & Nox)

Coniglio Enrico: Sea cathedrals (CD 2010)

Coniglio Enrico/Under the Snow: Dialogue one (CD 2011)

Crìa Cuervos: Cancroregina (CD-R 2003)

Crìa Cuervos: Leitfossilien (CD-R 2005)

Crìa Cuervos: Des tempes qui se vitrifient ou se marbrent (CD-R 2005)

Cris X/KK Null: Proto planet (CD 2012)

Cris X/Higuchi Keiko: Melt (CD 2014)

Dal Bianco Giuseppe: Senza ritorno (CD 2006)

Dal Bianco Giuseppe: Perpetuo vagare (CD 2010)

Day Before Us/Nimh: Under mornful horizons (CD – 2012)

D-Darkradioinduztrie: Appunti di dolore metropolitani (CD-R 2005)

Eidulon: Idolatriae (CD 2008)

Enten Hitti: La solitudine del sole (CD 2011)

Enten Hitti: Fino alla fine della notte (CD 2015)

Errante Emanuele: Migrations (CD 2006)

Etere-o: Pulviscolo (CD-R 2000)

Favaron Gianluca: Equivalent XI (CD 2014)

Ferraris Andrea ICS/Russell John: After dinner (CD 2014)

Ferroni Andrea: Windproject (CD-R 2003)

Ferroni Andrea: Noises & Voices (CD-R 2004)

Ferroni Andrea/Riccio: Tribal revolution (CD 2005)

Ferroni Andrea: Ritratto (CD-R 2007)

Fhievel: Nuvole (CD-R 2001)

Fhievel: Fluctuazione (CD-R 2002)

Fhievel: Vetri di carta (CD-R 2003)

Fhievel: Le baptême de la solitude (CD-R 2005)

Fhievel/Sigurtà Luca: The wheel (CD 2008)

Five Thousand Spirits: A tapestry for sourcerers (CD 1995) (Alio Die, Raffaele Serra, Runes Order)

Five Thousand Spirits: Quantum consciousness (CD 2006) (Alio Die & Raffaele Serra)

Five Thousand Spirits: Schwarzschild radius (CD 2006) (Alio Die & Raffaele Serra)

Fogar Alessandro: Isole (CD-R 1988)

Fogar Alessandro: Songlines (CD-R 1998)

Fogar Alessandro: The stars circle (CD-R 1999)

Fogar Alessandro: Transmutations (CD-R 2002)

Fogar Alessandro: Prakriti (CD-R 2003)

Fogar Alessandro: Surface studies #1-#2 (CD-R 2005)

Formentini Luca: Subterraneans (CD 2003)

Formentini Luca: Tacet (CD 2007)

Grilli Gianfranco: Il tempio di Karnak (CD 1998)

Grilli Gianfranco: Le colline dei  druidi (CD-R 2001)

Grilli Gianfranco: Come to the light of day! (CD-R 2006)

Hall of Mirrors: Reflections on black (CD 2007) (Amon & Nimh)

Hall of Mirrors: Forgotten realm (CD 2009) (Amon & Nimh)

Hall of Mirrors: Altered nights (2xCD 2012) (Andrea Marutti & Nimh)

Hue: Un'estate senza pioggia (CD 2006)

K11/Petite Philippe: The haunting triptych (CD 2010)

K11: The sacred wood (CD 2010)

Konau: Speech from the shadows (CD 2006) (Subinterior & New Risen Throne)

Laneri Roberto/Ricciardi Claudio: Inside notes (CD 2001)

Lasik Surgery: Cyclo (CD 2010)

Lasik Surgery: As one entity (CD 2011)

Les Jumeaux Discordants: Sang pour sang (CD 2010)

Luminance Ratio: Like little garrisons besieged (CD 2009)

Luminance Ratio: Reverie (LP with free CD inside 2013)

Maggiore Luciano/Brasini Francesco: Chàsm’ Achanès (CD 2011)

Maggiore Luciano/Brasini Francesco: How to increase light in the ear (CD 2012)

Mare di Dirac: Tupilaq (CD 2014)

Maribor: Atrocity exhibition (CD 2009) (Maurizio Bianchi, Mauthausen Orchestra, Nimh, Andrea Marutti, Stefano Gentile) 

Maribor: De Immenso (CD 2011) (Maurizio Bianchi, Mauthausen Orchestra, Nimh, Andrea Marutti, Stefano Gentile, Gianluca Favaron) 

Marutti Andrea: The brutality of misbreathing (CD-R 2007)

Marutti Andrea: The subliminal relations between planets (CD 2008)

Marutti Andrea/Balbo Fausto: Detrimental dialogue (CD 2010)

Mauri Luca: Between love and hate (CD 2008)

Mauri Luca/Giannico Francesco/Uggeri Matteo: Pagetos (CD 2012)

Mauthausen Orchestra: Where are we going? (CD 2008)

Mauthausen Orchestra: Sonic deprivation (CD 2009)

Mauthausen Orchestra: Digression (CD 2010)

M.B./Nimh: Together’s symphony box (4 CD BOX - 2005)

M.B.: Elisionem (CD 2006)

M.B./F.I.C.P.S.: Chaotische fraktale + Letzte technologie (2 CD 2007)

M.B./E.D.A.: Regolelettroniche (CD 2007)

M.B.: Ludium (CD Silentes 2009)

M.B./M.O.: Spiritual noises (CD 2012)

Meta Led: Meta Led (CD-R 2002)

Molnija Aura: Utopian suns (CD 2011)

Nefelheim: Yggdrasill  (CD-R 2001)

Nefelheim: Shadows dwelling (CD-R 2002)

Nefelheim: Earth purification (CD-R 2003)

Neuestrasse: Neuestrasse (CD-R 2006)

Neuestrasse: Introspective black forms (CD 2006)

Never Known: Dawn of an era (CD-R 1999)

Never Known: Once in a lifetime (CD-R 1999)

Never Known: Live at the Cosmic Egg  10.06.2000 (CD-R 2000)

New Risen Throne: Anointing rite (CD-R 2003)

New Risen Throne: Flowing ashes (CD-R 2003)

New Risen Throne: Along endless path of emtpiness (CD-R 2004)

New Risen Throne/Locust Reign: Prophets from the abyss (CD-R 2004)

New Risen Throne: Chants for the cold and dying sun (CD-R 2004)

New Risen Throne: Whispers of the approaching wastefulness (CD 2007)

New Risen Throne: Crossing the withered regions (CD 2009)

New Risen Throne: Loneliness of Hidden Structures (CD 2011)

Nimh: Lanna memories (CD-R 2002)

Nimh: Frozen (CD-R 2002)

Nimh: The impossible days (CD 2004)

Nimh/Nefelheim: Whispers from the ashes (CD 2004)

Nimh: Line of fire (CD-R 2005)

Nimh: Subterranean thoughts (CD 2005)

Nimh/M.B.: Secluded truths (CD 2005)

Nimh/Baghiri: Entities (CD-R 2006) (Baghiri Amir & Nimh)

Nimh: The missing tapes (CD 2007)

Nimh: The unkept secrets (CD 2008)

Nimh: Travel diary (CD 2009)

Nimh/Mauthausen Orchestra: From unhealthy places (CD 2009)

Nimh: Krungthep archives (CD 2011)

Nimh: This crying era (LP 2012)

Nimh/Antikatechon: Out hunting for teeth (CD 2013)

Nimh: Black silences (CD 2015)

Nimh: Circles of the vain prayers (CD 2016)

Normality Edge: Inner photographs  (5 + 1 CD-R box set  2002)

Nosesoul: Angel ghost & human shades (CD 2006) (Francesco Paladino & Opium)

Olhon: Sinkhole (CD 2006) (Where & Bad Sector)

One Sound Duo: The way becoming (CD 2014)

Opium: The reborn of the rebel angel (CD 2001)

Opium: Floatdownstream (CD-R 2005)

Opium/Corder Jason: The present day (CD-R 2006)

Opium: Algorithms (CD 2007)

Opium: Watercolors (CD-R 2007)

Opium/Sostrah Tinnitus: Stain (CD 2011)

Orchestra Vuota: Naïve music for border-line people (CD-R 2002)

Orchestra Vuota: Ethnological electronic research volume I° (CD-R 2003)

Ornament: Adorers (CD-R 1999)

Ornament: Yzaniaveis (CD-R 2002)

Ornament: Unicorn lullaby (CD-R 2005)

Papi Moreno/Tanni: In the beginning (CD 2001)

Papi Moreno/Smith Monica: Sweet (CD 2004)

Pecorelli Daniele: Theatrical works (CD-R 2002)

Punck: MU (CD-R 2002)

Punck: A movie without images (CD-R 2004)

Punck: Nowhere campfire tapes (CD 2005)

Regivar: Colonna sonora per un film  immaginario (CD-R 2002)

Regivar: Afairytaleelatyriafa (2 CD-R 2003)

Revglow: Liquid Pearls (CD 2009)

Ricciardi Claudio: Blue outlines (CD-R 2003)

Riparbelli Pietro/Franck Yannick: Whinny Muir (CD 2011)

Saffron Wood: Platonica filososfia della temperanza (CD 2006)

Scala Stefano: Nel mondo non del mondo (CD 1997)

Scala Stefano:  Bagliori dell’anima (CD 2001)

Scala Stefano: Unsui - Il sentiero dei bambù (CD 2004)

Scala Stefano: Bon Voyage - Lungo i sentieri dell’Africa (CD 2004)

Scala Stefano: Il tempo del sogno (CD 2006)

Scala Stefano: Impermanence (CD 2008)

Scala Stefano: Nel cuore dell’Amazzonia (CD 2009)

Selaxon Lutberg/Subinterior/Ándreij: Kether (CD-R 2006)

Selaxon Lutberg: Think (CD-R 2006)

Selaxon Lutberg: Cold house of love (CD 2006)

Serra Raffaele: Heaven & earth magic feature (CD 1992)

Serra Raffaele: Our lady of the sphere (CD-R 1998)

Serra Raffaele: Memories of an unborn baby (CD-R 1999)

Serra Raffaele: Disappearing music (CD-R 2000)

Serra Raffaele: Journey around a zero (CD-R 2000)

Serra Raffaele: Theta experience (CD-R 2000)

Serra Raffaele: Holographic soundscapes (CD-R 2000)

Serra Raffaele: Molecular memory (CD-R 2000)

Serra Raffaele/Marutti Andrea/Atto: Frontiere (CD-R 2001)

Serra Raffaele: Hypnagogic algorithms (CD-R 2001)

Serra Raffaele: Digital avatar (CD-R 2002)

Serra Raffaele: Europe endless (CD-R 2002)

Serra Raffaele: Le spectre de la rose (CD-R 2004)

Serra Raffaele: The third mind (CD-R 2004)

Sigurtà Luca: Complesso momento negativo (CD-R 2000)

Sigurtà Luca: Sinusoidale desiderio informatico (CD-R 2000)

Sigurtà Luca: Triplice scansione temporale (CD-R 2000)

Sigurtà Luca: La sindrome di Stoccolma (CD-R 2001)

Sigurtà Luca/Cecconello Manuele: Terre (CD Rom 2002) 

Sigurtà Luca: La vera macchina d’argento (CD-R 2004)

Sigurtà Luca: Bliss (CD 2012)

Sigurtà Luca/Lòpez Francisco: Erm (CD  2013)

Sil Muir: Sil Muir (CD 2009)

Sola Translatio: Ad infinitum (CD 2001) (Alio Die & Opium)

Sola Translatio: Enigma (CD 2006) (Alio Die & Opium)

Sorrentino Sergio/Machinefabriek: Vignettes (CD  2013)

Subinterior: Obstacles (CD-R 2005)

Subinterior: Outfall/Insomnie (2 CD-R 2005)

Subinterior: The chrysalis secret (CD-R 2006)

Subinterior/Selaxon Lutberg: Spring meeting (CD-R 2006)

Talharion: Footsteps on dead leaves (CD-R 2003) (Serra Raffaele)

Terrapin: Killing HF Harlow (CD 2012)

The Last Hour: The last hour (CD 2008)

Twist of Fate: Tales from a parallel universe (CD 2014)

Twist of Fate: September winds (CD 2016)

Uggeri Matteo/Moita Nuno: Batalha (CD 2013)

Ulna: Ligment (CD 2012)

Uncodified: Document (CD 2012)

Under the Snow: Delta (CD 2011)

Under the Snow: The other room (CD 2012)

Underwood: Flowing (CD-R 2006)

Underwood: Hidden reality (CD-R 2008)

Ur: Triadic memories (CD-R 2006)

Ur: Trieb (CD 2008)

Urkuma: Tinnitus (CD-R 2002)

Urkuma: Misophonia (CD-R 2003)

Urkuma: A cricket in the river (CD-R 2003)

Uncodified: Document (CD 2012)

Vannucchi Ilario: Didgeridoo sounds (CD-R 2003)

Vannucchi Ilario: Didjabout (CD-R 2005)

Vari Artisti/Various Artists: Beyond the sound (CD-R 2002)

Vari Artisti/Various Artists: Beyond the darkness (CD-R 2005)

Veneziani Paolo: The puddle EP (CD-R 1996)

Veneziani Paolo: The first floor (CD-R 1997)

Veneziani Paolo/Malvezzi Marco: Comini session (CD-R 1998)

Veneziani Paolo: Alphabet (CD 1998)

Veneziani Paolo: Lambda suite (CD-R 2000)

Veneziani Paolo: Loop, are you circular? (CD-R 2002)

Veneziani Paolo: Quadramusic (CD-R 2002)

Veneziani Paolo: Sea (CD-R 2003)

Veneziani Paolo: 1995-2005 (2 CD-R 2005)

Verticchio Giuseppe: Fragments from the lost time (CD-R 1998)

Verticchio Giuseppe: Tjukurpa (CD-R 1999)

Verticchio Giuseppe: Resonant ambiences (CD-R 2000)

Verticchio Giuseppe: Distant skylines (CD-R 2001)

Vestigial: Translucent communion (CD 2008)

Vipcancro: Tropico (CD 2010)

Vipcancro: Gamma (CD 2013)

We Promise to Betray: Nothing is as it seems (CD 2017)

Where: Wererat (CD 2006)

Zbeen: Stasis (CD 2012)

Zbeen: Eigen (CD 2013)

Zoloft Evra: Negative infliction pleasure (CD 2015)

 

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Aethere: Pulvis et Umbra Sumus... (CD-R 2004 - Autoproduzione)

[ lokideformis@yahoo.it ]  [ http://www.myspace.com/aethere ]

 

Opera prima del progetto Aethere di Loki Deformis, "Pulvis et Umbra Sumus..." ci presenta cinque brani, collocabili in un'area stilistica attigua al genere dark-ambent di stampo più "lirico" che non "catacombale", che pur mostrando i limiti di un lavoro di esordio, soprattutto per quanto riguarda alcune ingenuità compositive, l'utilizzo di suoni dalla timbrica eccessivamente "sintetica", e la presenza di parti ritmiche in cui le sequenze e i suoni di metalli (hit-hat, cymbals) e percussioni (timpani ad esempio) appaiono anche qui evidentemente innaturali e sintetici, mostra però i segni di una sostanziale creatività, abilità nel pensare, comporre ed elaborare parti piuttosto articolate, nonchè capacità nel concepire e concretizzare in forma sonora atmosfere di grande presa e dal grande potenziale emotivo. Ampie sono infatti le parti comunque apprezzabili di questo CD-R, a cominciare dal brano introduttivo "Super Spin Funeral Theory", dove, escludendo i primi minuti caratterizzati da poco gradevoli cori sintetici, compaiono affascinanti interventi di chitarra effettata e suggestive parti di voce trattata elettronicamente. Ancora momenti d'ascolto sicuramente validi nel seguente "Polvere e Ombra", dalle sonorità gradevolmente elettroniche nella parte iniziale, cui seguono ancora efficaci interventi di voci trattate, piacevoli parti ritmiche (seppure affette a tratti da alcuni dei limiti sopra esposti) e più quiete ed evocative atmosfere ambientali. Ancora "quiete" in "Funerale alla Luna", brano caratterizzato da un gorgoglìo d'acqua sintetico di fondo con melodie sovrapposte di pads "morbidi" piuttosto consueti, che solo oltre il terzo minuto si aprono in forma più melodica donando al brano attimi di maggiore suggestione. Situazioni di staticità e atmosfere ambientali sostanzialmente piacevoli anche nella title track, in qualche modo replicate nella traccia conclusiva "Perfectum Est", seppure in questo caso delle voci sussuranti e dei "tocchi" metallici riverberati arricchiscono in modo pregevole la prima parte del brano, brano che poi evolve con un repentino cambio d'atmosfera, anticipato dal suggestivo intervento di una voce "satura", effettata e distorta, cui fa seguito una imprevedibile parte di chitarra "danzante-spagnoleggiante", sicuramente di grande presa ed effetto.  Sostanzialmente un buon CD-R di esordio, non esente da limiti e imperfezioni, che fa però sicuramente ben sperare per il futuro musicale di questo artista...   

(Giuseppe Verticchio)

 

Aethere: Il Giardino Epicureo (CD-R 2005 - Autoproduzione)

[ lokideformis@yahoo.it ]  [ http://www.myspace.com/aethere ]

 

Uno spettacolare album di musica ai confini del genere dark-ambient che seppure disponibile (almeno per il momento) soltanto in edizione autoprodotta su CD-R, avrebbe potuto senz'altro fare bella mostra di sè all'interno di un catalogo come quello della Cold Meat Industry, senza dover temere troppo il confronto con tanti altri validi artisti dell'area nord europea proposti dalla stessa label, con i quali peraltro la musica di Aethere condivide molti elementi stilistici, sonori  e compositivi. "Il Giardino Epicureo" infatti si "allinea", se così vogliamo dire, a quel "filone" della musica dark-ambient che vede in nomi come Sephiroth, Coph Nia o Desiderii Marginis alcuni principali punti di riferimento, traendo probabilmente da essi ispirazione, e sintetizzando in una forma espressiva, comunque molto personale e ben definita, gran parte delle influenze da essi derivanti.  Aethere propone una miscela sonora continuamente permeata da un senso di forte drammaticità, d'impronta piuttosto "musicale" e sottilmente melodica, senza apparire però mai troppo "pomposa", ridondante o peggio ancora melensa e scontata. La struttura compositiva dei brani è solitamente piuttosto articolata, e non si inoltra mai in prolisse situazioni ultra-statiche scure e drone-based, pur ovviamente disegnando suggestivi paesaggi di chiara matrice "dark", atmosfere talvolta quasi tetre, grondanti di angoscia e disperazione... Le idee sono molte e  ben sviluppate, il missaggio delle parti curato e dettagliato, i passaggi fluidi, la dinamica è ampia, la qualità del suono sempre di ottimo livello. Con un  solo grande "balzo" in avanti  Aethere supera abilmente tutti i limiti e le più o meno piccole "ingenuità" che era stato possibile riscontrare nel suo "Pulvis et Umbra Sumus...", raccogliendo della sua esperienza precedente soltanto gli aspetti che avevamo maggiormente apprezzato e che ci avevano dato modo di intuire  la possibilità di future interessanti evoluzioni per quanto riguarda la musica di questo artista...  Sei brani davvero tutti splendidi tra i quali è difficile esprimere preferenze. Forse la traccia più spettacolare, e che da sola rappresenta in modo esemplare l'intero lavoro, è la quarta, e cioè "We Are All Losers", un brano che, in una progressiva e insuperabile alternanza di soluzioni diverse, propone istanti di maggiore quiete e staticità ambientale-atmosferica, splendide ed eteree parti vocali, emozionanti ma discrete aperture melodiche di pads, ora più "morbidi" ora caratterizzati da una più "sofferta" e "ricca" timbrica elettronica, angoscianti voci roche e sussurrate cantanti/recitanti, suoni di pelli tese di frame drums e potenti parti ritmiche a base di percussioni tuonanti, sequenze spettrali di accordi d'organo.... Ma anche il più "quieto" brano introduttivo "Dream (of an epicurean garden)" è di grande impatto e grande suggestione, con i suoi inserti di parti corali, pads, suoni di metalli e sottili melodie-guida di synth.  Ottimo anche il molto  "toccante", lento e malinconico "Phenomenology of the Misery"; fortemente evocativo e suggestivo "Psyco-pathos", con le sue ritmiche un po' "spezzate", le voci sussurrate, i tintinnìi metallici, e gli efficaci inserti di chitarra trattata, strumento che in forma diversa, ma con eguale fascinoso apporto, compare anche nella traccia conclusiva "Formatted God  & Lost Forever", in questo caso sovrapposta ad ambienze "ventose"che si spostano nel panorama stereo con un movimentato effetto auto-pan, tra suoni di organo e ad altre melodiche sequenze di sinth. Un CD-R assolutamente consigliato, che consacra Aethere tra i più interessanti, validi, e promettenti artisti emergenti nell'area dark-ambient (e dintorni...) italiana, e che ci auguriamo possa trovare presto il supporto di una altrettanto valida etichetta interessata a produrre e distribure ufficialmente su supporto CD questo meritevolissimo lavoro...

(Giuseppe Verticchio)

 

Aethere: In Coma (CD 2009 - Rage in Eden)

[ lokideformis@yahoo.it ]  [ http://www.myspace.com/aethere ]

 

Un CD assolutamente impressionante, di qualità superba e dalla resa sonora impeccabile. Con "In Coma" Aethere torna a sorprendermi così come già aveva fatto in passato con "Il Giardino Epicureo", uscito nel 2005 come autoproduzione su supporto CD-R e purtroppo ancora mai pubblicato su CD "ufficiale".  In qualche modo ascrivibile stilisticamente ad una Dark Ambient "d'impatto", "In Coma" non si allinea però agli stereotipi del genere, e grazie ad un'impronta molto personale e facilmente riconoscibile per chi segue il progetto "Aethere" dai suoi esordi, si sviluppa con originalità e grande drammaticità intorno al tema che fa da filo conduttore per tutta la durata del CD, e cioè quella linea sottile, misteriosa e dai contorni ignoti che separa la vita dalla morte... La capacità di Emanuele Ratti, alias Aethere, di organizzare, assemblare e plasamare il materiale sonoro è straordinaria, così come non comune è la sua particolare capacità nel saper scegliere i suoni "giusti", elaborarli con grande efficacia, e inserirli con maestria e sensibilità all'interno delle composizioni. Il risultato è un album che, per tutti i suoi cinquanta minuti scarsi di durata, lascia letteralmente senza fiato, alternando parti più statiche a momenti di grande impatto, suoni e atmosfere più "morbide" e rarefatte a distorsioni e suoni più aspri e aggressivi, esplosioni dinamiche a imprevedibili quiescenze e suggestivi inserti melodici... L'impressione che spesso si ha, durante l'ascolto, è che la musica tenda ad evocare uno stato percettivo/emozionale profondamente alterato, al limite estremo tra coscienza e incoscienza, che a tratti sembra cedere, annientarsi per sprofondare verso il Buio Assoluto e l'Inconoscibile, e a tratti sembra invece "recuperare" faticosamente istanti di offuscata lucidità, frammenti di memoria, "schegge" di realtà, in un disperato tentativo di ritorno alla Luce e alla Vita... Trattandosi di un "concept" album, non mi soffermo a descrivere nel dettaglio le singole tracce, giacchè ognuna di esse è da considerare come elemento assolutamente parziale di un "disegno" sonoro, compositivo e tematico più ampio, completo e articolato; ad ogni modo voglio comunque segnalare la terza traccia, un esempio di perfezione assoluta sotto ogni punto di vista. Imperdibile.   

(Giuseppe Verticchio)

 

“In coma” is the last work of Aethere, an act of Emanuele Ratti from Milan who in the last 4 years brought to perfection his dark ambient - space music hybrid, starting from a Cold Meat Industry style and finishing with sophisticated personal music, binding dilated atmosphere, typical for space music, with the more compact, oppressive style, characteristic for swedish masters. “In coma” is the end of Aethere, an album created on the really feeble equilibrium between life and death: the EEG sound walks through the six tracks until the acme of the mass-sounds. When the EEG becomes a flat line, Aethere dies.

(Rage in Eden)

 

Aglaia: Three Organic Experiences (CD 2002 - Hic Sunt Leones)

[ aglaiamusici@libero.it ]

 

Un CD di pura ambient music di impronta statica, dai movimenti lenti e fluttuanti, suddivisa in tre lunghe suites per un totale di  67:30 minuti. Il primo brano, "The Mysterious Fish Named Kun", mi ha  riportato  alla mente alcuni lavori di autori che, tra la seconda metà degli anni '80 e l'inizio degli anni '90, proponevano un' ambient-music intrisa di umori più o meno melodici e caratterizzata da atmosfere di impronta analoga... Tra essi mi sono venuti in mente Aeoliah, Michael Danna, Tim Clement; tutti autori che hanno accompagnato con i loro suoni molti momenti della mia vita, ma che con il passare del tempo ho via via perso di vista, avendo progressivamente orientato le mie scelte musicali verso situazioni più "di ricerca", più sperimentali, in qualche modo più innovative... Non parlo di vera e propria "similitudine"sia chiaro, ma soltanto di analogie relative ad alcuni suoni e ad alcune soluzioni adottate, che ho in parte riscontrato anche nel successivo "The Tribe of the Flying Monkeys". E' certamente nel brano di chiusura "Seven Ancient Glacieres" che questo CD offre il meglio di sè:  27 minuti di paesaggi sonori in continua mutazione, praticamente quasi la metà della durata del CD, nei quali le atmosfere non cambiano sostanzialmente, ma i suoni, i missaggi e i trattamenti si fanno più curati, nitidi, ricercati, e nei quali gli autori sembrano aver riversato la parte preponderante e migliore delle proprie idee. Il progetto "Aglaia" esordisce dunque con un CD  in grado di regalare a chiunque dei buoni momenti d'ascolto.  Quello che forse mi sentirei di suggerire agli autori, è di "osare" un po' di più nelle loro future produzioni, per trovare una dimensione musicale più "personale",  muovendo la propria ricerca sonora e le proprie sperimentazioni verso soluzioni in grado di conferire ai propri lavori un'impronta più caratteristica...

(Giuseppe Verticchio)

 

Aglaia is one of the Chariti. The "Cariti" are goddess of beauty, generally represented as three sisters. They live upon Olympus mountain toghether with Muses, with whom sometimes they sing chorus. They pleasently follow the tracks of Apollo, god of divination and music. Their father is Zeus, their mother is Eurinome, the daughter of the Ocean. It is generally considered that "Cariti" exert every sort of influence upon works of mind and art. Charis means living artís work. In some tradition they are daughters of Erebo and of the Night and love to dance under the pale moon light. The concept of Aglaia is to create long musical instants, apparently motionless, but with inside the movement of hundreds of nuances, micro-variations , pulsations. A fluid, sonoruous tapestry with a never ending motion. The music was thought like a magma of raw materials to refine throught an infinite number of sonorous passages. The listening of "Three Organic Experiences" behave towards the micro-particle that compose our subtle individual plot, in a world where nothing is firm and nothing is really moving.

(Hic Sunt Leones)

 

Aglaia: Sacred Waters (CD 2005 - Hic Sunt Leones)

[ aglaiamusici@libero.it ]

 

Con il nuovo "Sacred Waters" il duo Aglaia torna a proporre, con una formula sostanzialmente invariata rispetto al precedente "Three Organic Experiences", un gradevole album di ambient music, costituito di tre lunghi brani di circa 20 minuti l'uno di durata, basati su miscele di pads, drones e suoni "ad onde" integrati con altri suoni di varia origine che si sovrappongono, emergono, si intersecano e si dissolvono in varia forma all'interno delle omogenee ma continuamente cangianti tessiture sonore di sottofondo. Tra i suoni aggiunti abbiamo field recordings, suoni di ambienti naturali, rumori concreti, tintinnìi metallici, pulsazioni sintetiche, rumori di folla e vociare di persone, corde pizzicate e suoni flautati di qualche strumento di probabile origine orientale; nel terzo brano compare a tratti un canto armonico molto profondo e gutturale che riporta alla mente antichi cerimoniali sacri tibetani... La qualità della registrazione è sempre molto buona, e la gamma di suoni e campioni utilizzati è molto interessante, ampia e variegata, seppure all'interno di ogni singolo brano, data la lunga durata degli stessi, è possibile nel corso dell'ascolto cogliere una certa ricorrenza e ciclicità nell'uso dei medesimi campioni sonori (spesso della durata di pochi secondi), generando alla lunga una lieve sensazione di prevedibilità e ripetitività. In ogni caso il CD scorre in modo molto fluido e piacevole, descrivendo surreali ed evocative atmosfere di una staticità solo apparente, volte a creare uno stato di rilassato coinvogimento e di progressivo abbandono, simili ad una sorta di spirale sonora entro la quale lasciarsi passivamente condurre, seguendone in stato di assoluta quiete interiore il sospeso, lento e continuo moto circolare... Adatto anche per ascolti di sottofondo, grazie alla struttura molto lineare e priva di improvvisi "colpi di scena", "Sacred Waters" non mancherà di affascinare chi già abbia  apprezzato il precedente "Three Organic Experiences", e chiunque si avvicini per la prima volta alla musica di Aglaia ricercando atmosfere ambientali quiete e dilatate, suoni eleganti, curati e ricercati, privi di particolari velleità sperimentali o marcatamente innovative...  

(Giuseppe Verticchio)

 

The textural ambient project Aglaia have finally released their second album. After a very good feedback from the first CD "Three Organic Experiences", "Sacred Waters" is the new offertoires to introduce more and more in the amniotic sound dimension, of their music. The layers's quality become more deep here..in breathing circles where processed voices and acoustic instruments, appear to be evocative and fragmented like in a dream, or just like what an echo can play with sounds in an open landscape, coming from far distances with the wind. The electronics/analog sounds are waves of flowing energy with a powerful relaxing quality, and behind them you can hear sometimes an indian flavour like an incense stick burning. By the way it's not possible at all to explain and describe the originality of this music, his poetry and his psychoacoustic properties, but if you start to listen, it invites you to stay inside yourself, in the motionless and timeless space that induce, bathing in the Sacred Waters of the infinite ocean of peace and inspiration.

(Hic Sunt Leones)

 

Airchamber 3: Peripheral (CD 2013 – Frattonove)

[ http://www.fratto9.com ]

 

Finalmente un CD che colpisce e che rimane immediatamente “impresso”…

Negli ultimi anni mi capita di ascoltare moltissima musica, spesso ben fatta, piacevole, interessante… ma nonostante tutto è davvero raro che un album mi colpisca subito e così profondamente.

Non nascondo che di diversi CD che ho ascoltato e spesso recensito con piacere, mi capita sovente, a distanza di tempo, di dimenticarne quasi completamente il contenuto sonoro, il titolo, e talvolta persino il nome dell’ artista o del progetto.

Questo “Peripheral” di Airchamber 3, progetto che vede protagonisti Andrea Ferraris, Luca Serrapiglio e Andrea Serrapiglio, unitamente ad alcuni amici/ospiti che hanno collaborato a vari brani, è un CD che sicuramente non si lascerà dimenticare come tanti altri.

Mi riesce molto difficile descriverne la musica, perennemente in bilico tra sospese stasi ambientali, elettronica, libera sperimentazione, improvvisazione, venature vagamente jazz, acida psichedelia…

Le dodici tracce, straordinariamente ricche di idee e di “invenzioni”, propongono una serie di “input sonori” variegati e imprevedibili, talvolta “assemblati” in forma di composizioni dall’andamento più lento e progressivo, talora riuniti in forma di più incisive e “spigolose”  “costruzioni sonore”.  

Il tutto risulta comunque ben amalgamato e stilisticamente omogeneo, seppure la mia preferenza è per i brani dalle sonorità un po’ più “morbide” e dall’andamento più “progressivo”, come “Funeral March for a Braincell” , “A Body is a Map of Bruisse”, oppure ancora la splendida, conclusiva, a tratti quasi “languida”  “In the Corner of my Eye Peripheral Visions”.

Un album ben concepito e ben realizzato, dalle forte ambizioni e assolutamente al di sopra della media delle “usuali” produzioni in ambito sperimentale e dintorni.

(Giuseppe Verticchio)

 

Aldinucci Giulio: Tarsia (CD 2012 – Nomadic Kids Republic)

[ http://www.giulioaldinucci.com ]

 

Un album di ambient music d’impronta abbastanza tradizionale, che, se non fosse stato pubblicato per la giapponese “Nomadic Kids Republic”, avrebbe potuto trovare una perfetta collocazione nella “nostrana” Hic Sunt Leones di Stefano Musso/Alio Die. Costruito attraverso un piacevole e variegato mix di suoni di strumenti acustici, sintetizzatori, voce e field recordings, caratterizzato da suoni morbidi e “fluttuanti” e tempi dilatati, “Tarsia” non cerca evidentemente il suo punto di forza in soluzioni di particolare “immediatezza” o di “impatto”, né di tipo dinamico né di tipo più prettamente “emotivo”, ma all’opposto si distingue e si apprezza per le sue “quiete” e “discrete” progressioni sonore, tra le cui soffuse trame è possibile cogliere a tratti persino lontani echi di musica cosmica, e semi-sepolte, appena percettibili esigenze “glitch”. Molte le influenze che ad un ascolto attento è possibile “scovare” nei sette brani che costituiscono il CD, tutte però elegantemente “sintetizzate” e “incanalate” in un “modello sonoro” unico e perfettamente omogeneo, privo di “spigolosità” o di elementi “fuori controllo”, seppure, per contro, inevitabilmente “ripiegato” all’interno di un modello stilistico non certo desueto o imprevedibile. Un album sicuramente valido e ben realizzato, consigliabile in particolar modo agli estimatori di quelle quasi-immutabili sonorità spiccatamente ambient che Brian Eno aveva cominciato a concepire già più di trent’anni fa, e che, pur con le inevitabili “varianti” e “mutazioni”, continuano a influenzare tanta parte della musica  non-convenziale contemporanea.

(Giuseppe Verticchio)   

 

...The aquatic sound of “Castiglione Della Pescaia, Winter 2011” is totally doing it for me right now. The waves crashing over the gorgeous electronic sounds are breathtaking. There’s an angelic vibe running through with the occasional choral sounding vocals which make it all a bit heavenly at times. It’s not a drone album. It’s a beautiful mix of electronics and neoclassicism creating textured ambient soundscapes which sounds effortlessly made (quite a talent) and all the sounds sound natural and organic. Excellent!

(Norman Records)

 

Alio Die: Sit Tibi Terra Levis/Introspective (CD 1990/1991 - Hic Sunt Leones)

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Frammenti da un Sogno. Questo è il titolo di uno dei brani contenuti in questo storico CD di Alio Die, ma è anche la definizione più adatta a descrivere questo capolavoro assoluto della musica italiana. Un disco da isola deserta. Una raccolta di brani  registrati tra 1990 e il 1991,  realizzati da un artista che in Italia può essere considerato il primo indiscusso erede di quel Brian Eno che,  in altra parte del mondo, già nel lontano 1978, aveva cominciato a concepire quella splendida "ambient music" destinata a fare storia. E così come "On Land" continua anno dopo anno a superare la prova del tempo, rimanendo a tutt'oggi un'opera di assoluta attualità, così "Sit Tibi Terra Levis" mantiene ancora assolutamente intatto il proprio valore artistico, descrivendo un'ambient music dalle tinte oscure, mai monotona o ripetitiva, che può essere apprezzata oggi esattamente come allora... Nulla sa di vecchio, nulla che (ad un ascoltatore ignaro...) possa suggerire l'idea che tale musica sia  stata realizzata dal nostro Stefano Musso più di dieci anni fa... In un momento come quello attuale,  nel quale ancora tanti autori sembrano attingere dalle visioni di Eno la linfa vitale della propria musica, l'ispirazione per le loro esplorazioni dello spazio statico, gli elementi fondamentali per le composizioni musicali che in questo stesso momento stanno realizzando, l'ascolto di questo straordinario "Sit Tibi Terra Levis" può farci capire quanto fosse già andato oltre Alio Die più di dieci anni fa... Sedici frammenti di sogno che hanno trovato uno  spazio nel mio cuore esattamente nove anni fa (quando acquistai e ascoltai questo CD per la prima volta...), che in tanti anni nessun altro artista, italiano o straniero, è mai riuscito a soppiantare...  Se ancora non possedete "Sit Tibi Terra Levis", e amate l'ambient-music, prima di acquistare l'ennesimo CD del nuovo artista ambient straniero di turno, chiedete a Stefano una copia di questo suo splendido lavoro...

(Giuseppe Verticchio)

 

Beautiful ambient sounds and textures which provide a though provoking athmosphere. A subtle power follows music and features some excellent aural works.

(N.D. - Texas) 

 

Alio Die: Under an Holy Ritual (CD 1992 - Hic Sunt Leones)

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Undici brani, registrati nei primi quattro mesi del 1992, nei quali la musica di Alio Die cambia leggermente direzione. Le atmosfere si fanno meno rarefatte e astratte, e propendono per progressioni più ipnotiche e rituali, spesso costituite da elementi sonori di diversa natura, stratificati su eteree basi di loops. E' la struttura evolutiva dei singoli brani che cambia leggermente di forma, ma in "Under an Holy Ritual" si ritrova intatta la caratteristica impronta musicale di Alio Die, così come abbiamo potuto conoscerla e apprezzarla sul suo precedente lavoro. Tra i frammenti da sogno che certo anche qui non mancano, desidero menzionare in particolare lo stupendo "Global Construction" con le sue atmosfere cangianti e suggestive,  le sonorità oscure e inquietanti di "The Secret of Shady Gorges", la tensione sottile di "Axis Mundi", le pulsazioni rituali e ipnotiche di "Invocation of the Source of Life"...    

(Giuseppe Verticchio)

 

Return to the overground ruins of our civilization, where the previous inhabitants speak through sounds that drift like samples of the soul. An ambient masterpiece.

(Projekt - USA) 

 

Alio Die/Ora: The Door of Possibilities (CD 1993/1994 - Hic Sunt Leones)

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Questo lavoro raccoglie quattro brani di Alio Die, due brani di Ora (Darren Tate & Andrew Chalk) , ed una traccia realizzata in collaborazione tra gli artisti, il tutto relativo ad un periodo che va dal marzo 1993 al marzo 1994. Apre il CD Alio Die, con lo spettacolare "Looking Towards", un brano che ci conduce immediatamente tra atmosfere eteree e suggestive, ma al tempo stesso estremamente concrete e "terrene"... Il seguente brano di Ora sembra abbandonare gli elementi più morbidi ed eterei di quello che lo ha preceduto,  addentrandosi tra atmosfere più cupe e oscure, tese, quasi sotterranee, mentre rumori concreti vanno ad arricchire il paesaggio sonoro, tendendo in molte parti a prevalere sugli altri suoni, e divenendo l' elemento costitutivo principale della composizione… Torna quindi Alio Die, con "Bestiole Nascoste tra il Muschio e le Alghe", costituito da fragili linee melodiche sovrapposte a lontani pulsazioni percussive, e al rumore dello scorrere dell'acqua di un torrente... Un brano dolcissimo e ipnotico, un altro frammento da sogno... Segue "The Door of Possibilities", sempre di Alio Die, brano nel quale ritorna il rumore dell'acqua, questa volta miscelato  ad onde di tappeti sonori, voci indistinguibili, morbidi suoni di flauti distanti, reverberati, anch'essi quasi indistinguibili, e piccoli rumori percussivi... Un altro suggestivo quadro sonoro, un altro piccolo capolavoro...  Alio Die e Ora insieme, nel seguente "In Shore", sembrano riprendere laddove era terminato il precedente brano di Ora... Di nuovo atmosfere inquiete e oscure e forte presenza di rumori  concreti, ma il tutto sviluppato su progressioni più lente e dilatate che troveranno ampio spazio nei 22 minuti della durata del brano. Quindi l'ultimo breve gioiello di Stefano Musso, "Stone Voice", poco più di due minuti e mezzo di musica costruita con l'uso di voci cantilenanti dal sapore rituale... Conclusione del CD affidata ad Ora: ancora dieci minuti di atmosfere surreali e inquietanti, che chiudono in bellezza il risultato di questa straordinaria collaborazione…

(Giuseppe Verticchio)  

 

Lush ambient textures and natural sounds.  This CD includes one collaborative piece, two pieces by Ora alone, and four shorter Alio Die pieces. This collaboration between Alio Die and Ora (here  Andrew Chalk and Darren Tate) is a beautiful shimmering synthesis of dark ambience and organic droning.

(Hic Sunt Leones)

 

Alio Die: Password for Entheogenic Experience (CD 1997 - Hic Sunt Leones)

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Un CD molto diverso dai precedenti, costituito da un' unica traccia della durata di 64 minuti,  caratterizzata da progressioni lente e dilatate, onde sonore che emergono, si incrociano e si dissolvono, atmosfere sognanti apparentemente statiche ma pur sempre in continua, graduale evoluzione... Così come  è vero che questo CD si lascia apprezzare per la classe e il grande stile con il quale Alio Die è riuscito a condurre un'ora di incessante, quanto coinvolgente, ambient music di impostazione statica, dimostrando la propria capacità nell'esplorare universi musicali diversi da quelli già percorsi nel passato, c'è però da dire che l'adesione dell'artista a questo modello formale ha portato alla realizzazione di un CD dall'impronta leggermente più “anonima”, meno riconoscibile, nella quale risulta meno evidente la forte personalità musicale dell'autore. L'assenza, in questo lavoro,  di tanti elementi che hanno contraddistinto la musica di Alio Die nei suoi CD precedenti, rende quest'opera  un po' meno rappresentativa di quello che è lo stile, o meglio "l'universo musicale" più significativo e individuale di Stefano Musso.  Un CD che comunque si lascia ascoltare con grande piacere... Spegnete la luce,  e lasciatevi condurre per mano verso paesaggi sonori dall'aspetto forse un po’ meno inconsueto, ma pur sempre magnifici da visitare, emozionanti, e dipinti dall'autore con  grande e indiscutibile capacità artistica... 

(Giuseppe Verticchio)

 

Alio Die: Le Stanze della Trascendenza (CD 1999 - Hic Sunt Leones)

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Seconda parte di una trilogia ambient, iniziata con “The Hidden Spring”, per la Crowd  Control, e che si concluderà con il successivo “Leaves Net”, autoprodotto per la Hic Sunt Leones. Questa trilogia vede Alio Die alle prese con materiale sonoro derivante da vecchie registrazioni, rielaborato e processato attraverso tecnologie più moderne. Un territorio nel quale Stefano si muove con grande padronanza, realizzando questo interessante CD,  che vede nel lungo brano “Melancholic Roots” il suo apice espressivo: ventiquattro minuti di grande musica ambient, con progressivi e perfettamente equilibrati cambi di atmosfera e di sonorità… Un inizio che ricorda un po’ la musica “discreta” di Brian Eno (come anche il meraviglioso brano “Cicada’s Loop”), che si fa via via più oscuro e inquieto (mi viene ancora in mente l’Eno di “On Land”) per poi approdare a una lunga parte statica, dove ritornano alcuni suggestivi interventi vocali che regalano momenti di grande emozione… La stasi torna poi a chiudersi su atmosfere più oscure, tese e rituali, qualcosa che può ricordare il miglior Peter Andersson nelle vesti di  Raison D’Etre. Altri momenti molto interessanti la già menzionata “Cicada’s Loop”, il brano introduttivo “Alternate Realities” e la pur breve “Desire (Instrumental)”, mentre ho trovato forse un po’ meno suggestivi gli ultimi sei minuti circa del  brano di chiusura,  “Molecular Dance”.

(Giuseppe Verticchio)

 

The second chapter in an ambient trilogy started with "The Hidden Spring", characterized by old  sounds and recordings manipulated and reworked using modern technologies. A fantastic CD.

(Hic Sunt Leones)

 

Alio Die: Incantamento (CD 2001 - Hic Sunt Leones)

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Se mi limitassi a parlare di questo CD come di un lavoro di ambient statica, suddiviso in due lunghe suites (“Lunae” e “Waters”) costruite fondamentalmente su loops, drones, suoni dilatati e rumori naturali (cicale, acqua...) sicuramente avreste l'impressione di non trovarvi di fronte a qualcosa di particolarmente nuovo e significativo (quanti CD sono stati costruiti negli ultimi quindici anni con ingredienti analoghi?), e non riuscirei probabilmente a suscitare il vostro interesse e la vostra curiosità per quest'opera... Una strada già percorsa da molti, apparentemente semplice da seguire, soprattutto considerando che Stefano ha da sempre dimostrato di essere un  "maestro" nella scelta e nel trattamento dei suoni, nonchè nella costruzione delle progressioni e nel mixaggio degli elementi sonori stessi... Ma è esattamente questo il punto... Quello che fa la differenza tra questo CD e tanti altri lavori di artisti che hanno percorso strade analoghe, è quello dell'impareggiabile sensibilità, dello stile, della capacità creativa-compositiva del "nostro" Alio Die, il quale riesce a dare "anima" e "vita" a quegli stessi ingredienti che, manipolati da altri autori, hanno generato negli anni decine di CD simili fra loro di discutibile qualità artistica o comunque facili da dimenticare,  ma che invece raccolti,  elaborati e messi insieme da questo fondamentale autore italiano,  hanno portato alla realizzazione di un CD che si eleva al disopra di tante produzioni soltanto apparentemente simili, e che sicuramente lascerà traccia di sè nella memoria dei fortunati che avranno modo di ascoltarlo...

(Giuseppe Verticchio)

 

"Incantamento" provides two long drifting pieces of naturalistic ambience, adding the occasional pluck of guitar strings to the rich bed of aquatic sounds and droning loops.  The packaging contains  dried stems and flowers instead of a tray card to underscore the organic nature of the music.

(Hic Sunt Leones)

 

Alio Die: Leaves Net (CD 2001 - Hic Sunt Leones)

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Terzo e ultimo capitolo della trilogia ambient di Alio Die, a chiudere il ciclo iniziato con "The Hidden Spring" e con "Le Stanze della Trascendenza". Una raccolta di 10 brani costituita da materiale sonoro  di vecchia data unito a composizioni più recenti, comparso in parte su compilations e sul vecchio Mini-CD "The Flight of Real Image", spesso rielaborato, riadattato e rimasterizzato per l'occasione. Le sonorità prevalenti tornano ad essere quelle del primo Alio Die, così come anche la durata e la struttura dei brani. Nonostante il lavoro di "ricomposizione" in un unico CD di materiale registrato in periodi e occasioni diverse, l'opera suona estremamente omogenea, come se in realtà tutta la musica inclusa fosse stata concepita e realizzata  nel medesimo periodo e  destinata fin dall'inizio a far parte dello stesso CD. Un piacevole ritorno dunque alle atmosfere che hanno accompagnato i conoscitori di Alio Die fin dai tempi di "Sit Tibi Terra Levis", "Introspective", e il già citato "The Flight of Real Image",  dal quale sono estratti due brani, uno dei quali, "Leaves Net", rielaborato e scelto come titolo per questa nuova realizzazione. Nella zona centrale del CD forse i momenti più suggestivi dell'opera, tutta comunque di ottimo livello, in quell'ampia parte che, in un crescendo emotivo, vede susseguirsi brani come "First Perception", "Leaves Net", "A Chaos of Desire", "A Fragments of Fire", e l'eccezionale "The Way of Fire". Chi ama Alio Die, e soprattutto lo stile musicale che ha caratterizzato i  suoi esordi, non può mancare l'acquisto di questo CD.

(Giuseppe Verticchio)

 

"Leaves Net" presents short pieces, many of them recomposed from compilation appearances and other obscurities, in the third installment of his trilogy (started with "The Hidden Spring" & "La Stanze delle Transcendenza") of re-examined ambient music.

(Hic Sunt Leones)

 

Alio Die: Il Tempo Magico di Saturnia Pavonia (CD 2003 - Hic Sunt Leones)

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Pur non potendo parlare di una vera "svolta" nella produzione musicale di Alio Die, giacchè gli ingredienti e le soluzioni adottate in questo CD rispecchiano in modo abbastanza inalterato quanto già proposto dall'autore fin dai tempi dell'esordio con lo splendido e storico "Sit Tibi Terra Levis/Introspective",  mi sembra comunque di scorgere in questo "Il Tempo Magico di Saturnia Pavonia" un certo desiderio di rinnovamento, una nuova carica di energia, una nuova linfa vitale... L'autore attinge ancora ad elementi già utilizzati molte volte nel passato, prevalentemente registrazioni di rumori naturali e sonorità tenui e discrete in lento movimento disposte a strati, ma aggiunge ad esse anche altri nuovi  ed efficaci suoni inediti,  che in diverse parti emergono coraggiosamente in primo piano, regalando momenti di grande emozione,  attimi davvero magici che mirano dritto al cuore, e che colpiscono la mia sensibilità come  molti anni fa accadde durante l'ascolto dello stesso "Sit Tibi Terra Levis/Introspective" sopra citato... Forse lo stesso Alio Die, che è stato tra i primi in Italia a proporre un certo tipo di ambient music, sente ora in un qualche modo la necessità di rinnovarsi; sta raccogliendo nuove idee e nuove fonti di ispirazione,  e questo "Il Tempo Magico di Saturnia Pavonia" è il punto di partenza  per le sue future esplorazioni sonore... Il CD è suddiviso in 10 brani, e tra essi le mie preferenze vanno per l'impareggiabile "The Circular Development of Time", lo splendido "Brace di Trasformazione", l'altrettanto splendido "Acqua che Brucia", ma cito volentieri anche il brano introduttivo "A Gift", e "Fragile-Struggente".  Davvero un buon lavoro, sicuramente uno dei miei preferiti tra le produzioni più recenti dallo stesso autore...

(Giuseppe Verticchio)  

 

In this new CD Stefano Musso display ten new tracks of powerful layers of sound, acoustic and real. Magic of sounds was invited and respected during rites of composition, and as usually it have the priority and guide of the creative process. Then spirits of life come, in a sensitive and creative space, attitude is purified and deeply desired is the focus by the soul, quiet and almost transparent is the mind. Ok, this is deep music you can listen while you are looking into the fire, walking in the wild, or when you need an accurate ispirational space for poetry, paintings, research, making love and meditation, and in every activities where you need expanding time and sensibility, and you would really like to be here! Oh... yes, you should be in the meantime in some other layers of consciousness, looking for some special gift to magically convert these crazy days into a better time!

(Hic Sunt Leones)

 

Alio Die/Zeit: Sunja (CD-R 2003 - Hic Sunt Leones)

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Questo lavoro propone due lunghe suites nate da un' idea abbastanza semplice. Immaginate un substrato armonico piuttosto statico sul quale, in varia forma e con soluzioni diverse, si incrociano, emergono,  si dissolvono, quindi tornano nuovamente in primo piano, suoni, talvolta rielaborati, di strumenti come il khen, la fisarmonica, lo zither, nonchè registrazioni ambientali di rumori naturali quali cicale, acqua, richiami di uccelli. Alio Die è da tempo un abile manipolatore di suoni, ed ha un gusto particolarmente raffinato nel saper sfruttare al meglio, e con grande eleganza, qualsiasi tipo di frammento sonoro; ha inoltre una grande capacità nell'evocare in musica "paesaggi" e atmosfere dalle tinte tenui e crepuscolari, scenari da sogno ricostruiti attraverso miscele di suoni di varia origine sapientemente elaborati e combinati tra loro... Grazie a queste sue capacità l'artista, questa volta in collaborazione con Zeit (Tommaso Cimò), è riuscito a realizzare un lavoro che, pur nascendo da un approccio compositivo piuttosto semplice, risulta comunque ben fatto e piacevole all'ascolto,  prestandosi soprattutto come "colonna sonora di sottofondo",  da utilizzare in momenti in cui si richieda alla musica di accompagnarci nei nostri pensieri o nelle nostre altre attività quotidiane, e non piuttosto un ruolo da "protagonista" assoluto cui dedicare in modo esclusivo il nostro tempo libero...

(Giuseppe Verticchio)

 

Magic has blown its precious spores in the air. A human rite, humble and quiet, has evoked a red hot globe that gently illuminates the path  toward the borders of Sunja, the dream place where all vibrations start. Sometimes  the light comes down from the sky, clear like a crystal.  Sometimes it climbs slowly from the earth's depths, but it's always comforting. Crossing  the thresholds of Sunja is like landing on an uncontaminated island, furrow  its white sea-shores lapped by tepid foamy waters,been inebriated with wide floral smells and saltiness in secret places of the inland and in caves dug from time, gain the top of the plateau from which it is possible to  see beyond... Sunja is creative strength enclosed in two long tracks of incredible intensity, rich in levels of knowledge, pure enchantment and beauty. The deep sound has an extraordinary symbolic and evocative power and it has arrived to a supreme purification owing to millenial percolations  across the rock. Music shines, beholds, resounds at the bottom of ourselves,  lives and spreads out. We realize, in listening, that a light warmth closes  in upon us, everything loses its own original sense, the gates open... the  road is beaten!  Stefano Musso plays: zither, samples and loops, buzzer , fields recordings. Tommaso Cimò plays: khen (mouth-organ), accordion, rattles, bird calls, bells.

(Hic Sunt Leones)

 

Alio Die: Khen Introduce Silence (CD-R 2003 - Hic Sunt Leones)

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Il Khen, o mouth-organ,  è uno strumento a fiato molto diffuso nella musica tradizionale del Laos e della vicina Thailandia, territori da cui trae origine. E' costituito di una serie di sottili canne di bamboo (16 nel formato più comune) di varie dimensioni, affiancate in due file, ordinate per lunghezza,  e assemblate con l'ausilio di una resina nera all'interno di una speciale parte forgiata in legno, dotata di un apposita imboccatura nella quale l'esecutore soffia o aspira per emettere il suono. Ogni canna presenta un foro e una sottile ancia di metallo. Suonando lo strumento è possibile chiudere con le dita l'apposito foro per mettere in vibrazione l'ancia, ottenendo così l'emissione di una nota, ovviamente diversa per ogni canna. Il suono del Khen ha sicuramente qualcosa di magico, ed è particolarmente affascinante sia nell'uso comune che se ne fa nei territori d'origine, sotto forma di assoli a base di velocissime sequenze melodiche o in accompagnamento ad altri strumenti tradizionali, sia nell'uso sicuramente meno consueto che ne fa Alio Die in questo suo nuovo lavoro. Qui infatti il suono del khen è trattato elettronicamente in modo tale da renderlo morbido e fluido, lieve e dilatato, e si accosta con discrezione a strati sonori dalle movenze lente e progressive in piena coerenza con lo stile ormai consolidato di questo artista, costruiti con "ingredienti" d'uso più comune come drones, loops,  registrazioni ambientali... Se volete avvicinarvi al suono di questo affascinante strumento, senza andare alla ricerca di registrazioni di musica tradizionale Laotiana o Thailandese, e rimanendo all'interno di un contesto musicale più vicino all'erea di interesse di "Oltre il Suono" e quindi probabilmente anche più vicino ai vostri gusti, procuratevi questo "Khen Introduce Silence".

(Giuseppe Verticchio) 

 

Taking basic improvisations only from sounds produced by Khen (mouth-organ from Thailand/Laos) and processed by  different controls like filters, pan and multi-effects, Stefano Musso looks for a vibrational enviroment that is like a special point of view,  where time changes his meaning and sometimes becomes absolutely relative, finding a place for contemplation, like being in the clouds and breathing with the sound of the spheres.  Observe the circular harmony of seasons in his never ending flow, it speaks like old poetry that is familiar to the soul. Stefano Musso plays: khen, drones and loops, enviromental recordings taken in Thailand and in Lunigiana/Italy.

(Hic Sunt Leones)

 

Alio Die/Saffron Wood The Sleep of Seeds (CD-R 2003 - Hic Sunt Leones)

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Volendo comparare in qualche modo questo nuovo lavoro di Alio Die con gli altri due titoli usciti in contemporanea sempre per la Hic Sunt Leones ("Sunja" e "Khen Introduce Silence"), debbo dire che la mia preferenza va probabilmente al presente "The Sleep of Seeds", album realizzato sfruttando registrazioni effettuate con strumenti e oggetti vari (flauti, zither, fisarmonica, conchiglie, sonagli, campanelli...) da Alio Die e Lorenzo Scopelliti/Saffron Wood, su cui poi quest'ultimo ha sovrapposto ulteriori  strati sonori, questa volta di origine elettronica. Il tutto è stato poi "montato" e rielaborato utilizzando computer e Pro-tools. Ciò che mi fa preferire questo titolo ai due precedenti è sicuramente la maggiore varietà di suoni, atmosfere e situazioni che è possibile riscontrare in "The Sleep of Seeds", la maggiore articolazione delle diverse parti che lo compongono, il maggiore impatto emotivo che è in grado di trasmettere, l'elaborazione più curata delle progressioni sonore, sia all'interno dei singoli brani, sia considerando il CD nel suo insieme. Volendo esprimere ancora preferenze, questa volta relativamente ai brani contenuti, ho trovato sicuramente più "magica" e affascinante la lunga chiusura affidata a "A Dream of Mother Ground", brano nel quale i suoni e le atmosfere sono d'impronta spiccatamente "rituale", e nel quale l'ampia gamma di rumori concreti utilizzati si sposa perfettamente con suoni di flauti, fisarmonica, loops, drones e trame sintetiche...

(Giuseppe Verticchio)

 

The title is also the opening track of this macroscopic journey into a  world which spontaneously engages us when we travel through it.  A link between life and earth, a passageway between time and change. A melodius itinerary in which a time hourglass often makes no sense but only the sound of articulated and fragmentary notes...50 minutes between a seed and a grain of soil to wander into an infinite space while listening to a far away earth longing sound. Recorded in Savona Italy august 2002, with  different flutes, tubes, accordion, various objects, rattles, shells, bells... Drones and loops, effects,editing and mastering on Pro-tools, at Temple studio Milano, spring 2003.

(Hic Sunt Leones)

 

Alio Die: Sol Niger (CD-R 2004 - Hic Sunt Leones)

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Splendido lavoro questo "Sol Niger" di Alio Die, probabilmente la sua migliore produzione da "Il Tempo Magico di Saturnia Pavonia" fino ad oggi, che condivide con quest'ultimo una maggiore originalità  rispetto ad altri suoi più recenti lavori, un più accentuato spirito di ricerca,  risultando probabilmente più ispirato, ed evidenziando chiaramente una  vena creativa più fervida... Laddove ne "Il tempo Magico di Saturnia Pavonia" la presenza di suoni di strumenti etnici ed acustici si faceva più evidente, e gli stessi suoni, spesso rielaborati in modo molto lieve, erano stati portati coraggiosamente in primo piano donando alle composizioni di Alio Die un fascino nuovo e tutto particolare, in "Sol Niger" è invece la forte presenza di altri suoni inediti a caratterizzare le nuove esplorazioni sonore dell'artista. Parlo di disturbi radio, interferenze, echi di confuse voci umane, sibili, registrazioni ambientali di origine più "urbana" e "tecnologica", moderati rumorismi elettronici... L'utilizzo di tali elementi, usati in modo sempre molto discreto e misurato, sicuramente non invadente, perfettamente miscelati ad articolate ed efficaci trame sonore di sottofondo, molto curate e "d'atmosfera", e in abbinamento a suoni di origine acustica più o meno rielaborati, dona a quest'opera un' impronta più spiccatamente sperimentale, segnando un nuovo splendido punto di arrivo (o forse di partenza?) nell'affascinante universo musicale di Alio Die. Un artista che instancabilmente, da ormai quasi quindici anni, dedica con grande passione la propria vita alla musica, riuscendo in qualche modo a  sopravvivere a ogni "moda" e a mantenere intatto il proprio inconfondibile stile, ma riuscendo al tempo stesso a rinnovarsi e a trovare, seppure con momenti di maggiore o minore efficacia, ancora nuove idee e fonti di ispirazione per regalarci la migliore ambient music che è possibile trovare attualmente in circolazione... Ascoltare per credere!

(Giuseppe Verticchio)  

 

Alio Die/Paladino Francesco: Angel's Fly Souvenir (CD 2005 - Hic Sunt Leones)

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Un album di "classica" ambient music, costituita fondamentalmente da substrati armonici eterei e fluttuanti, tessiture sonore discrete e sognanti, fluide ma astratte e nebulose allo stesso tempo, arricchite di suoni di strumenti etnici, corde pizzicate, fiati, rumori concreti, registrazioni di elementi naturali, e altri interventi acustici di indecifrabile origine e classificazione. Un' ambient music interpretata secondo quello stile tipico e immediatamente riconoscibile che Alio Die ha con il tempo elaborato e consolidato, che va idealmente a proseguire il percorso già portato avanti con lavori quali "Sunja", "Khen Introduce Silence" o anche "The Sleep of Seeds". Ovviamente anche in questo caso ci sono alcuni elementi distintivi che marcano la differenza con quanto è già stato prodotto e ascoltato in passato. Se nel citato "Khen Introduce Silence" è l'utilizzo fondamentale del suono del magico strumento di origine laotiana/thailandese a condurre il gioco, e in "The Sleep of Seeds" sono spesso gli interventi elettronici di Saffron Wood ad emergere e caratterizzare maggiormente il CD, questa volta ad assolvere il ruolo di "variante fondamentale" rispetto agli schemi troviamo Francesco Paladino, che con i suoi  frequenti interventi rumoristici-vocali-nasali-gutturali propone nuove possibilità espressive, nuove sonorità, nuovi scenari, nuovi sentieri da esplorare... Pur se suggestivi e solitamente ben integrati ai diversi substrati sonori, c'è da osservare che gli interventi di Francesco Paladino risultano però più efficaci laddove la voce e i suoni emessi rimangono in secondo piano, dove appaiono più confusi, più effettati, più rarefatti, più "morbidi"... laddove insomma risulti anche più difficile ricondurre ad un intervento vocale "umano" la sorgente sonora degli stessi suoni/rumori percepiti. Entrando nel dettaglio dei singoli brani, ho sicuramente apprezzato molto  "Whispers and Recalls Near the Temple", con la sua multitudine di strane e confuse sonorità tra le quali sembrano apparire dei cembali, dei suoni di ottoni, degli strani stridìi metallici...  Spicca ancora tra tutti il brano "Flowing Up from the Core of the Mountain", che colpisce per l'andamento teso, statico e ipnotico, per gli occasionali interventi di percussioni rituali distanti e profonde, ma più di tutto per il fantastico canto di Chako dei Jack or Jive che "guida" e caratterizza l'intero brano. Voglio inoltre citare "Ancient Consciousness of the End", ottima traccia costruita su suoni base di In Gowan Ring, con sequenze melodiche in lenta evoluzione di un indefinito strumento che potrebbe anche essere un flicorno armonizzato, su cui si sovrappongono in una combinazione lievemente dissonante altri strani suoni, tra i quali forse una chitarra elettrica molto "morbida" e molto effettata, e corde metalliche tese allo spasimo, strofinate e debolmente pizzicate, di qualche altro indecifrabile e forse arcaico strumento musicale...

(Giuseppe Verticchio)

 

Alio Die/Durand Werner: Aqua Planing (CD 2006 - Hic Sunt Leones)

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Capita talvolta di ascoltare dei CD nei quali la durata dei singoli brani appare eccessiva rispetto alle idee riversate negli stessi; tracce che che avrebbero potuto tranquillamente e più efficacemente essere sintetizzate in tempi almeno dimezzati, evitando ricorrenti lungaggini e ridondanze. Ci sono invece casi, come questa volta, in cui mi viene da pensare esattamente l'opposto. Casi in cui ascoltando un brano di pochi minuti di durata mi viene da pensare che con le sole idee e suoni utilizzati in esso si sarebbe potuto invece realizzare un intero CD, tanta è l'intensità  e l'emozione che la musica concentrata in un così breve frammento di tempo è riuscita a trasmettermi all'ascolto... Ed è così che il breve viaggio notturno in treno verso Bangkok, evocato appunto in "Night Train to Bangkok" e sintetizzato in meno di otto minuti di durata, avrebbe invece potuto idealmente durare davvero un'intera notte, essere "espanso" a dismisura rievocando istante dopo istante ogni frammento di vita vissuto, ogni rumore e suono percepito, ogni emozione, ogni pensiero, odore, colore, sensazione provata...  Forse memore di tanti viaggi notturni su imprevedibili e scalcinati treni lungo la tratta Surat Thani-Bangkok e viceversa, sistemato su cigolanti cuccette, protetto da un' insufficiente coperta di lana infeltrita fornita come servizio dalle ferrovie per contrastare il gelo dell'implacabile aria condizionata sempre stabilizzata su temperature polari, disturbato dal rumore del russare continuo dei vicini di posto o di voraci mandibole che sgranocchiano poco dietetici "snack" a base di lardo fritto condensato dall'aspetto simile alle nostre patatine Cipster, nonchè dal nauseabondo odore di durian che impietosamente qualche viaggiatore alloggiato un paio di vagoni più avanti  ha scelto di portare con sè, le immagini sonore evocate da "Night Train to Bangkok" hanno colpito a fondo nel mio cuore e nei miei ricordi, facendomelo apparire come il brano più straordinario, per quanto altrettanto straordinariamente semplice, dell'intero CD... Un CD, nato dalla collaborazione di Werner Durand con Alio Die, perfettamente riuscito ed elaborato. Affascinante e coerente nelle atmosfere, fluido nel suo incedere, emozionante nel suo descrivere, eccezionalmente evocativo per chi abbia vissuto esperienze di viaggio e permanenza  in paesi così lontani e diversi dal nostro, quali ad esempio la stessa Thailandia dove Alio Die ha catturato le registrazioni ambientali presenti in quasi tutte le tracce del CD, e dove ha probabilmente acquistato il khen, l'affascinante organo a bocca che sprigiona tutta la sua semplice e crepuscolare magia in brani come il già citato "Night Train to Bangkok" e nell'incantevole "La Grotta nella Valle Dimenticata". Molto efficace nell'introdurre le atmosfere del CD il breve brano introduttivo "Luftspiegelungen"; più articolata, lunga e "composta" l'emozionante title track; più "discreta", eterea, effettivamente un po' "spettrale" e "distaccata" la finale "Ghost".  "Spirito"... "spettro"... o più brevemente "pi"... come è possibile sentirlo chiamare su quello stesso treno diretto a Bangkok...

(Giuseppe Verticchio)  

 

Alio Die/Festina Lente: Il Sogno di un Piano Veneziano a Parigi (CD 2006 - Hic Sunt Leones)

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CD costruito essenzialmente su improvvisazioni di Alio Die e Festina Lente (Michele Brieda) allo zither e al pianoforte, successivamente rielaborate e arricchite in studio con altri suoni, effetti, field recordings, rumori. Chi ha già avuto modo di apprezzare il brano "Extract from Suite 1" di Alio Die e Michele Brieda nella compilation "Beyond the Darkness" pubblicata nel 2005 da "Oltre il Suono", potrà riconoscere in "Nei Meandri più Remoti del Sogno di Scarabeo", lungo brano introduttivo della durata di 34 minuti, una versione estesa e più articolata di quanto già ascoltato nella suddetta compilation. Il "mood" in questa nuova versione rimane sostanzialmente inalterato, così come l'approccio molto minimale alla composizione e alla scelta dei suoni, e il risultato finale è infatti una mezz'ora abbondante di pura ambient music dalla sonorità elettrocaustiche tenui e delicate, adatta soprattutto per ascolti di sottofondo a basso volume e in repeat. "Movimenti nel Cielo Sotto" inizia tra atmosfere tese e drone-based, si arricchisce piano piano di suoni di gongs e metalli, rumori concreti di oggetti di varia natura, occasionali note di pianoforte, per poi ridiscendere progressivamente e prendere una piega decisamente più astratta e frammentaria, talora dissonante, sicuramente desueta e inaspettata. I venti minuti del successivo brano "L'orlo, la fune, il niente" costituiscono sicuramente la parte più riuscita dell'intero CD. I suoni si fanno variegati, originali e imprevedibili, e in un continuum di tensione sonora senza attimi di cedimento si odono straordinarie miscele di ronzìi, ovattati suoni percussivi, metalli, gongs, campanelli, cicale, legni, distanti  voci umane... L'atmosfera si fa poi più rarefatta, e le note basse di un pianoforte riverberato sembrano condurre ai confini di una dark-ambient inquieta, spettrale e sospesa sull orlo di un oscuro precipizio... Quindi di nuovo il ritorno di voci e rumori, segnali di presenze umane e altri strani e indecifrabili suoni spalancano le porte su un nuovo paesaggio sonoro, che con momenti di grande suggestione evolverà sul finale in un oscuro quasi-silenzio, lasciando spazio soltanto a rumori di cicale, agghiaccianti stridìi metallici, distanziate e risonanti note di pianoforte... Il breve brano "The Emptiness Behind Seasons" rimane su fondi sonori d'impronta oscura, su cui si sovrappongono ancora tocchi di piano, zither, voci e rumori concreti, ma alleggerisce comunque la tensione precedendo lo splendido "L'Oblio nella Culla Dorata", un acquarello sonoro dalle tinte tenui e delicate costruito su un bel fondo ambientale di riverberata "musica discreta" e da inserti di voci, legni, fruscii, cinguettìi di uccelli, voci di bambini, e ancora note lievi note di zither e pianoforte...

(Giuseppe Verticchio)

 

Alio Die/Daino Luciani: End of an Era (CD 2007 - Hic Sunt Leones)

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Nuova uscita (sempre su Hic Sunt Leones) di Alio Die, che continua ad espandere il raggio delle proprie collaborazioni artistiche realizzando il presente "End of an Era" a fianco di Luciano Daini. Utilizzando come di consueto un'ampia gamma di strumenti acustici, salterio e zither per quanto riguarda Alio Die, violoncello, corni, flauti metalli, percussioni  e sonagli per quanto riguarda Luciano Daini, i due mettono a punto un'ambient music piuttosto variegata e a tinte a volte piuttosto oscure, grazie ovviamente anche ad un accurato trattamento elettronico delle sorgenti sonore, ad un complesso lavoro di ri-composizione, editing delle singole parti e ad un articolato lavoro di missaggio/montaggio audio. Atmosfere meno "rilassanti" e "luminose" rispetto ad altri recenti lavori firmati da Alio Die, "End of an Era" richiama talvolta alla memoria echi di antichi e oscuri rituali spesso evocati in passato dall'artista, soprattutto in album di vecchia data ("Sit Tibi Terra Levis/Introspective", "Under an Holy Ritual" ad esempio...) che tutt'ora rimangono un riferimento assoluto nella discografia di Alio Die e in senso più generale anche nella storia della musica ambient dell'ultimo ventennio. Molte le tracce di grande suggestione, "End of an Era", "Crucibulum" e "Il Volo Assunto" solo per citarne alcune, ma al di là del valore dei singoli brani ciò che si apprezza e che "conquista" è l'efficacia del CD inteso nel suo insieme, nel suo progressivo e lento fluire, nelle sue varie sfaccettature, nella corretta scelta dei "tempi" e nell'accostamento di diverse soluzioni sonore, che si intersecano e si alternano tra loro con grande gusto ed eleganza. Un CD che sicuramente non deluderà chi già conosce e apprezza Alio Die. Una collaborazione artistica sicuramente riuscita, un' esperienza da replicare.

(Giuseppe Verticchio)  

 

Altieri Corrado/Favaron Gianluca: The System of Objects (CD 2013 – Silentes)

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Un “classico” collage di rumori concreti, scrosci, sibili, sfregamenti meccanici circolari, scricchiolìi elettronici e non, soffi, cigolìi; il tutto “appoggiato” su fondi statici “dronosi”  ora più presenti, profondi, avvolgenti e incisivi, ora relegati a più subliminale e discreto sottofondo, quando non completamente assenti. Sette tracce messe a punto da Corrado Altieri (nastri e apparecchiature elettroniche) e Gianluca Favaron (computer) che non si distaccano molto da quanto concepito e realizzato in tempi recenti da quest’ultimo nei suoi CD collaborativi a firma Zbeen insieme ad Ennio Mazzon. Nel presente ”The System of Objects” le proporzioni tra i suoni di origine sintetica e i rumori di origine concreta sono in realtà invertiti; qui infatti questi ultimi costituiscono sicuramente parte preponderante rispetto a quanto è possibile ascoltare. Nonostante tutto la “sostanza” non cambia, giacchè l’approccio, le dinamiche, le intenzioni (sonore, artistiche, concettuali…) e le “logiche” delle composizioni, e quindi dell’ascolto, rimangono sostanzialmente invariate. Non conoscendo molto la musica di Corrado Altieri, se non limitatamente al suo (molto più “sintetico”) CD con Simon Balestazzi “Rings” a firma Candor Chasma, e al (molto più “rumoroso”, “pesante” e aggressivo) “Document” a firma “Uncodified”, non mi è possibile comprendere l’esatta “misura” degli interventi di Altieri (il cui nome compare tra l’altro per primo…) nel presente CD, ma seppure ampia parte del materiale sonoro di origine fosse stato da lui “fornito”, probabilmente il tipico “stile” di  Gianluca Favaron nel trattamento, stratificazione e assemblaggio dei suoni ha “segnato” in modo piuttosto inequivocabile la sua presenza, rivelando distintamente il suo fondamentale apporto.

(Giuseppe Verticchio)

 

Amon/Never Known: Live at Molto (CD-R 1997 - Afe)

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Questo CD-R ripropone la registrazione di una performance live tenuta presso un  club di Milano nell’aprile del 1997. Un concerto dalle sonorità prevalentemente oscure e dalle evoluzioni lente e progressive. Il CD-R è suddiviso idealmente in sette tracce, ma non ci sono interruzioni reali tra un brano e l’altro, e tutta l’opera scorre come un continuum sonoro fluido e organico. I passaggi tra le diverse atmosfere sono eleganti, discreti, misurati; le parti più incisive e sature di suono vengono a formarsi in modo graduale, seguendo un’ evoluzione così naturale da risultare quasi inavvertibile nel suo incedere, mentre anche nelle zone di maggiore ombra e staticità si distinguono chiaramente diversi e curati strati sonori di sottofondo che si incrociano, si alternano e si confondono, creando tessiture sempre nuove e cangianti, immagini sonore mai immobili e monotone...  

Un’ottima prova per un autore che nel 1997 aveva già raggiunto una piena maturità artistica, evidentemente riscontrabile in questa suggestiva esibizione dal vivo, e che  apriva la strada verso una forma stilistica, nel panorama dell’ambient italiana,  che altri autori, all’epoca ancora alle prese con i manuali del loro primo synth, avevano da poco iniziato ad esplorare...

(Giuseppe Verticchio)

 

Amon: Mer (CD-R 2000 - Blade Records)

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A meno di un anno di distanza da "The Legacy", CD realizzato per la Eibon, che può essere considerato uno dei punti di riferimento assoluti per la musica dark-ambient, la Blade Records  propone in formato CD-R, in edizione limitata a 150 copie, questo splendido lavoro di Amon.  Cinque brani che, pur coerenti stilisticamente e perfettamente integrati tra loro, sembrano però rivelare cinque aspetti piuttosto diversi dell'universo musicale di Amon. L'affascinante brano di apertura "Foundation" propone atmosfere drammatiche a base di onde di drones che emergono e si dissolvono in un progressivo crescendo sonoro, arricchito via via di nuovi strati ed elementi, tra i quali colpisce per efficacia un suono di probabile origine elettronica che riporta alla mente echi di voci umane dal timbro grave e vibrante, confuse immagini di cori di monaci buddisti recitanti antichi rituali sacri tibetani... "Osirion", con i suoi suoni ampi e dilatati sembra invece descrivere il vuoto assoluto, lo spazio infinito, un senso di smarrimento misto ad angosciosa solitudine, facendoci fluttuare nella cecità del buio totale, in una aliena dimensione priva di qualsiasi riferimento spazio-temporale... "Secret Chamber" sembra riportarci di nuovo sulla terra, sempre e comunque in qualche locazione povera di luce, con atmosfere più statiche e meno drammatiche. Il brano è infatti costruito su un sottofondo sonoro di drones piuttosto immobile, sul quale, con movimenti lenti,  emergono, si muovono e si incrociano in lontananza echi di altri suoni di origine indecifrabile... Atmosfere vagamente "spaziali" in "Darkside Return II", che sembra quasi tornare a descrivere quel senso di buio assoluto e di infinito già  proposto da "Osirion", ma stavolta dall'oscurità emergono dei bagliori di luce, dei possibili punti di riferimento, dei suoni elettronici più distinti, delle pulsazioni più profonde e presenti... forse è la fine del vuoto... "Gateway", splendido brano di chiusura, sembra avvicinarsi molto, per le sue sonorità vagamente melodiche e sicuramente meno oscure ed estreme, all'altro progetto musicale "Never Known" di Andrea Marutti. Sequenze di accordi di pads dal suono morbido si sovrappongono lungamente ad un substrato sonoro piuttosto uniforme, mentre lontani e riverberati rumori metallici dal suono sicuramente meno quieto e rassicurante creano un sottile filo di tensione che ci accompagnerà fino alla fine del disco...  Semplicemente un ottimo lavoro, e una nuova convincente conferma per Amon.

(Giuseppe Verticchio)

 

Amon: Foundation (2 CD 2005 - Afe/Eibon)

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Prodotto in collaborazione tra Afe (l'etichetta dello stesso Andrea Marutti/Amon) ed Eibon, questo doppio CD, presentato in una elegante confezione, propone, in versione rimasterizzata e con alcune variazioni rispetto ai brani contenuti nelle edizioni originali, la ristampa congiunta del primo CD "Amon" uscito originariamente nel 1996 per Murder Release e il successivo "Mer" uscito in edizione limitata su CD-R nel 2000 per Blade Records. Relativamente al primo CD, il brano introduttivo "Regula 1" è stato sostituito da"Prepare to Leave", precedentemente apparso nel 1997 nella compilation "Dissolution Fahrenheit" realizzata da Eibon, mentre a proposito del secondo CD è da segnalare l'inserimento del brano "Lost". Inserendo il primo CD nel lettore, e procedendo nell'ascolto, ciò che stupisce, prima di ogni altra cosa, è l'idea che questa musica, concepita e registrata esattamente dieci anni fa (ad eccezione del brano "Prepare to Leave"), si mantenga tutt'oggi perfettamente attuale, senza che il tempo trascorso ne abbia minimamente intaccato lo "smalto", la "proponibilità", il valore oggettivo... In queste prime registrazioni siglate "Amon" Andrea Marutti già metteva perfettamente a fuoco la sua idea di un progetto musicale di impronta fortemente statica e oscura riconducibile a quel genere comunemente definito dark-ambient del quale, in poco tempo, sarebbe divenuto uno dei maggiori protagonisti e punti di riferimento a livello internazionale, grazie anche all'interesse e al supporto di una prestigiosa etichetta come Eibon, che negli anni a venire avrebbe realizzato altri due capolavori assoluti nel panorama della musica dark-ambient siglati Amon, l'ormai esauritissimo "El Khela" (a quando una nuova edizione?) e "The Legacy". Le masse sonore sprigionate da Amon in queste sei tracce sono letteralmente devastanti, le onde di basse frequenze fanno vibrare il mio stomaco prima ancora che la sedia dove sono seduto e le pareti della stanza nella quale mi sono "ritirato" per l'ascolto, e osservando la risposta "fisica" dei woofer alle pesanti sollecitazioni sonore mi rallegro di aver scelto per il mio impianto stereo diffusori con woofer di generose dimensioni e membrane e sospensioni sufficientemente rigide da poter "contenere" efficacemente l'aggressione di tanta devastante potenza... Ma non ci sono solo basse frequenze... Sovrapposte ad esse una varietà di altri suoni stratificati ora più sommersi ora portati in primo piano (onde elettroniche, sibili, metalli, boati, suoni sintetici, altri drones...) restituiscono ad ogni brano un'impronta caratteristica ed una forma diversa, il tutto per un' ora abbondante di musica (66:54 per l'esattezza, ma poi c'è ancora il secondo CD da ascoltare...) di grande intensità e drammaticità... Per quanto riguarda il contenuto del secondo CD, è possibile fare riferimento alla recensione di "Mer" già pubblicata su Oltre il Suono, e aggiungo soltanto che l'inserimento dell'affascinante e "profondo" brano "Lost" (della durata di quasi nove minuti), non presente sulla precedente edizione, impreziosisce ulteriormente un disco che già avevo definito ottimo.

(Giuseppe Verticchio)

 

I think I can see them now: people in the immediate future, reviewing this double set just after it's out and writing down dark ambient as if it was the most proper thing to do. I can see them now, settling for the easiest explanation, classifying and taxonomizing, the you-know-what of simple references and shiny truth-skipping. But you know what: the first disc preview went on and on, it was late at night, I was standing at the window, looking outside: tiny distant stars and the darkest still shape of the hill guarding the valley below: there was a huge, shiny grey cloud swallowing half of the landscape: it looked exactly as a spaceship made of fog. And it was so damn perfect, with Amon trademarks sounds and scapes eating the whole of my ears: and it struck me: I thought: how about spaceships made of sound? Damn, the man who played these tracks knew exactly what he was doing! The fact being: disc one will bring you way afar, lead you astray onto a cosmic derive: by the end of it, you'll find yourself two-points shot from Andromeda: and depending on your mood disc two could either push you further onto black hole regions or bring you unsafely back home should you really desire it. The box-shaped ticket you're about to buy will grant over two hours of deep space travel at a time: and you will use it as long as needed, back and back again. No money-back guarantee here: you won't be needing them among asteroid belts and comet tails. Space is just a press play away. Consider yourself warned.

(P. Ippoliti)

 

Amon/Nimh: Sator (CD 2007 - Eibon)

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[ giuver@yahoo.com ]  [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]

 

L'universo dell'ambient e della musica sperimentale è sterminato. Ma se ne parla molto poco, e si conosce la scena anche meno. Ed è facile perdere dischi importanti se non si frequentano canali privilegiati, quantomeno settoriali. Il caso di dischi importanti che dovrebbero esulare da un contesto specifico è proprio "Sator". Nato dalla collaborazione tra due artisti nostrani ben noti alla scena, Amon (Andrea Marutti), storico progetto di dark-ambient, e Nimh (Giuseppe Verticchio), è un'affascinante discesa nelle cavità più profonde della terra. E' la riproposizione di un abisso, delle viscere, di un assordante sprofondare verso il non conoscibile, verso il mistero ancora irrisolto del quadrato magico del Sator. Formato da cinque parole di cinque lettere sovrapposte - ROTAS/AREPO/TENET/OPERA/SATOR - è sicuramente la struttura a palindromi più nota della storia. E cinque sono i brani presenti nel disco che ripropongono come titolo i cinque palindromi. Qui si scava a fondo attraverso synth, tools, sequencer, effettistica e molto altro ancora. Una ricerca che sembra voglia afferrare perlopiù l'effetto piuttosto che capirne la causa. Sonorità oscure, maree e flussi in perpetuo movimento, lentamente, che scandagliano singolarmente ogni elemento chimico che compone la sostanza. Chirurgicamente. "Sator" è un viaggio rituale più che un disco nel senso letterale del termine, e come tale fa fatica a rimanere inciso su di un supporto perché ogni volta che si attiva scopre una dimensione diversa dalla precedente. Un relativismo irrequieto che non trova motivo specifico di esistere neanche nell'ambiente in cui si muove. Perennemente distorto e dilatato. Come le molteplici interpretazioni date al quadrato nel corso degli anni, senza che si raggiungesse mai un'analisi definitiva e comune. E come tutte le cose che non hanno una definizione, di cui non se ne conosce lo scopo, anche "Sator" conserva il suo fascino esplorativo ad ogni ascolto. Un viaggio lungo le strade dell'indefinibile dove nessun valore è assoluto, ma tutto, ogni cosa, ha motivo di esistere.

(Andrea "Emo" Punzo - www.hardsounds.it)

 

..."Sator" è composto di 5 tracce monolitiche che spaziano dai 10 ai 18 minuti circa, intitolate coi nomi dei 5 palindromi del suddetto quadrato; tutti i brani sono incentrati su drones ossessivi e prolungati, samples rielaborati in studio e synths, e tra tutta questa elettronica svetta un uso particolare delle chitarre, difficilmente riconoscibili tanto è forte la distorsione e la scarnificazione del suono nelle tracce 1 e 5. L'ossessione alla base di ogni brano, l'oscura insistenza di rumori sulfurei, con echi che riconducono alle prime release della Cold Meat Industry, è legata a doppio filo a motivi alchemico-ritualistici che ricordano gli esordi dei maestri Ain Soph, sicuramente rivisti in chiave più innovativa e tecnologicamente avanzata. Il momento più emozionante rimane la fase finale di "Arepo", in cui un tenue motivo trionfante svetta su una pioggia di rumori metallici e ancestrali. Musicalmente "Sator" è un viaggio nelle viscere della terra alla scoperta di segreti che nascono dall'uomo ma ne superano le capacità basilari, il tutto incentrato sulla creazione di un'atmosfera terrificante, memore forse della lezione impartita in lavori come "Dogs Blood Rising" dei Current 93. Eccellente la confezione, quadrata (guarda caso!), che riproduce in piccolo le fattezze delle vecchie copertine apribili dei vinili, con annessa copertina interna. Disco consigliato agli inossidabili fans della dark ambient (che lo apprezzeranno senz'altro) e a chi ha intenzione di fare o simulare qualsiasi tipo di torbido rituale (non sto scherzando!).

(Michele Viali - www.darkroom-magazine.it)

 

This could be the real clash of the titans of dark ambient and you just need a sight to their individual discography and it will tell you more than any word I can write. Even if both Marutti (Amon/Never Known, headchief of Afe records) and Giuseppe Verticchio (Nimh) in the recent past have put out many material that's not strictly dark ambient, here they do what you probably can expect from such an odd pair. Hence, "Sator" begins with a "concrete" monumental drone that scares the shit out of the listener as to say ambient can still be heavy as fuck. The matter of the release but also the sound choice of this collaboration reminded me of an old Grinzich/Nehil joint ventures but way more reverberated and dark. The funny thing is that somehow I got the impression Nimh as been "Amonized", I can't say that firmly but sure while listening I've found many traces of Marutti's "heavy" hand on the crime scene. Probably that's just a suggestion since what I can guess they simply mixed the most obscure and intimist aspect of their individual personalities finding a common ground they could share for this opus. There's an abundance of delays/reverbs and a copious use of keyboards even if in some passages they left them still intelligible but not without burying it under a heap of thick low noises/echoes leading in the mid of the dark pool. While the first three tracks of this output present a framework mainly based on delayed-noises, the dronical-essence rears it's ugly head just with the fourth "movement" of this cd and it lately disappears in a "freaky-post-krautian-Schultzesque" sad "sauce" (yes, dark freaks have a safe ground to walk upon). With the closing chapter of this book arrives my favorite one: dark ambient in full effect that all of a sudden fades into a quiet mechanical drone and into a rarefied paste made out of bells? voices?…anyway, it will blows you brain and resistance out for sure. A first class recording/package complete this good release, the only things I ask myself is what if it would have been a bit shorter, but you know many artists doing this kind of things want to test the guts and the balls of their listeners, "will you dare to take the whole trip?". If you're into dark ambient at the edge with some post industrial landscape here's a journey you can definitely take.

(Andrea Ferraris - Chaindlk)

 

In a spirit of experimentation: The nightly visions turn humane. Can there be a thing like a playful Dark Ambient album? The relaxed mood in which "Sator" came into existence certainly already reveals quite a bit about its content. Afe Records founder Andrea Marutti initially met up with Giuseppe Verticchio of Nimh to simply record a few tracks together. The mood in the studio and the pleasant nature of their interaction meant that they ended up with two album's worth of material, the first of which is now being released on Eibon Records. Of course, the result is still dark and somber. But underneath the heavy moods, the spirit of experimentation and the joy of working on something which opens in every direction imaginable is immanent. This is all the more welcome as Dark Ambient, despite all of its promises and potential, has become something of a dead end of lately when it comes to finding new modes of expression. The goal has been more in refining what has been achieved (which is quite a bit, as it has greatly matured from its crude beginnings) than in taking things to a new level - or at least in trying to find a distinctive voice of its own. That "Sator" would be a more individual affair was kind of clear right from the start. Marutti has built up Afe as an imprint which focuses on quality rather than clear-cut genres, even allowing his releases to stray into rhythmical territory occasionally and preferring multi-faceted artists over stereotypical ones. Already the long list of instruments used for "Sator" points to a poly-tentacled approach, in which synthesizers, sequencers and samplers are merely one of the components in a setup including e-bow guitars, field recordings, metals and objects, tapes and a Russian Box Zither. A lot of this colourful equipment is actually treated to a degree that their original sound properties blend into the mix, leaving only faint traces - but always enough to make the nightly visions turn somewhat more humane and rich in texture. In the same degree, special care has gone into the arrangements, which take the listener through various mental states and through different stages, never ending at the same place where they began their journey. While the opening "Rotas" is still a greyish mass of monochromatic reverberations and high-pitched streaks of light, already the second track, "Opera" transforms into a vaguely rhythmical and mysteriously occult offering with discreet cymbal drones and metallic chimings. Going from there, languid melodies try to fight their way through tectonic plates, electric chirping melts with futuristically-symphonic ambiances, sweet motives are slowly buried underneath sonic rubble and muffled voices merge into moments of spaceous clarity. Marutti and Verticchio (as well as their regular third collaborator Daniela Gherardi) have concentrated on a select amount of tracks for each title, which makes them all the more organic. It is also a statement of intent. Instead of clustering their pieces with endless lines of manipulations in order to lend them a superficial deepness, they have allowed them to remain open, giving the listener the chance to fill in the gaps with his imagination. Maybe "playful" is not really the correct term for this atmospheric and dense work. But it is certainly one which uses the elements of the Dark Ambient genre and shuffles them around with all the respect in the world yet in a mood of trying out different things.

(Tobias Fischer - www.tokafi.com)

 

Amon: El Khela Al’Akhdar (2 CD 2016 – Eibon/Silentes)

[ http://www.eibonrecords.com ]  [ http://store.silentes.it ]

 

E’ passato molto tempo da quando Andrea Marutti “vestiva” i panni di “Amon” quale principale, notturna “creatura” del suo pur multiforme universo musicale…

Non vogliamo dimenticare Never Known, o Spiral… o i tanti altri progetti collaborativi che lo hanno visto partecipe anche in tempi più recenti (Hall of Mirrors, Sil Muir, Molnija Aura, Maribor), ma certo è che per molti anni Andrea Marutti, prima di iniziare a “firmare”  le produzioni con il suo nome reale, è stato per tutti fondamentalmente “Amon”.

Amon è un progetto ormai “storico” e di culto, che ha visto luce per la prima volta vent’anni fa esordendo con l’album omonimo, edito da Murder Release, al quale poi sono seguiti altri notevoli album pubblicati per lo più da Eibon (quali “El Khela”, “The Legacy”…).

L’ultima volta che il nome “Amon” è comparso su una produzione di materiale nuovo e originale è stato nel 2007 su “Sator” (CD in collaborazione con Nimh uscito sempre per Eibon), e a tutt’oggi non è dato sapere se in futuro ci sarà un vero e proprio “ritorno di Amon” con altro materiale nuovo e inedito…

Intanto, in attesa di un auspicabile ritorno, Eibon e Silentes hanno scelto di pubblicare il presente doppio CD “El Khela Al’ Akhdar”, che come lascia presagire il titolo è una riedizione ovviamente ampliata e rimasterizzata dell’originale “El Khela” uscito per Eibon nel lontano 1997.

Il primo dei due CD ripropone infatti esattamente il titolo originale, al quale però è stato effettuato un accurato intervento di remastering che, grazie anche alle nuove tecnologie, regala a questo album un dettaglio, una profondità, una nitidezza, presenza e spazialità che non era possibile “cogliere” nell’edizione di quasi venti anni fa.

Nel secondo CD compaiono invece tracce che in realtà “coprono” l’arco temporale di più di un decennio (1995/2006), costituite in gran parte da brani usciti su varie compilation, ma comprendenti anche due brani “prelevati” dal 7’’ “Aura” edito da Drone Records nel 1998, uno pubblicato sul primo CD di Amon già citato poco sopra, e due brani inediti.   

Nonostante il materiale del secondo CD non sia stato registrato nello stesso periodo di “El Khela”, le sonorità, le atmosfere e le strutture dei brani di questa raccolta sono estremamente omogenee e perfettamente riconducibili, stilisticamente, a quella dark ambient “monolitica”, profonda, infinitamente cupa e priva di qualsiasi spiraglio di luce che caratterizzava non solo l’originale “El Khela”, ma in senso più generale anche tutta la musica di Amon prodotta negli anni immediatamente precedenti e successivi.

Impossibile e anche poco utile la descrizione nel dettaglio dei singoli brani, in quanto l’opera va “letta” nel suo insieme, trattandosi di una sorta di “continuum sonoro”  basato su stratificazioni di basse frequenze profonde e abissali, nel quale sostanzialmente solo le sfumature, le diverse dinamiche, le sottili variazioni timbriche, le quasi impercettibili variazioni armoniche, fanno la differenza tra una traccia e l’altra.

Una spettacolare e ambiziosa produzione (grazie allo sforzo congiunto di Eibon e Silentes), presentata in una fantastica confezione cartonata, che “copre” il vuoto di questa lunga assenza di Amon, consentendo non solo di riscoprire il vecchio “El Khela” valorizzato dal nuovo lavoro di remastering, ma anche di “godere”, nel secondo CD, di un ascolto continuo e “razionalizzato” di tante altre tracce di Amon che altrimenti, disperse in varie compilation e releases di breve durata, non avrebbero probabilmente mai lasciato memoria di sé.

(Giuseppe Verticchio)

 

20 years after its initial release, Amon's “El Khela” still shines out like a pillar in the dark ambient field.

Mysterious, catacombal, bleak, monumental, cryptic ambience.

This new edition contains a remastered, repackaged and graphically renewed version of “El Khela” + a second CD with rare, unreleased and reworked tracks.

Coproduced with Silentes, “El Khela Al'Akhdar” comes in digisleeve + 2 inner sleeves.

(Eibon/Silentes)

 

Antikatechon: Privilegium Martyrii (CD 2011 – Silentes)

[ http://davidedelcol.blogspot.com ]

 

Un superbo album di oscura, profonda, in un certo senso “classica” musica dark ambient, contesa tra atmosfere inquietanti, drammatiche, dense e spettrali, e toccanti ed evocative aperture melodiche, raggi di luce, flebili barlumi di speranza…  Passaggi a tratti quasi “sinfonici”, seppure mai “pomposi” o ridondanti, “imponenti” nel loro incedere, nei riusciti crescendo, nelle lente e progressive metamorfosi, che talora si dissolvono in statiche, fluttuanti, ipnotiche stasi ambientali, per poi sprofondare in un baleno in claustrofobici, dannati, interminabili tunnel sonori, dominati da potenti substrati di drones, ritmiche meccaniche, colpi metallici riverberati, dalle cui trame emergono indecifrabili, disperati e confusi echi di voci umane, loops di masse metalliche sferraglianti, preludio di una lunga, profonda, tormentata e irreversibile discesa agli inferi… Un album assolutamente straordinario, quasi “epico” per l’efficacia della sua “formula” e del suo impatto emotivo, per un nuovo progetto che vede Davide Del Col, già “titolare” dello storico progetto “Ornament” e attualmente parte essenziale di progetti collaborativi quali  “Molnija Aura” o “Echran”, tornare prepotentemente alla ribalta con quelle sonorità e atmosfere marcatamente oscure e “deep” che quasi 15 anni fa avevano caratterizzato le sue prime realizzazioni.  

(Giuseppe Verticchio)

 

Thick and spectral dark ambient, soaked with soft and flowing pads stratifications, wrapped in deep and penetrating low frequencies spires, enlightened by delicate and touching melodic inserts, profaned by echoes of reverberating metallic noises, clanging chains, circular mechanical movements, waves of indecipherable whispers, distant and suffering human voices... A great debut CD for Antikatechon, a project that showcases Davide Del Col's eclectic personality, already the unique mind of the Ornament project, and keyman of other recent collaborative projects such as Echran and Molnija Aura.

(Silentes)

 

Antikatechon: Chrisma Crucifixorum (CD 2012 – Rage in Eden)

[ http://davidedelcol.blogspot.com ]

 

Nuovo secondo, entusiasmante capitolo per il progetto “Antikatechon” di Davide Del Col, pubblicato dalla ben nota e sempre ambiziosa etichetta polacca “Rage in Eden”. Sei brani affascinanti ed evocativi di musica tipicamente dark ambient, per una durata totale prossima ad un’ora. Sonorità oscure, sepolcrali, a momenti sinistre, tornano a dipingere paesaggi apocalittici, scorci di antiche rovine, decadenti edifici abbandonati dal tempo, lande desolate avvolte dalla nebbia, orizzonti fumosi dai contorni incerti e indefiniti… E ancora una volta tornano strutture sonore costruite con un abile e articolato utilizzo di possenti loops metallici, onde circolari di morbidi tappeti sintetici, echi di lugubri e indistinguibili voci umane, profondi drones, evocativi e cinematografici rumori d’ambiente, struggenti paesaggi melodici che talora allentano la tensione, ma senza mai regalare un solo attimo di “vera”, assoluta quiete e serenità… Non c’è pace né speranza né riscatto nella musica di Antikatechon… Un CD assolutamente imperdibile per chiunque ami viaggiare nell’ombra e nell’oscurità, e negli abissi ancora più reconditi e imprevedibili delle proprie inquietudini interiori.

(Giuseppe Verticchio)

 

There were no classic dark ambient albums in Rage In Eden recently, so it's highest time to change it. This time I offer 57 minutes of music in this genre. Very interested album, not dominated only by dark sounds (of course they are present), but they are some kind of base for beautiful, trance melodies.   This alternans of melodies and unspecified sounds makes this album to be listen with huge interest.

(Rage in Eden – Label Press) 

 

Antikatechon: Woe is the Reward (CD 2014 – Rage in Eden)

[ http://davidedelcol.blogspot.it ]

 

Un nuovo, “poderoso” album di musica fondamentalmente dark ambient di grande impatto a firma Antikatechon, alias Davide Del Col, già parte degli Echran, Molnija Aura, Rhetra ed ex Ornament per chi conosce e segue l’artista da più di un decennio.

Se nei precedenti “capitoli” del progetto Antikatechon Davide Del Col sviluppava già con grande maestria plumbee atmosfere emotivamente coinvolgenti e di estrema suggestione, nel presente “Woe is the Reward”  l’artista fa un “prepotente” passo in avanti, costruendo trame sonore sempre più ricche, stratificate, dinamiche, articolate e dettagliate, ampliando la gamma di suoni con substrati più “organici”, avvolgenti, vibranti e “sferraglianti”, drones ricchi di armonici, rumori concreti, field recordings, parti di chitarra elettrica distorta, voci, bisbigli, uniti talora a già “collaudate” e suggestive progressioni ritmiche rituali …

Il tutto senza “snaturare” un progetto che, pur estremamente oscuro e a tratti quasi “catacombale”, da sempre fa del contrasto con ricorrenti inserti melodici uno dei maggiori elementi di pregio, lasciando ogni tanto “filtrare” attraverso le massicce ma decadenti e già violate “mura sonore”, più o meno flebili raggi di luce, “scoprendo” più “quieti” e malinconici” paesaggi in grado di donare, per qualche manciata di minuti, momenti di maggiore  “respiro” e (apparente) “serenità”…  

Non c’è un solo “cedimento” per tutta la durata dell’album… una traccia più  “fiacca”, una parte “stiracchiata” per guadagnare qualche minuto di durata, un inserto poco “ispirato” incluso con leggerezza, autocompiacenza o poca convinzione, un brano poco coeso o comunque per qualche ragione visibilmente difforme dal contesto sonoro generale; tutto scorre sui binari “giusti”, seguendo un percorso perfettamente lineare, e scandito da tempi perfettamente gestiti e “dominati”.  

Forse il miglior album firmato da Davide Del Col (a prescindere dalle sigle dei vari progetti che lo hanno visto partecipe) in tanti anni di attività artistica.

Da non perdere. Assolutamente.

(Giuseppe Verticchio)

 

Antikatechon: I Feel Nothing But Repulsion (CD 2016 – Rage in Eden)

[ http://davidedelcol.blogspot.it ]

 

A due anni di distanza dal precedente “Woe is the Reward”, Antikatechon torna nuovamente in “casa” Rage in Eden, per rilasciare il suo nuovo album “I Feel Nothing But Repulsion”.

Un’opera mastodontica, ambiziosa, quasi 70 minuti di musica, in cui Davide Del Col “scava” a fondo come mai aveva fatto fino ad ora in tutta la sua precedente produzione…

Se alle origini di questo progetto l’opera di Antikatechon si configurava “solamente” come una elegante, ben costruita e ispirata musica di matrice tipicamente dark ambient, basata su strutture ripetitive, e parti melodiche sobrie ma al tempo stesso evocative, con il tempo le strutture e le sonorità sono evolute in direzioni inizialmente imprevedibili, raccogliendo al loro interno elementi di musica industriale, metal, rituale, isolazionista, talora colorate da sfumature quasi “cosmiche”…

Il processo è stato lento e progressivo, e già nel precedente e citato “Woe is the Reward” Antikatechon aveva fatto un notevole “balzo in avanti” in questo senso…

Ma è solo nel presente “I Feel Nothing But Repulsion” che Davide Del Col espande il raggio d’azione a 360 gradi, è solo qui che “apre” tutte le porte, che “scandaglia” gli spazi in ogni direzione, che va a ricercare il dettaglio in ogni dove,  che esplora il suono e le trame con la più sincera brama di conoscenza e il più fine spirito di osservazione….

E’ solo qui che nulla è precluso, nulla è scontato, nulla è “codificato” a priori…

E’ qui che l’universo sonoro di Antikatechon esplode in tutta la sua (pur talvolta intenzionalmente dimessa) magnificenza, portando a compimento un album che è al tempo stesso uno straordinario punto di arrivo, e un’altrettanto straordinario punto di partenza, per quelle che saranno, nel futuro, le nuove possibili “derive” soniche del progetto Antikatechon.

La quasi “epica” title track, sviluppata intorno a droni elettrici circolari, masse di suoni saturi, fragori metallici, parti ritmiche pulsanti, oceani di distorsioni, e semplici ma evocativi giri melodici di chitarra elettrica, vale da sola l’acquisto del CD…

Senza dimenticare, ad esempio, le suggestioni crepuscolari e “notturne” di “And All My Dreams, Torn Asunder”, costruite intorno a toccanti parti di piano di Philippe Blache/ Day Before Us, o il “monolitico” brano introduttivo, “The Epitome of Ingratitude”, quasi tredici minuti di oscure e magmatiche stratificazioni sonore in continua, lenta metamorfosi…

Impianto grafico perfettamente in linea con il contenuto musicale, basato su immagini piuttosto inquietanti, in particolare vecchie e degradate foto in bianco e nero con ritratti di donne e bambini (e un gatto…) a cui è stato “abraso” il volto…

Probabilmente il miglior album di Davide Del Col, anche considerando gli altri suoi diversi progetti musicali e le varie precedenti collaborazioni.

(Giuseppe Verticchio)

 

Working under the moniker of Antikatechon, Davide Del Col has published a number of classic dark ambient releases for Silentes and Rage In Eden.

His musical universe voluntary invites the listeners to travel through deep and eerie soundscaping experiences which profoundly affect our emotions, generate powerful image and vivid metaphors about human finitude, psychic confinement and the otherworld.

This new album entitled "I Feel Nothing but Repulsion" carries on Antikatechon’s aesthetics for isolationist soundscapes, bleak noises and darkly industrial musical excursions.

Piano melodic phrases are brought up by the French neoclassic ambient project Day Before Us on one track, while the ethno-ritual and eclectic droning based project Nimh is featured on one epic piece of the album.

This release is beautifully accompanied by enigmatic and ominous photographs of Bactrian Arts.

With its melodious mystical resonances, disembodied guitar drones and nasty noisy incantations "I Feel Nothing but Repulsion" is an essential opus in the post industrial and doom ambient world.

Rage In Eden is pleased to present this new album to the audience.

(Rage in Eden)

 

Apart: Across the Empty Night (CD 2008 - Final Muzik)

[ http://www.myspace.com/apartlyseconds ]

 

Dopo aver messo a segno fin dal 2004 diverse produzioni molto interessanti di progetti/artisti quali Teho Teardo, Mariae Nascenti, Corpoparassita, Maurizio Banchi, We Wait for the Snow, l'etichetta italiana Final Muzik pubblica ora questo eccellente album di debutto del progetto "Apart", dietro il quale si cela Francis M. Gri, ex componente e cofondatore degli All My Faith Lost. Nove tracce estremamente suggestive, atmosfere crepuscolari e notturne, malinconiche, dolcemente evocative, dipinte come un acquarello attraverso delicate melodie, suoni raffinati ed eleganti (sintetizzatori ma anche pianoforte, violoncello...), e attraverso le affascinanti parti cantate degli "ospiti" Alberto Milani, Daniele Stefanuto, nonchè Viola Roccagli del già citato progetto All My Faith Lost che, grazie alla sua splendida voce, contribuisce in particolar modo alla traccia più straordinaria e incredibile del CD, la conclusiva "Fading Tears", cha da sola basterebbe a consigliarne l'acquisto... Per gli amanti del genere assolutamente da non perdere.

(Giuseppe Verticchio)

 

Apart is the music project by Francis M. Gri, "Across The Empty Night" is his official debut, though he already released a few private demo CDs. Francis has been member and co-founder of well-known ethereal Italian act All My Faith Lost, until "In A Sea, In A Lake, In A River..." band's official first release. "Across The Empty Night" is a fabulous dark album, developing new influences and sound structures. The songs alternate male (by Daniele Stefanuto and Alberto Milani) and female vocals (by Viola Roccagli of All My Faith Lost...), building a bridge between the ethereal music past and current moody/somptous identity. Fans of obscure dark/etehreal sounds, Projekt Records, cloudy postrock, Antimatter and - of course - All My Faith Lost will 100% love this album!

(Final Muzik)

 

Aqua Dorsa: Cloud Lands (CD 2009 - Glacial Movements)

[ http://www.enricoconiglio.com ]

 

Una piacevole scoperta questo "Cloud Lands" di Aqua Dorsa. Non che non conoscessi già gli autori… Conosco molto bene la musica di Gianluigi Gasparetti/Oöphoi fin dai tempi del suo primo CD  "Three Lights at the End of the World", uscito nel 1996 per la "mitica" etichetta Hic Sunt Leones di Stefano Musso/Alio Die, e ugualmente ho avuto modo di ascoltare gran parte della produzione musicale del "collega" Enrico Coniglio.  Non avevo però idea di cosa aspettarmi da questa collaborazione… Fin da quando tempo fa Enrico mi parlò di questa possibilità, non riuscivo ad immaginare in che modo i due "artefici" di questo album avrebbero potuto operare per realizzare la musica ora qui archiviata, e soprattutto non riuscivo a immaginare quale "direzione stilistica"  avrebbero potuto intraprendere insieme, apparendomi piuttosto "distanti" sempre stilisticamente parlando, i lavori in solo dell'uno e dell'altro artista che avevo già avuto modo di ascoltare.  Ebbene…  il risultato di questo primo incontro è sicuramente degno di nota, e probabilmente superiore alle mie iniziali aspettative. L'impressione che si ha è che l'abbinamento tra la pluriennale e consolidata esperienza di Gianluigi Gasparetti, artista legato da sempre ad una musica ambient d'impronta più "tradizionale"  e di forma spesso "oscura", e l' "energia" e il desiderio di innovazione di un artista comunque più "giovane"  come Enrico Coniglio, sia stato l'elemento determinante alla buona riuscita di questo album, che unisce in modo elegante, "snello",  efficace e convincente, gli elementi tipici della musica di Oöphoi, quindi drones, statiche trame ambientali, sonorità d'impronta più "profonda" e introspettiva, ad elementi di tipo diverso, quindi suoni più marcatamente elettronici, inserti ritmici, voci, persino "discrete" e mai invadenti divagazioni "glitch"  (perdonatemi la "parolaccia"…) che arricchiscono le composizioni e le tessiture sonore restituendo un risultato che, personalmente, ho trovato molto suggestivo, coinvolgente, e persino più interessante di quanto prodotto singolarmente dai due negli anni più recenti.

(Giuseppe Verticchio)

 

"Cloudlands" is the collaborative result of two Italian musicians of the ambient scene - Gianluigi Gasparetti, known as Oophoi and Enrico Coniglio. Unlike the dark and isolationist tendency of most editions from this fine Roman label, this CD shows an ethereal and atmospheric sound that you can guess by its title. The seven tracks of Cloudlands are based on warm drones, often accompanied by metallic bowls and chimes that seem touched by the breeze, with glitches and clicks a bit all over the place, but with great economy of means and a never saturated sound. "Zero Gravity" induces an unhealthy lethargy, evolving in a way that leaves behind the sound elements until there is no more than remaining silence. But it is emblematic of Cloudlands album by its construction at different sound layers, the transparency and depth they have, preserving a complete sharpness. On the other way, "Syhan" is a track that unfolds in four significantly different parts, according the loops and samples which they include. As for "Alone In The Rising Fog", the album's longest track, it is also the most crepuscular, with a mechanical tone and the occasional passage of human figures that suggest the future that never happened - not that future glimpsed through the transcontinental zeppelins of the Thirties, but the a far more daunting future given by the character of Robur, a Jules Verne creation at the end of nineteenth century. Cloudlands is, in short, an album of electronic music that sounds organic, virtually without beats, where the sound of the guitar, the piano, the bowed instruments, and the distant voices, transport the listener to a place without time, into a diffuse dream, where the open spaces of ambient are composed (or decomposed) into particles of microsound. A unique and successful approach, which is the great achievement of this AquaDorsa's CD.

(Distorsom)

 

Archetti Luigi: Transient Places (CD 2004 - Unit Records/Stv-Asm)

[ archetti@bluewin.ch ]  [ http://www.luigiarchetti.com ]

 

Un CD realizzato in coproduzione tra l'autore e la Unit Records, molto interessante e particolare, suggestivo, inconsueto, che racchiude in sè in modo chiaro e perfettamente integrato, e in una forma sicuramente molto personale, le influenze che da anni sono alla base della musica di Luigi Archetti. Suoni e strutture compositive minimali, miscelate ad atmosfere di tipo para-ambientale, talvolta scure e drone-based, alle quali si alternano, o sulle quali si inseriscono, elementi di più spiccato sperimentalismo, frammenti di rumorismi elettronici e non, feedbacks, strane risonanze, cupi riverberi, correnti elettriche... "Transient Places" propone quindici tracce, solitamente di durata piuttosto breve, che pur caratterizzate da una certa frammentarietà, stupiscono per come riescono ugualmente a "legare" tra loro, e risultare nel loro insieme e nel loro susseguirsi estremamente organiche e coerenti, complementari e sostanzialmente "fluide"... Un album da ascoltare sicuramente con molta attenzione, con un buon impianto stereo, e ad un volume ragionevolmente sostenuto, e che si lascia apprezzare maggiormente al secondo ascolto e a quelli ancora successivi, quando si ha già ben chiara la struttura, la dinamica e la "logica" della proposta musicale di Luigi Archetti, e non si è quindi in qualche modo contestualmente "impegnati", durante l'ascolto, a cercare di coglierne e delinearne l'essenza e la "classificazione", impresa peraltro piuttosto ardua in quanto si tratta di musica di difficile "etichettatura". Volendo esprimere delle preferenze, potrei dire che trovo particolarmente riusciti ed efficaci i brani d'impronta più "scura" e statica, quelli dai suoni più lunghi e "morbidi", le situazioni in cui Luigi Archetti riesce a dilatare i tempi d'intervento, costruendo, per lenta sovrapposizione di suoni in evoluzione, emozionanti atmosfere "in crescendo";  i brani che, in sostanza, presentano una struttura meno astratta, "spezzata" e frammentaria, prediligendo un andamento più "progressivo" e in un certo senso più  "lineare"... Le tracce, prive di titolo, sono  identificate solo da un numero progressivo, e tra esse voglio segnalare in particolare le prime tre, molto statiche, per lo più oscure e d'impronta "ambientale", l'ottava traccia, molto "potente" e d'atmosfera, la tredicesima, molto "profonda" e quasi drammatica nel suo incedere, e la tesa, "gorgogliante" e "sotterranea"  traccia conclusiva.

(Giuseppe Verticchio)

 

Music in the here and now. An event in an everyday situation. A connecting link between actual occurrences and the deepest depths of one's inner world. A balancing act between total control and the inexplicable. An acoustic journey through the present. It is with ears that Luigi Archetti journeys into the guitar's pick-up, to the limits of the audible. He hears, listens and gathers until he has a whole depot of sounds at his disposal, which he then process by structured planning or by unpremeditated layering. Through digital re-mastering various elements like E-guitar sounds recorded live, string trio sounds and analytical sound worlds are brough together. The resulting music is one which organizes itself in a sequence of interwoven sounds and pauses, alternating between iconic and iconoclastic moments, at the same time referential and confusing. These are sound-scapes in the present and in memory. Sound - the language and the material of sound - is what Archetti is interested in. He focused and crystallizes a quiet listening to the sound and provokes a listening into oneself, an experiencing of pure sound existence. This is a letting-oneself, the spaces of one's memories, of longing, of sorrow or joy. This music is a real as it metaphisycal. The music - it's very presence - is continuously questioned. It drift along, one cannot hold on to it. One moment it is here and in the next it is suddendly gone.

(Falk Lenn)

 

Archetti Luigi: Februar (CD 2005 - Unit Records/Stv-Asm)

[ archetti@bluewin.ch ]  [ http://www.luigiarchetti.com ]

 

Un CD che ho apprezzato a metà. Durante l'ascolto di "Februar", realizzato in coproduzione tra l'artista, la STV/ASM (un' associazione di musicisti svizzeri) e la Unit Records, ho dovuto rilevare, con un po' di dispiacere, che in questo nuovo lavoro Luigi Archetti ha fatto prevalere, e ulteriormente estremizzato, quegli aspetti rumoristici, frammentari e astratti che, seppure in forma meno marcata e preponderante, avevo potuto osservare già nel precedente CD. Composizioni molto "spezzate" e discontinue, suoni spesso aspri e taglienti, scricchiolìi e cigolìi, stavolta prendono il sopravvento in molte tracce presenti sul CD, muovendosi in direzione opposta rispetto alle mie aspettative e al  mio desiderio di una musica ancora più "coesa" e fluida, più volta al desiderio di far "emozionare" che non all'obiettivo di "colpire" e in un certo senso "provocare" l'ascoltatore... Per fortuna non mancano parti, anche ampie, in cui  gli aspetti che avevo maggiormente apprezzato in "Transient Places" tornano a farsi apprezzare, parti che possiamo ritrovare in varia forma e misura nei brani (anche qui identificati solo da un numero progressivo) 1, 2, 4, 5, 10, 11, 13, 14; ma la tendenza che sembra prevalere nel CD è comunque quella di una musica un po' troppo "sacrificata" al rumorismo e alla sperimentazione estrema, che certo troverà ugualmente un'ampia schiera di consensi, ma che personalmente trovo un po' "sterile" dal punto di vista prettamente emozionale, e che, più semplicemente, "fatico" un po' ad ascoltare... In attesa di conoscere in quale direzione evolverà la musica di Luigi Archetti, e quale sarà la "forma" prevalente che essa assumerà in un futuro CD, mi sento di consigliare "Februar" soprattutto a chi è solito "nutrirsi" di sonorità piuttosto estreme e talora quasi "ostiche", tornando a suggerire il precedente "Transient Places" a chi invece desidera approcciare in modo più "morbido" ed emozionale alla musica proposta da questo artista.

(Giuseppe Verticchio)

 

Archetti Luigi: Fragments on Speed, Slowless and Tedium (CD 2008 - Domizil)

[ http://www.luigiarchetti.com ]

 

Diciannove "frammenti" di musica, di una durata variabile da un minuto e mezzo a sette circa, identificati semplicemente da un numero progressivo. Una confezione in cartoncino e un'immagine di copertina decisamente semplice ed essenziale, un titolo invece decisamente meno "sintetico" ma che descrive già abbastanza compiutamente le intenzioni e l'"impronta" musicale del CD.  Musica che evidentemente non vuole essere d'impatto, non intende "trascinare", "emozionare" nel senso stretto del termine, ma che più "modestamente", in modo piuttosto freddo e apparentemente "distaccato", ma non per questo necessariamente meno efficace nel risultato finale, vuole "suggerire" frammenti più o meno lunghi di materiale sonoro costruito attraverso strutture piuttosto semplici, poco elaborate, quasi minimali direi, e suoni anch'essi piuttosto "essenziali" ma al tempo stesso ricercati, ben selezionati e non affatto banali. Tra le note che accompagnano il CD leggo che la sorgente sonora dei diciannove "frammenti" è costituita da improvvisazioni di chitarra elettrica, il cui suono è evidentemente spesso riconoscibile (talora compaiono frammenti persino "melodici"), ma che, evidentemente effettata, trattata, rielaborata e in vario modo manipolata, non sembrerebbe essere, all'ascolto, l'unica ed esclusiva sorgente sonora. Il CD scivola via in modo fluido, elegante, coerente, sicuramente piacevole e a tratti persino "accattivante". Certo non fa "sobbalzare" dalla poltrona, ma non credo proprio che questo tipo di "reazione" rientrasse nelle intenzioni dell’artista. Nonostante la dichiarata e innegabile "frammentarietà" delle singole parti costituenti il CD, c'è da dire che il lavoro nel suo insieme appare invece decisamente omogeneo e coeso, sostanzialmente ben fatto, e sicuramente consigliabile soprattutto a chi, avvicinandosi all'ascolto, più che ricercare "forti emozioni", si aspetti "semplicemente" un'ora circa di piacevole materiale sonoro, sicuramente fuori dagli schemi, "discreto" ma non anonimo, "essenziale" ma non semplicistico.

(Giuseppe Verticchio)

 

Source material for the nineteen Fragments are recorded improvisations with the electric guitar. In a process of cutting, re-arranging and transforming, on which he has worked for several years, Archetti explores the possibilities and limitations of reduction and the states of transformation of recorded musical material. Archetti describes his work in Fragments as a process of crystallisation. In chemistry, this process is described as a liquid-solid separation technique: Acoustic states transform until they reach their solid state.

(Domizil)

 

Balbo Fausto: Login (CD 2012 – Afe Records)

[ http://www.aferecords.com ]

 

Come i “frequentatori” di Oltre il Suono probabilmente già sanno, la musica basata su suoni di matrice prettamente elettronica non è quella che preferisco. Abitualmente per i miei ascolti ricerco suoni di natura più “organica” e musica che unisca ad una quasi inevitabile presenza di suoni sintetici una sostanziale presenza di materiale sonoro di origine acustica, o, in senso più generale, “naturale”. Nonostante questa premessa debbo dire che non ho pregiudizi di sorta, e avendo già avuto occasione di ascoltare, e anche apprezzare, il precedente CD di Fausto Balbo in collaborazione con Andrea Marutti “Detrimental Dialogue”, mi sono avvicinato al presente “Login” con grande curiosità… Ebbene, l’impressione che ho avuto, nonostante le mie personali “idiosincrasie” verso alcune sonorità, è stata quella di un album fortemente ispirato, di grande spessore e di grande fascino. Se solo Fausto Balbo riuscisse a “contenere” un po’ i massicci inserti di “disturbi elettronici”, facendo prevalere gli elementi più “organici”, drammatici, anche “melodici” se vogliamo già presenti nella sua musica ma spesso letteralmente “sommersi” tra masse di sibili e ronzìi, sicuramente la sua musica aprirebbe una grossa breccia nel mio cuore. Alcuni giri armonici, di sequencer, linee di basso, alcune strutture e progressioni sono infatti assolutamente straordinarie e toccanti, come ad esempio in “Harvester of Bits”, “Virus Scan”, o ancora di più nell’esaltante “Hardmysticmeeting”, o nella “nostalgica” (per così dire) “camminata con Klaus” della nona traccia, ma non sempre trovano lo “spazio fisico e temporale”,  l’ “aria”, la “rilevanza strategica” che meriterebbero; oppure, a volte, vengono “sacrificate” prematuramente a preponderanti miscele elettronico-rumoristiche. Dal punto di vista della curiosità è senz’altro impressionante l’effetto della “zanzara dentro la testa” ottenuto in due tracce attraverso le DPOAE (Distortion Product Otoacustic Emissions), cioè le Emissioni Otoacustiche ben descritte nelle note di copertina, seppure, è necessario dirlo, tali tracce sono evidentemente un mero esperimento sonoro mirato a far provare agli ascoltatori questo curioso e poco conosciuto fenomeno acustico. In sintesi, debbo dire che di fronte a tanta banalità che circola in ambito elettronico-sperimentale, nonostante la mia personale scarsa empatia verso sonorità d’impronta spiccatamente elettronica, la “genuina” e ispirata ricerca “sperimental-emotiva” di Fausto Balbo merita un gran plauso, e questo “Login” rimane una tra le scoperte più interessanti di questo 2012.

(Giuseppe Verticchio)

 

Cool experimental sound compositions from Italy's Fausto Balbo. This creative gentleman began making music in the late 1980s and has been pushing the boundaries of sound ever since. "Login" is an intriguing album because it not only presents sound as music...but it also incorporates some very slight musical elements into the equation that give listeners the ability to follow some concrete subtle melodies while their minds are being expanded. The electronics on these tracks combine blips and bleeps reminiscent of early pioneers from the 1970s...while other sounds are most definitely twenty-first century in nature. There's a great deal to take in here in terms of sound and creativity. We can only recommend this to folks who are into far out experimental stuff - this is probably a bit much for folks who simply want something catchy to dance to (heh heh heh...). This fellow is obviously on top of his game and knows how to use technology to his advantage. Eleven bizarre tracks here including "Login", "My Chatroom...My Life...My Distress", "Walkin' With Klaus" and "Will Future Man Develop A Third Ear?". Super smart and inventive music from another dimension... TOP PICK!

(Babysue)

 

Balestrazzi Simon: The Sky is Full of Kites (CD 2012 - Boring Machines)

[ http://www.boringmachines.it ]

 

Caratterizzato da una qualità del suono estremamente nitida e dettagliata, che predispone positivamente all’ascolto fin dai primi minuti, questo album raccoglie tre lunghe tracce dai movimenti lenti, progressivi e dilatati, costruiti con un’infinità di suoni stratificati di diversa origine (elettronica, acustica, suoni concreti…) selezionati e miscelati con  grande gusto e grande cura, tanto da non apparire come il “solito”, più o  meno articolato assemblaggio al PC di suoni sparsi e improvvisazioni raccolte e riunite in modo pseudorandomico e molto autoindulgente, ma riesce ad andare “oltre” questo limite che invece molte produzioni odierne d’impronta analoga non riescono a oltrepassare. L’approccio compositivo è probabilmente simile, ma in questo caso una certa esperienza e perizia tecnica, unita alla capacità di “scegliere” suoni non dozzinali, evitando ad esempio  eccessivi “sintetismi elettronici” e onnipresenti e ridondanti scricchiolìi “glitcheggianti”,   ricercando un suono generale tanto ricco di elementi diversi quanto “organico” allo stesso tempo nella sua miscela d’insieme, riescono a restituire un risultato notevole e di sicuro fascino. E’ comunque nella seconda traccia, “Persistence of Memory”, che la musica trova la sua espressione più alta e la sua forma più convincente, grazie sia ad un utilizzo di suoni ancora più particolari, tra i quali emergono alcuni spunti  in qualche modo più “musicali”, quasi-melodici  e “caratterizzanti”, sia ad una forma compositiva più finemente strutturata ed emotivamente coinvolgente, che restituisce un efficace senso di “progressione”, continuità e “tensione” sicuramente più marcato rispetto alle altre tracce, dipingendo una sorta di “mantra” elettroacustico dai connotati fortemente ipnotici ed evocativi.

(Giuseppe Verticchio)

 

Becuzzi Gianluca/Orsi Fabio: The Stones Know Everything (CD 2007 - Digitalis Industries)

[ http://www.kinetixlab.com ]

[ http://www.fabioorsi.blogspot.com ]

 

Premetto e "confesso" che prima d'ora non avevo mai ascoltato nulla di Gianluca Becuzzi, mentre invece già conoscevo qualcosa di Fabio Orsi, in particolare le sue prime sperimentazioni sonore realizzate alcuni anni fa in forma autoprodotta su CD-R, siglate "fAb". Quando ho ricevuto il presente doppio CD, unitamente al più o meno contemporaneo "Wildflowers Under the Sofa" (sempre realizzato in collaborazione con Gianluca Becuzzi), ero davvero curioso di vedere in che modo e in che direzione fosse evoluta nel tempo la musica di Fabio Orsi, anche perchè avevo avuto modo di leggere impressioni d'ascolto e giudizi sempre molto lusinghieri da parte di chi, come me, dedica parte del suo tempo ad ascoltare CD e commentarli in forma di recensione su qualche webzine. Non nego che sovente mi trovo in netto disaccordo con quanto mi capita di leggere a proposito di uscite di CD in ambito sperimentale e dintorni, mentre invece questa volta mi sono trovato in piena sintonia con quanto altri, prima di me, avevano già scritto di buono a proposito della più recente musica di Gianluca Becuzzi e Fabio Orsi. Trattasi di una musica che trova un suo perfetto equilibrio tra "quiete" atmosfere para-ambientali, moderata sperimentazione, parti un po' più "suonate" e "musicali", spesso a base di chitarra, sempre ben "dosate" e "discrete"; il tutto evitando banali e scontati suoni di sintetizzatori elettronici, evitando il molto diffuso ed eccessivo utilizzo di field recordings, e riuscendo a restituire un risultato che, pur nella sua apparente "modestia espressiva", risulta invece estremamante intenso, "caldo" ed emozionante. Ho parlato di atmosfere "para-ambientali", ma voglio sottolineare come la proposta di Gianluca e Fabio si discosti decisamente da quelle specifiche "varianti" di musica ambient eccessivamente "anonime" e in un certo senso quasi "trasparenti ", quando non addirittura noiose, spesso adatte soltanto come sottofondo di "riempimento" e  impiegate più che altro in forma di "tappezzeria sonora". Ciò che si apprezza inoltre è l'ottima qualità del suono, unita ad una cura estrema, precisa, millimetrica dei missaggi, degli andamenti, delle dinamiche dei brani, dei fade-in e fade-out delle singole parti, che dimostra peraltro, oltre a doti di grande "pazienza" e sapienza tecnica nell'elaborazione e montaggio del materiale sonoro, anche estremo buon gusto e senso della misura e della "musicalità", anche laddove non si possa parlare di "musica" intesa nel senso più tradizionale del termine. "The Stones Know Everything" è sicuramente uno dei lavori di maggiore spessore e di maggiore "personalità" che ho avuto modo di ascoltare negli ultimi tempi. Procuratevelo senza esitazione... ve lo consiglio caldamente.

(Giuseppe Verticchio)

 

Becuzzi Gianluca: (B)Haunted (CD 2014 – Silentes)

[ http://www.silentes.net ]

 

Pur trattandosi della raccolta e riedizione in unico CD di due diversi lavori già pubblicati in precedenza attraverso diversi canali e supporti (“Haunted” per Cèrebro Morto su Tape e CD e “B” per Silentes Tapestry su Tape), il presente album riunisce brani perfettamente omogenei per genere e sonorità, tanto da poter apparire come un CD “a sé stante” se le note di copertina non ne rivelassero l’ effettiva natura. 

Otto tracce per più di settantatrè minuti di oscuri e rimbombanti sferragliamenti, cigolii, colpi percussivi profondi e riverberati, a tratti ordinati in forma quasi ritmica, spesso lasciati risuonare più liberamente in spazi più ampi e in forma meno strutturata, costruiti attraverso l’uso quasi esclusivo di suoni di oggetti metallici di difficile identificazione… forse lastre, taniche, bidoni, cerniere, arrugginiti ingranaggi, catene e quant’altro.     

Questo “groviglio” di suoni di origine metallica è talora arricchito di elementi di altra origine di altrettanta difficile identificazione…  profondi drones, striduli sibili, voci umane…

Il risultato finale è esattamente quello che si può immaginare… una sorta di lungo e poco “rassicurante” “viaggio” notturno tra atmosfere fumose e inquietanti, attraverso immaginarie, oscure e sinistre location dal sapore molto cinematografico all’interno delle quali si alternano momenti di maggiore “azione”, impatto e drammaticità, a momenti più statici, “tesi” e dilatati.

(Giuseppe Verticchio)

 

Berardi Luigi: Un Portatore d'Arpa in Cina (CD 2002 - LB)

[ luigi.berardi@libero.it ]  [ http://www.luigiberardi.com ]

 

Un affascinante documento sonoro, quasi il diario di una straordinaria esperienza artistica e di vita, che, a partire dalle registrazioni in loco delle 100 arpe eolie installate nel 2000 dall'artista lungo la Grande Muraglia Cinese, nella zona del monte Jiao, si estende progressivamente alla registrazione del paesaggio sonoro dell'ambiente circostante, prima tra praterie e ruscelli, stridìi di grilli e cicale, poi fissando "immagini sonore" di vita quotidiana in ambienti urbani, villaggi, tra voci umane, passi, rumori di varia natura, canti, racconti narrati, conte giocose di bambini, suoni di campane e di bacili armonici presso un monastero, concludendosi poi con la splendida registrazione di un lungo assolo di Pipa, uno strumento a corde tradizionale suonato dal  virtuoso Wang Xuenong, anche direttore del Museo Archeologico della Grande Muraglia, una breve ed estemporanea "performance" di Karaoke di Kong Xiangling, organizzatore in loco dell' evento d'arte "Cento Arpe per la Grande Muraglia", e festosi canti intorno ad un tavolo sul quale "troneggia" una bottiglia di grappa cinese... Il CD è corredato da un generoso  booklet, riportante note varie relative all'evento, ma soprattutto ricco di fotografie scattate dallo stesso artista nel momento in cui effettuava le registrazioni, cosicchè è particolarmente interessante poter avere anche l'esatta percezione visiva dei singoli contesti ambientali nei quali sono stati di volta in volta registrati i vari "paesaggi sonori" riportati poi in forma di tracce sul CD. Per poter comprendere e apprezzare al meglio questo CD, e il significato dello straordinario evento artistico-culturale al quale esso fa riferimento, suggerirei vivamente di acquistare anche lo splendido libro/catalogo "Cento Arpe per la Grande Muraglia", reperibile sempre presso l'artista, costituito di 60 pagine, contenente delle suggestive foto in bianco e nero del fotografo Luo Yongjin e degli interessanti scritti di Monica Demattè, Maurizio Giuffredi e Uta Zorzi, che, oltre a descrivere le arpe eolie, la struttura di questo inusuale "strumento", i  principi di "funzionamento", descrivono e raccontano la storia, il significato, le circostanze, le difficoltà, il lavoro grazie al quale Luigi Berardi, con il supporto di un' ampia schiera di collaboratori, è riuscito a portare avanti e concludere felicemente un progetto tanto ambizioso quanto inconsueto, un evento davvero irripetibile, eccezionale, assolutamente unico nel suo genere...

(Giuseppe Verticchio)

 

Berardi Luigi: Le Arpe Eolie di Luigi Berardi - Notte (CD 2002 - LB)

[ luigi.berardi@libero.it ]  [ http://www.luigiberardi.com ]

 

Descrivere attraverso una recensione le vibrazioni, le emozioni che può trasmettere l'ascolto delle arpe eolie di Luigi Berardi  è praticamente impossibile, così come è praticamente impossibile provare a descrivere il suono che l'artista è in grado di far scaturire, complice soltanto il vento, da queste incredibili "sculture" sonore che da anni ha imparato a costruire, accordare ed installare, insieme ad altre altrettanto affascinanti  strutture sonore quali le macro-conchiglie per "abitare" e ascoltare il mondo, le campane per "assonare" giardini, gli organi eolici... L'assoluta unicità e irriproducibilità del suono delle arpe eolie  è forse proprio la ragione principale per cui tali installazioni sonore ci affascinano e ci stupiscono così tanto... Una corda messa in vibrazione dal vento produce, oltre alla nota di base stabilita attraverso l'accordatura, una grande quantità di armonici naturali, variabili in quantità e "presenza" a livello di volume a seconda della direzione e dell'intensità del vento... Tale suono, o meglio tale imprevedibile e continuamente cangiante combinazione di suoni, risulta profondamente diversa da ciò che un uomo potrebbe ottenere sollecitando manualmente il medesimo "strumento". Questo fantastico CD di Luigi Berardi , interamente registrato la notte del 29 aprile 2001 a S. Alberto  in provincia di Ravenna sull'argine del fiume Reno durante l'evento "Le Torri al Vento", contiene quasi un' ora di spettacolari registrazioni di splendidi suoni di arpe eolie, suddivise in cinque tracce non ritoccate a livello di volume in fase di editing per non alterare l'effetto delle dinamiche naturali del vento. Certo il suggerimento migliore che potrei darvi sarebbe quello di informarvi sui prossimi eventi che vedranno protagoniste le arpe eolie di Luigi Berardi, e provare direttamente sul luogo delle installazioni sonore l'emozione dell'ascolto del suono delle sue arpe... Ma se per qualsiasi ragione non ne avete la possibilità, se non avete la pazienza di attendere la prossima installazione sonora di Luigi Berardi, o più semplicemente vi siete incuriositi leggendo dell'attività di questo straordinario artista e dello splendido suono delle sue arpe eolie, procuratevi subito questo magnifico quanto inconsueto CD e lasciatevi condurre, attraverso il  suono magico delle arpe eolie di Luigi Berardi, in una ventosa e suggestiva notte d'aprile lungo i margini del fiume Reno...

(Giuseppe Verticchio)

 

Bianchi Maurizio/Iversen Jan-M.: Rekviem MB-JMI (CD 2011 – Silentes)

[ http://www.silentes.net ]

 

Statici e quieti fondi ambientali monocordi su cui si sovrappongono in alternanza pulsazioni elettriche, agglomerati di rumore rosa, inserti di ovattate field recordings, crescendo di profondi drones, fruscii elettronici, scricchiolìi, disturbi, onde radio, scroscianti maree sintetiche, stratificazioni di loops riverberati di frammenti melodici tintinnanti, gravi accordi d’organo, sfibrate e consunte sequenze armoniche …  Un’ unica lunga traccia che attraverso progressivi ed efficaci cambi d’atmosfera sviluppa un affascinante e coinvolgente percorso sonoro, nei territori di una ricercata post drone-ambient  music dal marcato sapore sperimentale.

(Giuseppe Verticchio)

 

A "classic" minimal ambient album; just one long track, a bit obscure, of a static nature but unarrestable as a matter of fact and slowly developing, built with layers of soft and “round” sounds, heavily processed and effected, whose origin seems to be an organ... "Atypical" for sure, if confrontated with the huge and widely diversified productions of Maurizio Bianchi, this new album is probably one of the last and not to be missed releases signed by “M.B.”, since he has already announced his definitive departure from the musical scene. Another extraordinary collaborative CD, involving this time Jan-M. Iversen, an artist of international fame who managed to enrich and elaborate with great effect the "sound materials" provided by Maurizio Bianchi.

(Silentes)

 

Biasthon: Litam (CD-R 2001 - Autoproduzione) (G. Verticchio, M. Ramassotto, A. Scerna)

[ giuver@yahoo.com ]  [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]

 

In Litam viene fatto ampio uso di strumenti etnici raggranellati ai quattro angoli del pianeta: il risultato mantiene indubbiamente la vibrante briosità di colori delle musiche etniche, trasfigurata però dai trattamenti e dall’utilizzo di elettroniche in una sorta di minimalismo memore di certe operazioni portate a termine dai portoghesi Osso Exotico.

(Etero Genio - Blow Up)

 

...About sixteen different ethnic instruments plus a whole blend of computer tricks have been used to put this together. There's an insane feeling scattered all over, as if a badly-burned Throbbing Gristle disc got stuck in the player playing the same fragments in malicious loops, and then somebody takes over with oblique electronics and organic wails, that blends quite nice with the rest. Joking apart, this stands in the dark ambient department, drone-driven and dazingly melodic, lowercase almost, with occasional full front climaxes, that makes it worth of more than a few listening... reminded me of Raksha Mancham, if you remember them, not only for the sound sources used, but also for a similar compositional taste. An important release, anyway, in which several timelines threads are bound together and presented as a platform from which the future could easily depart. High quality colour prints on solid cardboard, sort of how a digipack would look less the plastic.

(P. Ippoliti)

 

Boccardi Alberto: Alberto Boccardi (CD 2012 - Fratto9 Under the Sky)

[ http://www.fratto9.com ]

 

Articolata, illuminata e illuminante proposta musicale in disinvolto quanto efficace e originale equilibrio tra ricerca sperimentale, elettronica, rumorismi, quiete ed ipnotiche stasi ambientali, sonorità hi tech, discreti inserti melodici, dirompenti linee di basso, parti di batteria, pulsanti e trainanti “crescendo”, suggestivi suoni liquidi di chitarra elettrica arricchiti di marcati delay, improvvise ed imprevedibili “esplosioni” dinamiche…  Convincente album solista d’esordio per Alberto Boccardi, apprezzabile sia per la quantità e l’originalità delle idee, che nascono anche da un ampio e intelligente abbinamento di sorgenti sonore di tipo eterogeneo (qui non siamo certo nel campo della “solita” musica elettronico-sperimentale realizzata soltanto con un laptop, qualche software audio e campioni sonori “rubacchiati” qua e là sulla rete…), sia per la cura e l’attenzione nella qualità “tecnica” della realizzazione, sia ancora per una evidente particolare sensibilità nella messa a punto delle singole composizioni, per quanto riguarda le scelta dei “tempi”, le dinamiche, i passaggi, le stratificazioni dei suoni… Un risultato finale che quindi è anche emotivamente coinvolgente, e non soltanto un insieme di “bei suoni-ben assemblati” fatti rendere al meglio attraverso un ottimo lavoro di mastering. Per dovere di completezza desidero però fare cenno all’unico elemento che dal mio punto di vista penalizza un quadro d’insieme che altrimenti avrei giudicato assolutamente impeccabile. Parlo della presenza nel secondo e per fortuna brevissimo brano (poco più di un minuto e mezzo di durata) di quell’inserto cantato di Cinzia Delorenzi (la cui voce arricchisce invece di pregio altri due brani del CD) d’impronta estremamente stereotipata e in stile sfacciatamente “retrò”. Un eventuale posizionamento a chiusura del CD del medesimo brano avrebbe sicuramente giovato sia alla “fluidità” del percorso sonoro nel suo insieme, evitando un così brusco, estemporaneo e secondo me inopportuno cambio di atmosfera già alla fine della prima coinvolgente traccia, sia al brano cantato stesso, che collocato al termine dell’album avrebbe potuto risultare invece un efficace e imprevedibile  “bozzetto sonoro” di commiato marcatamente e intenzionalmente “fuori contesto”. Nulla di “grave” comunque, soltanto una breve e “perdonabile” ingenuità… E in ogni caso… un ottimo CD.

(Giuseppe Verticchio)

 

I think many of you into unconventional/refined music have already stumbled into this label due to releases like Andrea Marutti, A Spiral or Jelousy Party, but this' a new division of the label and it's focused on musicians and composers with a minimalist, isolationist, electronic electroacoustic, whatever edge. The first release to open the series is Alberto Boccardo, I didn't know that much about him before this cd and even if you can't judge a book by the cover, it's a good debut both for the label and for the musician. Boccardo works on melodic, cinematic textures not too far from Ben Frost, Tim Hacker or music in the likes, even if I can assure you guitar is not is main element in most of the tracks, it looks like he's a guitarist (by the way who's not a guitarist in 2012?!). Even if this' a collection of "compositions", the ambient-electronic influence in many of the track is always pulsing underneath, this is not exactly electronic music and there's no intention to be filed under this category but as I've said I think the genre is overshadowing this work. I'm sure many critics will be complaining about some passages including the use of the soft melodic female vocals in the second track, but I totally approve the end result and you know why? Because despite the intensity e the phatos of the music, Boccardo managed to maintain a light touch there so if you're looking from some isolationist-post industrial heaviness stay away. Thumbs up to this young guy.

(Andrea Ferraris - Chain DLK)

 

Borga Ascanio: Altered States (CD 2015 – Sonic Boundaries)

[ http://www.ascanioborga.com ]

 

Dopo diversi CD-R autoprodotti, uno uscito per AFE Records nel 2008, e diversi anni di silenzio, Ascanio Borga torna alla grande con un doppio album, questa volta pubblicato su “vero” supporto CD stampato, realizzato per la sua neonata etichetta “Sonic Boundaries”.

“Altered States”, questo il titolo, è molto distante dalle sonorità più elaborate, “musicali”, di matrice ambient rituale del precedente “Xenomorphic”. 

L’esplorazione questa volta ruota tutta intorno ad una chitarra elettrica variamente effettata, con la quale Ascanio affronta un lungo viaggio “dronico”, alternando sonorità distorte, a tratti aspre e incisive, masse più “rumorose”, ad atmosfere più dilatate, rarefatte, dai movimenti lenti e circolari. 

Dodici tracce (che potremmo quasi definire “movimenti”) equamente suddivise in due CD, registrate in diretta, senza aggiunta di sovraincisioni o ulteriori effetti, soltanto rielaborate il minimo indispensabile in fase di mastering, senza alterare la “sostanza” e gli “umori” delle performances originali, ma soltanto valorizzandone timbrica e dinamica per una migliore fruizione su CD.

Le registrazioni, stilisticamente omogenee e ben “organizzate”, risalgono tutte al 2010/2011, e quindi ci aspettiamo presto un “seguito” sempre su “Sonic Boundaries”, sia che la nuova musica di Ascanio Borga torni a percorrere sentieri così tesi e oscuri, sia che dovesse volgere verso soluzioni “altre”.

In tanti anni di attività Ascanio Borga ha dato prova di saper affrontare con pari “destrezza” ed efficacia situazioni sonore anche molto diverse tra loro, quindi qualunque sia la direzione che prenderà la sua nuova musica sicuramente non mancherà di stupire e farsi apprezzare.

Da sottolineare, a margine, l’eccellente confezione di “Altered States” realizzata in “ricco” digipak a sei pennelli.

(Giuseppe Verticchio) 

 

Borga Ascanio: Raw Science (CD 2016 – Sonic Boundaries)

[ http://www.ascanioborga.com ]

 

A pochi mesi di distanza dall’uscita del doppio “Altered States”. Ascanio Borga torna con il nuovo CD “Raw Science”, sempre rilasciato attraverso Sonic Boundaries.

Se dovessi definire in modo sintetico, e per forza di cose riduttivo, il contenuto sonoro di questo nuovo lavoro, parlerei di un album di “elaborazioni droniche”.

Detta così il tutto suona molto più semplicistico e banale di quanto invece è possibile “cogliere” dall’ascolto di “Raw Science”, un CD che pur mantenendo saldi punti di contatto con il precedente “Altered States”, si sviluppa attraverso un approccio compositivo molto diverso (in parte anche descritto nelle note di copertina interne), utilizzando peraltro suoni molto più “ricchi” e “vibranti” caratterizzati da abbondanti e distinguibili componenti armoniche, realizzato con una estrema attenzione al dettaglio, in particolare alla scelta e al trattamento dei suoni e alla messa a punto di un master finale che, valorizzando il materiale sonoro “di base”, segna un significativo traguardo anche per quanto riguarda la qualità del suono e il conseguente “impatto”  in fase di ascolto.      

Mettere insieme un’ora di “elaborazioni droniche” potrebbe essere semplice se ci si limita a raccogliere una serie di “drones” sparsi di varia origine e natura (magari recuperati in formato compresso su internet, o ottenuti con dozzinali effetti di stretching audio, o ancora ottenuti giocando con qualche plugin software, magari partendo da un già  “plasticoso” e piatto suono di synth digitale) e poi a metterli insieme con uno dei tanti programmi di montaggio audio, con semplici stratificazioni, incroci, e magari aggiungendo qualche ridondante riverbero che, almeno nelle intenzioni, dovrebbe fare ancora più “dark” e “profondo”…

Ebbene no… in “Raw Science” non stiamo parlando di nulla (o quasi… posso presumere) di tutto questo…

Il lavoro di Ascanio Borga è completamente diverso.

La scelta dei suoni… la loro timbrica di base… il loro missaggio, le loro metamorfosi, evoluzioni, stratificazioni, elaborazioni, sono tutti elementi ben “ponderati”, curati e opportunamente “collocati”, mai affidati al caso o concessi a quella diffusa superficialità che ormai vede “normale”, per molti, considerare “oscura” o musica “dark ambient” qualsiasi rozzo “agglomerato” di rimbombanti e incontrollate frequenze sotto i 400 Hertz…    

Se siete stanchi di ascoltare musica “drone oriented”, perché negli ultimi quindici anni, volente o nolente, ne avete ascoltata in quantità industriale eppure non vi viene in mente neanche un titolo di CD (o di un nuovo artista “dark-ambientale”)  davvero significativo che vi è rimasto impresso… “Raw Science” è il CD che fa per voi, e che vi consentirà di fare nuovamente “pace” con un genere di per sé sempre valido ma che per troppo tempo ha subito gli “abusi”  di folte schiere di “finti” manipolatori sonori dalle ambizioni ancora più modeste della loro già inconsistente creatività.

E’ difficile soffermarsi a “descrivere” in dettaglio le singole tracce, quattro in tutto, che di fatto “ruotano” intorno a lenti movimenti, crescendo, stasi… costruite con suoni più o meno elettronici (direi “più”, ma non in senso negativo perché qui non troverete “effetti speciali” ma solo “elettronica” propriamente detta, quella che, tanto per dire, dà origine al brano “Prima Materia” attraverso progressive “manipolazioni” di un’onda sinusoidale) ma anche, ad esempio,  attraverso l’uso di una chitarra “slide” ben effettata e integrata in grado di arricchire di emozionanti elementi melodici (di probabile “Rich-iana” ispirazione… del resto chi conosce bene Ascanio Borga non può non osservare che l’ombra di Robert Rich spesso “aleggia” sulla sua musica…) substrati più “oscuri” e meno rassicuranti…

Una curiosità… la “Porta Alchemica” che ha ispirato il primo brano (raffigurata anche come disegno all’interno dello splendido digipack a 6 facciate) è quella visitabile a Roma nei giardini di Piazza Vittorio Emanuele…  Se doveste capitare da quelle parti, almeno per curiosità, andate a dargli un’occhiata.

Un CD di Ascanio Borga ai massimi livelli.

(Giuseppe Verticchio)

 

Candor Chasma: Rings (CD 2012 – Old Europa Cafè)

[ candorchasma3@gmail.com ]

 

Una delle ragioni per cui solitamente non mi entusiasmo davanti ai lavori di natura prettamente elettronica è dovuta al fatto che molto spesso la qualità sonora molto “ad effetto”, dinamica, cristallina e “impattante” dei suoni elettronici prende il sopravvento sul resto, relegando a ruolo secondario gli aspetti più prettamente “compositivi” e soprattutto “emotivi” che invece considero assolutamente essenziali e imprescindibili per la messa a punto e la buona riuscita di un qualsiasi album. Allo stesso tempo è inoltre fin troppo frequente l’abuso di “effetti speciali” che potevano impressionare trenta o ancora venti anni fa, ma che ormai, dal mio punto di vista, dovrebbero essere di quasi esclusivo ausilio alla produzione di fondi sonori per film o documentari di carattere fanta-scientifico e simili. Parlo dei classici Filtri-Apri-E-Chiudi, siluranti onde a base di pitch-bend, “rimbalzanti” delay magari associati a imbarazzante effetto di auto panning o rotary speaker, voci dis-umane “robottizate” e così via… Tornando al presente “Rings” di Candor Chasma, progetto di Corrado Altieri e Simon Balestrazzi, c’è da dire che l’album rivela fin dai primi minuti di ascolto la sua natura di album d’impronta spiccatamente elettronica, costruito quindi con un ricco “arsenale” di apparecchiature elettroniche (sintetizzatori, effetti, modulatori e quant’altro…) e utilizzando le più “classiche” soluzioni e sonorità di matrice sintetica (sibili, ronzìi, pulsazioni su frequenze basse, onde radio, voci trattate e così via). Nonostante tutto il gran pregio di “Rings” è che pur attingendo a piene mani alle più “classiche” sonorità e soluzioni adottate da decenni di musica elettronica, riesce a “controllarne” con grande sensibilità e “misura” il risultato e l’effetto finale, grazie anche ad una particolare attenzione al processo compositivo, all’aspetto più prettamente “emotivo”, e ad una scelta di suoni equilibrata e sostanzialmente priva delle più comuni ingenuità/banalità che troppo spesso affliggono la musica di natura spiccatamente elettronica. Un album quindi che “centra” l’obiettivo, senza “avvitarsi”  in inconsistenti, troppo disinvolte e poco ambiziose sinteticità, sicuramente consigliato in particolare agli appassionati di musica elettronica che non ricerchino soltanto delle accattivanti “collezioni” di impattanti e cristallini suoni sintetici dalla sostanziale mediocrità, se non pochezza artistica e compositiva.

(Giuseppe Verticchio)

 

Candor Chasma is the new electronic Italian duo of Corrado Altieri (Monosonik, Uncodified) and Simon Balestrazzi (T.A.C., Dream Weapon Ritual). The band name comes from outer space (Candor Chasma is one of the largest canyons in the Valles Marineris canyon system on Mars) and their debut album is a 5-part hallucinogenic voyage inside analogue whirls, multilayered textures made of tapes and white noise, psychedelic frequencies and cerebral ambient-noise. With the duo rewrites and revises old school industrial, creating contemporary hypnotic atmospheres and up to date power-electronics explosions yet making full reference to the experimental side of the grey area.

For sure a project that will appeal to all the fans of good old-school sounds.

(Old Europa Cafè)

 

Coma Divine: # 10110 (CD-R 2003 - Autoproduzione) (Subinterior & Nox)

[ subinterior@email.it ]  [http://www.subinterior.tk ]

 

Interessante ma breve (durata 23:21) CD-R d'esordio per Coma Divine, progetto musicale che vede gli autori proporre una miscela sonora d'impronta piuttosto oscura, una sorta di dark-ambient con sottili venature industrial, nella quale prevalgono a momenti sonorità più spiccatamente elettroniche. Otto tracce raccolte in un CD-R che si presenta molto bene, con una grafica molto curata e una copertina dalle immagini molto suggestive.  Introduce efficacemente il CD-R "To Lead a Cloistered Life", brano dalle atmosfere decisamente "dark" che sembra condurci immediatamente in quelle stesse ambientazioni nebbiose e immobili descritte dalle immagini della copertina...   In "Murk Part 1" i suoni si fanno più dettagliati, e gli strati sonori, più ricchi ed elaborati, suggeriscono un senso di maggiore profondità e tridimensionalità, mentre le atmosfere, sempre piuttosto oscure, si fanno tese e inquiete... Nel successivo brano "Empty" compaiono dei movimenti d'impronta decisamente più elettronica, forse un po' troppo semplici nella loro forma, nell'elaborazione e nella stessa scelta dei suoni... Anche In "Leak" i suoni sono spiccatamente elettronici, e ad un drone statico di sfondo si sovrappongono, nella prima parte del brano, dei disturbi acidi e graffianti un po' troppo "crudi" e "ad effetto", cui poi vanno a sostituirsi una pulsazione a base di basse frequenze e altri suoni stratificati e più dilatati, per lo più elettronici, decisamente più "discreti" ed efficaci... Da questo momento in poi il CD-R torna nuovamente su quelle atmosfere piuttosto oscure e molto suggestive già proposte  nei primi due brani. Seguiranno infatti gli splendidi "Internato 32", "Murk Part 2",  e "Deception of Equinox", i tre brani che costituiscono forse il vero "cuore" di questo lavoro, e il pur sempre efficace il brano di chiusura "Morbid Emphasis". Il mio giudizio d'insieme a proposito di "#10110" è decisamente più che positivo. Un semplice consiglio che mi sentirei di dare agli autori è quello di concentrarsi in futuro soprattutto su quelle atmosfere più oscure, dilatate, tese,  splendidamente descritte da molti brani presenti in questo CD-R, senza cedere alla "tentazione" di utilizzare suoni spiccatamente elettronici troppo d'impatto. Ciò che auspico inoltre è che il prossimo lavoro di Coma Divine sia un CD-R di durata "normale", caratteristica che consentirebbe di sviluppare maggiormente e in modo più articolato ed efficace le nuove idee giacchè, quelle riversate in questo disco d'esordio, risultano essere spesso eccessivamente "sacrificate", risolvendosi in brani che appaiono talvolta essere quasi dei brevi "spunti" (comunque molto interessanti e ben realizzati) per composizioni che avrebbero dovuto essere elaborate maggiormente e  su "distanze" temporali molto più ampie...

(Giuseppe Verticchio)

 

Born in 2001, Coma Divine now debut with this self-released CD-R (with good pro-printed layout) offering 8 tracks for 23' - an uncommonly short length for the genre, but a good sign since they keep their music tense and to the point. 8 movements, or rather fragments, of obsessive dark ambient drones, at times verging on industrial for the heaviness of their textures. Clean keyboard patterns mixed with heavily processed samples, probably even some mangled field recordings. All sounding very digital and cold. The result is pretty good, though at times I craved for something more organic and distinctive - but a good debut nonetheless, let's say it's in the vein of Bestia Centauri, or Acherontia Styx to stay in Italy.

(Eugenio Maggi - Chain DLK)

 

Coniglio Enrico: Sea Cathedrals (CD 2010 - Silentes)

[ http://www.enricoconiglio.com ]

 

Affascinante album in “classico” stile ritual-ambient dalla matrice oscura, costruito attraverso cinque tracce dalle sonorità profonde ed evocative, ora più statiche, fluttuanti, “quiete” e dilatate, ora più incisive, drammatiche, “trainanti” e coinvolgenti… Nonostante la collocazione stilistica all’interno di un filone piuttosto “collaudato” e, solitamente, abbastanza “standardizzato”, c’è da evidenziare che le sonorità appaiono comunque molto ricercate, le strutture compositive finemente elaborate, e il missaggio di suoni ed elementi vari sicuramente ben riuscito ed efficace, tanto da far decisamente “spiccare” questo album, non solo dal punto di vista tecnico ma anche da quello prettamente “emotivo” rispetto a tanti altri di genere analogo. Un CD che, nel suo lento e progressivo evolvere, sembra via via “crescere” anche dal punto di vista “qualitativo”, quasi come se, corrispondentemente allo sviluppo temporale, in fase di realizzazione progredissero parimenti le buone intuizioni, l’originalità delle idee, la perizia tecnica e l’abilità nel ricercare suoni, combinarli insieme, e costruire attraverso essi atmosfere sempre più efficaci e coinvolgenti. Un album sicuramente consigliato a tutti gli amanti del genere.

(Giuseppe Verticchio)

 

The immense spaces and the abyssal deepness of the sea, but also the sound of the bowels of the Earth, the colour of the sand of the desert, the energy of the wind, the strenght of all the Elements, the infinite cycle of day and night, of life and death… A long circular journey through interchanging atmospheres that shake and capture, dragging with energy, then leave room for more quiet and soothing introspective “stasis”, and again become dramatic and overwhelming, A great, unmissable album of “classic” ritual ambient music.

(Silentes)

 

Coniglio Enrico/Under the Snow: Dialogue One (CD 2011 –  Silentes)

[ http://www.silentes.net ]

 

Spilt album che vede protagonisti Enrico Coniglio, di cui, sempre in “casa” Silentes, abbiamo già recensito il recente “Sea Cathedrals”, e Under the Snow, nuovo progetto collaborativo di Gianluca Favaron (già metà dell’altro progetto “Lasik Surgery” insieme a Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra) e Stefano Gentile, della cui musica avevamo potuto fino ad ora avere soltanto un piccolo “assaggio” nell’uscita su cassetta siglata semplicemente “W”, parte integrante di una collana di 26 tapes di vari artisti (tra cui anche Enrico Coniglio) pubblicata da Silentes Tapestry (Collezione del Silenzio – Free Interpretations of Silent Sounds).  Le prime quattro tracce del CD, firmate da Enrico Coniglio, sorvolano i territori di un’ambient music abbastanza “classica”, dalle sonorità morbide ma profonde, dall’andamento quieto e dilatato, seppure abbastanza abbondantemente “sporcate” di suoni di matrice più “rumorosa” e sperimentale, quindi sibili, scricchiolìi, fruscìi, crepitìi, talora di origine elettronica, talora derivanti da registrazioni ambientali, sovrapposti o alternati a rumori concreti, naturali o di imprecisate attività umane. Quindi un’ unica lunga traccia di Under the Snow, che pur percorrrendo sentieri “paralleli”, evidenzia approcci e sonorità che da una parte palesano un’impronta di carattere più sperimentale che non più tradizionalmente ambient, e dall’altra, per contrasto, si ricompongono intorno a strutture compositive più tese e drammatiche, sfociando talora in atmosfere e passaggi dal coinvolgente e prepotente sapore cinematico. Un album/dialogo di sicuro fascino e vivamente consigliato, nel quale Enrico Coniglio propone una musica che è sicuramente al vertice rispetto a quanto prodotto dallo stesso in passato, e nel quale Under the Snow inizia a “segnare”  con un’impronta abbastanza definita e riconoscibile il proprio stile e l’interessante percorso sonoro che questo nuovo progetto ha appena intrapreso.   

(Giuseppe Verticchio)

 

This is the first split work between Under the Snow and various artists/friends. Nearly an hour of suggestive "border" music, equally divided between the relaxing and ambient atmospheres contaminated with experimental elements created by Enrico Coniglio, and the low-fi/rough sounds and atmopheres crafted by Under the Snow (Stefano Gentile and Gianluca Favaron) - not so different but with a more dramatic, tense and hypnotic doom - built on deep drones stratifications, often hard and cutting, with a wide collection of noises, electronic hassles, ununderstandable wispherings, concrete moments... A perfect join-venture, a mix among two different music projects that gather coherence and inspiration to "sustain" a split album that showcases a not to be missed fusion of styles among the involved artists, oriented on parallel patterns, clearly increasing the value of their own personal and somehow different sonic directions.

(Silentes)

 

Crìa Cuervos: Cancroregina (CD-R 2003 - Immanence)

[ criacuervos@libero.it ]  [ http://criacuervos.4t.com ]

 

Prima uscita ufficiale per Eugenio Maggi/Crìa Cuervos, che grazie alla Immanence Records, etichetta che ha curato la produzione di questo lavoro, può finalmente proporci cinque affascinanti brani di musica ambient d'impronta piuttosto statica e oscura, realizzati nel corso degli anni 2002/2003, e riuniti in un CD-R della durata totale di 57 minuti. Le sonorità prevalenti sono costituite da frequenze basse e profonde, onde in lento movimento, alcuni suoni più elettronici, inserti di rumori metallici e altri rumori concreti, confusi echi di voci lontane e indefinite... Un magma impenetrabile all'interno del quale è spesso molto difficile distinguere e identificare le diverse componenti sonore, tutte appena sussurrate, lievemente accennate, e soprattutto uniformemente miscelate alle altre, inserite come microelementi che non cercano un proprio spazio indipendente, ma che assumono significato e rilevanza soltanto in quanto singoli  componenti di masse sonore più complesse e articolate,  e in funzione del proprio marginale, ma non del tutto inifluente, apporto alle composizioni... In un crescendo di emozioni, che forse "declina" leggermente soltanto in corrispondenza dell'ultimo brano "Sindrome del Norte", desidero segnalare "A Seeding of Ghost" e "Ad Infecta Loca" tra i brani che ho apprezzato maggiormente, e nei quali ho trovato il migliore connubio tra idee, sonorità, composizione e realizzazione... Un CD-R da ascoltare con molta attenzione e a volume sufficientemente sostenuto per non perderne le sfumature più nascoste e difficilmente percettibili, consigliato soprattutto agli amanti delle sonorità più oscure, profonde e sotterranee...

(Giuseppe Verticchio) 

 

Taking their name from Carlos Saura’s classic thriller, Cría Cuervos are the latest new face to arrive on Immanence Records; active since 1999, the act is the sole work of Eugenio Maggi.  Following some early analogue experimentations with dark emotions and a split tape release with Eniac, Maggi took a three-year sabbatical to gather new, digital equipment and further hone his ability to create chilling, tenebrous atmospheres. The seed of the project has now come to fruition with “Cancroregina” (“The Cancer Queen”, after the infamous novel by Tommaso Landolfi) a five-track album filled with bizarre and terrifying sounds.  The opening track quickly establishes Cría Cuervos’ distinctive sound that, although certainly in the territory of dark ambient, somehow sounds completely unique.  As dark, thick basses and resonance swirl in the background, strange noises play over the top - the sound of electrified metal rattling in the void.  From this first hint of obscurity, the album truly gains momentum on following track “A Seeding of Ghosts”. The main bulk of the ambience is created by occluded, otherworldly voices which ebb and flow in the heady vortex of sound that emanates from unknown sources.  Slowly, the track disintegrates to a mere crackling of rubble beneath the ubiquitous bass surges before re-emerging as a shimmering haze of resonating glass. From this overt style of experimentation, we are suddenly taken down to very minimalist phrasing on “Ad Infecta Loca”.  This track sees a low drone take prominence in the track, while we strain to perceive the subtle nuances of sound beneath it.  Again, the strange glass and metal are present alongside some visceral bodily noises that suck and squelch in agony as the alien cancer grows.  These sounds continue to grow on the title track where, slowly, guttural rumbles grow beneath the throbbing bass and ever more gradually, processed sounds of blood and saliva seep through into the composition.  Everything is then brought to a head on the epic closing track “Síndrome del Norte”, where the bass vanishes altogether to be replaced by the sound of a beating heart and the gasping breaths of our internal asphixiatee.  After a fashion, the heart develops an arrhythmia and collapses, while this may be the end for one, the cancerous drone lives on, rising again; deeper and more oppressive than before, it builds slowly upwards through the frequency spectrum until eventually, with a final blast of aggressive noise, it has consumed all. This is certainly not what you would expect from a dark ambient album, as it adheres to none of the genre’s conventions while taking in the most obscure moments of Wilt and Nurse With Wound to create a wholly disorientating and disturbing passage through the outreaches of sound.

(Gavin Lees - Immanence)

 

Crìa Cuervos: Leitfossilien (CD-R 2005 - Mystery Sea)

[ criacuervos@libero.it ]  [ http://criacuervos.4t.com ]

 

Una conferma  per Crìa Cuervos, che con questo nuovo "Leitfossilien", prodotto dall' etichetta belga Mystery Sea, prosegue la propria ricerca musicale in territori al confine tra il genere dark-ambient d'impronta statica-amelodica e isolazionismo. Un' unica lunga traccia della durata di circa 34 minuti, costruita con drones, sibili, registrazioni ambientali elaborate elettronicamente, suoni naturali, atmosfere cupe e strane ambienze ricostruite con grande precisione e ricchezza di idee, seppure in un contesto para-statico e, solo in apparenza, molto minimale.  Si apprezza in particolar modo la scelta dei suoni, ben miscelati tra loro, ricchi di vibrazioni armoniche e piuttosto "corposi" nella loro sempre apparente essenzialità, mai eccessivi, estremi o invadenti, nè troppo glaciali, sintetici o "asettici",  in grado di trasmettere emozioni senza ricorrere nè a rumorismi troppo marcati, nè a suoni ed effetti "speciali", nè a strutture melodiche e "suoni" più propriamente detti, d' impronta più evidentemente musicale... Il brano evolve perfettamente nel  tempo,  con grande fluidità ed efficacia, i passaggi sono ben costruiti, misurati, legati tra loro. Il tutto risulta molto equilibrato, curato ed evidentemente  "ponderato" anche nei minimi dettagli, nei missaggi, nei tempi, nella dinamica... Con "Leitfossilien" Crìa Cuervos supera sicuramente i già validi risultati ottenuti con il precedente "Cancroregina", evidenziando come, in un' area musicale piuttosto "affollata" da artisti, talvolta anche sicuramente più "blasonati", che solo raramente riescono ad emergere dalla diffusa mediocrità (alcuni presenti anche in "casa" Mystery Sea) vuoi per mancanza di idee e personalità, vuoi per eccessiva "leggerezza" e autoindulgenza nel comporre e proporre la propria musica, vuoi per semplice scarsa capacità artistica e/o tecnica, sia invece ancora possibile trovare artisti in grado di concepire e realizzare lavori di grande spessore e di estremo interesse, con un impegno, un'attenzione, una cura ed una "professionalità" che sicuramente supera anche quella dei veri professionisti, solitamente intenti a far musica, appunto, più per professione che non per reale, libera e assolutamente incondizionata vocazione ed istintiva, naturale esigenza espressiva. Se debbo ancora aggiungere qualcosa... posso solo esortarvi a procurarvi "Leitfossilien" e ad ascoltarlo a volume ragionevolmente sostenuto, per poterne apprezzare al meglio dettagli e sfumature, con il vostro migliore impianto stereo o con una buona cuffia: sono assolutamente certo che non potrete rimanerne delusi...

(Giuseppe Verticchio)

 

"Leitfossilien" is all low drawn late night pulses, an helix structured movement, a long addictive trace of sound disfiguring its support, like a cryptic & forgotten imprint… a song of ancient shells & memories trapped, reverberated in tranquil, resurgent waves… a growing fluidic embracing entity…  "Leitfossilien" is a viral sea with a metabolism of its own… an ascent to some pure hidden, unspoken language… an alcove experience with transfiguring strength…

(Mystery Sea)

 

Crìa Cuervos: Des Tempes qui se Vitrifient ou se Marbrent (CD-R 2005 - Taâlem)

[ criacuervos@libero.it ]  [ http://criacuervos.4t.com ]

 

A pochi mesi di distanza dall'uscita di "Leitfossilien" per Mystery Sea, l'attivissima etichetta francese Taâlem mette a disposizione il nuovo Mini CD-R di Crìa Cuervos "Des Tempes qui se Vitrifient ou se Marbrent". Circa 21 minuti di musica, che definirei semplicemente "perfetta", ancora in un contesto stilistico d'impronta statico-isolazionista/dark-ambient. Difficile aggiungere altro... Come nel precedente “Leitfossilien" Crìa Cuervos mostra una grande sensibilità e una grande abilità nello scegliere i suoni, nell'elaborarli, missarli, stratificarli, nel farli ora emergere ora sprofondare, nel fonderli insieme e dar loro progressivamente forma, generando pazientemente amalgami sonori che stupiscono per ricchezza,  profondità, dinamica, espressività, qualità intrinseca del suono... Se è relativamente "facile" lavorare con suoni drone-based e realizzare CD comunque piacevoli da ascoltare, ciò che si apprezza nuovamente in questo lavoro di Crìa Cuervos è la capacità di andare "oltre", di non fermarsi a semplici/semplicistiche sovrapposizioni di parti scure e ronzanti, ma di andare piuttosto a decomporre e ricompore finemente gli strati, di ricercare e isolare l'essenza stessa dei suoni, per poi rielaborarli, trasfigurarli, renderli sempre più "corposi", variegati, ricchi di vibrazioni armoniche... Il tutto con una cura estrema della qualità generale del suono, e una attenzione quasi maniacale per la fluidità dei passaggi e delle progressioni.

Semplicemente ottimo.

(Giuseppe Verticchio)

 

Cris X/KK Null: Proto Planet (CD 2012 – CX Records)

[ http://www.crisx.net ]

 

Cinque tracce, che in realtà possono considerarsi quasi cinque “movimenti” di un’unica opera, un unico “disegno sonoro”…  Una variegata e dinamica gamma di suoni di origine prevalentemente sintetica, soltanto arricchiti, in modo sapiente ed efficace, da fondi di field recordings, occasionali interventi di piano, e dai “discreti” interventi vocali di Yoko Higashi nella seconda traccia del CD. Musica di grande impatto dinamico, costruita con dirompenti, ma mai “disturbanti” o eccessivamente “caotiche” aggressioni elettroniche, pulsazioni, sibili, profondi drones, il tutto aggrovigliato intorno ad un continuo “filo” di tensione emotivo-temporale che coinvolge mantenendo intatta l’attenzione di chi ascolta dall’inizio alla fine…   A tratti le atmosfere si fanno opportunamente più “quiete”, quasi ambientali, restituendo frammenti di minuti di relativa stasi a contrasto della quale i seguenti interventi più rumoristici appaiono ancora più drammatici, efficaci ed  impattanti… Una “arguta” regia sonora, che riesce a donare un senso di “musicalità” ad un materiale in cui è in realtà assolutamente assente qualsiasi elemento prettamente “melodico”,  fa la differenza sostanziale tra il presente album e altri CD di impronta e “genere” in qualche modo analogo, i quali, spesso molto più carenti sotto questo aspetto, finiscono per risultare decisamente più anonimi, frammentari, inconsistenti, ed emotivamente “sterili”. Artista eclettico e lungimirante, Cristiano Luciani, alias Cris X nonchè mente realmente “pensante” dietro l’etichetta CX Records, coglie nel segno con questa collaborazione con il giapponese KK Null, collaborazione importante che segue quella almeno altrettanto significativa con il “nostro” Maurizio Bianchi, che ha già visto la luce in forma di “split”  LP nel 2010 sempre attraverso CX Records.

(Giuseppe Verticchio)

 

In between dangerously cosmopolitan intellectual quotes that threaten to slightly undermine the essential morality of his sonic art, and liaisons with both historically hyped characters of the Italian industrial vista and truly earnest practitioners of the cult of noise (that’s right, I mean Merzbow), Cris X – from Rome – seems to be perfectly aware of where he wants to go. This collaboration with KK Null – still fondly remembered on these shores for Aurora with James Plotkin – is succinctly hard-hitting and handsomely displayed. The close-packed program revolves around meticulous convergen-ces working for the improvement of an electroacoustic storybook which contains several intriguing sketches imbued with baleful abstruseness and supernal bedlam. Five tracks comprising spaced-out drones hardly disarranged by a clever use of electronics, fusillades of ill-mannered encroachments and challenging rhythmic accretions, circumstantially spiced with environmental echoes. Yoko Higashi – or, if you like, hamaYoko – contributes to a track with bewitching whispers and vocalizations. Nothing unendurable could be retrieved from the experience; the music went on in my headphones for four consecutive times and the brain seemed to respond quite well throughout: an excellent sign. The physical edition is limited to 150 CD and 200 vinyl copies, otherwise it’s got to be Bandcamp. Your attention is deserved.

(Massimo Ricci - Touching Extremis)

 

Cris X/Higuchi Keiko: Melt (CD 2014 – Musik Atlach)

[ http://www.crisx.net ]

 

Album di pregevole fattura, in cui la fusione tra la voce di Keiko Higuchi, ora più suadente, ora più incisiva, ora più “sofferta”, addirittura quasi “blues” come nella seconda traccia del CD, lega perfettamente con le atmosfere profondamente evocative, sospese, a tratti quasi “sognanti”, a tratti più “drammatiche” o progressivamente trasfigurate in una forma che suggerisce oscuri e inquietanti scorci urbani notturni, elaborate da Cristiano Luciani utilizzando morbide e ben calibrate miscele di drones, field recordings, suoni elettronici, nonché cembali e slide guitar.

I tasti del pianoforte di Keiko Higuchi sono spesso appena sfiorati, quasi accarezzati… le sequenze di note appaiono delicate, fragili, quasi timidamente “sussurrate”, come nel timore di infrangere la “magia” di quella perfetta fusione con i substrati offerti al contempo da Cris X attraverso felici abbinamenti e articolati “incastri” sonori.

Così anche la voce, sempre perfettamente controllata, “misurata”, anche laddove si mostra un po’ più energica in primo piano, ma senza mai avere la “pretesa” di elevarsi a soggetto assoluto, senza mai sentire la necessità di “esibire”, di “osare” più di quanto strettamente necessario affinchè la delicata alchimia sonora rimanga perfettamente integra, efficace ed equilibrata.

Un album splendido, raffinato, poetico, perfettamente costruito, che “trasporta”, evoca, lascia sognare, immaginare, e che fa pensare… 

(Giuseppe Verticchio)

 

Dal Bianco Giuseppe: Senza Ritorno (CD 2005 - Autoproduzione)

[ info@giuseppedalbianco.it ]  [ http://www.giuseppedalbianco.it ]

 

Giuseppe Dal Bianco, flautista diplomato nel 1985 in flauto traverso e avente all'attivo una significativa esperienza concertistica in Italia e all'estero, ha cominciato da tempo ad interessarsi allo studio di strumenti a fiato etnici. Ha già realizzato in collaborazione con il chitarrista Federico Mosconi un CD, "Altrove", nel quale i suoni delle origini si fondono con elementi elettronici, e presenta ora questo nuovo CD autoprodotto in 1000 copie che lo vede unico protagonista. Basato sull'utilizzo di una vasta gamma di strumenti etnici, non solo a fiato, "adagiati" su tessiture elettroniche che assolvono principalmente alla funzione di "sostegno" e "riempimento" ricreando al contempo suggestive ambientazioni e atmosfere, il CD propone una musica di grande spessore che non sacrifica però nulla alla piacevolezza d'ascolto. Pur estremamente "godibile", la musica di Giuseppe dal Bianco appare lontana anni luce dalle logiche di tanta musica "finto-etnico-elettronico" argutamente progettata a tavolino per ascolti di tipo più "massale" o comunque più "facile"; non "saccheggia" disinvoltamente la tradizioni e le sonorità etniche, ma piuttosto attinge da esse linfa vitale e sincera, rispettosa ispirazione, trasfigurandone l'essenza in una forma espressiva estremamente attuale e personale, seppure non mancano certo punti di contatto e adiacenze con quanto già prodotto in passato da tanti artisti, soprattutto statunitensi, riconducibili all'area ambient-etnico-rituale. Giuseppe dal Bianco sa miscelare sapientemente il nuovo e l'antico, le componenti evocativo-ambientali con quelle più spiccatamente melodico-musicali, in nove  tracce nelle quali è possibile ascoltare il suono di una gran varietà di strumenti etnici: flauti, percussioni, tampura, didgeridoo, duduk, fujara, benas, sanza, dulcimer, e tra gli altri ancora segnalo in particolare il khene laotiano, strumento che amo particolarmente per il suo suono magico, dolce, "discreto" e introspettivo, con il quale è stata realizzata una delle più suggestive tracce dell'intero CD, "Nel Silenzio, respiro". Tutti i brani sono sicuramente affascinanti, meticolosamente composti e perfettamente registrati, ed in tal senso c'è da sottolineare come l'ottima qualità del suono valorizzi significativamente la proposta musicale di Giuseppe dal Bianco. Tra essi comunque desidero segnalare in particolare l'emozionante "Evocazione", brano in cui il trattamento e il mix delle varie sorgenti sonore risulta particolarmente riuscito e, appunto "evocativo"; "Segreto Inviolabile", traccia in cui si sovrappongono suggestive trame sonore di tampura, suoni di flauti e fondi percussivi; "Invocazione", lungo brano in cui trovano ancora spazio movimenti ritmici d'impronta rituale "posati" su drones elettronici, anticipati da fascinose parti di flauto in argilla e di uno straordinario duduk tra le quali per alcuni istanti emerge inaspettatamente anche un canto mediorientale. Forse un po' più articolate nella struttura la title track introduttiva e "Il Bambino e la Conchiglia", tracce sempre molto ben realizzare e di grande fascino. A proposto di quest'ultima aggiungo di aver apprezzato particolarmente la scelta di inserire una toccante parte di benas, antico strumento sardo ormai quasi dimenticato, "parente" stretto delle più conosciute launeddas, dal suono arcaico, straordinario e inconfondibile...

(Giuseppe Verticchio - Yidaki News)

 

Dal Bianco Giuseppe: Perpetuo Vagare (CD 2010 – D.B.)

[ http://www.giuseppedalbianco.it ]

 

A volte l’intensità, il valore di certa musica, è così grande, quasi immenso, da farci sentire infinitamente piccoli anche soltanto a stare lì, fermi sulla poltrona ad ascoltarla… Figuriamoci a tentare di scriverne, a ricercare improbabili e pur sempre inadeguate e insufficienti parole per poterla in qualche modo descrivere, per poter mettere insieme le poche righe necessarie ad una recensione… E così, per quanto difficile, debbo necessariamente parlarvi in qualche modo di questo splendido disco, una produzione estremamente curata sotto ogni aspetto, che si presenta in un’ elegante confezione, arricchita da un eloquente booklet di 16 pagine nel quale, oltre alle note abitualmente presenti su ogni CD, trovano posto suggestive immagini fotografiche e un’accurata descrizione di tutti gli strumenti etnici/tradizionali utilizzati da Giuseppe dal Bianco. Diplomato in flauto traverso, ma amante e virtuoso utilizzatore anche di strumenti a fiato provenienti da ogni angolo del pianeta (hulusi, bawu, khene, satara, benas, tambin…), nelle otto tracce presenti su “Perpetuo Vagare” Dal Bianco unisce in modo toccante e suggestivo il suono dei medesimi strumenti (quindi flauti, oboi, organi a bocca, di diversa origine e fattura), con discreti e “morbidi” sottofondi sintetici e ben calzanti e trainanti trame percussive ad opera per lo più di Luca Nardon. Il tutto con il decisivo supporto tecnico di Giampaolo Borin, che ha curato le registrazione e i missaggi, restituendo al CD una qualità sonora straordinaria, in grado di valorizzare al meglio la “voce”, il timbro, le sottili sfumature e vibrazioni che strumenti purtroppo così poco conosciuti ai più sono in grado di emettere e trasmettere. Nonostante gli otto brani “vivano” evidentemente di suoni, atmosfere ed elementi così interconnessi alla musica etnica, c’è da sottolineare che le composizioni sono, ad eccezione dell’ultima traccia, tutte dello stesso Giuseppe Dal Bianco. Un estasiante ed emozionante “viaggio” il cui sostanziale filo conduttore è l’appassionata e genuina ricerca sonora, attraverso l’utiliizzo di spesso piccoli, “misteriosi” e apparentemente insignificanti manufatti artigianali in grado, attraverso la “semplice” emissione del fiato, di produrre suoni e melodie che, sapientemente dirette e organizzate, possano, come in questo caso, toccare le “corde” più profonde della nostra sensibilità… Un CD consigliato indistintamente a tutti.

(Giuseppe Verticchio)

 

Day Before Us/Nimh: Under Mournful Horizons (CD 2012 – Rage in Eden)

[ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]

 

Il presente album "Under Mournful Horizons" è il risultato della combinazione tra due musicisti fortemente ispirati le cui manovre, definite ambient/microtonal underground/cinematic, straripano di suoni romanticamente oscuri derivati dall'azione congiunta tra infinite keys, pianoforte, organo, guitar, sinth, samples, filtraggi vocali, manipolazioni effettate e nebule di field-recordings. Licenziato in veste digipack dalla sempre ottima label Rage In Eden il disco, oltre a raffigurare nell'immagine della propria sleeve tutta la statuaria mestizia concepita dall'occhio fotografico di Oana Marchis "Sabbatnoir", elenca cinque ampie suites dal temperamento depressed-dream ambient la cui premessa prende il titolo di "An Uncertain Dawn", traccia ricolma di acustiche spettrali, valpurgiche, esaltate da partiture d'organo, ignoti rumoreggi e dallo scrosciare della pioggia in sottofondo. "Surrounded By A Moonless Night" è un'esangue sinfonia di pianoforte sommersa da impurità elettroniche, distorsioni, samples vocali e distanti rombi di key, mentre la successiva "In The Court Of A Sorrowful Season" è un ambient electro-acustico che propone malinconiche note di piano circondate da acidificazioni tecnologiche ed arpeggiati riverberi di chitarra nel finale, un bellissimo esempio di paesaggio sonoro che rapisce mente e spirito. L'omonima "Under Mournful Horizons" celebra il titolo dell'album interpretandolo in forma dark-ambient mediante inquiete rarefazioni di field-recording, dissonanze multidimensionali che si riversano nel suono con un voluminoso getto, increspature elettroniche e voci sotterranee, il tutto connesso alle ossessive procedure della tastiera. L'epilogo intitolato "Frozen Gleams Of Eternity" recupera decadenti poemi pianistici le cui orchestrazioni sono erose dal torrenziale sgorgare dei field-recorings e dalla ruvidezza delle alchimie elettroniche provenienti dal nucleo stesso del brano. Opera di autorevole levatura, l'album "Under Mournful Horizons" descrive nello spazio circostante una sorta di vuoto armonico da colmare con il suono delle proprie emozioni, percorrendo immense zone d'ombra per altrettanti istanti durante i quali i pensieri razionali si vetrizzano lasciando fluire esclusivamente prospettive surreali che l'ascoltatore percepirà con tale intensità da restarne stregato. La simultanea cooperazione tra Day Before Us e Nimh genera una commistione di suoni ambient, tossica artificialità ed un tocco di sentimento abbattuto, elementi che si rivelano a fasi alterne struggenti e glaciali. Ne fruiranno i contemplatori del silenzio e dell'immoto, uomini e donne che sanno scandagliare il proprio inconscio carpendone le riflessioni più profonde e spirituali affidandole in seguito alla rallentata corrente di un suono musicalmente ossidato dal quale è impossibile sottrarsi. Questo disco lascerà in essi un segno indelebile.

(Massimo Colombo “Maxymox” - Vox Empirea)

 

Le cinque tracce in questione segnano la collaborazione tra Philippe Blache e Giuseppe Verticchio che dimostrano di avere molti elementi in comune pur provenendo da ambienti musicali notevolmente differenti. Da una parte abbiamo Day Before Us, progetto di fresca creazione basato su microtoni di pianoforte e chitarra che si intrecciano con field recordings. Dall'altra Nimh, noto per il suo assiduo lavoro di ricerca in ambito ethnic ambient e l'intesa con Maurizio Bianchi che abbiamo avuto modo di celebrare in passato. “Under Mournful Horizons” nasce dall'unione di queste due personalità producendo materiale dotato di grande organicità eppure sognante quasi fosse uscito agli albori della scena ambient. Quei tempi sono ormai passati ma il progetto riesce a recuperare quell'entusiasmo e quel desiderio di scoprire le potenzialità di una particolare tipologia di suono, certo non destinata alla massa. 'An Uncertain Dawn' rimane ancora abbastanza sul vago e ha il compito di introdurre la visione degli artisti all'ascoltatore. Sono le successive “Surrounded By A Moonless Night” e “In The Court Of A Sorrowful Season” a destare invece sorpresa per un approccio quasi prog alla composizione. Il coraggio di sperimentare strutture di quel tipo si affianca ad una componente ritualistica e cinematica che contribuisce ad arricchire la varietà di elementi offerti. “Frozen Gleams Of Eternity” è come una mano gelida che si poggia sulla vostra spalla nuda all'improvviso. Starà a voi decidere se scansarvi.

(Lorenzo Becciani “Divine” - Dagheisha)

 

Suggest the keywords for their music may be "rain", "sorrow", "darkness", and "brief pleasure". "Under Mournful Horizons", released in September 2012 via Rage In Eden Records, is a creation compiled mainly with Day Before Us aka Philippe Blache's sound view of the world, in collaboration with Nimh aka Giuseppe Verticchio. Philippe and I have discussed soundscape together, while his strong intention for dark, meditative ambient music continent has been blowing me away eventually. Their deep, down-tempo, graceful dark ambience reminds me some texture in Ludvig van Beethoven's "Piano Sonata No. 14 in C sharp minor - Moonlight" though I'm not familiar with Classic music scene. And through this work, another gem in the pouring rain can be found ... very surprisingly indeed. Along with Philippe's soundscape under his vast sky fuzz of dark ambience, their play had gone straightforward to sorrowful, mournful, plaintive tone mass. Look at their album sleeve and song titles and we can easily realize what they meant to do. On the other hand, mind you, something pleasant like a dim light or like a small brilliant gem falling into a dark nebula, can be found, I'm sure. Cannot understand which sounds like such a mysterious phenomenon, this album concept or their soundscape itself, but even vaguely, cannot help feeling glad in future of their story. Without myself I've said that what's happening and what an amazing confusion. Quite fascinating the atmosphere especially in the last track "Frozen Gleams of Eternity" should be, dizzy fuzzy rainy noise ensemble will get to be purely crystallized, scape sweetness. The riff, eccentric but simple, constantly knocks our vacant mind, but that repetitive progress with bulky air alteration can inflate our mind with fantasia. Guess their sound stream collective throw "hope" to us despite of appearance. In conclusion, please get drenched in this terrific creation.

(Keishiro Maki - Progarchives)

 

D-Darkradioinduztrie: Appunti di Dolore Metropolitani (CD-R 2005 - Autoproduzione)

[ ddrinduztrie@email.it ]

 

D-Darkradioinduztrie ci presenta questo suo primo lavoro, autoprodotto in CD-R, costituito di 5 brani per una durata totale di quasi un'ora. Ciò che sorprende positivamente fin dal primo  ascolto, è  il  fatto  che D-Darkradioinduztrie sembra aver trovato già in questa opera prima una sua caratteristica  e ben definita impronta sonora personale, senza aver tentato ("tentazione" piuttosto comune a chi si appresti a registrare il  proprio  primo  lavoro...)  di  emulare  questo  o  quell'artista  già  noto, o  questo  o  quel genere  musicale  già  abbondantemente  collaudato  e/o  stereotipato.  D-Darkradioinduztrie invece,  pur dimostrando di "attingere" a livello di ispirazione, atmosfere e sonorità, a tanta musica di matrice fondamentalmente industriale, dark-ambient e sperimental-rumoristica, riunisce tali influenze in una forma compositiva davvero personale, particolare, e abbastanza al di fuori dagli schemi, arrivando a proporre una miscela sonora e una sequenza di 5 brani in grado di colpire per impatto emotivo, per varietà di suoni, per ricchezza di idee. Le atmosfere sono sempre molto oscure, decadenti, inquiete, a tratti quasi "lugubri".  Sonorità aspre, loops di movimenti ritmici che evocano immagini di imponenti macchinari industriali, voci distanti e metalliche, pulsazioni di basse frequenze, distorsioni invadenti e segnali saturi, crepitìi, masse sonore "sgranate", trovano alcuni momenti di stasi attraverso passaggi a base di più morbidi pads o accenni vagamente melodici descritti attraverso note di pianoforte e chitarra... Atmosfere surreali e oniriche sono perfettamente descritte da una musica che, dall'inizio alla fine del disco, non appare mai a corto di idee, e che invece stupisce istante dopo istante, passaggio dopo passaggio, brano dopo brano, per il suo straordinario potenziale evocativo e per la sua capacità di rinnovarsi continuamente con nuove trovate, nuove soluzioni, nuove sonorità... Un vero vulcano di idee Kriztianzeta, in grado di riunire in modo omogeneo e coerente molte influenze e un'ampia gamma di suoni, senza che questo appaia, come spesso purtroppo avviene,  una "forzatura" troppo concettuale o troppo semplicistica, un tentativo musicalmente maldestro di far convivere elementi e influenze troppo diverse e difficilmente conciliabili tra loro... Qualcosa in più era ancora probabilmente possibile fare per quanto riguarda la qualità del suono, ma considerato il genere musicale proposto, che spesso fa della propria "cruda" immediatezza  un elemento di distinzione e traino, e considerando che si tratta della prima uscita per D-Darkradioinduztrie, mi sento comunque di poter "promuovere" a pieni voti questi "Appunti di Dolore Metropolitani".

(Giuseppe Verticchio)

 

Eidulon: Idolatriae (CD 2008 - Malignant)

[ eidulon@eidulon.net ]  [ http://www.eidulon.net ]

 

Alcuni giorni fa, terminato di ascoltare questo CD, facevo fra me e me una riflessione... Nell'ambito della musica sperimentale/ambient/elettronica italiana, conosco alcuni presunti "artisti" i cui nomi circolano da anni, ma che nonostante abbiano fatto di tutto per attirare l'attenzione e apparire credibili, attraverso siti internet personali, facendo decine di presunti "concerti" nei più malmessi e caotici centri sociali, improvvisando talvolta rozze e quasi patetiche etichettine di produzione molto ma molto "homemade", tenendo in rete dei Blog sui quali talvolta non mancano persino di sfogare l'invidia repressa verso chi è stato più in gamba di loro, alla fine, dopo tanti anni e tanto "affannarsi", data la sostanziale inconsistenza di quanto in grado di proporre, sono rimasti esattamente al punto di partenza... Qualche CD-R per lo più auto(mal)prodotto... delle cosiddette "releases MP3"... un brano in quella compilation... una partecipazione al CD-R di un amico/artista... un "remix" del brano di un'altro... Tanto fumo negli occhi per far "abboccare" gli ingenui insomma, ma andando a tirare le somme... non c'è assolutamente nulla di davvero "concreto" e un minimo significativo. Neanche un concerto degno di essere definito tale e tenuto in un contesto un minimo qualificante. Neanche un CD "vero" stampato e pubblicato, salvo magari quando il "presunto artista" ha anche qualche soldino da spendere, e allora alla fine, disperato per il (logico e comprensibilissimo) disinteresse da parte delle etichette di produzione, arriva a decidere di produrselo da solo. Ci sono invece Artisti con la "A" maiuscola che lavorano quasi "in sordina" per anni, con umiltà ma con rigore, passione e ambizione; artisti che non "sfoggiano" sfacciatamente il Nulla per anni, ma che invece costruiscono passo dopo passo e con lungimiranza piccole gemme sonore che attendono pazientemente di essere riunite in forma di un prezioso gioiello, pronti a cogliere il momento giusto e l'occasione favorevole per darlo alla luce e renderlo pubblico in una forma che renda piena giustizia al valore dell'opera stessa, e all'impegno che per anni è stato riversato nel suo concepimento e nella sua "concreta" realizzazione... Francesco Gemelli, l'artista che sta dietro al progetto Eidulon, è sicuramente uno di questi ultimi, e il primo straordinario frutto di tanti anni di lavoro, il CD "Idolatriae", è stato finalmente (e meritatamente) pubblicato in una pregiata edizione digipack a 6 pannelli dalla "storica" e prestigiosa etichetta statunitense Malignant. Sette tracce che, seppure stilisticamente possiamo ricondurre al genere dark-ambient, non appaiono come l'ennesima, sterile e anonima "ripetizione" di quanto già ascoltato e riascoltato all'interno di questo genere musicale, ma piuttosto traggono da esso linfa vitale, spunto, profondità  e ispirazione, per poi svilupparsi lungo un percorso sonoro che "attinge" anche ad influenze altre, evidenziando una spiccata personalità e, soprattutto, l'intento fermo e deciso di non adagiarsi su soluzioni "facili" e stereotipate, come statici e alla lunga ridondanti drones su frequenze ultrabasse tipici della dark-ambient di matrice più "deep", o magari prevedibili melodie sintetiche tipiche di quella dark-ambient più "orecchiabile" che vorrebbe risultare al contempo drammatica ed "evocativa", ma che il più delle volte finisce per apparire piuttosto simile a mediocri sottofondi sonori per films o documentari. In "Idolatriae" sono presenti ovviamente sia drones che parti melodiche, ma tutto appare estremamente "misurato", ben calibrato e dosato, opportunamente miscelato a suoni di altra origine, ora più aspri e distorti, ora più "morbidi" e "ambientali", ora più sintetici e trattati, ora più concreti e "naturali"... Un imponente CD d'esordio per Francesco Gemelli/Eidulon, che ne ha personalmente curato anche le suggestive grafiche, a perfetto complemento "estetico" di un'opera che, sono certo, non potrà assolutamente lasciarvi indifferenti nè tanto meno deludervi... Da non perdere assolutamente.

(Giuseppe Verticchio)

 

With the release of Eidulon's debut CD Idolatriae, we at Malignant are pleased to welcome another new project into the cozy confines of our slowly expanding roster. 7 tracks of ultra bleak, abstract atmospheres, with sounds and textures that seem to seep from catacomb walls and come slithering out of subterranean chambers. Certainly, this can be classified as a dark ambient record, but at it's core, it's more than just that simple classification. There's a gritty, more jagged edge here, with tetonic shifts, deep rumblings, and crackling, climatic squalls buried under a bed of ghostly reverb and haunting tonal resonance. Fits in nicely with past Malignant releases such as R|A|A|N's "The Nacrasti", Heid's "Arktogaa", and even Caul's "Crucible" CD. In elegant 6 panel digipak, with stark black and white, carefully arranged illustrations inspired by Taschism and Spatial art.

(Malignant)

 

Enten Hitti: La Solitudine del Sole (CD 2011 – Hic Sunt Leones)

[ entenhitti@gmail.com ]

 

E’ un bel po’ di tempo che non mi capita di ascoltare e recensire materiale della Hic Sunt Leones, e così l’aver ricevuto il presente CD degli Enten Hitti (Pierangelo Pandiscia e Gino Ape) unitamente al più recente “Fino alla Fine della Notte” è stato un piacere particolare.

Infatti dopo un periodo di lunga “assuefazione”, durante il quale ho ascoltato e recensito decine di CD HSL (Alio Die, Zeit, Aglaia, Saffron Wood, Sola Translatio…) mentre, non lo nascondo, andava progressivamente scemando anche il mio entusiasmo per pubblicazioni che, per quanto sempre ben curate e interessanti, apparivano alle mie orecchie troppo simili tra loro e poco “caratterizzate”, poi per alcuni anni non ho più seguito altrettanto assiduamente l’attività dell’etichetta.  

E dopo un lungo periodo di “astinenza”, per così dire, l’ ascolto di “La Solitudine del Sole” mi ha piacevolmente ricondotto lungo quei “sentieri musicali”  tipici della Hic Sunt Leones, sempre in bilico tra stasi meditative, progressioni etnico rituali, suggestioni sciamaniche, reminescenze di cerimonie ancestrali… 

Già dopo pochi minuti di ascolto, caratterizzati da coinvolgenti stratificazioni di canto armonico e rintocchi metallici nella prima traccia, e successivamente da suoni di duduk, ocarine, sonagli, flauti, percussioni, sono stato prepotentemente “trasportato” nel passato…

Sia nel passato più “remoto”, quello “antico”, efficacemente evocato attraverso l’uso combinato di strumenti etnici e “oggetti sonori” che spesso affondano le proprie radici in epoca preistorica e che, in forme magari meno evolute, hanno comunque accompagnato l’uomo sin dalla sua comparsa sulla terra, sia nel passato più recente, quello della seconda metà degli anni ’80 / inizio ’90, periodo nel quale già tanti artisti, sia italiani (e mi viene in mente Walter Maioli con il suo fantastico “Art of Primitive Sound”, o Lorenzo Pierobon con i KU, presente con il suo canto armonico anche nel CD qui recensito, e gli stessi Enten Hitti con il loro “Giant Clowns of the Solar World” uscito nel ’96 per la “mitica” etichetta Amplexus) sia stranieri (Coyote Oldman, Jorge Reyes, Tuu, Dik Darnell, Tom Wasinger, Temps Perdu?, Lights in a Fat City, O Yuki Conjugate, John Huling, Rusty Crutcher, ma anche i più noti Steve Roach, Robert Rich, Amir Baghiri…) “inventavano” e affrontavano esperienze sonore analoghe, in forma comunque diversificata e talora “contaminata” da elementi sintetici, ma sostanzialmente simile per intenti e “ispirazione”.

Le sette tracce di “La Solitudine del Sole” attingono evidentemente da tutte queste esperienze del passato escludendone le componenti elettroniche, se non per il mero trattamento a livello effettistico delle sorgenti sonore che appaiono essere di esclusiva natura acustica, e si sviluppano in modo omogeneo e coerente, alternando atmosfere ora più statiche, oscure e  “done oriented”, a situazioni di maggiore “impatto” e “incisività” , più “trainanti” e dall’incedere   ipnotico-rituale.

Un buon album, che pur non discostandosi molto da quanto già sentito in tanti anni in “casa” Hic Sunt Leones” e in altre etichette del settore, supera senz’altro la “prova del tempo”, regalando quasi 45 minuti di musica di matrice etnico-rituale e di atmosfera di grande qualità.

(Giuseppe Verticchio)

 

Enten Hitti: Fino alla Fine della Notte (CD 2015 – Hic Sunt Leones)

[ entenhitti@gmail.com ]

 

Questo nuovo album degli Enten Hitti si propone come una “sintesi” di quanto è solitamente possibile “cogliere” partecipando agli spleeping concert che talvolta usano organizzare.

E in perfetta coerenza con questo intento, il CD si apre infatti con una lunga traccia (Inizia il Viaggio), di circa 20 minuti di durata, che appare quasi come una sorta di rituale iniziatico introduttivo, con il tempo scandito da ipnotici colpi percussivi, accompagnati da stratificazioni di canto armonico, rumori di sonagli, fiati e altri suoni di difficile identificazione.

Esattamente come in un rito sciamanico il brano diventa progressivamente più “intenso” e coinvolgente, gli strati sonori si sovrappongono e si arricchiscono di ulteriori elementi e sfumature, mentre il ritmo accelera conducendo in uno stato di quasi-trance…

Più statico e d’atmosfera il seguente “Nelle Terre di Mezzo”, costruito unendo le voci a suggestivi sfondi di strumenti a fiato, rintocchi di piccoli cembali e violino.

Breve il seguente “Canto Solitario”, perfettamente descritto dallo stesso titolo (voci di Afra Crudo e Adriana Puleio), mentre nel seguente “Respira” si torna su atmosfere “quiete” e ambientali, tra suoni di ocarine e altri strumenti a fiato tra cui sembrerebbe di distinguere un mouthorgan (Khene o simili), pietre o oggetti di terracotta o ceramica strofinati, e altri rumori concreti.

Quindi “Dentro il Sogno”, brano firmato dal grande “ospite” Vincenzo Zitello, che dietro la sua “magica” arpa bardica costruisce tessiture sonore tenui e rarefatte, ben lontane dalle atmosfere del suo “mitico” Kerygma del 1989 (CD che in questo momento ho tra le mani…) e da alcuni suoi lavori successivi (che dovrei tra l’altro approfondire aggiornandomi un po’…), e che, come leggo tra le note, si è anche occupato del delicato lavoro di mastering.   

Una piacevole sorpresa, e un’ottima occasione per tornare ad interessarmi al lavoro di un artista che nel tempo avevo un po’ “dimenticato”, pur conservando l’antica stima e ricordando con piacere che il suo “Kerygma” è stato uno dei primi CD ad entrare nel mio primo lettore CD Marantz “CD 65 II” circa 25 anni fa…

Segue ancora “Prima dell’Alba”, brano dalle atmosfere molto ambient, sempre molto minimali e rarefatte, costruite fondamentalmente attraverso delicate sequenze di note di pianoforte.

Nell’ultima traccia un canto etnico si sviluppa sopra un accompagnamento di strumento a corda, per poi lasciare posto, inaspettatamente, ad un finale strumentale completamente diverso, dove un semplice ma affascinante abbinamento di chitarra acustica e violino conclude tra atmosfere “folk” che non sarebbe male “esplorare” in modo più esteso in un futuro album, magari in un possibile progetto parallelo che metta da parte, almeno temporaneamente, le sonorità prettamente etniche e primitive cui gli Enten Hitti sono, evidentemente, molto legati…

(Giuseppe Verticchio)

 

Errante Emanuele: Migrations (CD 2006 - Apegenine)

[ http://www.e-errante.com ]

 

Un album di ambient music piuttosto "leggera" e orecchiabile, ma non per questo necessariamente scontata o banale. Otto brani costruiti in modo semplice ma gradevole, con pochi suoni essenziali, in parte di derivazione acustica, in parte da sorgenti elettroniche (seppure queste ultime appaiono sempre in forma molto "discreta" e non risultano mai invadenti) nei quali si è fatto marcato utilizzo della tecnica dei "loops". La forma generale dei brani non appare estremamente articolata, seppure le composizioni risultano ugualmente curate, ben "strutturate", e fluide nelle loro progressioni. Dovendo esprimere preferenze direi che tutti i brani presenti nella seconda metà del CD (rispettivamente "Calabria", "Migrations", "Terra" e "Waltzing Chiara") sono i miei favoriti, forse per la scelta un po' più "ricercata" dei suoni e del loro trattamento, e per l'impronta un po' più "sperimentale" che evidenziano, seppure, è bene precisarlo a scanso di equivoci, la ricerca sonora e la sperimentazione non sembrano certo essere tra gli elementi "chiave", fondamentali, ispiratori e "trainanti" di questo lavoro. Un CD di musica ambient sicuramente ben fatto dunque, semplice, piacevole da ascoltare, adatto però soltanto a chi non sia alla ricerca di suoni e atmosfere oscure e drone-oriented o di musica a spiccata vocazione avanguardista/sperimentale.

(Giuseppe Verticchio)

 

Migrations is the debut album from newfound artist Emanuele Errante. "Migrations" is an eight track album of interesting, intelligent mature chilled tunes, all of which are well suited to intimate environment such as a candlelight dinner, relaxing in the backyard on a deck chair, or even taking much needed time out in the chill tent at a festival. One thing this music is, though, is original. You will need to listen to this CD to know what I mean. It is mood music that can almost control your emotions, taking you to another place. It sounds corny I know, but believe me, it is surprisingly powerful sounds. "Rugiada" opens the CD and places the listener into a sense of deep foreboding, yet it also applies a sense of rolling serenity. String chords slide along the majesty of this track before moving into "Nubes", track two. The deep vibe carries through, accompanied by more subtle keyboard, and all you need to do is close your eyes and be taken away before moving into hypnosis on the third tune, "Wheels". The rest of the album takes this approach, soaring the listener through an empathic aural experience of all manner of emotions. The middle of the CD moves more into a happier style of chill. "Migrations", coming in at track six, is quite an aptly named song, as one could almost feel their subconscious doing just that. We are then taken full circle, back to a foreboding feel on the second to last track, before concluding on an extremely uplifting and passionate climax, "Waltzing Chiara", which is by far the masterpiece of the CD. What stands out is the deep, passionate, resonating backings that are the core of Emanuele Errante's work. It is emotive, calming and extremely creative. On first listen some may say it is just more chilled music, but if you listen that bit closer you will be able to piece together the true genius behind it. If you like it chilled out, different or original, "Migrations" will more than suit your taste. Even if this is not your preferred genre, treat your ears to this and let the music influence you.

(In the Mix)

 

Etere-o: Pulviscolo (CD-R 2000 - Autoproduzione)

[ fradaell@novanet.it ]

 

Nelle variopinte vicissitudini che negli ultimi anni hanno portato Fausto Radaelli dai Kripthästesie agli Olographic Landscapes, fino all’attuale progetto solista denominato “Etere-o”, bisogna cogliere l’urgenza espressiva di un estro libero ed irrequieto. Le quattro tracce racchiuse in “Pulviscolo” palesano la volontà di andare ben oltre la pur caparbia ricerca psichedelica delle precedenti esperienze. Computer, tamboura e chitarra elettrica sono gli ingredienti di un’opera ammaliante, sospesa tra avanguardismo minimalista e suggestioni post-industriali: musica soavemente cosmica che fa da eco al moto misterioso ed inarrestabile del nostro universo.

(Fabio Massimo Arati - Mucchio Selvaggio)

 

Ambient music was a music of solitude and imagination. Fausto Radaelli’s newest album is a gorgeous addition to this genre’s long history. With Radaelli’s quietly spaced compositions one is allowed the ability to disconnect from the world and participate into the another consciousness - a personal journey for each participant. This is no small feat these days. With this kind of music, the smallest ill-placed sound can break the soundscape. Luckily Radaelli not only keeps his sounds simple, but more importantly understands how to affect the space that is present by letting it exist along side the sounds. This space is vital for the listener to enter.

(Ramon Medina)

 

Favaron Gianluca: Equivalent XI (CD 2014 – 13)

[ http://13.silentes.it ]

 

Come in molti altri suoi CD, in solo o collaborativi e sotto diverse sigle, ancora una volta in questo “Equivalent XI” Gianluca Favaron affronta la “materia” rumore.

E anche stavolta non parliamo di “rumore” pesante e “industriale”, ma dei suoi piuttosto “consueti”, e noti per chi segue l’artista, collages elettroacustici piuttosto minimali, costruiti per lo più con brevi frammenti sonori in vario modo assemblati e stratificati.

Nonostante le analogia con alcune produzioni passate, c’è da dire però che in questo caso specifico Favaron ha “attinto” prevalentemente a frammenti di origine acustica, rumori concreti, spesso messi in ciclo e accoppiati tra loro occupando spazio opposto nel panorama stereofonico, ricreando con pochi suoni elementari, ma con grande efficacia, l’effetto di improbabili architetture meccaniche in movimento, ed evocando l’immagine di più piccole macchine, indefinite strutture e ingranaggi immaginari dal moto ipnotico, circolare e ossessivo.

In alcune tracce il moto meccanico si dissolve in più astratti, “pacati” e decomposti “dialoghi” tra suoni e rumori di medesima origine ma diversamente elaborati. 

Undici tracce e breve durata, poco superiore ai 30 minuti, per questo singolare, un po’ “inquietante”  e davvero “enigmatico” lavoro di Gianluca Favaron, “audacemente” rilasciato dalla label “13”, una “derivata” della più nota “Silentes” di Stefano Gentile.      

(Giuseppe Verticchio)

 

Ferraris Andrea ICS/Russell John: After Dinner (CD 2014 – Frattonove)

[ http://www.fratto9.com ]

 

Dialogo assolutamente astratto tra le corde di una chitarra acustica (John Russell) in vario modo sollecitate, pizzicate, tamburellate, strofinate, e quelle di una chitarra elettrica effettata (Andrea Ferraris) utilizzate in modo ugualmente astratto ma sicuramente più “morbido”, “discreto” e un po’ più “convenzionale”.

Se per la maggior parte dei 20 minuti del CD (un unico brano) l’improvvisazione intransigente, pseudo-caotica e destrutturata è decisamente protagonista, non mancano frammenti di tempo dominati da un’ apparente e probabilmente pseudo-casuale forma più “coesa” e “musicale”, nei quali è possibile scorgere persino una pur breve, toccante progressione ipnotico-lisergica che se fosse stata razionalmente e intenzionalmente estesa e sviluppata avrebbe probabilmente snaturato l’essenza del disco, facendogli però guadagnare quanto a impatto meramente emotivo.

Inutile infatti ricercare una “trama”, un’ immagine definita, una determinata suggestione, un’ atmosfera…

La sola chiave di lettura, o meglio di ascolto, è quella di lasciarsi  andare e farsi coinvolgere e cullare dalla semplicità del “gioco”, godendone “passivamente” salti, evoluzioni, invenzioni e piroette.

Ascolto in realtà molto più “facile” e “godibile” di quanto queste parole descrittive possano far immaginare.

(Giuseppe Verticchio)

 

Ferroni Andrea: Windproject (CD-2003 - Autoproduzione)

[ andrea.mail@ciaoweb.it ]  [ http://www.windproject.it ]

 

In questo CD-R, Andrea Ferroni ci presenta un lavoro a base di didgeridoo piuttosto "puro", privo per intenderci di "intereferenze" o contaminazioni di strumenti elettronici o comunque moderni, e con un approccio stilistico che, ugualmente, rimane abbastanza "fedele" nell'insieme alla natura originaria piuttosto "primitiva" e arcaica dello strumento, che non cerca di introdurre forti elementi d'innovazione che possano in qualche modo rifarsi a generi musicali d'impronta contemporanea. Questa caratteristica non è affatto da considerarsi come elemento negativo, anzi dimostra una certa "purezza" e "genuinità" nello spirito con cui Andrea Ferroni si è avvicinato a questo strumento; purezza che si  esprime attraverso una serie di brani dai quali emerge chiaramente una grande preparazione tecnica, la capacità di proporre una gamma espressiva piuttosto ampia, e soprattutto una straordinaria abilità nell'eseguire parti di didgeridoo piuttosto complesse, spesso anche molto veloci e articolate. Ad eccezione di un unico brano, peraltro molto interessante, interamente eseguito con una jew's harp vietnamita, per il resto Andrea Ferroni ci propone il suono dei suoi diversi didgeridoos a volte in assolo, e qui voglio citare "Berna", "Vesuvio" e “Monviso” tra i brani che mi hanno maggiormente colpito, a volte abbinati ad altri didgeridoos e diversi strumenti etnici quali rainstick, click sticks, djembe, bells e shakers,  suonati da altri strumentisti e collaboratori. I limiti maggiori di questo CD-R sono da riscontrare in un certo senso di "approssimazione" nella  struttura e nella elaborazione di alcuni brani (per lo più quelli in cui compaiono altri collaboratori), nonchè  nella qualità della registrazione non estremamente curata e sicuramente migliorabile. Quest'ultimo fattore può magari non disturbare troppo nei brani di assolo di didgeridoo, che in qualche modo possono ricordare il suono di tante registrazioni effettuate sul campo di suonatori aborigeni reperibili su CD che certamente tutti gli appassionati di questo strumento hanno avuto modo di ascoltare, ma diviene invece un elemento piuttosto critico nei brani dove compaiono anche suoni di altri  strumenti, in particolare in "Notte Ancestrale", brano di chiusura molto d'atmosfera e ricco di un fascino tutto particolare, che avrebbe tratto gran beneficio da una registrazione  più nitida e dettagliata, e, in senso generale, di maggiore qualità.

(Giuseppe Verticchio)

 

Ferroni Andrea: Noises & Voices (CD-R 2004 - Autoproduzione)

[ andrea.mail@ciaoweb.it ]  [ http://www.windproject.it ]

 

Prima di tutto è necessario precisare che questo nuovo lavoro di Andrea Ferroni, a causa della rilevante presenza, in molti brani, di parti ritmiche d'impronta moderna che definirei, molto genericamente e senza entrare nei dettagli dei diversi "stili", piuttosto  "dance-oriented", non è probabilmente molto in linea con quanto di solito è possibile trovare su "Oltre il Suono", ma in attesa di conoscere in che direzione evolverà in futuro la musica di questo artista, avendo apprezzato molto il precedente "Windproject", ed essendo pienamente consapevole del grande talento di Andrea Ferroni, ho desiderato comunque dedicargli uno spazio e una recensione. Fatta questa doverosa premessa, necessaria soprattutto per chi segue da anni "Oltre il Suono" e quindi non si aspetterebbe mai di vedere recensito un CD-R che contenga al suo interno ampie parti di brani in qualche modo "ballabili", c'è da dire come "Noises & Voices" conferma senza ombra di dubbio le mie iniziali impressioni sulle incredibili capacità di questo artista nell'utilizzo del didjeridoo, tanto da poter dire che Andrea Ferroni è forse il più capace, fantasioso, eclettico e "disinvolto" suonatore italiano di didjeridoo che abbia mai avuto occasione di ascoltare fino ad ora. I brani in cui il suono del didjeridoo è protagonista praticamente assoluto, "Solitaire", "Improvisation 1",  "Improvisation 2" e "Seaside", sono probabilmente i più adatti (oltre che i miei preferiti in questo CD-R) a rendersi conto delle stupefacenti capacità tecniche e interpretative, dell' impareggiabile "scioltezza", dell’assoluto controllo e della grande padronanza nell'uso di questo strumento che Andrea Ferroni, in un periodo di tempo davvero breve, è riuscito ad acquisire. Tali capacità emergono abbastanza chiaramente anche nei brani in cui compaiono parti ritmiche di tipo moderno, brani comunque ben realizzati, sicuramente d'impatto ed efficaci,  e nei quali Andrea Ferroni mostra una grande capacità nel far convivere, anche con trovate fantasiose, il suono del didjeridoo con situazioni musicali ben diverse da quelle più tipicamente etniche e tradizionali. Non so dire se in futuro la musica di Andrea Ferroni viaggerà su binari adiacenti a quelli su cui viaggia la musica solitamente promossa da "Oltre il Suono", orientata a situazioni e atmosfere d'impronta sicuramente più introspettiva, profonda, statica, crepuscolare, meno "leggera" e "d'intrattenimento" insomma, ma indipendentemente da questo sono assolutamente certo che Andrea Ferroni, in compagnia magari soltanto di un ramo cavo di eucalipto, farà molta molta strada, e soprattutto noi che amiamo (e rispettiamo...) questo antico strumento australiano, sentiremo parlare spesso di lui...

(Giuseppe Verticchio)

 

Ferroni Andrea/Riccio: Tribal Revolution (CD 2005 - ACY)

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Un CD autoprodotto attraverso l'associazione culturale Yidaki di cui lo stesso Andrea Ferroni è fondatore, nel quale l'artista, in compagnia del percussionista Riccio, alterna nuovamente brani d'impronta più acustica e dalle sonorità pan-etniche, costituiti fondamentalmente da parti di didjeridoo,  talvolta in assolo e talvolta accompagnate dal suono di djembe, piffero peruviano, darbouka, canto, a brani d'impronta ritmica e più moderna, nei quali lo strumento di origine australiana  si sovrappone sostanzialmente a parti ritmiche di batteria pre-programmate. Pur riconoscendo a Ferroni una indiscutibile capacità tecnica nell'eseguire parti di didjeridoo veloci e complesse che riescono ad inserirsi efficacemente anche in contesti di stampo moderno, continuo senz'altro a preferire e ad attribuire maggior valore artistico a quei brani in cui l'esigenza del "nuovo" appare meno marcata, e cioè ad esempio nell' ottimo e "incalzante" brano introduttivo di solo didjeridoo "Bees Drone", nel seguente "Intrigue",  in cui il suono delle pelli del djembe suonato da Riccio si sposa perfettamente con l'esecuzione di Ferroni al didjeridoo, o ancora in "Eea", altro affascinante brano in cui tornano le percussioni a base di djembe stavolta integrate dal suono di un piffero peruviano e dalla voce. Molto interessante e molto particolare il risultato ottenuto in "Abstrait", brano in cui la ricerca di nuove soluzioni va a concretizzarsi in una desueta combinazione di didjgeridoo e didgeribone che restituisce attimi e suoni di particolare suggestione, in una soluzione tecnica e compositiva che meriterebbe di essere in futuro ripresa e ampliata, coniugando così ancora più efficacemente il "vecchio" e il "nuovo", l'essenza di una matrice "tradizionale" con l'esigenza di rinnovamento e di una ricerca sonora, che è imprescindibile per chiunque faccia musica con impegno e dedizione, e non intenda allinearsi passivamente a standard e "modelli" musicali preconfezionati e stereotipati. Tra i brani d'impronta ritmica più moderna che, per quanto distanti dalle mie ordinarie abitudini d'ascolto e da quanto solitamente recensito su "Oltre il Suono", ho trovato comunque più riusciti, menzionerei il conclusivo "Electropipe", un brano in stile drum'n bass costituito da una struttura sonora più ricca ed elaborata, la cui soluzione compositiva non risulta, come in altri brani, limitata al solo binomio parte-ritmica-programmata/didjeridoo. La qualità media del suono appare sicuramente migliorata rispetto ai precedenti lavori di Ferroni, così come probabilmente la sua ormai già "mitica", in Italia, capacità tecnica nel suonare il didjeridoo...

(Giuseppe Verticchio)

 

Ferroni Andrea: Ritratto (CD-R 2007 - ACY)

[ andrea.mail@ciaoweb.it ]  [ http://www.windproject.it ]

 

Nel suo precedente CD "Breaking Through", realizzato con la collaborazione di diversi artisti, Andrea Ferroni aveva colto l'occasione per espandere il proprio raggio d'azione, esplorando in diversi brani i territori di una musica di matrice decisamente più sperimentale rispetto a quanto era stato possibile ascoltare nei suoi precedenti lavori. In "Ritratto", seppure in modo molto diverso, e senza l'ausilio dei molti musicisti che lo avevano accompagnato in "Breaking Through", Andrea Ferroni sembra voler riprendere il filo della sperimentazione sonora, e messe da parte (quasi) del tutto le sonorità/strutture/composizioni "ultra-tecniche" a base di didgeridoo che hanno caratterizzato la maggior parte della propria produzione artistica, sposta il proprio interesse verso la ricerca sonora, verso un modo di utilizzo dello strumento in contesti più "aperti", desueti e differenziati, sfruttando talora, come nel primo brano "Quiete dopo la Tempesta", le possibilità offerte dal processamento elettronico (anche massiccio) delle fonti, attraverso applicazione di effetti ed editing audio con l'ausilio del computer. La struttura dei singoli brani rimane comunque piuttosto semplice, nel senso che non c'è un ampio e preponderante utilizzo di sovraincisioni e missaggi, e questa caratteristica consente ai brani di conservare quel senso di "immediatezza" che viene invece inevitabilmente a mancare in tanta musica che viene realizzata attraverso un ampio, sofisticato, articolato e "ponderato" lavoro di stratificazione/missaggio/montaggio al computer. Sicuramente non si tratta di un CD intenzionalmente destinato ai "puristi" dell'affascinante strumento australiano, a o chi giudichi negativamente l'utilizzo del didgeridoo in un contesto musicale/culturale così espressamente distante da quello "tradizionale" nel quale per secoli ne hanno fatto uso i nativi australiani. Ma è sicuramente un CD consigliato a chi invece, prescindendo da considerazioni di tipo etico-storico-culturale, vede in questo strumento, o meglio ancora nella vasta gamma delle "varianti" di quello che è l'originale Yidaki australiano, un interessante e potente mezzo espressivo che, come qualsiasi altro "oggetto" in grado di produrre suoni, può essere liberamente ed efficacemente impiegato, anche integrandone l'utilizzo con altri strumenti e con l'ausilio delle moderne tecnologie elettroniche, per produrre musiche e vibrazioni al di fuori dell'ordinario e del "già sentito". Particolarmente riuscito ed interessante il brano che dà il titolo all'album, ottenuto attraverso la "semplice" ma efficace sovrapposizione di due note di didgeridoo continue non perfettamente intonate, diversamente posizionate nel panorama stereo, una fissa e una in continuo glissare, e il brano "Suono Continuo", il quale, pur non facendo uso nè di didgeridoo nè di effetti elettronici, essendo stato realizzato soltanto sovrapponendo tre tracce di Dan Moi (scacciapensieri vietnamita), mostra invece delle sonorità che a tratti sembrerebbero invece sorprendentemente proprio di derivazione elettronica, e a tratti, altrettanto sorprendentemente, ottenute attraverso l'uso di un didgeridoo...

(Giuseppe Verticchio)

 

Fhievel: Nuvole (CD-R 2001 - Autoproduzione)

[ fhievel@noisysoul.com ]  [ http://www.noisysoul.com ]

 

Splendido CD-R d'esordio per Fhievel, di breve durata (16:33) ma decisamente "intenso" nei contenuti, suddiviso in quattro tracce, che restituiscono comunque all'ascolto un perfetto senso di continuità. Ciò che stupisce particolarmente, oltre ai suoni, prettamente elettronici ma molto ricercati e mai dozzinali, è la "misura" e la grande capacità compositiva. Stupiscono le evoluzioni, le pause, le riprese, l'assoluta imprevedibilità... Un'imprevedibilità che non nasce dall'aggressività, dal "distruggere" repentinamente le atmosfere appena costruite con facili interventi ad impatto... Un'imprevedibilità che nasce dall'impressione che in qualsiasi momento dell'ascolto "stia per succedere qualcosa"... E in effetti succede sempre qualcosa, ma non è mai ciò che ci saremmo aspettati, e non è mai un "qualcosa" di "plateale" come magari avremmo immaginato... Si apprezza il rifiuto di adottare schemi facili e collaudati, senza però cadere mai nella casualità o nella pseudo-casualità, che in fondo non sono altro che due ulteriori collaudatissimi schemi... Belle le atmosfere, i suoni, gli incastri, i rari e discreti interventi ritmici dalle sonorità quasi aliene... Buona la qualità della registrazione.  Poco più di sedici minuti di musica dietro ai quali, ne sono certo, l'autore ha passato decine e decine di ore di meticolosa ricerca e di lavoro compositivo sofferto e intenso...

(Giuseppe Verticchio)

 

Fhievel: Fluctuazione (CD-R 2002 - Autoproduzione)

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Un breve CD-R della durata di 15 minuti, suddiviso in 5 tracce, musicalmente unite tra di loro, e che all’ascolto appaiono quindi come un unico brano. La prima cosa che colpisce è la registrazione eccellente: l’assenza totale di fruscio, i suoni (di origine esclusivamente sintetica) dalla timbrica nitida e cristallina, la cura del dettaglio, del posizionamento nel panorama stereofonico degli elementi sonori, le frequenze alte chiare e i bassi profondi, avvolgenti, caldi, ma adeguatamente “frenati”. La musica penso possa essere descritta come una elettronica “pura”, facente largo impiego di suoni “pungenti”, evidenti, dinamici, “prepotentemente” presenti, “graffianti”, ma al tempo stesso sempre molto eleganti, usati in modo deciso ma equilibrato, anche piuttosto originale, e sapientemente combinati, miscelati, organizzati in sequenze. La musica scivola via in un continuo e repentino alternarsi di effetti elettronici, pulsazioni, disturbi, sibili, frammenti ritmici, brevi attimi di stasi che forse avremmo potuto desiderare di durata leggermente maggiore, per offrire qualche istante di “quiete” in più in questo pur elegantissimo e affascinante caleidoscopio di “stimoli sonori sintetici”. Davvero un ottimo lavoro comunque, e considerato che personalmente non sono (in genere…) particolarmente attratto da opere di “elettronica pura” in questo stile,  prediligendo ascolti d’impronta più “ambient” e dai tempi più dilatati, questo mio giudizio estremamente positivo assume un valore di merito ancora maggiore. “Fluctuazione” in questi ultimi giorni ha girato diverse volte nel mio lettore, e questo non succede molto spesso con gli altri CD, tanto meno quando ho (come infatti avevo…) almeno un paio di CD appena acquistati, di “blasonatissimi” artisti stranieri, ancora da ascoltare per la prima volta...  Un ottimo lavoro per Fhievel, dal quale però mi aspetto in futuro un CD-R di durata più “impegnativa”...

(Giuseppe Verticchio)

 

First thing I appreciated most about this short-lenght release is the almost relaxed compositional instinct shown. All tracks on this debut CD-R shows no hurry, no sign nor wish to go anywhere, except maybe a little circumnavigation of the surroundings. You may define it digital electronics: simple to write and completely void as an explanation. Luca Bergero, the man behind this project, programs the source sounds in C-sound, to ensure they have nothing to do with things you can hear in reality, and then sequences them and add a little fx's here and there (mostly delay). But the result, all together, is very human. Reminded me a lot of Future Sound of London, with a peculiar taste for microscopic melodies and some glitch paraphernalia scattered all over and smoothed by eq'ing, like some abyssal creature swimming around the ruins of some submerged cities in a faraway future, without nothing particular to do, except existing. And also (but I may completely be wrong here) Ozric Tentacles, downloaded into one single person and a computer, engaged into exposing only the bare bones of compositional dynamics. Good, makes a worthwhile listening in a serene afternoon like this. Comes into a slim-case and a high quality full colour printed sleeve.

(P. Ippoliti)

 

Fhievel: Vetri di Carta (CD-R 2003 - Autoproduzione)

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Premetto che questo CD-R è un lavoro sicuramente più "difficile" dei precedenti. La "forma"della musica in questo caso è infatti molto meno "ad impatto", e chi nei precedenti lavori si è fatto affascinare esclusivamente da alcuni elementi quali l'ampia dinamica, i suoni di basso caldi e profondi, le elegantissime sequenze ritmiche, potrebbe rimanere disorientato dall'ascolto di questo nuovo lavoro. Aggiungo subito che Fhievel ha finalmente realizzato un CD-R di durata "normale", quattro tracce per un totale di circa 48 minuti, elemento che aggiunge in partenza valore all'opera, dimostrando di essere in grado di sviluppare ed elaborare le sue idee in modo molto più ampio, e distaccandosi dal concetto del "Mini-CD", concetto che il più delle volte (ma con le dovute eccezioni...) cela dietro di sè una certa difficoltà nell'affrontare prove più "impegnative", e adottato per lo più da autori che stiano ancora alla ricerca di una direzione precisa, di  una propria definitiva identità musicale, e, se vogliamo, anche di un certo grado di maturità artistica, di una propria consapevolezza. "Vetri di Carta" può essere definito come un lavoro costruito prevalentemente con "microsuoni", e cioè generando e "assemblando" frammenti sonori elettronici di breve e brevissima durata, per lo più suoni acuti e a volte un po' striduli, su frequenze alte e medio alte. Immaginate di dover colorare un foglio di carta con dei pennarelli, ma che per scelta, invece di disegnare dei tratti e riempire degli spazi vuoti muovendo la punta del pennarello sulla superficie del foglio, decideste di disegnare una serie infinita di piccoli punti ravvicinati, usando prevalentemente pennarelli di simile tonalità di colore...  Qualcosa di analogo alla tecnica di pittura adottata da millenni dai nativi australiani... I primi punti saranno piuttosto distanti tra loro,  userete colori chiari, e cambierete raramente il colore del pennarello, e l'immagine iniziale risulterà piuttosto indefinita e astratta, ancora in cerca di forma: questo è ciò che si percepisce ascoltando il primo brano del CD, circa tredici minuti di "microsuoni" ancora in posizione apparentemente "sparsa"... Poi piano piano, aggiungendo nuovi punti, che si faranno sempre più ravvicinati, andrete a riempire tutti gli spazi bianchi del foglio... Cambierete spesso colore del pennarello, e agli iniziali colori chiari si sostituiranno a tratti colori più scuri e intensi che daranno profondità all'immagine e aiuteranno a definire i contorni e le forme della stessa... Questo è ciò che accade nel secondo e nel terzo brano del CD-R, ed è proprio nella terza parte che il plasma sonoro raggiunge la sua forma più evoluta, la sua dimensione migliore, le sembianze più chiare, riconoscibili e definite... In questa fase Fhievel è comunque abile nel costruire rapidamente, in pochi secondi, paesaggi e atmosfere che il più delle volte, in modo altrettanto rapido, si dissolveranno nel nulla negli istanti immediatamente successivi. Tale soluzione può a tratti lasciare un po' disorientati, soprattutto quando l'atmosfera appena disegnata stava cominciando a toccare "nel vivo" le nostre emozioni:  ma questa è una caratteristica che ha sempre fatto parte della musica di Fhievel, e che, a seconda dei punti di vista, può essere considerata il suo maggior pregio o un suo limite... Nella quarta parte i suoni si fanno di nuovo più rarefatti, come se l'autore stesse cercando di far emergere di nuovo il colore bianco del foglio, come se in qualche modo si stia cercando di cancellare parte di ciò che si è disegnato, per ritrovare un contatto con la situazione originale... "Vetri di Carta" è un album che, seppure a tratti può apparire un po' "scarno", è in realtà abilmente sviluppato e finemente  elaborato. Mi sarebbe piaciuto poter ritrovare, almeno da qualche parte, nei 48 minuti di durata del CD-R, alcuni elementi che avevo particolarmente apprezzato nei lavori precedenti e cui ho già fatto cenno: l'ampia dinamica, i suoni di basso caldi e profondi, le discrete e curate sequenze ritmiche... Nell'insieme comunque si tratta di un CD-R di sicuro fascino e di grande interesse... La "barriera" della breve durata è stata finalmente abbattuta, e se nel prossimo lavoro Fhievel riuscirà ad integrare in un contesto musicale analogo anche quegli  elementi sopra indicati dei quali ho sentito un po' la mancanza, potremo con certezza consacrare Fhievel come uno degli autori più interessanti e innovativi nel panorama della nuova musica elettronica italiana...  

(Giuseppe Verticchio)

 

Fhievel: Le Baptême de la Solitude (CD-R 2005 - Petite Sono)

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Glaciale, nitida e scientifica, la musica di Fhievel era la più ‘nordica’ fra quelle prodotte in Italia. Questo nuovo disco, che giunge dopo due CD-R autoprodotti ed un terzo CD-R licenziato dalla defunta S’agita Recordings, mostra un’evoluzione, da intendere non tanto come una crescita - Fhievel è un musicista nato già adulto, qualche secolo fa avremmo parlato di ‘enfant prodige’ - quanto come un piccolo spostamento nello spettro dei modelli espressivi. Tale spostamento, direi, non è determinato tanto dal cambiamento dei punti d’osservazione o di quelli osservati quanto dall’ottica utilizzata che, in precedenza, poteva essere definita come micro mentre adesso è decisamente macro. Innanzi tutto è presente un più marcato aspetto compositivo, e questo comporta in parte l’abbandono di un’ottica ultra-minimale in favore di costruzioni che prevedono la sovrammissione e l’intreccio di differenti punti e linee sonore, mantenendo comunque un tratto distintivo definibile come ‘eleganza’. V’è poi un più ampio utilizzo di suoni lunghi, e questi continui vanno a riempire i vuoti tipici della vecchia parcellizzazione, con un mood che si fa più ‘concreto’ rispetto all’astrazione precedente; e pure si tratta di una concretezza non riferibile tanto ai materiali utilizzati quanto ad un suono che riesce ad evocare situazioni vissute, magari non quotidiane, ma comunque vissute: il passaggio di un treno, una folata di vento, lo scalpiccio di passi o di ruote su un selciato, un coro di cicale, una porta che si chiude, sassi che rotolano…. Va rilevato anche il senso di movimento che Fhievel è riuscito ad imprimere ai suoni, sia per quanto riguarda la dinamica interna ai suoni stessi sia per quanto riguarda la dinamica vista in un’ottica più complessa da riferire all’intera scultura sonora. Ma quello che più avvince, infine, è l’alzarsi occasionale di una nebbia mistica che toglie al lavoro quel tanto di scientificità sufficiente a renderlo un po’ più passionalmente mediterraneo. “Le baptême de la solitude” è una realizzazione importante, sia per il musicista sia per la musica sperimentale italiana, anche perché esce per un’etichetta canadese, seppur piccola, e allarga così a quattro il numero dei dischi 'italiani' pubblicati recentemente da quelle parti.

(Etero Genio - Sands Zine)

 

Fhievel is the moniker for Italian electronic musician Luca Bergero. Or maybe the term electroacoustic is more appropriate: Fhievel combines electronic acoustic sounds with field recordings in a very controlled and composed way. His use of the different materials is without question and feels absolutely natural. This CD-R contains three tracks ranging from over 10 to over 15 minutes, which is not so long, but that is very good. The music is demanding: the listener has to focus and concentrate. This is not to say that Fhievel's music is difficult, quite the contrary. But there is a gentleness and quietness about it that simply needs attention to be fully appreciated. With the use of his ingredients Fhievel arrives at an almost narrative structure, but without getting too bold. Yes, this is very suggestive and also beautiful music.

(Roel Meelkop - Vital Weekly)

 

Fhievel/Sigurtà Luca: The Wheel (CD 2008 - Creative Sources)

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Eccellente documento sonoro, concepito da Luca Bergero/Fhievel e Luca Sigurtà per la mostra sonora "La fabbrica e la sua voce - trame sonore dell'industria tessile", realizzato utilizzando registrazioni microfoniche effettuate all'interno della "Fabbrica della ruota" (ex Lanificio Zignone) di Pray, uno dei più significativi esempi di archeologia industriale del Biellese. Articolato in quattro tracce, rappresentanti quattro diverse "zone sonore" (sala della ruota, tessitura, mensa operaia e carderia), il CD è costituito di una vasta gamma di rumori/suoni registrati nei medesimi ambienti, interagendo in vario modo con macchinari, attrezzature e strutture, e cercando di catturarne la "voce", l'essenza sonora, le vibrazioni... Assolutamente sorprendente la qualità delle registrazioni, caratterizzate da una straordinaria nitidezza sulle frequenze medie e alte, da drones e frequenze basse calde e profonde, da una eccezionale gamma dinamica, nonchè da una resa panoramica di grande impatto e notevole tridimensionalità. Un lavoro davvero di grande pregio e grande intensità, soprattutto considerando che spesso a interessanti idee di tipo prettamente concettuale, quali installazioni sonore e simili,  non corrisponde poi, alla prova dei fatti, un altrettanto interessante risultato e una corrispettiva piacevolezza d'ascolto quando la medesima esperienza viene estrapolata dal suo contesto originale e "trasportata" su "normale" CD audio da fruire in momenti, ambienti, situazioni e condizioni assolutamente diverse. Elegante il booklet, in bianco e nero e composto da sedici pagine, ricco di note e suggestive fotografie scattate nei medesimi ambienti. CD sicuramente consigliato, ovviamente soprattutto a chi, negli ascolti, non senta comunque la necessità di qualche elemento musicale/melodico, in questo caso del tutto assenti, se si eccettuano alcuni suoni dilatati e armonici di origine evidentemente metallica (vagamente simili al suono di ciotole tibetane strofinate) presenti nella prima traccia del CD.

(Giuseppe Verticchio)    

 

This duo from Novara joins a couple of complementary musicians involved in sound art and experimental music, as you can easily guess from the inside notes of this cd, they're also involved in sonorizations. You may remember them for their past participation to the Pocket Progressive experience where Claudio Rocchetti was the third part of the triumvirate, you will find some similarities but in general the project is a little bit different. While generally Sigurtà tends to be more rough and Fhievel is probably the one of the few purest "minimal electronics" exponents hailing from Italy, during the composition of this work they converged trying to resuscitate the voice of the old machines they found inside the factory "Fabbrica della ruota" of Prey and simultaneously they accomplished the result to give it all an oniric dimension. The target has been hit and the outcome is brilliant since for the whole recording you've the impression the audio work is part of a soundtrack and in some way their modus operandi related to the process of sonirization is quite classic. The sound definition is wonderful and natural reverbs paint the audio trip of a spectral atmosphere, the sharpness of some sounds (Fhievel?) ties the knot with some grey, dronical cluds (Sigurtà?), they didn't pierce silence but they've been flirting with it constantly which means there's no "tension building" or "waiting game", but it's enveloped all around most of the sounds "happening" during the trip. Considering this whole recording concerns "the factory and its voice - sounds and textures of the textile industry" it's not heavy at all, it has been probably designed to be accessible to a big range of people therefore forget those hyper-intellectualized works by this or that "sound artist wonna be". "Simple" doesn't mean "naïve" and I'm still quite surprised by the great sound effect they managed to create for what concerns sound definition, sure you've to considered you won't hear all the machine "speaking" at the same time as an Orchestra (Russolo can feel safe wherever he rests) but every ghost is there to remember when the worker will die we'll hear his voice thru that of the machine he's been working with for a whole life…"part animal, part machine" for the last time..forever. 

(Andrea Ferraris - Chain DLK)

 

Five Thousand Spirits: A Tapestry for Sourcerers (CD 1995 - Hic Sunt Leones) (Alio Die, Raffaele Serra, Runes Order)

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Questo CD rappresenta in pieno il mio ideale di musica ambient: atmosfere tendenzialmente statiche e oscure, ma al tempo stesso evocative; musica che nasca da vere idee, e che non si trascini avanti stancamente nell'intento di "coprire" a tutti i costi lo spazio scrivibile di un CD. Musica mai completamente immobile e,  soprattutto,  mai  noiosa... "A Tapestry for Sourcerers" risponde a pieno a tutti questi requisiti, eccelle nella scelta dei suoni, nelle costruzioni, nelle progressioni… I primi due brani sono spettacolari, con  l'introduzione di "From sea to sea" e le stupende pulsazioni elettroniche e acustiche del seguente "Enter, so far from this sky". Questo ultimo brano forse è il mio preferito: i primi 5 minuti in particolare davvero magici... Seguono ancora gli splendidi “Alphamantra” e “Onyx”, che chiudono i primi 20 minuti abbondanti di ascolto del CD che non esito a definire entusiasmanti... Quindi "Eskdalemuir", un lungo brano di 16 minuti, durante il quale si susseguono diversi cambi d’atmosfera e di sonorità, prima più rituali, poi più elettroniche, quindi  più statiche,  che trovano nella seconda parte del brano i momenti più riusciti e suggestivi… Seguono  l'inquietante “Lais”, le discrete aperture melodiche di “Haat-Lunis”, quindi “Limahians”, brano di chiusura del CD dalle sonorità oscure e vagamente psichedeliche… “A Tapestry for Sourcerers” è il primo CD che vede Raffaele Serra avvicinarsi con grande stile a quei territori musicali prettamente ambient che  Alio Die, suo compagno di squadra in Five Thousand Spirits, è invece solito percorrere già da alcuni anni… Un incontro felice fra due grandi artisti italiani che, anche con la collaborazione di Runes Order, hanno scritto un capitolo indimenticabile nella storia della musica ambient italiana...

(Giuseppe Verticchio)

 

Five Thousand Spirits: Quantum Consciousness (CD 2006- Sempiterna Mutatio) (Alio Die & Raffaele Serra)

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Attesissimo ritorno questo del duo Alio Die/Raffaele Serra e del loro progetto Five Thousand Spirits, rimasto in stand-by per quasi un decennio, dell'uscita cioè del precedente CD "Mesmeric Revelation". Chi conosce da anni e approfonditamente i due artisti, sa come Alio Die si sia sempre distinto per aver proposto musica caratterizzata da sonorità molto fluide, "morbide", discrete, misurate, mentre Serra ha orientato la sua lunga carriera artistica verso una ricerca sperimentale più estrema, variegata, energica e imprevedibile. Se nei primi minuti di ascolto di questo CD sembra prevalere un sound "generale" più vicino a quello tipico di Alio Die, soltanto arricchito da alcuni suoni, pulsazioni, e movimenti elettronici "circolari" che sembrerebbe plausibile attribuire alla "mano" di Serra, in realtà già dal secondo brano il suono tende a farsi molto più estremo, psichedelico, "rumoroso", ipnotico, spiccatamente sperimentale, a tratti quasi "allucinato", quasi a richiamare echi di storici capolavori del primo Raffaele Sera, quello di "Our Lady of the Sphere" e di  "Memories of an Unborn Baby", o quello del più recente "The Third Mind". Anche nel proseguio dell'ascolto del CD, che non manca di riservare grandi sorprese e soluzioni davvero imprevedibili, questa marcata matrice sperimentale sembra solitamente prevalere, tanto da la lasciar credere che Alio Die abbia scelto di lasciare ampio spazio a Serra, soltanto "guidandolo" lungo questo lungo viaggio sonoro, aggiungendo substrati atti a fare da "collante" tra i variegati e suggestivi interventi del collega, e dedicando a sè soprattutto alcuni parti d'impronta più statica che di tanto in tanto attenuano la tensione, lasciando i suoni, e i flussi delle emozioni, decadere lentamente... In realtà però credo che Alio Die abbia fatto molto più di quanto superficialmente possa apparire, e sono abbastanza certo che abbia piuttosto colto l'occasione di questa nuova "reunion" con Serra per "osare" in prima persona più di quanto abbia fatto finora nella musica siglata soltanto a proprio nome, elaborando ed inserendo in questo nuovo lavoro, di propria iniziativa e di propria mano, elementi sonori di matrice più elettronica, sperimentale e rumoristica che fino ad ora non avevano mai "contaminato", o lo avevano fatto in modo assolutamente marginale, la musica prodotta come "Alio Die". Non ci è dato di sapere, e a dire il vero neanche ci appare così importante approfondire, chi dei due artisti abbia apportato cosa, e in che misura. Preferiamo ascoltare, e godere questo affascinante, attesissimo, nuovo CD dei Five Thousand Spirits... e tanto ci basta...

(Giuseppe Verticchio)

 

Five Thousand Spirits: Schwarzschild Radius (CD 2006- Sempiterna Mutatio) (Alio Die & Raffaele Serra)

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"Quantum Consciousness" e ll presente "Schwarzschild Radius" escono sostanzialmente in contemporanea per la medesima etichetta (Sempiterna Mutatio, sub-label della Hic Sunt Leones) e quest'ultimo titolo è il logico proseguimento del primo, tanto che i due CD, simili per sonorità e stile, nonchè per grafiche e confezione,  avrebbero anche potuto anche essere pubblicati come opera unica raccolti in doppio CD. Quasi impossibile immaginare dunque di acquistarne e possederne soltanto uno, e inevitabile quindi un confronto fra i due titoli; e a tale proposito, pur sottolineando l'indubbio fascino, il "coraggio", e l'innegabile originalità che caratterizza "Schwarzschild Radius", debbo dire di aver preferito il primo "capitolo". Non cambia molto nella "sostanza" rispetto a "Quantum Consciousness", e la formula, pur con le ovvie variazioni sul tema, appare simile. In "Schwarzschild Radius" però tende ad emergere e spesso a prevalere, soprattutto nella seconda parte del CD, una struttura sonora di fondo più spiccatamente rumoristica e pseudo-caotica (caos controllato naturalmente...), che miscelata alla scelta di alcuni suoni d'impronta marcatamente elettronica, a volte peraltro (come nel quarto e quinto brano...) in abbinamento a sibili su frequenze molto alte e stridenti, mi hanno fatto preferire il più "misurato" e sicuramente meno "estremo" "Quantum Consciousness". Molto accomuna comunque i due CD, e anche "Schwarzschild Radius" presenta momenti di grande efficacia e suggestione, come nella parte iniziale di "Fog Pumas" caratterizzata da alcuni potenti e strabilianti "colpi" pulsanti a bassa frequenza, o nell'ascesa della parte ritmica e di sequencer dell'evocativa "Sirius Remembered", cui segue in chiusura di brano (e inizio del seguente "Blackwater Days") una zona molto tesa e oscura a base di onde di drones, o ancora nelle venature quasi "cosmiche" che fanno da introduzione al primo brano del CD, "Immaculate Perception", brano che poco oltre evolve in una forma più "quieta" e ambientale, anche con la sovrapposizione di delicate tessiture acustiche a base di arpeggi di zither... Molte belle sorprese anche qui dunque, e seppure personalmente ho espresso preferenza per "Quantum Consciousness", non escludo, e sono anzi certo, che altri ascoltatori potranno pensarla in modo completamente diverso, prediligendo alla maggiore "moderazione" del primo titolo il "coraggio" e la vocazione più "estrema" ed "intransigente" di "Schwarzschild Radius"...

(Giuseppe Verticchio)

 

Fogar Alessandro: Isole (CD-R 1988 - Autoproduzione)

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Semplicemente un ottimo lavoro. Ancora più interessante se si pensa che è stato concepito e realizzato più di dieci anni fa, e che nasce, ce lo spiega la copertina, come installazione multimediale per nastri e dispositivi controllati via midi. Tenendo tra le mani una vecchia rivista, contenente un generoso servizio su Alessandro Fogar, leggo che quest’opera  è stata influenzata da Luigi Nono, e che è nata dall’osservazione acustica dell’ambiente circostante… Ma al di lè delle informazioni di tipo tecnico e concettuale, quello che si apprezza principalmente in questo lavoro è la musica stessa (anche se il termine “musica” in questo ambito suona un pò improprio…),  e le emozioni che riesce e regalare; e i due brani contenuti nel CD-R, simili per struttura e sonorità, evocano immagini e atmosfere che certo non mancheranno di emozionare gli ascoltatori...

(Giuseppe Verticchio)

 

Another installation soundtrack, as Fogar seems to be very active in this field, presenting us with two tracks, the live and studio version of it. Crispy dramatic dronings, and something that appears to be breathing unheard in the background, mixed over looped field recordings - resulting in a meditative texture. The studio version though, miss that environmental hiss and depth that sort of enriches the live one. Jewel case and full colour inserts, with a painting by Marina Bosio.

(P. Ippoliti)

 

Fogar Alessandro: Songlines (CD-R 1998 - Autoproduzione)

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Questa volta Alessandro non tocca quelle vette potenzialmente raggiungibili con le proprie capacità artistiche. Forse l’opera ha risentito un po’ troppo del fatto di essere nata dall’esperienza di un’ installazione sonora e di non essere stata concepita direttamente come CD musicale. L’impressione  che si ha dall’ascolto del CD, è quella di un certo numero di campionamenti,  riprodotti  e miscelati randomizzandone la sequenza e l’intervallo temporale di esecuzione, che non riescono però, combinati attraverso questo meccanismo, a generare un tessuto sonoro abbastanza coinvolgente. Da appassionato di cultura aborigena inoltre, considerando che il CD è dichiaratamente ispirato a tale cultura (molto bella l’immagine della copertina!), mi aspettavo di trovare, anche per quanto riguarda il contenuto musicale, qualche elemento direttamente riconducibile a tale contesto (magari qualche suono di didjeridoo, bullroarer, click sticks, o campionamenti di canto aborigeno…), che invece risulta essere completamente assente. Talvolta le installazioni sonore,  ed anche altre idee ed esperienze basate su un approccio più concettuale e sperimentale, non si sposano abbastanza felicemente con le esigenze, più prettamente musicali, della realizzazione di un CD che sia soltanto ’da ascoltare’, e che richiede invece una maggiore attenzione per quanto riguarda l’aspetto compositivo e la ricerca dei suoni e delle progressioni.  

(Giuseppe Verticchio)

 

Definitely, there must be something between Australia and some italian electroacoustic composers. Possibly inspired by the Bruce Chatwin's book by the same title, this is an installation soundtrack from 1998, and having missed the thing at the time, i am left with the sounds: two tracks that shows little difference between themselves, at least to my ears; made in PD, long pad sounds, mildly droning, water and cricket samples, the occasional plucked string, and an italian text that depicts how aboriginal songlines should help reading the whole of Australia like a score. Comes in a jewel case, with full colour inserts and the original aboriginal painting that inspired the tracks title.

(P. Ippoliti)

 

Fogar Alessandro: The Stars Circle (CD-R 1999 - Autoproduzione)

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Forte di un’attività di installatore multimediale e di un retroterra colto che passa attraverso ascolti e letture di Nono, Cage, Oliveros, e Xenakis, il compositore goriziano è autore di un album dai decisi contorni elettro-ambient. Suoni naturali, sussurri, crepitii e sciabordii sono stati elaborati con l’ausilio di uno dei tanti software di sintesi granulare (Csound) e successivamente spazializzati a completare un immenso affresco di sostanza oscura e contemplativa in bilico tra platonica musica delle sfere e meditatività di impronta cosmica (Voto 6).

(Nicola Catalano - Blow Up) 

 

A studio work, aptly subtitled “sonic meditation”: four tracks that goes down heavy on rumbling stellar drones, darker than everything else i've heard from him and showing variations and evolution, unlike the most static installation work, and getting sort of lighter, melodic as the end approaches. Intended to be listened to while lying down looking at the stars, forming a circle with other listeners, i've found it quite enjoyable anyway, though i was alone in front of my computer screen, debugging my poorly written html and writing text, and had it looped on headphones for quite a while. Full colour sleeve in a jewel case.

(P. Ippoliti)

 

Fogar Alessandro: Transmutations (CD-R 2002 - S'agita Recordings )

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"Transmutations" è sicuramente il lavoro più interessante e maturo di Fogar fin dai tempi di "Isole". Sette tracce in tutto, ognuna della durata di sette minuti, che propongono un efficace misto di field recordings, più o meno rielaborate elettronicamente, abbinate a parti e suoni di apparente origine sintetica. Ciò che si apprezza in particolar modo in "Transmutations", soprattutto comparando questo lavoro alle precedenti prove dell'artista, è la maggiore cura e attenzione rivolta alla scelta e all'utilizzo dei suoni, che risultano sicuramente più variati, ricercati, ben trattati e combinati tra loro, dipingendo paesaggi sonori che, soprattutto in alcune parti, risultano davvero ricchi di suggestione ed emotivamente coinvolgenti. L'approccio a volte piuttosto frammentario e "cinematografico" sembra ricordare a tratti un certo tipo di sperimentazione sonora che il "nostro" Raffaele Serra porta avanti ormai da circa un decennio, e che ha trovato la sua massima espressione nel 2004 con "The Third Mind”. Tale analogia è comunque riscontrabile solo in alcune parti del CD-R, e indipendentemente da questo parallelismo c'è da sottolineare come con "Transmutations" Fogar mette di certo a punto un CD-R di grande interesse, che rappresenta un' importante tappa e probabilmente una svolta decisiva per quanto riguarda la propria esperienza artistica musicale.

(Giuseppe Verticchio)

 

Fogar Alessandro: Prakriti (CD-R 2003 - Ants)

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Per realizzare questo lavoro Fogar ha raccolto e trasformato suoni naturali derivanti da field recordings integrandoli con drones statici ottenuti rielaborando pesantemente suoni orchestrali. Il risultato finale nasce attraverso l'utilizzo di un sistema in tempo reale che produce infinite e diverse combinazioni di eventi sonori, mentre l'artista "controlla" al tempo stesso l'evoluzione del pezzo mixando e spazializzando le stratificazioni degli stessi eventi. Il CD-R, proposto dalla Ants in una splendida confezione in jewel box con stampa della copertina di ottima qualità, sicuramente ai vertici per quanto riguarda le produzioni su supporto CD-R, contiene un'unica traccia della durata di 42:41 interamente realizzata attraverso i "meccanismi" descritti poco sopra. Alessandro Fogar è un artista multimediale attivo da molti anni in questo tipo di ricerche e sperimentazioni, e pur considerando i limiti intrinsechi di tali esperienze, sia a livello prettamente "musicale" e "compositivo", sia per quanto riguarda la "trasposizione" su prodotto CD-R di situazioni sonore che sicuramente trarrebbero maggior  vantaggio dalla fruizione in forma di performance dal vivo, si può senza dubbio affermare che l'artista è riuscito a trovare una "formula" davvero equilibrata, attraverso la quale riesce a conciliare l' esigenza di una ricerca e sperimentazione d'impronta fortemente "tecnologica" e in una certa misura anche concettuale, con l'esigenza di ottenere un risultato finale che sia in qualche modo anche particolarmente piacevole e valido a livello puramente "uditivo", concentrandosi sulla qualità della proposta musicale in sè stessa e prescindendo da tutto ciò che c'è stato a monte della sua realizzazione. La pluriennale esperienza di Alessandro Fogar in questo tipo di sperimentazione rivela sicuramente in "Prakriti" la sua più evidente consistenza, consegnandoci un CD-R che sarà sicuramente apprezzato da chiunque conosca e stimi da anni questo artista, ma anche da chi si avvicini per la prima volta al suo inconsueto universo musicale..

(Giuseppe Verticchio)

 

Fogar Alessandro: Surface Studies #1-#2 (CD-R 2005 - Afe)

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Ennesima conferma per Alessandro Fogar, che grazie alla Afe Records ci propone un nuovo affascinante  CD-R contenente due lunghe tracce per una durata totale di 49:35. Portando avanti quello che potrei definire un "nuovo ciclo", quello sicuramente più maturo e significativo nell'intera carriera dell'artista, iniziato con "Transmutations" e seguito da "Prakriti", "Surface Studies #1-#2" torna a proporre splendide miscele sonore costituite in parte preponderante da registrazioni ambientali, superbamente  rialaborate in vario modo e sapientemente miscelate tra loro in aggiunta a suoni di natura elettronica. La prima traccia, a mio parere la migliore, è stata registrata in studio nel 2005, mentre la seconda risale ad una installazione sonora interattiva registrata del vivo nel 2003. Gli elementi utilizzati, per lo più drones bassi e profondi, gorgoglìi d'acqua, vento, crepitìi, sfregamenti di masse pietrose e rumori di altri oggetti vari, sono sostanzialmente condivisi dalle due tracce, tanto da apparire come due diverse "interpretazioni" di un medesimo "soggetto sonoro", due variate soluzioni di trattamento e montaggio audio del medesimo (o quasi) materiale di origine. In realtà le differenze tra le due tracce ("Sand" e "Stream") sono maggiori di quanto possa apparire ad un ascolto superficiale, ma certa è l'estrema omogeneità in termini di sonorità per quanto riguarda il materiale proposto su questo CD-R, che per impronta e struttura appare all'ascolto come un possibile punto d'incontro tra Eric La Casa, Nick Parkin, e ancora, per l'andamento fortemente "cinematografico" che lo caratterizza, il "nostro" Raffaele Serra di matrice più sperimentale. La buona qualità generale del suono, dell'equalizzazione e della dinamica aggiungono ulteriore valore e piacevolezza all'ascolto di questo CD-R, che mi sento senza dubbio di consigliarvi per i vostri futuri acquisti...

(Giuseppe Verticchio)

 

Alessandro Fogar is an electronic musician and multimedia/software designer based in Grado (Go), Italy. He operates in the field of electronic music and multimedia art, with a marked interest in natural sounds, spatialization and interactive systems. He has explored various approaches to sound generation, recording and production, the resulting compositions are often studies in transforming, mutating existing sounds. "Surface Studies" are a series of works focused on the study of surfaces. The microphone is used as a microscope, in order to catch the most intimate resonance, the most secret rustles, the essence of nature. Field recordings are metabolized, tranformed, distorted, decomposed. In "Sand" rich textures are extracted from sea sounds recorded on a small island located in the Grado lagoon. In "Streams" sounds of water and pebbles, recorded beneath the river Torre, are tranformed, distorted and mixed in real time with the sounds of the river Torre which are decomposed and pitch shifted using a sort of granular treatment. The sound objects thus generated are used to fill a sort of sound canvas so that the inner architecture of sounds, with its intimate time structures, becomes the controlling metaphor of the works.

(Afe Records)

 

Formentini Luca: Subterraneans (CD 2003 - Auditorium)

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Quasi settantatrè minuti di musica, suddivisa in sedici tracce, in un CD per la Auditorium realizzato in coproduzione tra lo stesso artista Luca Formentini e Claudio Chianura. Sedici brani, basati principalmente su suoni di chitarre acustiche, elettriche e fretless, spesso pesantemente processate, ascoltando i quali si percepisce chiaramente l'influenza che artisti come Brian Eno o Harold Budd hanno avuto nella formazione artistica di Luca Formentini. Ascoltando le numerose e diversificate atmosfere  che l'artista riesce a ricreare in questo suo lavoro, le molteplici sfaccettature di una musica che, pur nascendo dal suono di uno stesso strumento, appare estremamente variegata e fantasiosa, osservando come, attraverso diversi approcci, trattamenti e tecniche esecutive, l'autore riesce a "plasmare" il suono rendendolo ora più oscuro, ora lievemente melodico, ora più ipnotico, ora più sperimentale, ora più aggressivo e drammatico, ora più frammentario e "spezzettato", ora più statico e dilatato, ascoltando alcune brevi sequenze, o anche semplici frammenti sonori, vengono a tratti in mente nomi di altri artisti come  Michael Brook, Daniel Lanois, Robert Fripp, Jeff Pearce... I brani sono ora più scarni ed essenziali, ora più articolati ed elaborati;  generalmente di breve durata, intorno ai quattro minuti circa. Spesso appaiono in forma di brevi "bozzetti" sonori, a volta più astratti, a volte dalla struttura più precisa e dai contorni più definiti; talvolta brani già di per sè molto brevi sembrano essere addirittura costituiti di due, tre parti, anche piuttosto diverse tra loro... Talvolta i tempi  si fanno meno precipitosi, e le durate e le evoluzioni sonore sono più lente e progressive, come nello splendido brano "118", nel sempre affascinante "Su Me", o nel conclusivo "Gio's Lake". La gamma di suoni e situazioni che Formentini riesce a proporre è davvero ampia, ma il tutto nasce fondamentalmente dalle corde di una chitarra, rielaborata in vario modo, e arricchita qua e là da suoni di drum machine, registrazioni ambientali, e altri campionamenti...  Se desiderate scoprire le molteplici possibilità espressive di questo strumento, interpretate dalla particolare sensibilità di un artista che mostra di non essere certo a corto di idee, "Subterraneans" è il CD che fa per voi...

(Giuseppe Verticchio)

 

Formentini Luca: Tacet (CD 2007 - Extreme)

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Quando alcuni anni fa scelsi un nome per il sito "Oltre il Suono - Musica di Confine", avevo in mente un ideale di musica che fosse davvero "coraggiosa", realmente "avanti", al di fuori di ogni stereotipo ma al tempo stesso intrisa di una forte emozionalità e non "svenduta" alla sperimentazione "spicciola" e a grana grossa così diffusa in questo periodo. Con "Tacet", di recente uscita per la prestigiosa etichetta australiana Extreme, Luca Formentini ha realizzato un CD di musica così straordinaria, ricercata, al di fuori dagli schemi ma al tempo stesso estremamente "calda" ed emozionante, che probabilmente, se in questo momento dovessi scegliere il CD più adatto a rappresentare il progetto "Oltre il Suono" e quell'ideale di musica che avevo in mente allora come adesso, senza grandi esitazioni credo che sceglierei proprio il presente "Tacet" di Luca Formentini. Nato con la collaborazione di artisti come Markus Stokhausen, Steve Jensen, Steve Lawson, Deborah Walker e Frank Moreno, "Tacet" raccoglie elementi, influenze e strumenti derivanti da diverse esperienze e da diversi generi musicali, riunendoli in una forma sonora e compositiva al di fuori di ogni possibile definizione stilistica che però non lascia nulla al caso e all'improvvisazione, integrando con creatività e grande capacità i vari "ingredienti",  "fissando" su CD una proposta musicale assolutamente originale e di grande spessore. Musica "vera" proposta da un artista "vero"; tredici brani in cui alla chitarra di Luca Formentini, spesso splendidamente effettata/trattata, vanno ad accostarsi di volta in volta suoni di violoncello, parti di batteria elettronica, basso elettrico, tromba, voce, armonica... Atmosfere per lo più "morbide", spesso rarefatte e ambientali, ma non per questo troppo minimali, "semplici" o peggio ancora insignificanti. Straordinarie emozioni dall'inizio alla fine, sonorità inedite, soluzioni intelligenti, argute, spesso imprevedibili... Un'opera che soltanto chi ha le orecchie violentate e assuefatte da tanta musica finto-sperimentale/vera-spazzatura circolante in questi ultimi anni potrebbe non comprendere e non apprezzare. Tra i brani assolutamente imperdibili citerei l'insuperabile "Deep Test", un vero pozzo di idee, il più ritmico "Frame", il trainante e "drammatico" "The Fragile Second", il quasi "psichedelico" "Skin for the Angel"; ma ancora non dimenticherei il malinconico e "notturno" "Jealous", l'evocativo "Layer (Resonance)", il variegato "Sensing the Mirror", il suggestivo "Misha"... A questo punto mi rendo conto di aver già citato quasi tutti i titoli dei brani del CD, quindi interrompo opportunamente l'elenco, e cercando di trovare di getto un unico aggettivo che possa esprimere in sintesi estrema il mio giudizio definitivo su questo CD mi viene in mente una solo termine: "Superiore".

(Giuseppe Verticchio)

 

Grilli Gianfranco: Il Tempio di Karnak (CD 1998 - Amplexus)

[ gianfranco.grilli@libero.it ]

 

Interessante CD che descrive le suggestioni evocate dalla maestosità di  questo antico tempio egizio dedicato al dio Ammone, e lo fa avventurandosi in territori sonori dall'impronta spiccatamente ambient, senza disdegnare però l'utilizzo di parti più armoniche e musicali, a tratti anche melodiche. Con il solo uso di sintetizzatori, e utilizzando questo tipo di approccio, Gianfranco ha realizzato i due affascinanti e lunghi brani che costituiscono questo CD senza cadere in banalità e senza comunque mai cedere a tentazioni esageratamente "New Age". Volendo indicare la "misura" delle parti  più armoniche rispetto alle porzioni più statiche e tipicamente ambient, e volendo citare un riferimento di tipo stilistico che può anche aiutare  a descrivere la musica contenuta ne "Il Tempio di Karnak" e nel successivo "Le Colline dei Druidi", non posso fare a meno di nominare il grande e recentemente scomparso artista tedesco Rudiger Lorenz, e alcuni suoi lavori come "Pazifica", "Atoll", e in particolare "Coral Sea". La musica di Gianfranco suona certamente meno aspra e meno elettronica rispetto a quella di Lorenz, e non ne condivide alcune componenti ritmiche fortemente presenti nei lavori di quest'ultimo, ma è ugualmente in qualche modo comparabile ad essa, per alcune strutture, per alcuni suoni usati, per i passaggi, per le misurate e occasionali aperture melodiche,  per alcune soluzioni adottate...  Questa, sia beninteso, non vuole essere assolutamente una critica, piuttosto un sincero complimento, giacchè Gianfranco ha composto "Il Tempio di Karnak" senza aver mai conosciuto e ascoltato i lavori di questo fantastico artista tedesco ormai scomparso. Un CD sconsigliato soltanto a chi è assolutamente intransigente in fatto di "musicalità",  e che non riesce a concepire lavori di musica ambient che contengano al loro interno anche alcuni elementi più prettamente "armonici" e descrittivi. Un CD invece ovviamente consigliato a tutti gli altri...

(Giuseppe Verticchio)

 

Citing a fascination with archeological sites and ancient ruins, Grilli outlines the inspiration for this disc. The ancient temple of Karnak is truly one of the most amazing discoveries. This disc is like a trek through that landscape, a tour through the houses of it's ghosts, an audience before it's long-dead half-gods. Ambient caverns extend beyond either sides vision, growing. Distant water reacts quietly, a lake of unknown size. But the vision that's most prevalent is the old, dusty walls, the statues, the dark, toppled place where people lived their lives out and then turned into dirt for the rest of time. These specters are the lifeblood of 'Il Tempio Di Karnak', the voices that inform the journey that is this excellent disc of dark tribal ambient. Limited edition of 500, each numbered, in slim-artpaper jacket.

(Manifold)

 

Grilli Gianfranco: Le Colline dei Druidi  (CD-R 2001 - 21CM)

[ gianfranco.grilli@libero.it ]

 

In questo CD-R, prodotto con la collaborazione dell' associazione culturale 21st Century Music, Gianfranco Grilli torna su sonorità e soluzioni abbastanza simili a quelle del suo precedente  "Il Tempio di Karnak", quindi in un contesto ambient-elettronico abbastanza "suonato", descrittivo, dove però gli elementi melodici, e questa volta soprattutto gli elementi ritmici e dinamici, tendono ad emergere maggiormente. In ogni caso Gianfranco riesce nuovamente ad utilizzare questi elementi in modo elegante, generando paesaggi sonori e ambientazioni suggestive e coinvolgenti, conducendoci in modo quasi "visivo" tra le "colline dei druidi" evocate dal titolo del CD-R.  Di nuovo trovo delle sorprendenti analogie tra la musica di Gianfranco e quella di Rudiger Lorenz, e per alcuni istanti la mia mente si è trovata proiettata all'improvviso lontano dalle "colline dei druidi",  rievocando invece immagini da quegli atolli polinesiani descritti più volte nei lavori dell'artista tedesco...  Un lavoro davvero buono, che in questi giorni ha girato molte volte nel mio lettore CD, e non soltanto per trarne elementi utili a preparare queste poche righe di recensione, ma per il puro e semplice piacere dell'ascolto… Forse ogni tanto, dopo tanta ambient statica, suoni di field recordings ed esperimenti acustici ed elettronici di vario genere, un "viaggio" sonoro attraverso paesaggi sonori più prettamente "musicali", specie se così efficacemente disegnati, può aiutarci a ritrovare un certo tipo di sensazioni ed emozioni che da molto tempo avevamo smesso di cercare e quindi anche di provare... Un elogio particolare per la magnifica copertina, costituita da un grosso foglio di cartoncino elegantemente stampato su due lati e ripiegato più volte su sè stesso, contenente al suo interno il CD-R, sulla cui superficie argentata serigrafata è raffigurata l'mmagine di una mappa geografica....

(Giuseppe Verticchio)

 

Grilli Gianfranco: Come to the Light of Day! (CD-R 2006 - Tantric Harmonies)

[ gianfranco.grilli@libero.it ]

 

Con "Come to the Light of Day!", album costituito da cinque "invocazioni" e ispirato al libro dei morti degli antichi egizi, Gianfranco Grilli riprende in qualche modo il discorso tematico sull'Egitto, già affrontato nel suo primo CD "Il Tempio di Karnak", uscito nel 1998 per la "storica" etichetta italiana Amplexus. Anche dal punto di vista prettamente musicale poco è cambiato, e l'artista torna a proporre eleganti sonorità d'impronta ambientale e d'atmosfera intrise da un forte senso di musicalità e da componenti più "tradizionalmente" (ma pur sempre misuratamente) melodiche, talora arricchite da interventi ritmico-percussivi piuttosto "discreti" che non diventano mai eccessivamente "presenti" né tanto meno invadenti. Chi ha apprezzato il già citato CD d'esordio di Grilli e il successivo "Le Colline dei Druidi", sicuramente non potrà non apprezzare anche il presente lavoro, che risulta sostanzialmente simile per "approccio" e stile (pur con le ovvie "varianti" del caso) e ugualmente valido e convincente dal punto di vista prettamente qualitativo e artistico. Gianfranco Grilli mostra infatti ancora una volta grande capacità tecnica e una grande sensibilità nell'assemblare i suoni e costruire composizioni piuttosto complesse e articolate, seppure, unico "limite" che mi pare di cogliere, costruite ancora con sostanziale prevalenza di suoni di sintetizzatori elettronici. Particolarmente affascinante e riuscita soprattutto la prima metà del CD-R, mentre ad essere sincero ho trovato meno efficace il quarto brano "A Prayer to Osiris", traccia penalizzata forse da un uso troppo "disinvolto" di suoni di datati pads sintetici "ad onde" e dall'impiego di alcuni suoni elettronici troppo "ad effetto" d'impronta spaziale/fantascientifica, peraltro apparentemente non troppo coerenti con le atmosfere generali del CD-R. Al di là di questi piccoli dettagli si tratta comunque di un lavoro che sarà sicuramente apprezzato da chi ama musica d'atmosfera curata, elegante, articolata e ben composta, realizzata quasi esclusivamente con suoni di synth, e che, pur senza apparire mai troppo "leggera", banale o addirittura melensa, sia comunque chiaramente caratterizzata da una prevalente impronta melodico-musicale. Il lavoro non potrà invece soddisfare chi predilige musica più sostanzialmente orientata alla sperimentazione e ad una più marcata, attenta, originale e sofisticata ricerca sonora, che non sia quindi concepita e composta utilizzando in via quasi esclusiva soltanto suoni "in scatola" di sintetizzatori elettronici e macchine affini.

(Giuseppe Verticchio)

 

Hall of Mirrors: Reflections on Black (CD 2007 - Silentes) (Amon & Nimh)

[ afeman@aferecords.com ]  [ giuver@yahoo.com ]  [ http://www.myspace.com/hallofmirrorsonline ]

 

Credo che sia la prima volta che su Sodapop venga recensito un lavoro di Andrea Marutti e/o di Giuseppe Verticchio, visto che non si tratta proprio di due sbarbatelli alle prime armi, direi che se già non li conosceste con i loro nomi di battesimo si tratta di gente anche nota come Nimh, Amon, Never Known. Per quanto la collaborazione Amon/Nimh sia ancora fresca di stampa, esce a ruota quest'altro progetto intitolato Hall Of Mirrors e che vede nuovamente all'opera il "dinamico duo" anche se in "abito" diverso. Differentemente da quanto ci si possa aspettare questo disco è molto diverso da "Sator", non per nulla invece di usare i singoli moniker i due danno un nome vero e proprio al progetto. Dove il primo era più duro e monumentale, "Reflection On Black" è più dilatato ed a tratti persino melodico. Credo che più che parlare di dark ambient dovremmo parlare di musica ambientale con venature dark visto che anche se con le dovute differenze possa comunque essere inserito in un contesto più tipicamente ambient (anche se fino ad un certo punto). Un disco per nulla roccioso ma da superamento della "twilight zone" anche i titoli sono stringati perché c'è poco da interpretare: i suoni, i delay, gli echi in dissolvenza e le melodie sono fin troppo esplicite. Ma proprio i titoli tutto sommato possono rappresentare un buon appiglio per cercare di capire di che tipo di disco si tratti, infatti se l'apertura, cupa fin quanto volete, è ancora melodica, con "Descent" i rumori si fanno più distanti e monta un'atmosfera degna del migliore Carpenter, però niente incubi, la melodia ritorna anche in questo caso, ma non prima dello scorrere di alcuni minuti. Ribadisco non si tratta di un disco che può essere ascoltato da tutti, nonostante si distanzi dall'essere estremo come la precedente collaborazione (non per nulla forse esce su Silentes invece che su Eibon), le melodie ci sono e quando vengono fatte entrare non passano decisamente in secondo piano, ma sicuramente si tratta di melodie cupe. L'apertura alla luce ritorna con le due tracce conclusive in cui Verticchio e Marutti si lasciano andare alla loro naturale propensione per la musica ambientale ma non senza qualche intervento particolare in "Transmutation" (che per i miei gusti è anche la traccia meglio riuscita del disco) e nella malinconica "Recovery". Direi che oltre a trattarsi di un lavoro molto distante da Nimh/Amon, l'esordio di Hall Of Mirrors sia molto più virato verso la forma di colonna sonora, tanto che potrei quasi azzardare che si tratti di musica per documentari.

(Andrea Ferraris - Sodapop)

 

After the mammoth Amon/Nimh CD on Eibon, Andrea Marutti and Giuseppe Verticchio are back with a collaborative project, which will feature different guests with every release (this time, they are Giulio Baggi/Nefelheim at synths and guitar and Daniela Gherardi at synth and voice). Since it's impossible not to use "Sator" as a reference, I'll start by saying that "Reflections on Black" obviously shares most of its characteristics, but is also looser, more varied and at times unpredictable. There's a feel of jamming that in the above mentioned work was hidden by the monolithic construction of the pieces. In "Entrance", the deep cavernous drones, dotted by electric bursts, give way to a half-buried string plucking, introducing a more melancholic passage, eventually overshadowed by a brooding distorted wall. "Descent" begins with suffocating wind gusts, but a layering of frequencies, upbeat rhythms and higher tones slowly changes the atmosphere from oppressive to cosmic, leading to a second part occupied by a liquid drone. "Transmutation" and "Recovery" stray even further from plain dark ambient territories, the former featuring warm waves of synths and guitar feedback, the latter with Verticchio lingering on depressive guitar picking, accompanied by some weird crackling noises (treated vocals, maybe?).

(Eugenio Maggi - Chaindlk)

 

In Hall of Mirrors confluiscono le forze di Andrea Marutti (Amon) e Giuseppe Verticchio (Nimh), in questo caso affiancati da Giulio Biaggi (Nefelheim) e Daniela Gherardi. "Reflections On Black" ha fascino discreto col suo piglio marcatamente meditativo, e nell'iniziale "Entrance" il nero del titolo dell'album suggerisce più pur lacerate visioni modellate dalla nostra psiche in immote notti imperturbabili ed insonni che incombenti oscurità che ci minacciano togliendoci oltre al sonno anche il respiro. Nella prima metà di "Descent" invece, dietro una minimale traccia melodica in superficie, si scatenano inesauste bufere e veleni metallici che lasciano emergere una più ruvida matrice industriale destinata a diradarsi nell'impalpabilità, con una sostanziale quiete che si espande altresì sui due episodi successivi, "Transmutation", che segue il percorso inverso increspandosi nel tragitto, e "Recovery", in cui piuttosto sorprendentemente la chitarra si erge sul resto e si concede apertamente ad un'emotività palesata come fragile.

(Paolo Bertoni - Blow Up)

 

Hall of Mirrors: Forgotten Realm (CD 2009 - Silentes) (Amon & Nimh)

[ afeman@aferecords.com ]  [ giuver@yahoo.com ]  [ http://www.myspace.com/hallofmirrorsonline ]

 

Non c'è pace né consolazione nella musica degli Hall Of Mirrors. Giuseppe Verticchio (Nimh) e Andrea Marutti (Amon) hanno dato un seguito alla loro lungimirante collaborazione pubblicando il successore di  “Reflections On Black" e pregiando ancora la scena elettronica sperimentale italiana di un vero e proprio manifesto di arte contemporanea. Questa volta al fianco dei due artisti troviamo Andrea Freschi (Subinterior, Konau) e Andrea Ferraris (Ur, Sil Muir) che caratterizzano le stratificazioni elettroniche disposte nella sala degli specchi.  “Forgotten Realm” è suddiviso idealmente in cinque capitoli che rappresentano altrettante escursioni nei meandri del nostro animo attraverso una serie di immagini che fanno parte del passato e della quotidiana realtà. “The Crossing” e “Among The Ruins” sono i due estratti che più si conciliano col materiale del debutto mentre “Gates Of Namathur”, “Decadent Splendour” e “The Fortress” si immolano come magnifici esempi di tecnica asservita al genio sperimentale. Calarsi nell'universo degli Hall Of Mirrors sarà come immergersi negli abissi che le tenebre hanno riservato a mente e corpo per raggiungere la redenzione completa.

(Lorenzo Becciani “Divine” - Dagheisha)

 

“Forgotten Realm” is the second album published by the duo Andrea Marutti (Never Known, Amon, Sil Muir) and Giuseppe Verticchio (Nimh) under the project name “Hall of Mirrors”. In this new release, they are seconded by guest musicians Andrea Feschi and Andrea Ferraris who provided some field recordings and some guitar parts. If their first offering was a shadowy heavily lugubrious atmospheric ambient manifest (made of static, ferocious, muted dreamscapes), “Forgotten Realm” is much more a primal-alchemical music procession that could be nocturnal hyms to the genesis, to the ancient time. Consequently the dynamic dronescapes and textural electronic waves are profundly expressive and intuitively beatific. The serene and deeply absorbing ethno-electronic pieces are stylistically closed to the most ascentional synthesised works by Alio Die, Vidna Obmana, Harold Budd (...) but with much more emphasise on nocturnal motives. Thus it is less luminous and most vertiginous with a constant association to memnonic traces, fractured living memories and melancholic visions. The opening track is an organic classic ambient piece with long chordal dronespheres. “Gates of Namathur” is partly uses acoustic instruments that seem to flow in a magic whorship. “Decadent splendour” is a moody-funereal sanctified music ritual for echoing guitar chords and foggy harsh noises. This is among my favourites, the perfect way to experience contemplative ecstasy through music. “Among the ruins” is a detached soundscape that connects us to some other worlds. The atmosphere is progressively charged with some kind of high tension including buzzing noises and doom like feelings. During the last minutes we go back to the heavenly origins with superb acoustic flute lines. The album closes with an utterly dark and primordial synthscape, admitting hermetic cyclical melodies into it and guitar epic dreaminess. “Forgotten Realm” is a voluptuous-essential vertical trip in cristal like spheres and lost paradises.

(Philippe Blache - Progarchives)

 

Hall of Mirrors: Altered Nights (2xCD 2012 – Malignant)

[ http://www.myspace.com/hallofmirrorsonline ]

 

La scena dark ambient italiana sta attraversando un momento quasi irripetibile con numerose uscite di spessore e l'interesse di case discografiche locali ed estere. Sul mercato si riaffacciano anche Andrea Marutti e Giuseppe Verticchio con il superbo terzo capitolo discografico di un progetto che ha superato davvero le aspettative. “Altered Nights” è l'esatto complemento di “Reflections On Black” e “Forgotten Realm” eppure a tratti non sembra nemmeno caratterizzato dalla stessa genesi. L'evoluzione stilistica a cui abbiamo assistito col disco precedente viene stigmatizzata da quattro frammenti sonori di rara bellezza Nel primo le chitarre di Andrea Ferraris e il field recording di Andrea Freschi fanno da magistrale sottofondo al fatale incontro, “The Meeting” appunto, tra i musicisti celebri per Amon e Nimh. “Invocation” e “Magmatic Resonance” mostrano un substrato sonoro ancora più variegato con l'inserimento di khlui – il flauto thailandese – synth, segnali radio ad onda corta, loop minimali ed effetti di vario tipo. Il tutto inserito in un contesto oscuro e diabolico dal quale uscire appare estremamente complicato. Clamorosa la suite presente nel secondo CD che descrive nei minimi particolari un rituale di sequencer, violini, droni selvaggi e field recordings adulti. Da segnalare il contributo di Vestigial, New Risen Throne e Pietro Riparbelli/K11. Se fossi in voi avrei paura della stanza degli specchi.

(Lorenzo Becciani  “Divine” – Dagheisha)

 

Quattro lunghi brani dall’atmosfera mefistofelica sul primo CD. Uno lunghissimo (oltre i 45 minuti) più sacrale sul secondo. Tornano gli Hall of Mirrors di Andrea Marutti e Giuseppe Verticchio con un’opera che scava ancora una volta tra le immagini che ci tengono svegli la notte: sensazioni di immobilità che aprono porte su scenari apocalittici. Suoni di profondi sintetizzatori analogici, campionamenti di ogni tipo ma anche chitarre e percussioni fusi insieme in respiri che sembrano poter rallentare lo scorrere del tempo. “Altered Nights” va ascoltato di notte, in cuffia, in perfetta solitudine. A dare una mano a Verticchio e Marutti anche Andrea Ferraris, Andrea Freschi, Pietro Riparbelli, New Risen Throne, Vestigial.

(Roberto Mandolini – Rockerilla)

 

Tumultuous and hell-ish dronescapes which savagely rising and rumbling from distant supernatural seas. An unique musical signature which reinforce the magnetic potentiality of corrosive-aggressively noisy droning frequencies in usual amorphous bleak soundscapes. Hall of Mirrors is an experimental-subterranean droning project formed by Giuseppe Verticchio (Nimh) and Andrea Marutti (Never Known, Amon, Sil Muir…). Their music is entirely devoted to playful blackened ambient with an intuitive interest for dreamtime ethno-sound ritualism. Hall of Mirrors operates the perfect symbiosis between Giuseppe’s unique ability to create entrancing-textured acoustic canvas and Andrea’s solid specialization in sonically rumbling dronescapes. The duet is time to time accompanied by musician friends such as The leading thematic and conceptual motives behind these sonorous-cinematic soundscapes are turned to solipsism issues, odd metaphysics from the nature, existential isolationism and to the subliminal dimension of the being. Their first album “Reflections on Black” (Silentes, 2007) delivered a formlessness otherworldly dark ambient panorama in a pure classy vein . “Forgotten Realms” (Silentes, 2009) approached a innovative combination between sonic minimalist electronics, complex and slowly expanding sound textures with an important presence of acoustic instrumentation, their latest encompasses the fields of mantric-archetypal atmospheric epics. The first Chapter of this double album provides what we can consider to be the most colourful-ecstatically visceral dimension of Hall of Mirrors musical universe. This typicall sound imaginary culminates on the heavily tranced-out “Immaterial bodies”. A mesmeric track, perfectly orchestrated between monolithic-meditative drone waves, ritual electronic scintillations and windy-crystal like effects which progressively come to the fore. Primordial-Mystical energies are surrounded the listener to enter the supreme astral dimension. The second chapter delivers gorgeously cinematic blackness made of spherical-bass frequencies, processed field recordings, grimy chords and various sound objects. An ultra doomy, brilliantly static and dreamscaping sound odyssey that reminds the best things published in the dark ambient field with something very dense and massive regarding the sound assemblage and more progression regarding the sonorous intensity. Tumultuous and hell-ish dronescapes which savagely rising and rumbling from distant supernatural seas. An unique musical signature which reinforce the magnetic potentiality of corrosive-aggressively noisy droning frequencies in usual amorphous bleak soundscapes. The perfect musical elaboration between Northern textured nocturnal ambient and the Italian facet of death industrialism with ethno-spiritual sound ritualism. Absolutely baffling and unique.

(Philippe Blache - Igloomag)

 

Hue: Un'Estate Senza Pioggia (CD 2006- TraZeroeUno/Grey Sparkle) 

[ hue@greysparkle.com ]  [ http://www.greysparkle.com/hue_index.htm ]

 

Si tratta del'estate del 2003. Un'estate che personalmente ricorderò per sempre in modo particolare e con grande piacere non tanto perchè, come fa intendere il titolo del CD, fu una stagione estremamente arida e povera di pioggia, quanto perchè, durante una vacanza in Abruzzo, vennero a trovarmi, ed ebbi occasione di incontrare per la prima volta e conoscere di persona, Matteo Uggeri/Hue, l'autore di questo CD, e Andrea Marutti, più noto come Amon per il suo storico progetto di musica dark ambient. Soggiornammo piacevolmente insieme in Abruzzo per alcuni giorni, come amici di vecchia data, e in questo periodo, in momenti e circostanze diverse, Hue raccolse con il suo Mini Disc portatile alcune registrazioni ambientali che successivamente sono confluite in questo lavoro, riunite e organizzate insieme ad altre field recordings che l'autore raccolse, durante la stessa estate, in altri luoghi e in compagnia di altri amici. Questa dunque l'essenza di questo lavoro. Quasi una raccolta di "cartoline sonore", dei ricordi in forma di suoni, voci, rumori ambientali, di cui si è voluta mantenere traccia non solo nella memoria, ma anche in forma fisica, organizzandoli e "fissandoli" per sempre su un supporto sonoro... Una serie di tappe, una serie di luoghi, paesini, situazioni... Pensieri, ricordi, riflessioni... Medelana, Laterina, Ariccia, Casaline... Nomi di località il cui nome può dire poco, ma che in questo CD si concretizzano davanti ai nostri occhi in forma di delicati e poetici acquarelli sonori che evocano immagini, paesaggi, scenari di vita... Lo scrosciare dell'acqua vicino una cascata, il rumore dei passi sul terreno, frammenti di suoni di radio e TV, l'attraversamento di una strada trafficata, la quiete dei boschi, il frusciare delle fronde degli alberi... E poi bisbiglii, dialoghi... la telefonata di un amico al cellulare, voci di preghiera in una chiesa, un canto liturgico...  Arpeggi di chitarra, note di pianoforte e di organetto, il suono profondo e rauco di un didgeridoo... Rumori di sassi lanciati in un pozzo, metalli percossi, canti di cicale, altri frammenti di musica, un carillon che intona un po' frettolosamente la melodia di "Yesterday"...  E poi finalmente il rombo dei tuoni e lo scroscio di quella pioggia che, tanto attesa, torna a cadere e a donare ristoro e sollievo ad una terra secca e riarsa... alle erbe, ai fiori, agli alberi, alle piante, e a tutte le forme di vita che da essa ogni giorno attingono e dipendono... "Un' Estate Senza Pioggia" è un CD che, seppure basato fondamentalmente su field-recordings, differisce enormemente da tanta (anche troppa direi...) produzione musicale di genere analogo, riuscendo a sintetizzare registrazioni ambientali e contenuti d'impronta più prettamente musicale-melodico in una formula articolata ma straordinariamente fluida, estremamente gradevole, emozionante, poetica... Da segnalare il contributo particolarmente significativo di Davide Valecchi/Aal, che con i suoi interventi di chitarra, presenti in varie parti del CD, ha firmato i momenti di liricità più suggestivi dell'intero lavoro.

(Giuseppe Verticchio)

 

"... The title translates as 'A Rainless Summer' and is a quite nice work of some of the more daring areas of ambient music. Traditional instruments of ambient music, such as guitars, organs and didgeridoo, play the more recognizable and accessible part of this work, but there is also lots of space for elements from the world of glitch and the processings of field recordings - still the starting point of this work. Sometimes warm (pun intended) and joyous, some with the chirping of insects and dogs and a desolate guitar, empty and spacious. Not an album of major surprises, but a fine release on the brink of seasons changing."

(Frans De Waard - Vital Weekly)

 

During the summer of 2003 I went on holiday completely alone for the first time.  I spent my time travelling by car around the central regions of Italy, from Emilia Romagna to Tuscany, than to Lazio and finally to Abruzzo, visiting very small villages. I brought with me a microphone and a minidisc, and, alone or with the people I met (family and friends), I recorded every kind of sound. That's what is usually called 'field recordings', with voices, occasional chants, "street sounds" and more. One year later, I went again to Laterina, one of the places I had been to in 2003, and there, with my friend musician Davide Valecchi (Aal), we played guitar and other instruments, and recorded melodies that I then mixed with the field recordings from the year before. The summer of 2003 was the hottest summer of the last century in Italy and most of Europe, and the disc somehow reflects all of this, and that's why it's titled "A Rainless Summer." During that trip I met other musicians, such as Giuseppe Verticchio (aka Nimh), Andrea Marutti (Never Known/Amon), who participated to the recordings. I'm very grateful to all of them.

(Hue)

 

K11/Petit Philippe: The Haunting Triptych (CD 2010 – Boring Machines)

[ http://www.pt-r.com ]

 

Straordinaria collaborazione tra Pietro Riparbelli/K11 e Philippe Petit, uniti nella realizzazione di un CD che definirei “impressionante”, tanta è l’energia, l’immediatezza e l’impatto emotivo in grado di descrivere. Dal punto di vista stilistico, almeno per dare un’idea, si potrebbe in modo molto riduttivo ascrivere al genere dark-ambient drone oriented, ma non aspettatevi i “soliti” tre quarti d’ora (o più, come spesso accade) di cupe, anonime,  stracollaudate e poco fantasiose basse frequenze. Qui i drones sono solo un mezzo, non un fine…  Alle potenti “scariche elettriche”, onde radio e nitide field recordings fornite da Pietro Riparbelli, si sommano altre registrazioni ambientali, elaborazioni di suoni di sorgenti acustiche e tessiture elettroniche apportate da Philippe Petit; un magma sonoro ricco, elaborato, “gorgogliante”, di potenza dinamica e impatto devastante, che vede non solo nella ineguagliabile scelta dei suoni, nella loro varietà, e nel loro accurato e fantasioso missaggio il maggior pregio, ma anche nella indiscutibile capacità di dare “forma” alle composizioni, attraverso un continuo e trainante susseguirsi di eventi, cambi d’atmosfera, “esplosioni” sonore, evoluzioni, che lasciano letteralmente con il fiato sospeso dall’inizio alla fine dell’ascolto…  Semplicemente uno dei migliori CD che abbia avuto la fortuna di ascoltare negli ultimi anni.

(Giuseppe Verticchio)

 

“The Haunting Triptych” is a collaboration between Pietro Riparbelli aka K11 and Philippe Petit, a haunted soundtrack giving an impression that some ghosts are lurking around… Dragging listeners inside a world full of malevolent creatures. Not unlike some works of Lustmord or Nurse With Wound the sound is heavy and claustrophobic and the downward spiral brings you to the final end where the last sound you hear before losing your senses is the beast eating your flesh.

(Boring Machines)

 

K11: The Sacred Wood (CD 2010 – Old Europa Cafè)

[ http://www.pt-r.com ]

 

Estremamente affascinante e ricco di arcane suggestioni, questo nuovo CD di Pietro Riparbelli/K11 le cui registrazioni di base, poi evidentemente trattate, lavorate e mixate in studio, sono state effettuate in un luogo almeno altrettanto suggestivo e “magico”, il cosiddetto “parco dei mostri” di Bomarzo. Ma al di là delle suggestioni evocate dalla fantastica ambientazione e quindi dal “concept”, c’è da rilevare come K11 si confermi con quest’album uno dei più attivi ed interessanti progetti nell’attuale panorama della musica sperimentale e d’avanguardia. Quella migliore e più ambiziosa però, che non concede nulla al caso, all’ approssimazione, alla spesso inutile e insignificante improvvisazione spicciola … Non quella fin troppo diffusa “sperimentazione” assolutamente sterile, autoreferenziale, autoindulgente, “stanca”, spesso caotica e fine a sè stessa… Ma quella sperimentazione sonora più “genuina” , sincera e ricercata, che esplora con entusiasmo, lungimiranza e genialità nuovi o poco battuti “sentieri”, piuttosto che uniformarsi alla massa dei “ricercatori” e percorrere territori pseudo-sperimentali già così abbondantemente calpestati da non lasciare più crescere un solo filo di erba, un solo germoglio di novità…  Ho avuto modo di scoprire Pietro Riparbelli soltanto con il già recensito “The Haunting Triptych” (in collaborazione con Philippe Petit), e tutto ciò che ho ascoltato a seguire, il CD-R “Waiting for the Darkness” uscito per Afe, la MP3 release “4 Churches” per la Touch, l’anteprima di un nuovo album che sarà pubblicato da Silentes nel 2011, nonché ovviamente il presente “The Sacred Wood”,  ha sempre confermato le mie impressioni iniziali, e cioè l’estremo valore di quanto Pietro Riparbelli è arrivato a concepire e produrre in questi ultimi anni. Con ingredienti soltanto apparentemente  “semplici” e limitati, quali registrazioni ambientali, segnali radio e voci, con “The Sacred Wood” K11 mette a punto un’ altra opera di grande impatto e di grande efficacia. Coinvolgente, dinamica, trainante, “toccante”… Inutile cercare altri aggettivi per descriverla ed elogiarla. Più semplicemente… procuratevi questo CD, mettetelo nel lettore del vostro migliore impianto HI FI, e lasciatevi trascinare…Più semplicemente… procuratevi questo CD, mettetelo nel lettore del vostro migliore impianto HI FI, e lasciatevi trascinare…

(Giuseppe Verticchio)

 

K11 (aka Pietro Riparbelli) can be compared and in our opinion is the new Bad Sector. Sound sources and intents are different but the end results are ending in a very similar sound layer. The sound soursces for this album was recorded at the enchanting park of Monsters of Bomarzo. The park of Monsters of Bomarzo was devised by the architect Pirro Ligorio (he completed the Cathedral of Saint Peter in Rome after the death of Michelangelo and built Villa d'Este in Tivoli) on commission of Prince Pier Francesco Orsini, called Vicino, only to vent the heart broken at the death of is wife Giulia Farnese. The park was born in 1552 as "Villa of Wonders" to be the only one of it's kind in the world. Incredible but true, the Park of Monsters remained in complete oblivion till 1954 and only few people was aware about all the fantastic treasures contained within the park for over 400 years! K11 was recording the soul of this park of Monsters and Wonders and after re-working the sounds he delivers us a trip between reality and dream. Psychedelic, ritual ambient music from an other space, from an other era, from an other land...

(Old Europa Cafè)

 

Konau: Speech from the Shadows (CD 2006 - Eibon)  (Subinterior & New Risen Throne)

[ subinterior@email.it ]  [ stielh@stielh.com ]  [ http://www.konau.tk ]

 

Primo straordinario e "abissale" CD in stile dark-ambient del progetto Konau, dietro il quale si celano Subinterior e New Risen Throne. Del primo abbiamo avuto occasione di parlare anche recentemente, a proposito della ristampa, ad opera di Silentes, di un CD-R contenente "Outfall" e "Insomnie", i primi due lavori di Subinterior originariamente usciti come autoproduzioni. New Risen Throne ha già all'attivo una nutrita discografia, e dopo numerosi CD-R, alcuni dei quali prodotti da etichette come Alarming Echo Beats, Deserted Factory e God is Myth, è approdato alla sua prima realizzazione su CD con "Shadows Over Humanity", uno split insieme a Cruel Harvest, uscito anch'esso per la statunitense God is Myth. Dall'incontro tra Subinterior e New Risen Throne nasce il progetto Konau, che vede in questa prima realizzazione, prodotta da Eibon, una perfetta sintesi dello stile e delle influenze dei sue artisti, un incredibile album di ispirata e raffinatissima dark-ambient, che non si limita ad esplorare nel profondo i territori delle basse frequenze, ma che si conforma in strutture fortemente articolate, finemente "scolpite" ed elaborate, grazie ad una accurata ed originale scelta dei suoni, ad un sapiente missaggio delle parti, alla presenza di efficaci elementi moderatamente melodici, ad un lavoro estremamente meticoloso per quanto riguarda la composizione, lo "studio" delle evoluzioni, i passaggi, le dinamiche, le pause, la scelta della sequenza dei brani... Dark ambient allo stato dell'arte, emozionante e di grande impatto, ma allo stesso momento estremamente misurata, fluida, perfettamente equilibrata.  Musica molto oscura ed evocativa, inquietante, a tratti perfino tetra nelle atmosfere, ma mai eccessivamente "pesante", ridondante o ossessiva... Volendo esprimere, con molta difficoltà, delle preferenze tra i brani, segnalarei senz'altro il molto "cinematografico" "Contemplation", l'ottima title track "Speech from the Shadows", e ancora il fantastico brano di chiusura, "Crawling Darkness", che attraverso una straordinaria alternanza di atmosfere e suoni (drones oscuri, accordi ovattati di pads, confusi substrati sonori di indecifrabili rumori ambientali, distanti cori eterei, lugubri dialoghi di voci umane deformi, rumori metallici, profondi boati di tuonanti colpi percussivi di timpano, lievi tocchi melodici...) rappresenta nei suoi dieci minuti di durata la parte più incredibile, ma forse anche la più "lugubre" e scioccante dell'intero CD. 

(Giuseppe Verticchio)

 

Laneri Roberto/Ricciardi Claudio: Inside Notes (CD 2001 - World Music)

[ ricciardi@katamail.com ]  [ http://www.oltreilsuono.com/alberochecanta ]

 

Questo prezioso CD, proposto in abbinamento al numero 50 della rivista bimestrale "World Music", raccoglie nei suoi quasi 70 minuti di durata, nove registrazioni di vario genere, incentrate fondamentalmente sul canto armonico di Roberto Laneri e sul didjeridoo di Claudio Ricciardi,  avvenute tutte tra il 2000 e il 2001, fatta eccezione del lungo brano "The Tail of the Tiger", risalente addirittura al lontano 1978.  Nel primo brano, "From this side...", registrato nel 2001, Claudio Ricciardi, con il suo didjeridoo, fornisce suggestivi strati sonori a base di basse frequenze sui quali Roberto Laneri interviene con affascinanti sequenze di clarinetto basso. Nei due  pezzi che seguono, "Brain Message 2"e "Brain Rythm 1" entrambi registrati nel 2000, la voce di Roberto Laneri è la protagonista assoluta: 10 minuti circa di canto armonico ipnotico e vibrante,  onde sonore suggestive e continuamente cangianti, seppure in un ambito di apparente stasi e immobilità...  Quindi "Alba Uterina", un altro brano di Laneri del 2000, nel quale compare la splendida voce di Francesca Cassio: ancora cinque minuti di emozioni vocali davvero intense... Cambio d'atmosfera e di sonorità con il brano che segue, "Colored Rain (Blu Version)", registrato nel 2000 dal solo Claudio Ricciardi. Una registrazione nitida e dettagliata nella quale l'autore  si esibisce in uno splendido pezzo interamente eseguito al didjeridoo, antichissimo strumento di origine australiana di cui Ricciardi è profondo conoscitore nonchè anche abile costruttore, sovrapponendone il suono a suggestive ambienze "naturali" ricreate con il solo utilizzo di un rainstick. Nei seguenti "Organum" e "Undifluus" torna di nuovo protagonista il canto armonico di Laneri, insieme ad altri artisti che costituiscono l'ensemble vocale "In Forma Di Cristalli". Due splendide registrazioni datate entrambe 2001. Quasi come un "tributo" all'altro storico e più noto ensemble vocale, "Prima Materia", che vide come principale protagonista Laneri a fine anni '70, il successivo brano "The Tail of the Tiger" propone una registrazione live effettuata a Roma nel 1978 da tale formazione. Ricordiamo che anche Claudio Ricciardi faceva parte dell'ensemble, e quindi anche la sua voce è presente, tra le altre,  nei quindici minuti di durata di questo eccezionale documento sonoro.  A conclusione del CD giunge "... To the Other Side", brano registrato nel 2001, nel quale il suono del didjeridoo di Ricciardi va ad unirsi e a miscelarsi con grande efficacia al canto armonico di Laneri, creando sequenze e passaggi sonori di grande presa e di grande fascino.  

(Giuseppe Verticchio)

 

Lasik Surgery: Cyclo (CD 2010 - Silentes)

[ http://www.silentes.net ]

 

Notevole album d’esordio per il nuovo progetto Lasik Surgery, dietro il quale si celano Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra, sicuramente già ben noto ai più (vedi anche precedenti recensioni su Oltre il Suono) e Gianluca Favaron, eclettico manipolatore di suoni e macchinari elettronici, già attivo da anni in altri progetti musicali di vario genere (Ab'she, Under the Snow, Metal Music Machine), e già artefice delle fasi di compilazione, missaggio e pre-mastering del precedente CD dello stesso Mauthausen Orchestra “Digression”.  Le sonorità di “Cyclo” sono orientate fondamentalmente ad un’ambient music oscura dai movimenti lenti e progressivi, che alterna con efficacia atmosfere tese e drammatiche a stasi più “quiete” e introspettive, distaccandosi dalle sonorità più “energiche “, “pesanti” di stampo industrial / power electronics che caratterizzano solitamente la produzione del solo Mauthausen Orchestra. Quindi ampio spazio a drones, suoni “fruscianti”, onde su basse frequenze, accurate ed elaborate stratificazioni di suoni di varia origine, movimenti circolari, inserti di elementi elettronici comunque mai troppo aggressivi o invadenti… Una miscela efficace e coinvolgente, racchiusa in un CD di sei tracce, per una durata di circa quaranta minuti, ulteriormente valorizzata, dal punto di vista “visivo”, dalla presenza nella confezione di un DVD contenente la versione video, firmata Enrico Bressan, di due tracce già presenti nel CD.

(Giuseppe Verticchio)

 

Tense electronic plots, calm ambiental stasis, inserts of sharp and harsh metallic sonorities, distorsions, filaments of subliminal melodies, masses of dark and penetrating low frequency drones. The journey of Lasik Surgery starts with a whirlwind of atmospheres and perpetually prismatic sonorities that have a big impact on the listener. This project was born from the minds of Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra, the memorable noise-power electronic author who firmly came back to the fore in the recent years, and Gianluca Favaron, a skilled master controller and sound assembler with a long experience, already active under other aliases (Ab'she, Under the Snow, Metal Music Machine). The first exciting chapter of Lasik Surgery - a name that will surprise us again in the future for sure - comes with a free DVD that includes two videclips created by Enrico Bressan.

(Silentes)

 

Lasik Surgery: As One Enity (CD 2011 – Menstrual Recordings)

[ http://www.menstrualrecordings.org ]

 

Dopo il CD “Cyclo”, rilasciato da Silentes nel 2010, il progetto Lasik Surgery (alias Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra e Gianluca Favaron) mette a segno un nuovo “potente” album che conferma gli ottimi presupporti evidenziati dal già notevole album d’esordio. Un’introduzione energica, dinamica e accattivante con “As One Entity Part 1”, nel quale, da iniziali field recordings con voci umane e rumori vari di sottofondo, viene ad emergere un suono elettronico pulsante in loop dalla timbrica e dinamica simile a quella di un didjeridoo. Le trame sonore vanno poi via vai ad arricchirsi di strati di altri suoni, altrettanto energici e “potenti”, per poi lentamente scemare, in congiunzione col seguente “Aktion”. Qui le atmosfere si fanno più statiche, dilatate, seppure ancora costruite con field recordings e sovrapposti suoni e drones di matrice spiccatamente elettronica. Più aspri, “massicci” e d’impronta power-industrial i suoni del seguente “As One Entity Part 2”,  seppure convogliati in un un “tunnel sonoro” che nel suo percorso non “apre” a furiosi “assalti rumorosi” come invece si potrebbe prevedere… In “Silence” un inizio costruito con onde e altre parti di glaciali suoni sintetici lascia successivamente il passo ad atmosfere più statiche e “fruscianti”. Le dinamiche e le variazioni d’atmosfera sono lente e ben calibrate, cosicchè ci si ritrova quasi inaspettattamente in una zona “terminale” del brano nella quale spicca una lenta e profonda cadenza ritmica, debolmente violata da aspri suoni elettronici in progressiva dissolvenza. Freddi, pulsanti e sintetici anche gli elementi di “Sonnenwende”, di fatto un breve brano/inserto che funge da ponte verso il più lungo ed elaborato “As One Entity Part 3”. Qui, ad un inizio abbastanza “quieto” , segue un incisivo “crescendo” in cui i suoni si fanno via via più aspri, distorti, “distruttivi”, confusi, mentre sibili su frequenze acute e scariche elettriche interferiscono con le aggrovigliate masse sonore in continuo movimento; un brano di grande effetto che chiude efficacemente questo nuovo e consigliatissimo capitolo del progetto “Lasik Surgery”.

(Giuseppe Verticchio)

 

Les Jumeaux Discordants: Sang Pour Sang (CD 2010 – Athanor)

[ http://www.lesjumeauxdiscordants.it ]

 

Visionario, allucinato, cupo, a tratti quasi “orrorifico”…  Suoni, melodie, parti vocali, ritmiche di devastante impatto, di marcata drammaticità…  Tutto appare molto “trascinante”, enfatico, quasi “teatrale”, intenzionalmente “prepotente” nel suo incedere, sorprendere, stupire istante dopo istante. Un suono “ricco”, finemente elaborato, dettagliato, estremamente sofisticato, impreziosisce e valorizza ulteriormente le idee, le composizioni, i passaggi, le atmosfere.  I testi, ora cantati ora recitati in diverse lingue (italiano, francese, inglese, tedesco…), sono in parte della stessa Aimaproject (voce del progetto “Les Jumeaux Discordants”, l’altra metà è Roberto Dal Vecchio, artefice della parte più prettamente compositiva, “sonora” e musicale…), in parte di Angelo Tonelli, in parte estratti da scritti di autori di diversa origine ed epoca storica. Il risultato di questo “mix” di elementi è un’ opera estremamente coinvolgente, qualcosa che già dopo i primi secondi di ascolto ti “scrolla” letteralmente dalla poltrona e si lascia seguire con il fiato sospeso fino alla fine, in grado di mantenere costantemente teso quel sottile filo di tensione che impedisce di distogliere l’attenzione dall’ascolto, di pensare ad altro, di concentrarsi su qualcosa che non siano esclusivamente gli “eventi sonori” che, con efficacia, originalità e spesso anche imprevedibilità, si susseguono attimo dopo attimo… Chiedo scusa agli autori se, per personale “attitudine” d’ascolto, ho preferito lasciarmi coinvolgere quasi esclusivamente dal mero impatto sonoro/emotivo che la musica del CD è stata in grado di trasmettermi, piuttosto che “sforzarmi” di comprendere più compiutamente il senso specifico e più “profondo” del concept dell’album e dei testi (comunque riportati nel booklet) che ne sono parte integrante e sicuramente sostanziale. Chi mi conosce da tempo sa che da sempre preferisco ricercare le emozioni più nei “suoni” (e nei rumori…) che non nei significati delle parole, e quindi, pur avendo sicuramente apprezzato il ruolo che, dal punto di vista prettamente “musicale” ed evocativo, ha svolto nell’album la splendida voce di Aimaproject, lascerò volentieri ad altri recensori il compito di commentare più nel dettaglio quegli aspetti inerenti il “concept” e i testi che in qualche modo ho preferito “trascurare”…

(Giuseppe Verticchio)

 

“Sang pour Sang” is a work based on the ancient concepts of Katàbasis and Anàbasis and it’s divided in those two sections: the first is made by obscure and sinister atmospheres; the second is more lyrical. About the theme, LJD faces up to the Angelo Tonelli’s poetry: the founder of the Ritomodernist wave, a cultural Italian wave fighting for the Tradition. Besides the cooperation of this great personality of the contemporary philosophy there’s the cooperation of the famous Swiss cellist Zeno Gabaglio and Daniela Bedeski from Camerata Mediolanense.

(Les Jumeaux Discordants Website)

 

Luminance Ratio: Like Little Garrisons Besieged (CD 2009 – Boring Machines/Fratto9 Under the Sky)

[ ics_ferraris@libero.it ]  [ http://www.myspace.com/luminanceratio ]

 

Volendo descrivere con poche ed essenziali parole il presente CD, lo definirei “semplicemente” un suggestivo e ispirato album di musica ambient abbastanza “tradizionale”… A scanso di equivoci, ci tengo subito a precisare che l’uso del termine “tradizionale” non è un espediente lessicale “diplomatico” e “strategico” per sottintendere altri aggettivi, quali ad esempio “anonimo”, o “noioso”, che invece vedrei più opportunamente attribuiti a tanta altra musica ugualmente definita “ambient” che circola da anni sul nostro mercato discografico. Se questa mia definizione potrà apparirvi un po’ “riduttiva” e quasi banale, ugualmente scontato potrà sembrare il fatto che, volendo trovare un termine di paragone per ”inquadrare” meglio lo “stile”  e il “mood” della musica contenuta nel CD, pur con i dovuti distinguo, il riferimento che subito mi viene in mente è il nome di Brian Eno e di alcuni suoi vecchi album del periodo di “On Land”,  o “Music for Films”. So che questo paragone potrà apparire quanto meno “azzardato”, sia a chi (come me) continua a considerare Eno e la sue produzioni di quel periodo storico qualcosa di assolutamente straordinario e irripetibile, sia a chi invece, avendo sposato la “causa” della sperimentazione sonora estrema ad ogni costo, potrebbe considerare addirittura “degradante” aver utilizzato un paragone di questo genere per parlare della musica di Luminance Ratio… Resta il fatto che ascoltando più volte le sei tracce di questo disco, le crepuscolari tessiture sonore, i fragili e delicati inserti melodici spesso a base di chitarra, a volte dalla calda e luminosa timbrica acustica, a volte invece più “fluida”, “ammorbidita” e dilatata attraverso l’utilizzo di effetti, perdendomi tra suoni sobriamente elettronici, evocative field recordings, rumori concreti, gorgoglìi d’acqua, rumori di passi nell’erba, drones profondi, tintinnìi, “respirando” atmosfere ora più cupe, ora più luminose, ma sempre dal marcato sapore introspettivo, più volte mi è venuto da pensare che se oggi Brian Eno trovasse la sua migliore ispirazione per tornare a lavorare ad nuovo album che, idealmente e stilisticamente, si ricolleghi alle sue esperienze sonore del periodo sopra citato, ciò che verrebbe fuori potrebbe probabilmente somigliare molto a quanto è possibile ascoltare in questo “Like Little Garrisons Besieged” di Luminance Ratio.   

(Giuseppe Verticchio)

 

Luminance Ratio is a collaborative effort joining sound artists Eugenio Maggi (Cría Cuervos, Slave Auction), Gianmaria Aprile (Ultraviolet Makes Me sick, Fratto9under the sky records) and Andrea Ferraris (Airchamber 3, Ur, Ulna, John Russel, Sil Muir). "Like Little Garrisons Besieged" brings them far from their respective discographies and finds them sailing in the apparently quiet waters of free-folk, electroacoustics and minimal drones. The music, resulting from live sessions and painstaking studio work, is meticulously thought to combine electronics with analog/traditional instruments: laptop, acoustic and electric guitars, cardiod and contact microphones, vibraphone, melodica, glockenspiel, minidisc, rimshot and cymbals, analog synth, percussion, kaoss pad and pedal effects. Featured on this release is Paul Bradley (Twenty Hertz, Monos, etc.)'s personal reinterpretation of their collective work, assembling an expanded "remix concrète" out of the single tracks.

(Fratto9 Under the Sky)

 

Luminance Ratio: Reverie (LP with free CD inside 2013 – Bocian Records)

[ http://www.luminanceratio.com ]

 

Otto “bozzetti sonori” elettroacustici d’impronta oscura e a tratti claustrofobica, quasi tetra, dai contorni e dalle trame sonore spesso frammentate, a momenti sfuggenti, impalpabili, a volte invece più strutturate, profonde e drammatiche nel loro progressivo seppur solitamente breve incedere.

Miscele di suoni di origine diversa, a tratti poco riconoscibili, tra le quali compaiono comunque parti elettroniche, drones, chitarre, cembali, un portentoso basso, nonché un sitar e persino il guqin, un fantastico strumento a corde cinese, molto diffuso nel suo paese d’origine ma quasi sconosciuto da noi in occidente.

Alcuni ospiti aggiungono ulteriori suoni: Giancarlo "Nino" Locatelli, (clarinetto basso e percussioni),  Andrea Serrapiglio (violoncello), Luca Serrapiglio (sassofono) e Simone Fratti (basso).

Il “dialogo” tra i quattro principali artefici di questo album (Gianmaria Aprile, Luca Mauri, Andrea ICS Ferrarsi e Luca Sigurtà) si articola in modo variato ma al tempo stesso omogeneo, e le atmosfere, pur con i dovuti distinguo in fatto di genere e sonorità, laddove si fanno più drammatiche e ed evocative ricordano a tratti gli oscuri e affascinanti “bozzetti” dipinti dal migliore Eno dei suoi storici e immortali “On Land” e “Music for Films”.

A volte le composizioni virano verso una forma di improvvisazione più pura e destrutturata, dal sapore vagamente jazzato, senza però sfociare in modo troppo disinvolto in territori sonori estranei a quello che è il contesto fondamentalmente elettroacustico-oscuro-sperimentale nel quale è possibile collocare la musica contenuta in questo album. Sicuramente consigliato.

(Giuseppe Verticchio)

 

This Italian group, with the great CD ‘Like little garrisons besieged’ (2009) and two intriguing 7′s made in collaboration with Oren Ambarchi and Steve Roden under their belt, are back with a new release on Bocian Records with even greater momentum. Their music could be labelled as ‘post psychedelic rock ambient’. Its dreamlike soundscapes and mysterious, nocturnal atmospheres, hardly volatile, don’t waft upwards like some fluff, and the faint motorik skeleton and angular moans from the saxophone don’t seem to drive anything here. Everything here reverberates, crackling and creaking disturbingly, producing the entire chromatic scale. Much as ‘Reverie’ might seem the most accessible release in Bocian’s catalogue, it has little to do with ‘safe’ ambient. Rather, it’s more of sound guidelines revealing countless surprises.

(Bocian Records)

 

Maggiore Luciano/Brasini Francesco: Chàsm' Achanès (CD 2011 - Boring Machines)

[ http://www.boringmachines.it ]

 

Un'unica lunga traccia, registrata in presa diretta da Luciano Maggiore (nastri e apparecchiature elettroniche) e Francesco "fuzz" Brasini (chitarre elettriche). Atmosfere affascinanti, lente, progressive, dall'andamento ipnotico e rituale, che anche attraverso la ripetizione ciclica di un suono dal timbro simiile a quello di antiche trombe tibetane, sembra evocare immagini di sacri rituali, scorci di antichi e indecifrabili cerimoniali… Sullo sfondo drones, rumori concreti e scricchiolìi elettronici, feedbacks, trame ambientali, note di chitarra ora tese e dilatate, ora più pulsanti, marcate ed incisive…  Il substrato sonoro va via via crescendo, arricchendosi di nuovi strati, di nuovi elementi, mentre altri suoni scompaiono dissolvendosi progressivamente nelle profondità, lasciando infine spazio a cupe, rimbombanti e più informi masse di drones, correnti elettriche distorte attraversate da sibili e imprevedibili quanto misurati e ben amalgamati disturbi elettronici…  Quindi l'inevitabile decadimento… le masse sonore si spengono, lascando posto, prima che al silenzio, a residue onde di vibrazioni elettriche in risonanza…  Una performance estremamente suggestiva, trainante e di grande impatto. Un altro ottimo album reso disponibile da un'etichetta, la Boring Machines, che negli ultimi tempi ha pubblicato diversi altri titoli estremamente interessanti (Andrea Marutti/Fausto Balbo: Detrimental Dialogue; K11/Philippe Petit: The Haunting Triptych; Mamuthones: Sator…) già recensiti su "Oltre il Suono".

(Giuseppe Verticchio)

 

Maggiore Luciano/Brasini Francesco: How to Increase Light in the Ear  (CD 2012 - Boring Machines)

[ http://www.boringmachines.it ]

 

Nuovo album di Luciano Maggiore e Francesco Brasini, ancora una volta su etichetta Boring Machines. Due lunghe tracce estremamente minimali basate su statici sibili di frequenze acute al limite della “sopportabilità” uditiva con lievi micro-variazioni tonali aggiunte di scricchiolìi digitali pseudorandomici, che solo nella seconda metà del secondo brano si arricchiscono (opportunamente direi…) di più “ricchi”, caldi e “drammatici” fondi di drones su basse frequenze… Un CD  evidentemente estremo, che, anche a causa della mia personale e “fisiologica” alta sensibilità alle frequenze acute, mi ha costretto ad un ascolto ad un volume ridotto ad un quinto di quello che adotto abitualmente ascoltando i CD. L’associazione “ideale” delle alte frequenze al concetto di luce e luminosità nasce, evidentemente, per contrasto a quella più frequente del buio e dell’oscurità comunemente descritte, dal punto vista “sonoro”, attraverso frequenze basse e profonde. Da qui evidentemente il diretto legame tra il titolo dell’album e la musica in esso contenuta. Un album che, pur nella sua estrema essenzialità, è comunque ben strutturato, ben lavorato ed emotivamente coinvolgente, seppure potrà essere apprezzato al meglio soprattutto da chi non “tema” dei  continuum ad alta pressione sonora su frequenze “canicide” (passatemi il termine…). Ad ogni modo non replica la “magia” del precedente “Chàsm' Achanès”, che sotto ogni punto di vista si attesta decidamente un gradino (o forse due…) al di sopra del presente CD.

(Giuseppe Verticchio) 

 

Mare di Dirac: Tupilaq (CD 2014 – Greytone)

[ http://www.greytone.eu ]

 

Cinque tracce, per quasi 40 minuti di “processioni sonore” oscure, rituali e coinvolgenti, egregiamente costruite dal progetto “Mare di Dirac”, attraverso l’utilizzo di strumentazione molto varia e di diversa origine (quindi fonti elettroniche ma anche percussioni, didgeridoo, organo da chiesa, trombe marine, ciotole tibetane, voce…) impreziosite dalla partecipazione del bravo e ben noto percussionista Paolo Sanna (gong e waterphone in “Umlat”) e di Mauro Sambo (sax soprano e contrabbasso in “Thecomposition”).

Album molto d’atmosfera, caratterizzato peraltro da un suono estremamente dettagliato, tanto cristallino quanto profondo, che sorprende e “cattura” al primo ascolto, stilisticamente in bilico tra ritual-drone-ambient, sperimentazione, improvvisazione elettroacustica, ma perfettamente omogeneo e ben convogliato lungo un suggestivo percorso sonoro dai contorni solidi e ben definiti, costruito passo dopo passo, traccia dopo traccia, istante dopo istante, con grande efficacia, misura, perizia ed inventiva.

Tra voci confuse, bisbiglii, stridori e tintinnii metallici, echi di strumenti a fiato, cadenze ritmiche cerimoniali, rumori concreti, gorgoglii, drones profondi e riverberati, “Tupilaq” celebra l’Oscurità nella sua forma più suggestiva, lugubre e inquieta, senza però ricorrere alla “solite” e abusate soluzioni che caratterizzano tanta musica in qualche modo “dark-oriented”.  

Un ottimo CD rilasciato e “firmato” dalla italiana Greytone.

(Giuseppe Verticchio)

 

Maribor: Atrocity Exhibition (CD 2009 - Silentes) (Maurizio Bianchi, Mauthausen Orchestra, Nimh, Andrea Marutti, Stefano Gentile)

[ info@silentes.it ]

 

"Atrocity Exhibition" is a new project formed by a handful of notorious artists coming from the arena of italian underground experimental music. Conceptually "Atrocity Exhibition" is like a demonic, blasting industrial-sceptical machinery of war which infiltrates the optical-geometrical-metrical territories of life. The music produces magmatic-turbulent electronic stratas, simultaneously trangressive and remarkably abstract. This active process of organised musical chaos is interrupted by unpredictable ecstatic moods. The artists gathered for the occasion work in interdependance. The recognizable original facets of their respective musical signature are intertwined in the process of creation. Giuseppe Verticchio's ethno-ritual music perspectives interact with PierPaolo Zoppo's "Dante-esque" hell-ish bruitist tapestries, Maurizio Bianchi's neurotic minimalism, Andrea Marutti's abyssal blackened ambientscapes and with Stefano Gentile's touching aerial guitar parts. The title track is a majestic-nightmarish soundscape that grows into dark industrial vapours, toxic menacing noises, transfigured by fluidistic emotional e-guitar arpeggios and ghostly resonances. The piece Terrifica Praedicatio is an other tempetuous-power electronic epic admitting heavenly-sacred ethno sounds which can be perceived in a foggy distant atmosphere. The album closes with an exalted-eerie guitar piece covered by charged noisy electronic clouds. To sum up things, Atrocity Exhibition reveals some powerful electronic densities and a raging intensity which seems to restore the self by a cathartical maneuver. The slow moving droning-abrasive electronic textures are constantly in flux, describing the dynamic and paradoxal nature of subjectivty, its potential of disruption and protest against fixed positions and earthly trivialities. This is music as a metaphor, the language of sounds as a mirror of humanity's ineffable experiences. A tremendous-trembling-fluxuous musical voyage.

(Philippe Blache - Progarchives) 

 

Maribor: De Immenso (CD 2011 - Silentes) (Maurizio Bianchi, Mauthausen Orchestra, Nimh, Andrea Marutti, Stefano Gentile, Gianluca Favaron)

[ http://www.silentes.net ]

 

Aprendo il pregevole packaging mi imbatto in una pagina strappata de "Gli Eroici Furori" di Giordano Bruno e ritorno indietro nel tempo a termini come l'averroismo, il neoplatonismo e il materialismo antico. La pluralità dei mondi che spesso viene evocata nella cultura moderna era già presente nelle sue teorie che lo portarono alla condanna al rogo per mano dell'inquisizione ecclesiastica. Nel tomo in questione il filosofo individuava tre modalità di passioni umane: quella per il sapere, quella per il vissuto concreto e quella per il vissuto speculativo. Quest' ultima è certamente materia di interesse per Stefano Gentile la cui anima «rapita sopra l'orizzonte de gli affetti naturali, vinta da gli alti pensieri, come morta al corpo, aspira ad alto». Suo in concept di "De Immenso" che vede la collaborazione attiva di musicisti come Maurizio Bianchi, Andrea Marutti, Giuseppe Verticchio, Gianluca Favaron e Pierpaolo Zoppo. Alcuni di loro li abbiamo imparati a conoscere su queste pagine per la loro attitudine sperimentale e l'approccio "visivo" delle loro opere. Esclusivamente guidato dal "furore eroico", Maribor ci regala quattro tracce guidate da un "solo" pensiero, un approccio unico e distaccato che travolge l'ascoltatore per ottanta minuti. Un crescendo industrial ambient che conduce fino all'ipnosi pura di "1600".

(Lorenzo Becciani "Divine" - Dagheisha)

 

Maribor is a throbbing-post-nuclear noisy drone super project founded years ago by Stefano Gentile with the contribution of highly acclaimed artists from the Italian underground industrial movement (Maurizio Bianchi/M.B., Mauthausen Orchestra/Pierpaolo Zoppo, Nimh/Giuseppe Verticchio, Andrea Marutti and Gianluca Favaron). De Immenso is their second offering. This time, the conceptual background seems to be openly related to the universal and philosophical hermeticism of Giordano Bruno, to his dangerous work under the pressure of the hegemonic religious dogma. This album offers to the listener a volcanic and sonorous arcane of bleak crashing noises delicately punctuated by eerie drones and proggy orientated embellishments. This musical procession opens with a dense and buzzing meditative piece covered by hypno-ish circular guitar motives and soft clouds of drones. The second track opens with peaceful repetitive guitar chords, some kind of dreamy tones rapidly followed by an avalanche of field recordings, intrusive black drones. The last minutes contains a dialogue between suspenseful-goth-somnanbulic guitars and rolling crashing noises. Track 3 is a creeped out ambient piece in the pure classy vein of the genre. The last tune is a deep-rumbling heart touching piece mainly built around the guitars and effects. This album follows the path written by the previous Maribor effort but admits much more variations / solid interferencies between the ambient / noisy facets. A thundering-hauntingly bleak industrial musical adventure that can seduce fans of early demonic drones from Lustmord, Atrax Morgue, Sigillum S but also relaxing post-rockin airs from Jasper TX, Tim Hecker.

(Philippe Blache - Progarchives)

 

Marutti Andrea: The Brutality of Misbreathing (CD-R 2007 - Opaco)

[ afeman@aferecords.com ]  [ http://www.aferecords.com/am ]

 

Un lungo, ininterrotto flusso sonoro di musica di matrice oscura e drone-based particolarmente consigliata a chi, durante gli ascolti, non sia troppo impaziente, istante dopo istante, di scoprire cosa accada "più in là"... Tempi infatti estremamente dilatati per questo CD-R di Andrea Marutti (già noto per i suoi progetti Amon e Never Known) realizzato a partire dalla registrazione di una performance live successivamente rielaborata in studio, anche con aggiunta di ulteriore materiale. Movimenti lenti, progressivi, metamorfosi sonore che si compiono gradatamente e senza alcuna fretta, con assoluta noncuranza dello scorrere del tempo... Pur diviso idealmente in quattro tracce, le profonde e impattanti masse sonore si perpetuano senza interruzione alcuna, soltanto occasionalmente placate da momenti di lento decadimento e maggiore stasi, la cui principale funzione sembrerebbe quella di lasciar prendere fiato per alcune manciate di minuti e attenuare lievemente la tensione emotiva in attesa della successiva, lenta ma inevitabile "invasione" a base di imponenti, gorgoglianti e ribollenti agglomerati magmatici su frequenze basse e ultrabasse, violate talora da emergenti, sferraglianti e riverberati suoni aspri e metallici. Un affascinante, suggestivo viaggio sotterraneo, proposto su CD-R in una edizione ben curata dalla giovane ma valida etichetta italiana Opaco Records.

(Giuseppe Verticchio)

 

"The Brutality of Misbreathing" is Andrea Marutti's first full-lenght release published under his own name. He is better known for his Amon and Never Known projects and as Afe Records label owner. His music has been published by Eibon Records, Amplexus, Drone Records, Taâlem, etc. This album is a one hour journey between dramatic dark atmospheres and drone-based ambiences in slow and continous evolution. Echoes of reverbered metallic sounds and sharp circular loops, electronic elements and saturated signals close to distortion emerge each now and then from the disquieting sound mass. The music flows in a persistent alternation of majestic crescendos and quiet discreet stases; a sense of tension and discomfort permeates the whole disc, just like being stuck in a long and appearently never-ending bad dream...

(Opaco)

 

Marutti Andrea: The Subliminal Relations Between Planets (CD 2008 - Nextera)

[ andrea.marutti@aferecords.com ]  [ http://www.aferecords.com/andreamarutti ]

 

Un'altro "classico" CD di musica dark ambient/drone oriented ad opera di Andrea Marutti, che con il presente "The Subliminal Relations Between Planets" sembra riprendere il percorso sonoro esattamente laddove lo aveva interrotto con il precedente "The Brutality of Misbreathing". Molti gli elementi in comune tra queste due releases... La scelta di firmarle a proprio nome e non utilizzando uno dei numerosi moniker con i quali ha siglato molti dei suoi precedenti lavori (Amon, Never Known, Afeman, Spiral, Lips Vago, solo per citarne alcuni...), il fatto che entrambi i CD nascano da materiale registrato dal vivo successivamente rieditato e "ottimizzato" in studio,  il fatto che in entrambi i casi la musica fluisce ininterrottamente dall'inizio alla fine senza pause tra le tracce. Ma a parte questo sono in realtà il "sound" generale, le dinamiche, i tempi, le progressioni, l'approccio, l'intento, la forma e la struttura compositiva che, pur con le ovvie variazioni del caso, risultano convergere in modo assoluto, e appartenere chiaramente ad un unico progetto, ad un immutabile "disegno sonoro", tracciato con la consueta abilità dalle mani esperte di uno dei maggiori maestri nell'ambito della musica dark-ambientale, italiana e non solo. Il nuovo "viaggio" di Andrea Marutti, questa volta alla scoperta delle subliminali relazioni tra i pianeti, continua ancora una volta nella più inviolata e inviolabile oscurità...

(Giuseppe Verticchio)  

 

"... He too operates in the area that we could loosely identify as drone music, or ambient, but unlike his German counterparts on the other CD this is of a much darker nature altogether. It's hard to tell what it is that he does; be it synthesizers, samplers, computer processing or just tons of sound effects, in the end the effect is a seventy-minute opus of dark, utter dark electronic music. The planets mentioned in the title may give away some of some of the darkness, and perhaps its all too easy to say that its pitch black as the stars by night, but on christmas eve, with stars bright and almost full moon, these sort of references may count. Think Lustmord meeting Mirror, the darkest fantasy of Klaus Schulze or such cosmic hero from yesteryear, and Andrea Marutti is your man..."

(Frans De Waard - Vital Weekly)

 

Marutti Andrea/Balbo Fausto: Detrimental Dialogue (CD 2010)

[ http://www.aferecords.com ]

 

Strane e spesso stranianti atmosfere, dominate per lo più da suoni freddi e sintetici, ma spesso arricchite da drones elettronici dalla timbrica più calda e profonda e talora da altrettanto calde, pulsanti e suggestive sequenze di basso elettrico, suono probabilmente anch'esso sintetico, ma la sostanza non cambia…  Talora i brani assumono una forma più "tradizionalmente composta", e le stesse atmosfere evolvono con lente, trainanti e coinvolgenti progressioni, e queste sono comunque le parti che ho personalmente preferito. Talvolta i suoni più spiccatamente aspri ed elettronici prendono prepotentemente il sopravvento, assumendo una forma più "caotica" e pseudo-confusionale, e sfociando in derive para-rumoristiche che, almeno ai primi ascolti, ho avuto più difficoltà ad apprezzare. Il fatto è che questo album non è certo musica di facile ascolto. Le sue sonorità assolutamente particolari e ricercate, l'assoluta impossibilità di ricondurne lo stile a questo o quel "genere" musicale, e la apprezzabile intransigenza e "onestà intellettuale" per così dire, che ha condotto Marutti e Balbo a mettere a punto un album sicuramente non "facile", ma che al tempo stesso non si "adagi" su soluzioni ipercollaudate e di immediata presa, fanno sì che per forza di cose anche l'ascoltatore più "navigato" e dalla mentalità più aperta necessiti di più ascolti per poterlo apprezzare al meglio e nella sua completezza. Non è facile insomma, nell'immediato, comprenderne le logiche e il "disegno", e aggiungo ancora che per uno come me, che per gusto personale non ama troppo le sonorità spiccatamente sintetiche, è stato forse ancora più difficile superare questa sorta di "ostacolo". Alcune parti però mi apparivano così assolutamente trascinanti e straordinarie fin dal primo ascolto da invogliarmi a rimettere più volte il CD nel lettore, fino a che, d'un tratto ho visto il cerchio chiudersi... il "puzzle" completarsi con ogni singolo elemento, il "disegno sonoro" complessivo finalmente mostrarsi chiaro e nitido ai miei occhi, prendere solida forma nella mia mente. Difficile dire o provare a spiegare di più…  Un CD da ascoltare, più volte, e da "imparare ad apprezzare". E se ci riuscirete… scoprirete probabilmente una nuova porta….

(Giuseppe Verticchio)

 

This collaborative effort puts together ambient, dark ambient, electronic hero and Afe Records head-chief Andrea Marutti and Fausto Balbo that maybe some of you remember for having played in a hardcore band called Jesus Went To Jerusalem and later in the electronic-metal duo Der Tod. During the last years Balbo has produced and played some electronic music made out of synths, samples, incredible self made kalimbas and a full load of great taste, so no surprise he musically tied the know with Marutti. Even if the length of the tracks may suggest an heavy influence of the ambient musician, I think many of the sounds crossing the scene will show how this collaboration is the result of a mutual work. The first synth driven suite start as an ambient piece to leave room to some unexpressive white noises and sounds and to resurface a simple fragmented keyboard melody, as the rest of the music the track is hyper arranged and not so immediate. The second episode offers the same kind of cocktail you will sip for the whole length of the CD, but beside the ambient frameworks coming in and going and together with these sharp and/or fragmented electronic noises the used some bass lines, sometimes the impression is they put together some old IDM, Pan Sonic and cold experimental electronics, also thanks to its structure this track is my personal favorite. With the closing tracks the atmosphere of the release becomes more rarefied and abstract, bringing in the "space is the place" element to the music, so if you're into that "we're floating in the universe" feel you love these closing chapters, above all the last one where this dynamic duo hypnotizes and scares the shit out of the listener, avoiding dark or gothic influences which it's a result itself. An electronic post-ambient, post-kraut, cold but yet analog-sounding release... Can you imagine that?! A listen may help above all if you consider this is definitely interesting and not a conventional output.

(Andrea Ferraris - Chain DLK)

 

Mauri Luca: Between Love and Hate (CD 2008 - Creative Sources)

[ luc.mauri@gmail.com ]  [ http://betweenlove-hate.blogspot.com ]

 

Un album piacevole ed equilibrato, realizzato con l'uso esclusivo di chitarra, piatti metallici ed effetti, che alterna e coniuga con efficacia atmosfere dilatate ed eteree d'impronta più "quieta" e ambientale con sonorità che si fanno ora più "aggressive" e distorte, ora più scure e drone-oriented, ora più "pulsanti" e ipnotiche, ora basate su arpeggi e loops d'impronta più discretamente "musicale". A tratti i suoni di piatti (ride, snare, crash...) arricchiscono di suggestioni ritmiche le composizioni, variando le soluzioni, e conferendo ancora maggiore personalità ad una proposta sonora che, grazie anche alla spiccata abilità di Luca Mauri nel riuscire, attraverso il solo uso della chitarra e pochi altri suoni, a creare paesaggi sonori coinvolgenti e talvolta addirittura "accattivanti", riesce a non apparire mai noiosa, banale o eccessivamente anonima. In tempi in cui l'approccio sperimentale in un certo senso un po' "spicciolo" di scegliere un'unica sorgente sonora e cercare di costruire attraverso essa qualcosa di davvero "diverso" ed "originale", ha ormai da tempo palesato i suoi limiti oggettivi, partorendo negli anni passati centinaia di CD tanto poveri di idee quanto anonimi e confondibili l'uno con l'altro, nonchè insignificanti nella sostanza, questo "Between Love and Hate" di Luca Mauri, che pure si "concentra" quasi esclusivamente su suoni di chitarra, si eleva in modo sostanziale dalla "massa", dimostrando che, anche laddove i margini di potenziale innovazione e originalità si fanno sempre più ristretti, una mente davvero "pensante", che abbia anche una particolare sensibilità e significative capacità espressive e tecniche, può ancora "dare" qualcosa di notevole laddove, in molti, hanno già spesso (e piuttosto pigramente aggiungerei...) fallito. 

(Giuseppe Verticchio)

 

Mauri Luca/Giannico Francesco/Uggeri Matteo: Pagetos (CD 2012 - Boring Machines)

[ http://www.boringmachines.it ]

 

Atmosfere “dolci”, quiete e crepuscolari… Elaborati assemblaggi e stratificazioni di suoni morbidi, dilatati e profondamente effettati di chitarra elettrica, rumori concreti e field recordings, tracce sonore di discrete presenze umane, vibranti campioni di corde di violoncello, lunghe, sussurrate e riverberate note di tromba… Frammenti di melodie di pianoforte, tintinnìi di wind chimes, cembali e altri metalli, onde di rainstick, imprevedibili e indecifrabili disturbi e interferenze di imprecisa origine… Affreschi sonori color pastello dai contorni evanescenti, a momenti quasi astratti, dalla forma e dagli equilibri compositivi sfuggenti e precari… Un suono generale pulito, dettagliato, nitido, caldo e avvolgente, in apparente contrasto con i titoli delle tracce e le immagini “glaciali” dell’artwork, che valorizza la qualità dei vari elementi e dell’album nel suo insieme,  costruito, mixato e masterizzato con evidente perizia e attenzione per gli aspetti più puramente “tecnici”. Una collaborazione riuscita, per un album molto equilibrato, “misurato”, piacevole e “facile” da ascoltare; un' altra valida, curata e significativa produzione ad opera di una delle più interessanti etichette italiane in ambito sperimentale/drone/dark/ambient.

(Giuseppe Verticchio)

 

Mauthausen Orchestra: Where Are We Going? (CD 2008 - BloodLust!)

[ mr_zoppo_private@libero.it ]  [ http://www.myspace.com/mauthausenorchestra ]

 

Un grande ritorno per M.O./Mauthausen Orchestra. Impossibile parlare di questo nuovo CD senza premettere, per chi già non lo conoscesse, che il progetto nasce quasi trenta anni fa dalla mente di Pierpaolo Zoppo, un vero pioniere della sperimentazione elettronica più estrema, "a cavallo" tra noise, power-electronics e industrial, il quale, in anticipo sui tempi e in età ancora molto giovane, registrava e "fissava" su nastro magnetico inaudite esperienze sonore, visionarie, violente e allucinogene... Non mi soffermo ulteriormente sulle note biografiche, se non facendo cenno al fatto che nel corso di tutti questi anni non sono mancati lunghi periodi di inattività artistica, che in tempi recenti il progetto sembra essere tornato ad una significativa, vitale e ispirata rinascita, e sottolineando che, nonostante le numerose produzioni, la quasi totalità di esse è uscita esclusivamente su cassette a nastro o su vinile da 7, 10 o 12 pollici, e quindi la pubblicazione su CD, da parte di BloodLust!, del presente "Where Are We Going?", è da considerarsi un evento di notevole importanza. Quello che emerge, dall'ascolto del CD, è che la nuova musica sembra essere l'esatta proiezione, ai tempi attuali, delle originali sperimentazioni sonore dell'Orchestra di Mauthausen, soltanto "attualizzate" grazie alle migliorate tecnologie per la la registrazione, per la generazione dei suoni e per la loro manipolazione e trattamento, e grazie anche ad una visione artistica più  "matura" e consapevole che, pur conservando intatto lo spirito originario, l'immediatezza, l'istintività e l'impatto delle vecchie registrazioni, torna ora a generare nuove visioni elettroniche soltanto un po' più "morbide" e meno "intransigenti", facendo sicuramente in questo modo un grosso balzo in avanti, e restituendoci un album che unisce, a tutti i pregi della musica del passato, delle migliorate qualità sonore e tecniche (i decenni evidentemente non sono passati invano...) e una attualissima e rinnovata sensibilità e vitalità artistica che il tempo non è minimamente riuscito a scalfire. Assolutamente da non perdere.

(Giuseppe Verticchio)

 

M.O., aka Mauthausen Orchestra; the first full-length release in over ten years! Pierpaolo Zoppo returns with seven new songs, recorded for BloodLust! in 2006, as a follow-up to his "Smooth Hate" 7-inch, which immediately sold out of its limited edition of 100 copies --- and the "Forbidden Ground" private series 7-inch, which is also nearly gone. Perfectly cold, austere, and dark analog synth material --- for fans of Zoppo's outstanding, evolving contemporary work --- yet carrying enough weight behind it to please all but the most close-minded and jaded fans of his early, violent, primitive, and raw Mauthausen Orchestra recordings. This CD is packaged in a handsome black and white and color four-panel Digipak. Approximately 46-minutes in length; Released in 2008.

(BloodLust!)

 

Mauthausen Orchestra: Sonic Deprivation (CD 2009 - Silentes)

[ mr_zoppo_private@libero.it ]  [ http://www.myspace.com/mauthausenorchestra ]

 

Parallellamente alle altre recenti uscite di Mauthausen Orchestra, che includono materiale sonoro di nuova produzione,  la ristampa ad opera di Silentes di materiale "storico" del progetto di Pierpaolo Zoppo appare scelta quanto mai apprezzabile e di lodevole intento, giacchè larga parte della più "pionieristica" musica di M.O. registrata tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80 è rimasta troppo a lungo "relegata" a produzioni quasi "artigianali" su audiocassetta di limitatissima tiratura e diffusione. La riedizione di parte pur limitata di quel materiale, sottoposto ad un accurato intervento di "pulizia", raccolto in un CD in versione completamente rimasterizzata, e presentato in una elegante edizione in digipack, viene a colmare almeno in parte questa lacuna, rendendo finalmente disponibile ad un pubblico più ampio una significativa panoramica di quanto la mente di Pierpaolo Zoppo/M.O. concepiva e registrava su nastro negli anni della sua più "energica" e ambiziosa giovinezza. Musica di grande impatto, estrema, intransigente, a tratti estremamente "pesante" e sicuramente "rudimentale" nella concezione e nella forma; "musica" che è molto difficile anche definire tale, giacchè interamente costruita attraverso "rumori" ed elementi sonori ben lontani dall'idea tradizionale di "musica", arte che nell'interpretazione più "convenzionale" (nonché limitata e tutto sommato sostanzialmente ottusa) del termine si immagina sempre associata ad elementi prettamente melodici (generati attraverso l'uso di strumenti musicali propriamente detti…) o a combinazioni ritmico-melodiche. Nulla di tutto questo. Pierpaolo Zoppo/M.O, fortunatamente, già allora era andato molto "oltre", e il presente "Sonic Deprivation" testimonia efficacemente le visioni futuristiche e anticonformiste di un artista che il tempo non riesce ancora a scalfire…

(Giuseppe Verticchio)

 

A fantastic selection of archive materials from the "golden age" of Mathausen Orchestra, the Italian power-electronic project born in the early 80s from the mind of Pierpaolo Zoppo, recently back in full to his artistic activity (see also the other CD Silentes SME0932, Nimh/Mauthausen Orchestra: From Unhealthy Places). Coming as a wonderful digipack CD, these six tracks collected from his very first cassette releases (Murderfuck, Mafarka, Anal Perversion, Host Sodomy, From Homicide to Slaughter) are released in a completely restored and remastered edition that finally does justice in full to the incredible and futuristic visions of one of the most significant Italian experimental artists of the last thirty years. Unthinkable and apocalyptic sonic masses pushed to the extreme, an endless flux of strong emotions, a violent and devastating impact... Absolutely not to be missed.

(Silentes)

 

Mauthausen Orchestra: Digression (CD 2010 - Silentes)

[ mr_zoppo_private@libero.it ]

 

Grande ritorno per Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra, che, ancora su Silentes, mette a segno questa volta un album di nuovo materiale inedito. In un'unica lunga traccia, efficacemente mixata da Gianluca Favaron, il “nostro” esplora non solo collaudati percorsi adiacenti (seppure sicuramente meno estremi…) quelle sonorità noise/power electronics che hanno caratterizzato le sue prime, storiche produzioni e ne hanno fatto un personaggio di culto, ma anche inediti e sorprendenti paesaggi più spiccatamente elettronici, ora addirittura pulsanti e quasi “ritmici”, come nei primi suggestivi minuti di inizio CD, ora più “spaziali” e “siderali”, ora dilatati e oscuri, ai confini di una dark-ambient di impronta statica e dalle sonorità estremamente “sintetiche”. In copertina una foto in bianco e nero dello stesso Pierpaolo Zoppo da bambino, in un suggestivo ritratto dall’espressione ben diversa da quella beata/beota tipica delle pubblicità della Kinder… Uno sguardo invece serio, profondo e penetrante, che sembra volesse già da allora sfidare il modo intero e tutte le sue regole non scritte… Assolutamente da non perdere.

(Giuseppe Verticchio)

 

After the recent reprint of “historical” material collected on the “Sonic Deprivation” CD, and the collaboration with NIMH on “From Unhealthy Places”, Mauthausen Orchestra/Pierpaolo Zoppo comes back with brand new tracks and a new album where the “fury” and aggressiveness of his usual “harsh” sonorities of a Noise/Power-Electronics nature are merged with more “quiet”, wide and always dark ambient parts, sometimes surprising us with unexpected and undisclosed pulsating rhythmic-electronic inserts. A great album for a project that has recently born again with an unsuspected and inspired artistic vital energy.

(Silentes)

 

M.B./Nimh: Together's Symphony Box (4CD BOX 2005 - Silentes )

[ giuver@yahoo.com ]  [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]

 

Un cofanetto di 4 CD in edizione limitata a 300 copie che include:

- Maurizio Bianchi: Niddah Emmhna (CD Silentes)

- Nimh: Subterranean Thoughts  (CD Silentes)

- Nimh + M.B.: Secluded Truths (CD Silentes)

- M.B. + Nimh: Together's Symphony (CD Silentes - disponibile solo con “Together's Symphony Box”)

Una straordinaria collaborazione tra lo storico de-compositore italiano Maurizio Bianchi e l'eclettico sperimentatore elettronico-ambientale Nimh (Giuseppe Verticchio). Un imperdibile cofanetto di 4 CD che è un lungo e caleidoscopico viaggio ai confini del suono, tra gli umori dark-industrial di "Together's Symphony", CD che dà il titolo al box,  le atmosfere sperimentali lirico-introspettive di "Secluded Truths", i collages sonori  multicolori di "Niddah Emmhna" del solo M.B., le visioni elettroniche-acustiche-ambientali di "Subterranean Thoughts", CD del  solo Nimh.

(Silentes)

 

Opera suntuosa, in 300 esemplari, quella approntata da Silentes; quattro CD contenuti in box cartonato, accreditato congiuntamente a M.B. e NIMH. In realtà i lavori realizzati in coppia sono "Secluded Truths" (già recensito su Blow Up n. 84) e "Together's Symphony" che dà il titolo al cofanetto ed è l'unico non disponibile separatamente. Questo CD, dalle scarne note del booklet specifico, sembrerebbe più da intendere come uno split piuttosto che una collaborazione tra Bianchi e Verticchio. L'armonia tra il pezzo di M.B., "Land Use", in due parti e dalle caratteristiche più marcatamente ambientali rispetto alle ultime prove,  ed i tre di NIMH, non meno cupi, in particolare "…the Garden of Loneliness", con l'ipnotica "Beyond the Gates…", ambient dalle comunque tenebrose maculature di grande effetto a risaltare, è però magistrale nel sottolineare le affinità tra i due artefici. Negli altri due CD, M.B. è ispirato da un passo del "Levitico" per "Niddah Emmhna", dedicato a 'tutta la riscattata umanità', costituito da due caleidoscopiche suite oltre i trentacinque minuti e permeato di possente spiritualità che si adagia su più concilianti, sereni scenari nella prima parte, poi destinati ad offuscarsi nella eccellente seconda, di chiara genia industriale, mentre NIMH in "Subterranean Thoughts" testimonia il suo notevole eclettismo, passando dai registri ambientali sporcati da field recordings di "Recovered Memories" alle Lustmordiane inquietudini di "Back to Laudomia", dalla congiunzione di respiri concreti e stralci rituali di "Perpetual Cycles" all'incedere meccanico di "Subterranean Thoughts".

(Paolo Bertoni - Blow Up)        

 

Oltre quattro ore di grande sperimentazione. La ritrovata ispirazione del padre dell'elettronica italiana, dopo un lungo periodo di silenzio, si sta manifestando anche attraverso nuove collaborazioni, fra cui rientra, anche questa con l'artista romano Nimh. Il risultato di questo incontro, viene pubblicato dalla Silentes col titolo "Together's Symphony", un 4 CD box-set in edizione limitata a 300 copie, contenente l'album di inediti di Maurizio Bianchi, "Niddah Emmhna", il nuovo lavoro di Nimh, "Subterranean Thoughts", e due dischi, a metà fra lo split e la collaborazione, "Secluded Truths" e "Together's Symphony". Partendo proprio da quest'ultimo, il punto d'incontro fra le tracce dei due artisti sembra essere stata la comune fonte d'ispirazione: l'aver svolto un viaggio introspettivo che non seguisse alcun canone compositivo, ma che rappresentasse un'entusiastica manifestazione di libertà e del desiderio di sperimentare. E "Beyond the Gates" e "Land Use I" dimostrano proprio come una parte dell'elettronica non voglia ancora andare incontro alla fruizione spicciola, perseguendo piuttosto una forma espressiva - sincera quanto complessa - che, in "Secluded Truths", fa da sfondo ad un complesso intreccio di strumenti acustici ed elettronici, in un intrigante percorso fra generi diversi. In "Niddah Emmhna" poi, Bianchi si distanzia in parte dalle sonorità degli '80, prediligendo invece le soluzioni ambientali, anche recentemente proposte, e dando vita a due incredibili suite di quasi quaranta minuti ciascuna, entrambe sorprendenti nel suscitare un continuo fluire di emozioni e sensazioni differenti, senza pause, senza momenti di stasi. Uno sciame di riverberi si assembrano in un moto che riesce a spaziare, infatti, tra atmosfere distanti, evocando scenari tersi e ariosi che riescono poi a divenire plumbei e sofferenti, a tratti corrosivi e penetranti. L'album di Nimh si apre con un drone di rara bellezza, che colma gli spazi auditivi, sfociando nella lunga "Recovered Memories", in cui il lato elettronico acquista lentamente più spessore. Una tensione accumulata che sfocia nell'affascinante "Back to Laudomia" e nelle successive "Subterraneann Thoughts" e "The Liquid Dream", in cui l'impiego di passaggi musicali alleggerisce un ascolto sicuramente divenuto impegnativo. Come nello stile di Verticchio, l'utilizzo di samples ambientali assume un ruolo importante in fase compositiva senza però arrivare mai a spostare l'equilibrio dei pezzi verso il puro field recording, prediligendo piuttosto la creazione di atmosfere sommesse, una elettronica non roboante, ma elegantemente sofisticata che rinfresca il concetto di "landscapes music". Ciò che realmente accomuna i due autori, sembrerebbe essere la propensione ad un ritorno ad una dimensione concreta nelle proprie composizioni, la ricerca di una dimensione "umana", che renda meno impalpabili e astratte le proprie riflessioni. L'indicazione del voto - in quanto riduzione del qualitativo al quantitativo - è di per sé insopportabile e, nonostante ciò, cerchiamo sempre di offrire un riferimento per orientare i lettori. In questo caso, però, qualsiasi giudizio numerico risulta impossibile, in quanto diviene troppo difficile ridurre e classificare le molteplici emozioni che l'ascolto di queste oltre quattro ore di sperimentazione regala.

(Franz Gemelli - Music Boom)

 

Bianchi's recent collaboration with Rome's self-styled "ambient-electronic-ethnic-experimental musician" Giuseppe Verticchio, aka Nimh, is documented in the mammoth four CD box, "Together's Symphony", which brings together two joint ventures and two solo offerings, one each. Verticchio's "Subterranean Thoughts" is sourced from fragile field recordings, encrypted in secret electronic transmissions and recontextualised into fields of drone and crisp buzz. The collaborative venture "Secluded Truths" exists in a gloomy habitat of otherworldly decaying loops, trademark Bianchi minimal pianism, and Nimh's cosmic couriers of sequenced, discarded voices. The pace is leisurely and the atmosphere ethereal. The other duo disc, "Together's Symphony", consists in fact of tracks composed separately by each artist. It's a quieter affair, warm, textured and dauntingly elegiac. Bianchi's solo "Niddah Emmhna", based on a chapter of Leviticus, falls into two prolonged symphonies apparently relating to globular activity, the first juxtaposing the aural poison of metallic ambiance with mesmerizing, constantly overlapping eruptions of "erythrocyte frequencies" (to quote Bianchi), the second a journey through a recurring motif of morphed "neurologic piano" and blackening feedback. It's a masterpiece of subtly disturbing sound-sculpturing that recalls the work of Akifumi Nakajima, aka Aube, whose own "Aube Reworks Maurizio Bianchi" is a set of seemingly endless de-decompositions of Bianchi's "M.I. Nheem Alysm" (2004) in which Nakajima adds a sense of ascetic sluggishness to the already spartan development of the original, generating micro-organic orchestras fiercely concentrated on the nature of sound and its hypnotic properties.

(www.paristransatlantic.com)

 

M.B.: Elisionem (CD 2006 - Klanggalerie)

[ maubia55@libero.it ]

 

Una nuova, preziosa gemma, va ad arricchire la già foltissima discografia di M.B./Maurizio Bianchi. Sicuramente une delle opere più particolari e interessanti tra le tante, in solo o in collaborazione, realizzate da questo eclettico artista negli ultimi anni, seppure debbo precisare di avere avuto occasione di ascoltare soltanto una parte limitata di quanto (moltissimo!) prodotto da Maurizio Bianchi in questo stesso periodo. Realizzato a partire prevalentemente da sorgenti sonore di tipo concreto, ma evidentemente rielaborate attraverso pesanti processamenti di tipo elettronico, il CD presenta cinque tracce che stupiscono per la ricchezza delle idee riversate in esse, per l'efficacia dei trattamenti elettronici, delle stratificazioni dei suoni, per la forma delle composizioni che, pur mantenendosi all'interno di una forma sostanzialmente "discreta" e non certo "roboante", risulta ugualmente molto ricercata, articolata, e al tempo stesso "fluida" ed emotivamente "profonda" e coinvolgente... Musica ambient, elettronica, drone-based, sperimentazione, residui industriali, echi di influenze sonore di derivazione teutonica... Questo e molto altro in un album che traina, sorprende e affascina, istante dopo istante e senza un attimo di cedimento. Ci sono artisti, anche molto validi, e anche attivi in ambito musicale da molti anni, che pur con una lunga carriera alle spalle potrebbero essere facilmente "descritti" e "classificati" citando soltanto il titolo di due o tre album della loro discografia. Questo perchè, al di là di ogni giusto merito, nel tempo hanno però in un certo senso rinunciato a rinnovarsi e a cercare, con sincero e prepotente spirito di sperimentazione, nuove strade e nuove "forme sonore". Maurizio Bianchi non è tra questi. Pur attivo musicalmente fin dalla fine degli anni '70 non ha mai "indossato le pantofole", e non si è mai "arreso" alla proposizione di musica sempre uguale a sè stessa e ad una autocompiacente e sterile ripetitività. Questo è ciò che secondo me significa essere artisti "veri". Questi sono gli artisti che, dopo migliaia di ore di musica ascoltate in tanti anni della mia vita, riescono ancora a farmi strabuzzare gli occhi, a farmi alzare di scatto dalla mia postazione di ascolto mentre ho messo in "play" un CD nel mio lettore, ad "illuminare" la mia convinzione/speranza che non tutto è stato davvero già detto e fatto nell'ambito di quella musica usualmente definita "sperimentale", nel cui "calderone" purtroppo, in tempi recenti, si tende a far convogliare qualsiasi tipo di musica-spazzatura non ascrivibile all'interno di altre più ben identificabili definizioni stilistiche, spesso proposta da pseudo-artisti la cui ambizione/presunzione è decisamente soverchia se comparata al reale valore di quanto, con eccessiva disinibizione, usano proporre. Chi è ancora in grado di comprendere la consistenza e il valore della "vera" ricerca sonora unita alla reale qualità della musica, non dovrà assolutamente perdere questo CD...

(Giuseppe Verticchio)

 

M.B./F.I.C.P.S.: Chaotische Fraktale + Letzte Technologie (2 CD 2007 - Silentes )

[ maubia55@libero.it ]

 

Finalmente ripubblicati, riuniti in una provvidenziale edizione in formato doppio CD, questi due straordinari album di Frequency in Cycles per Second e Maurizio Bianchi, ormai esauritissimi e difficilmente reperibili nelle loro edizioni originali su CD-R, realizzate entrambe a tiratura limitata di 100 copie. Due album sicuramente "complementari"  in un certo senso, il cui abbinamento in questa nuova edizione proposta da Silentes appare quanto mai indovinato ed efficace. Lunga durata per entrambi i CD (intorno ai 70 minuti di musica ciascuno) e sostanzialmente simili nella forma, seppure "Chaotische Fraktale" vede la comune struttura "di fondo" molto oscura e para-statica, costituita da drones, parti di pianoforte reverberato, masse sonore magmatiche e ribollenti, maggiormente "violentata" da spigolosi, improvvisi, aspri e talvolta quasi "aggressivi" rumorismi elettronici, scariche elettriche, distorsioni… Più "gestuale", estremo e intransigente dunque "Chaotische Fraktale",  più "morbido" invece e "ricercato" ma allo stesso tempo teso, profondo, drammatico e "monumentale" "Letzte Technologie". Per tutti gli estimatori di Maurizio Bianchi e Sandro Kaiser, e per chi (ben pochi immagino) non abbiano ancora avuto modo di ascoltare nulla di questi  artisti, un acquisto assolutamente consigliato, così come mi sento vivamente di consigliare anche le ultime recenti uscite di Maurizio Bianchi realizzate sempre per Silentes, come "The Testamentary Corridor" (del quale è uscita anche una interessante versione "Rework" ad opera del giapponese Aube) o il precedente "Niddah Emmhna".

(Giuseppe Verticchio)

 

A new double cd from Silentes, containing soundworks by "Chaotische Fraktale"' and "'Letze Technologie". These works were sourced from collaborations between M.B./Maurizio Bianchi, and Frequency in Cycles for Second/Sandro Kaiser. A fascinating sonic mix of influences here... industrial, electro-experimentation, minimalism, noise, and deep-listening. Large, drone-based segments meld with the distant sounds of reverberating piano and soft whispered melodies. Dramatic and dark. Huge pools of sound, where the listener can float weightlessly between earthly calm and otherworldly discord.

(Silentes)

 

M.B./E.D.A.: Regolelettroniche (CD 2007 - Baskaru)

[ maubia55@libero.it ]

 

Artista estremamente prolifico, Maurizio Bianchi in questi ultimi anni, nonchè anche negli ultimi mesi, ha messo a segno e pubblicato molti lavori, alcuni dei quali particolarmente interessanti e significativi. In tempi recenti, oltre al presente CD, ho avuto modo di ascoltare e apprezzare ad esempio "Escape to Bela Zoar", pubblicato da L.White Records, e "The Epidemic Symphony NO.9", uscito per Octpia e realizzato in collaborazione con Nobu Kasahara e Hitoshi Kojo. "Regolelettroniche", appena rilasciato da Baskaru, nasce da una collaborazione tra Maurizio Bianchi ed Emanuela De Angelis, e il materiale incluso è stato registrato, sviluppato e messo a punto tra il 2004 e il 2006. Allineato, stilisticamente e qualitativamente parlando, a molti altri CD realizzati dall'artista nel medesimo periodo, "Regolelettroniche" propone 4 tracce costituite sostanzialmente da ripetitive e talvolta "alienanti" strutture a base di loops di brevi frammenti sonori, talvolta stratificati, sostanziosamente trattati ed elaborati elettronicamente, che nel loro progressivo e martellante progredire sviluppano via via variazioni e forme più complesse, plasmando lentamente suggestive e avvolgenti masse sonore che lasciano con l'amaro in bocca soltanto nel momento in cui le tracce sfumano e si concludono, palesando a pieno, attraverso il decadimento finale dei suoni e il ritorno al silenzio, tutta l'intensità espressiva e la drammaticità che fino a pochi attimi prima erano stati in grado di sprigionare... Ho parlato poco sopra di "frammenti di suoni", ma ciò non faccia pensare a particolari analogie con altri vecchi lavori di Maurizio quali ad esempio "Frammenti" o "M.I. Nheem Alysm";  "Regolelettroniche" infatti appare nell'insieme completamente diverso, meno "frammentario" e al tempo stesso molto meno "minimale" rispetto ad essi, vuoi per il tipo di "frammenti sonori" utilizzati, vuoi per la sostanziosa elaborazione elettronica delle parti utilizzate, vuoi per la matrice timbrica molto più "ricca", vuoi per la sua particolare "natura" che unisce egregiamente ad uno spirito di ricerca e sperimentazione ai limiti dell'estremo, una particolare attenzione per la "fruibilità" e per l'imprescindibile "piacevolezza d'ascolto" di quanto proposto. Ovviamente si tratta pur sempre di un CD indirizzato soltanto ad orecchie ben "navigate" e avvezze ad esperienze d'ascolto inusuali e in qualche modo "impegnative", ma non aspettatevi un "esercizio" di pura sperimentazione fine a sè stessa, nè un insopportabile ed estenuante "mattone sonoro"... Peccato soltanto che Baskaru abbia scelto di non includere in versione integrale anche l'ultimo brano, "Electronic Rules", brano che da una durata iniziale di quasi ventotto minuti è stato qui estremamente "sintetizzato" nella durata totale, decisamente troppo "sacrificata", di soli sei minuti... Se così è assolutamente doveroso un plauso all'etichetta che ha scelto di pubblicare questo bel lavoro di Maurizio Bianchi, presentato peraltro in una curata ed elegante confezione digipack, è altresì necessario associare ad esso anche un "rimprovero" per aver mancato di lungimiranza, e per aver sentito la poco opportuna necessità di apportare un drastico taglio ad un'opera che, nella versione di 69 minuti del master originale, sicuramente offriva qualcosa "in più", e non certo soltanto in termini di durata...

(Giuseppe Verticchio)

 

M.B.: Ludium (CD 2009 - Silentes)

[ maubia55@libero.it ]

 

Tra le recentissime 14 produzioni uscite per Silentes, ben cinque portano la firma di Maurizio Bianchi, quando in solo, quando in "duo" con altri collaboratori (Craig Hilton, Crìa Cuervos, Maor Appelbaum), quando coinvolto in progetti diversi e "a più mani" (Maribor).  Tra esse quella che sicuramente ho preferito è "Ludium", CD del solo Maurizio Bianchi costituito di tre tracce tutte realizzate a partire da basi di pianoforte riverberato sovrapposte a drones, ronzii, fruscii, ed altri suoni "di riempimento". Descrivendola in modo così sommario certo non si trasmette l'idea di un'opera particolarmente "geniale", ancora più se si pensa che la medesima  "soluzione" è già stata adottata da Maurizio in diverse tracce comparse qua e là nella sua "sterminata" discografia. "Ludium" però "spicca" decisamente rispetto ad altri lavori di Maurizio, anche recenti. L'album appare estremamente tetro, "lugubre" come non mai, quasi "funereo", e l'unica "luce" che è possibile scorgere è quella delle fiamme flebili e tremolanti della candele di cera che, in forma di immagini fotografiche, corredano opportunamente le suggestive grafiche del CD. Nella prima lunga traccia le note di pianoforte sono distanziate e cadenzate, suggerendo immagini di oscuri rituali, notturne e inquietanti processioni cerimoniali... Lentamente il brano evolve, e le note di pianoforte, che inizialmente restituiscono fondamentalmente il senso di una cadenza ritmica ossessiva,  prendono via via forma, divenendo parte di una sequenza melodica più articolata, ben percepibile, "composta" e strutturata… Un brano che nella sua apparente semplicità, essenzialità e ripetitività, è semplicemente sconvolgente… Nelle tracce che seguono i suoni si fanno più dilatati, le note di pianoforte, ora ravvicinatissime e profondamente  riverberate, assumono la forma di una sorta di continuum sonoro senza ritmo e senza tempo, che con analoga efficacia trasporta l'ascoltatore in una specie di stato di "trance" …  Tra le varie recenti uscite di Maurizio, credo che il presente CD "Ludium" non solo sia uno dei più "ispirati", significativi e ben realizzati, ma probabilmente è anche il più adatto a rappresentare la chiusura di un ciclo, la definitiva (almeno nelle attuali intenzioni) "uscita di scena"  artistica di uno dei personaggi "chiave" della scena sperimentale e d'avanguardia degli ultimi trent'anni…

(Giuseppe Verticchio)

 

A long and almost "solemn" track built with reverberated piano notes, a slow and rhythmical flow leaned on a background made of clashing hisses and vague, distant, rustling ambient noises... A brief interval based on obscure drones moving in circles, inexorably entangled on themselves... Therefore another long piano-based track, this time more dilated, confused, ethereal and prim, so much that it takes the distinguishing features of an indecipherable sonic mass, abstract and booming, estranging, deep and psychedelic...A few and minimal elments, "directed" in a masterly fahion and assembled in an absolutely fundamental work, from the brightest mind of Italian experimental scene and of all the music "without compromises" of the last thirty years... One of the last contributes to the History of Music from an artists that, even in a phase of extraordinarily and unstoppable creative mood, has recently choose and officially announced to quit his long artistic activity. Simply essential.

(Silentes)

 

M.B./M.O.: Spiritual Noises (CD 2012 - Old Europa Cafè)

[ http://www.oldeuropacafe.com ]

 

Se è vero che già trent’anni fa lo stesso Maurizio Bianchi incoraggiava Pierpaolo Zoppo/Mauthausen Orchestra a portare avanti quelle sue prime ed estreme devastazioni sonore che nei primi anni ’80 iniziarono a prendere forma su nastri pubblicati in tirature limitatissime dall’etichetta industrial/power electronics “Aquilifer Sodality”, non è certo un caso che a distanza di tanto tempo, dopo che i percorsi dei due Maestri del Rumore sono tornati per un periodo a viaggiare su binari paralleli, sia giunto finalmente il momento di uno storico, inevitabile e imprescindibile “incontro”. Un “incontro sonoro” che ha visto finalmente la luce in forma di CD collaborativo, prontamente pubblicato da Old Europa Cafè, intitolato “Spiritual Noises”. E’ passato tantissimo tempo, come dicevo, da quando i due, agli esordi della loro lunga e coraggiosa carriera artistica, armeggiavano esclusivamente con nastri e arcaici apparati di registrazione per concepire e plasmare con pochissimi rudimentali elementi la musica più devastante e intransigente che orecchio umano potesse ascoltare e che mente umana potesse anche soltanto immaginare... Ora tempi, strumenti e metodi sono in parte cambiati, eppure l’impatto, sia sonoro che emotivo, che la la Nuova Musica di Maurizio Bianchi e Pierpaolo Zoppo per la prima volta insieme è in grado di sprigionare è ancora enorme…  E così il “mix” delle “antiche rivoluzioni sonore”, “metalli moderni” e “onde futuristiche” di Maurizio Bianchi citate come strumentazione nelle note di copertina, unite ai suoni di sintetizzatori, effetti e altri rumori forniti da Pierpaolo Zoppo appare di un’efficacia sconvolgente e di un’attualità inimmaginabile… Cinque tracce in cui rumorismi più o meno estremi, correnti elettriche, loops, suoni di synth e campionamenti di varia origine si uniscono in un’ energica e coinvolgente sinfonia di elementi, restituendo emozioni “antiche” attraverso nuove e più elaborate soluzioni. Inevitabile menzionare l’abile e ultimo (in ordine temporale) artefice di questo riuscito e perfettamente calibrato connubio di suoni, Gianluca Favaron (doverosamente citato anche tra le note di copertina, già collaboratore di Pierpaolo Zoppo nel progetto comune “Lasik Surgery”),  il quale ha di fatto dato forma concreta e definitiva ai singoli brani e all’intero album utilizzando le basi originali fornite dai due protagonisti, miscelandole, elaborandole, e sviluppando la struttura dei “flussi” sonori  così come è possibile ascoltare nel CD in versione definitiva. Confezione in elegante digipack bianco con scritte luminescenti.  Semplicemente imperdibile.  

(Giuseppe Verticchio)  

 

Meta Led: Meta Led (CD-R 2002 - Autoproduzione)

[ corr_a_do@libero.it ]  [ http://www.metaled.da.ru ]

 

Breve ma interessante CD-R di Meta Led  (22 minuti suddivisi in quattro brani...), autore che utilizzando soltanto un computer e un registratore a cassette dipinge quiete atmosfere ambient, discrete e crepuscolari, all'interno delle quali va ad inserire dei piccoli "disturbi" elettronici, fugaci interventi di suggestivi frammenti sonori, voci distanti, brevi interventi ritmici, rumori concreti e registrazioni di rumori naturali, melodie appena accennate... I suoni sono spesso caldi e avvolgenti, le sequenze ipnotiche,  i passaggi  misurati ed equilibrati... Non si tratta del solito "collage" di frammenti sonori di diversa natura riuniti a costituire destrutturate composizioni astratte, ma di un'opera affascinante, molto curata e realizzata con grande abilità, organica ed evocativa, emozionante ed intelligente... L'unica cosa che a tratti ho trovato leggermente "fastidiosa", soprattutto al primo ascolto, è la presenza frequente di alcuni piccoli intenzionali disturbi, simili al rumore di un CD che "salta" ripetutamente, usati forse in misura un po' eccessiva, che a momenti catturano troppo l'attenzione, distogliendo l'orecchio dalle ben congegnate atmosfere ricreate in sottofondo...  Agli ascolti successivi comunque ci si abitua a questi piccoli "rumori", e la loro presenza si rivela in realtà meno invadente di quanto avvertito al primo impatto... Affascinante e perfettamente in linea con i contenuti musicali anche la copertina, apparentemente semplice e minimale, realizzata con una carta "povera" color marrone, sulla quale sono stampati dei semplici segni grafici neri, simili a delle righe tracciate con penna e pennarello...

(Giuseppe Verticchio)

 

Molnija Aura: Utopian Suns (CD 2011 – Tophet Prophet)

[ http://www.myspace.com/molnijaaura ]

 

Un lungo, coinvolgente, affascinante viaggio attraverso il buio più profondo degli infiniti spazi stellari…  Una perfetta colonna sonora per immaginarie avventure cosmiche, a bordo di fluttuanti astronavi perse nell’immensità e nell’inconoscibilità del Vuoto Assoluto, sospese in una dimensione spazio-temporale in cui l’umana percezione sensoriale diviene via via un lontano, sfocato ricordo… un concetto astratto, un riferimento sempre più impreciso ed evanescente… Su  tutto domina l’oscurità, descritta attraverso masse di basse frequenze in lento movimento, soltanto a tratti violate da indecifrabili segnali di possibili civiltà aliene, captati attraverso strumentazioni di bordo che colmano il silenzio di sterili e angusti ambienti a prova di forza di gravità tratteggiandolo con ronzìi, sibili elettronici, onde sonore ritmiche…  E poi cicliche, potenti, imprevedibili tempeste cosmiche che crescono, scuotono, inquietano e spaventano, e che improvvisamente si dissolvono nel Nulla, riconducendo in un istante il viaggio a quell’apparente, illusoria immobilità che soltanto il confronto diretto con l’Eternità e con l’Infinito può ingannevolmente indurci a credere reale… Un viaggio sonoro che raggiunge il suo apice estremo nei quindici minuti della title-track, laddove una pulsante e ipnotica sequenza melodica in crescendo proveniente dal Profondo sembra avvolgere lentamente ogni cosa, disintegrando ogni residua percezione del tempo e dello spazio, e lasciando il cosmonauta/ascoltatore a fluttuare senza controllo e senza memoria in una dimensione “altra”.

(Giuseppe Verticchio)

 

Molnija Aura is an electronic ambient/glitch project of Davide Del Col and Andrea Marutti from Milan, Italy. "Utopian Suns" is the project's first full-length album. Recorded and mastered between 2007 and 2009, the CD is inspired by science-fiction themes and space-age relics. Consisting of six tracks created mostly with analogue and digital synthesizers, the album is a long and engaging journey through sidereal dephts: shrouded in the darkness of immense and untouched vastness, beyond the great unknown, hovering in the void of zero gravity landscapes explored with slow and unreal movements. The uneasyness of silence and the absolute void of impenetrable gloom, the infinite and overwhelming distances, the fear of solitude and isolation, the anxiety of no return… And then the emotion of discovery: other worlds, unknown universes and impalpable beings, undefined and unidentifiable entities, close encounters, the unutterable and the unthinkable. Molnija Aura trace new and absorbing lines, and set a wider border to that area of electronic music inspired by space exploration, astronomy and science-fiction. "Utopian Suns" is a must for all those interested in Dark Ambient, harmonic resonating drones, eternal reverberating cold soundscapes, and atmospheric dilated sequences.

(Tophet Prophet)

 

Nefelheim: Yggdrasill (CD-R 2001 - Autoproduzione)

[ nefelheimail@yahoo.it ]  [ http://web.tiscali.it/nefelheim ]

 

Atmosfere oscure e sotterranee, che a tratti si addentrano nei meandri più profondi della terra. Le sonorità conducono lungo gallerie e cunicoli sotterranei, con echi di rumori metallici, catene, e cancelli di antiche e polverose segrete dimenticate dal tempo. Soltanto in  “Yggdrasill part 2” sembra di scorgere la luce fioca della luna (mai quella del sole...) attraverso una breve fenditura tra le pareti, affacciata sulla superficie della terra... Ma è soltanto l’illusione di un attimo: con “Hermod’s ride through the dark valleys” si torna a correre nel buio, attraverso sentieri oscuri e inquietanti, il cui punto d’arrivo resterà comunque ignoto, perchè la musica si dissolve nel nulla prima di riuscire a scorgere la meta... Prima prova di Nefelheim, che dimostra di essere ispirato e di avere buone idee. La strada è quella giusta. L’esperienza e la perseveranza potranno aggiungere quello che ancora serve, sotto il punto di vista tecnico e artistico, per realizzare opere ancora più interessanti.

(Giuseppe Verticchio)

 

So from the vaults of black metal listening and a genuine teenage fascination with scandinivian mithology something different emerges. Or, should i say, something quite unexpected: the doom and gloom is there, and so are the tolkien titles, but along with that, a certain sensibility and a certain relaxed approach to composition also, that i still perceive as uncommon in these lands, but it may be my little specific knowledge. In my pre-teen years i used to listen to Bathory, a then one-man band, that used to have even long introductory tracks of pictorial dark-ambient, just as the one that you would find here, before taking over with blasting attacks of metal fury. Even if Verticchio's engineering hand shows all through it, with careful, balanced sounds and deadly silences, this is the way mature work of somebody who knows exactly what to do, what to use in parsimony to get to the point. Dark, suspended, rumbling in the distance, slowly moving in sulphur vapours. High quality printed greyscale/azure cover in a jewel case, with succinct liner notes.

(P. Ippoliti)

 

Nefelheim: Shadows Dwelling (CD-R 2002 - Autoproduzione)

[ nefelheimail@yahoo.it ]  [ http://web.tiscali.it/nefelheim ]

 

In questo secondo e affascinante lavoro, Nefelheim torna a percorrere quegli stessi territori musicali già esplorati nel suo precedente "Yggdrasill", arricchendo però le miscele sonore già proposte con nuovi elementi, e dedicando maggiore attenzione all'aspetto compositivo, che appare maggiormente curato  e soprattutto più articolato nella forma. "Hall of Whispers" ci conduce immediatamente tra atmosfere tese e vicine al silenzio, descritte da un drone di sottofondo, su frequenze medio-basse,  intorno al quale si formano e si evolvono lentamente lievi variazioni armoniche. Quindi sussurri, rumori ovattati, lievi suoni di campanelli metallici e voci surreali sembrano emergere all'improvviso dal buio, come in un sogno/incubo inquietante e dalla trama inverosimile... Quindi lievi arpeggi di pianoforte, una breve apertura discretamente melodica, poi ancora il buio, un' improvvisa "aggressione" attraverso il suono di chitarre elettriche fortemente distorte in apparente (ma solo apparente...)  contrasto con le atmosfere appena disegnate... e poi ancora il silenzio... Segue "Valkyries Serve Mead to Einheriar", un brano che con andamento verticale sprofonda repentinamente  verso il centro della terra, riprendendo a percorrere nuove diramazioni di quei cunicoli oscuri già esplorati in "Balder's Dream" nel precedente CD-R di Nefelheim. Stavolta però le masse sonore suonano meno sintetiche, più organiche e pulsanti... e nel buio assoluto sembra di percepire persino il respiro rauco della terra... Se poi in passato avete già sognato e vi siete lasciati cullare dai discreti arpeggi melodici di  "Yggdrasill Part 2", rimproverando all'autore il solo fatto di aver relegato a soli sei minuti di durata la magia evocata da quel magnifico brano, questa volta potrete godervi fino in fondo una magia analoga ma di durata quasi doppia, attraverso "Destruction for a New Order", splendida traccia conclusiva di questo lavoro che conferma Nefelheim come uno degli autori più interessanti nel panorama della nuova musica dark-ambient italiana… Se amate Lull, Lustmord, Amon, Raison d'Etre e Caul,  non perdete assolutamente questo "Shadows Dwelling"…

(Giuseppe Verticchio)

 

Lenght and potent drones as long oceanic waves with a costantly gloomy mood… delicated monastic chants… melodies so dramatic, almost touching in the final track "Destruction For a New Order"…

(Riccardo Conforti  - Flash)

 

Nefelheim: Earth Purification (CD-R 2003 - Autoproduzione)

[ nefelheimail@yahoo.it ]  [ http://web.tiscali.it/nefelheim ]

 

Una nuova gemma nella produzione di Nefelheim. Un piccolo capolavoro. Un breve ma intenso CD-R, un unico brano della durata di 27 minuti, nel quale l'autore esprime in modo discreto, elegante, ma al tempo stesso fermo e privo di qualsiasi indecisione, uno stato di perfetto equilibrio, un momento di profonda ispirazione, la sintesi di una straordinaria e quasi irreale alchimia sonora, che sembra voler essere al tempo stesso la chiusura di un ciclo, iniziato con l'affascinante CD-R d'esordio "Yggdrasill" e portato avanti con il successivo e splendido "Shadows Dwelling", e l'inizio di una nuova stagione musicale, ancora più eterea, magica e sognante... I suoni freddi, gelidi della prima parte del CD-R, costituito da un alternarsi di lente onde sonore dalle progressioni discretamente melodiche, sembrano descrivere perfettamente la suggestiva immagine invernale della copertina, un bosco innevato, dalle tonalità azzurre, che suggerisce un senso di silenzio e immobilità quasi irreale...  Con movimenti sempre molto lenti la composizione si arricchisce quindi di nuovi elementi: inserti di rumore bianco, arpeggi di chitarra acustica, improvvisi e brevi interventi di frequenze basse e profonde, suoni di pads dalle sonorità più morbide che vanno gradualmente a sostituirsi alle glaciali trame iniziali... A metà del brano tutti questi elementi sonori sembrano sprofondare nel nulla, forse inghiottiti dalla stessa coltre bianca della neve, e il silenzio totale che domina la scena sembra essere violato solo da flebili tintinnii metallici in lontananza... Attraverso movimenti sempre molto lenti e misurati, il peaesaggio sembra quindi tornare a nuova vita...  Il vento inizia a soffiare tra le fronde degli alberi, e una sottile pioggia comincia a liquefare il manto bianco e incontaminato della neve...  Canti di anime immateriali e disincarnate prendono forma e aleggiano nell'aria per alcuni istanti, poi ancora fraseggi di chitarra acustica, tintinnii metallici che a tratti emergono in primo piano, quindi altre voci, bisbiglii e frasi sussurrate...  Atmosfere incantevoli e surreali che verso la conclusione tornano lentamente a dissolversi... Ogni presenza scompare,  allo stesso modo con il quale è magicamente comparsa, fino all'ultima inquadratura del film, che mostra di nuovo il solo paesaggio invernale: gli alberi ancora parzialmente imbiancati, il vento che soffia spazzando via la neve residua dai rami, e la pioggia battente che inesorabilmente continua a sgretolare il manto innevato... Se anche voi, come me, amate il silenzio più di qualsiasi altro suono al mondo, non potete assolutamente perdere questo CD-R…

(Giuseppe Verticchio)

 

Almost whispered, very delicate ambient atmospheres… A perfect soundtrack for endless moments of meditation… soft acoustic guitar notes… an abyssal drone into our mind… a work that need to be assimilated in its entirety, closing the eyes, floating in the deep abysses of darkness...

(Riccardo Conforti  - Flash)

 

Neuestrasse: Neuestrasse (CD-R 2006 - Autoproduzione)

[ neuestrasse@tiscali.it ]  [ http://www.neuestrasse.net ]

 

Finalmente pubblicato in una curata edizione autoprodotta il primo demo di breve durata, circa 19 minuti suddivisi in tre tracce, proposto da Neuestrasse, alias Matteo Roncari. Oltre ad una qualità del suono particolarmente sorprendente, soprattutto considerando che si tratta del CD-R di esordio per questo nuovo progetto musicale, c'è da sottolineare come Neuestrasse esibisce un buona capacità nell'utilizzare materiale sonoro di diversa estrazione (suoni sintetici, rumorismi, drones, campionamenti di voci e frammenti  musicali...)  e nel miscelarlo e combinarlo con grande cura e meticolosità, ottendendo delle composizioni ben costruite dall'andamento piuttosto "cinematografico". Se, parlando della musica contenuta in questo lavoro, è nel genere dark-ambient che possiamo ritrovare il maggior punto di riferimento, c'è da aggiungere che Neuestrasse amplia tale prospettiva arricchendola di altri elementi, quali soprattutto registrazioni estratte da documentari di tipo storico. Da una parte tale soluzione è sicuramente apprezzabile, perchè rende in qualche modo più variate le atmosfere e le situazioni; c'è però da sottolinere l'uso probabilmente eccessivo di tali elementi, che diventano spesso, e troppo a lungo, protagonisti principali della proposta musicale. Non sempre poi la scelta di questo materiale sonoro risulta effettivamente adeguata al contesto, e quindi pur avendo apprezzato alcuni inserti, sicuramente molto efficaci, ne ho trovati invece "fuori posto" degli altri, come ad esempio il campionamento di un tango utilizzato nel terzo brano. Ad ogni modo, tenendo in considerazione che si tratta sostanzialmente di un lavoro "di debutto", il mio personale giudizio d'insieme è fondamentalmente positivo, giacchè quanto ascoltato in questo CD-R lascia sicuramente intravedere grandi potenzialità e grandi qualità, sia in senso artistico che tecnico. Sono certo infatti che se Matteo Roncari continuerà a lavorare con impegno a questo suo progetto musicale, riuscirà nel tempo a superare alcune ingenuità e alcuni limiti che, inevitabilmente, è stato possibile riscontrare in questa sua prima prova. Per ora comunque... benissimo anche così.

(Giuseppe Verticchio)

 

Neuestrasse:  Introspective Black Forms (CD 2006 - War Office Propaganda)

[ neuestrasse@tiscali.it ]  [ http://www.neuestrasse.net ]

 

Con questo primo lavoro pubblicato su CD ufficiale da War Office Propaganda, Neuestrasse riprende il discorso   iniziato con l'autoprodotto CD-R d'esordio intitolato semplicemente come il nome del progetto musicale. Messe da parte le registrazioni campionate da documentari di tipo storico che erano state usate e anche un po' "abusate" nel CD-R d'esordio, Neuestrasse si sofferma ora soprattutto sulla creazione di atmosfere oscure, alienanti e un po' ossessive, spesso costruite su una "struttura tipo" costituita da un fondo basso di drone, molte volte fisso su una sola nota o su un singolo accordo, e una serie di suoni/rumori di varia natura che nel tempo si ripetono in modo ciclico e alternato, allo scopo di suggerire immagini, variazioni, scenari, situazioni... Tale "formula" fa apparire molto spesso la musica proposta assai simile ad un sottofondo sonoro atto ad accompagnare immagini cinematografiche di qualche pellicola che descriva situazioni notturne, inquiete, fumose, angoscianti... Talora questo sottofondo si arricchisce di interventi un po' più "musicali", discrete e brevi aperture melodiche di pads sintetici, note di pianoforte; talvolta invece i brani appaiono più relegati ad una sorta di ruolo di "sottofondo musicale" per immaginarie scene cinematografiche, seppure in ogni caso è necessario un ascolto attento e a buon volume per poter  fruire e godere al meglio la stessa "colonna sonora". In realtà questo approccio fa sì che talora la struttura compositiva dei pezzi appaia un po' "fragile" e troppo "astratta", come ad esempio in "Human Distorsion" o "Anxiety Visions", mentre laddove si è prediletta una struttura sonora/compositiva più articolata e un po' più ricca, forse anche più "musicale" e "drammatica", come ad esempio nel brano di apertura "Emphasis", si sente meno la mancanza di una vera propria "trama", di un "soggetto portante" che caratterizzi il brano e i suoi movimenti e lo conduca nel tempo donandogli una "forma"  più riconoscibile e marcata, rendendolo emotivamente più impressivo. Sempre molto nitida e dettagliata la registrazione, scelti e rielaborati con molta cura i suoni, ugualmente curata la fase di missaggio delle singole parti dei brani e il mastering finale. Una prova in ogni caso interessante, che conferma il valore di questo nuovissimo progetto musicale italiano.

(Giuseppe Verticchio)

 

Introspective Black Forms" is interesting piece of Italian dark ambient act Neuestrasse. The intention is to recreate the anxiety vision of beginning of 20th century - desolated places of that period, fear, death, ruins... Particulary for this album, Neuestrasse was inspired by stories of serial killers. Neuestrasse is the name of street of Hannover where lived Fritz Hartmann, the Wolf of Hannover, in 1920... The idea of "Introspective Black Forms" is based of negative emotional states...

(War Office Propaganda)

 

Never Known: Dawn of an Era (CD-R 1999 - Afe)

[ afeman@aferecords.com ]  [ http://www.aferecords.com/ank ]

 

Una raccolta di brani relativa a periodi diversi, alcuni registrati già nel 1992, altri negli anni successivi fino al 1995, editati, mixati,  e finalmente riuniti e proposti su supporto digitale soltanto nel 1999. Una versione su cassetta di questo lavoro era già stata pubblicata nel 1994 dall’etichetta Kronotop. Le tracce contenute sono state realizzate quasi interamente sovrapponendo e rallentando dei nastri, usando tre o quattro registratori, con il supporto di un primitivo software di campionamento ed un mixer a quattro canali. Alcuni dei suoni usati provengono da bottiglie, acqua, conchiglie, pietre ed elettrodomestici. Il contenuto di questo CD-R risulta a tratti piuttosto eterogeneo, e l’approccio compositivo, unito ai mezzi tecnici utilizzati per la realizzazione dei brani, evidenzia spesso sonorità crude, essenziali, a tratti sporche,  più o meno volutamente rudimentali. In tutto ciò i pregi e i limiti di un’opera di questo genere. Voglio però soffermarmi prevalentemente sui pregi, in quanto i limiti appena menzionati non riescono comunque a scalfire il giudizio sostanzialmente positivo che personalmente voglio esprimere su quest’ opera… Desidero infatti  sottolineare il grande valore espresso dall’inventiva, dal desiderio di sperimentare ed esplorare la materia sonora, dalle idee, dall’entusiasmo per la ricerca, per la totale dedizione ad un metodo compositivo da inventare e reinventare giorno dopo giorno, brano per brano, momento per momento, tanto influenzato dalle limitazioni tecniche quanto al tempo stesso libero da preconcetti e preclusioni mentali di sorta...  

Un documento interessante, che descrive la nascita e i primi passi di un autore che da lì a poco sarebbe diventato uno dei punti fermi nel panorama della musica ambient-elettronica italiana....

(Giuseppe Verticchio)

 

Never Known: Once in a Lifetime (CD-R 1999 - Afe)

[ afeman@aferecords.com ]  [ http://www.aferecords.com/ank ]

 

Un bellissimo CD-R, contenente dieci brani del 1994-1995 precedentemente pubblicati su cassetta omonima dalla Murder Release, tre brani del 1996 pubblicati  sulla cassetta “Twilight’s last gleaming” per la Murder Release (ma di essi soltanto uno troverà spazio sull’omonimo CD ufficale pubblicato successivamente dalla Eibon Records), ed un brano inedito del 1995. Questo lavoro non risente, a differenza di “Dawn of an Era”, del fatto di raccogliere al suo interno materiale realizzato in periodi diversi e per diversi progetti. Forse anche perchè il suddetto periodo è comunque ristretto ad un arco temporale piuttosto breve, che va dall’agosto del 1994 al febbraio del 1996.  Il materiale incluso infatti risulta omogeneo come sonorità, ispirazione e qualità della registrazione, pur essendo costruito su un continuo quanto organico cambio di atmosfere, su  un alternanza di paesaggi sonori ora più quieti, ora più drammatici, ora più solari, ora più oscuri... Si passa così dalle atmosfere drammatiche di “Through the Gate”, nel quale trovano spazio anche lontani echi di cerimonie sciamaniche, alle atmosfere più oscure e sotterranee di “Father and Son”,  dalle suggestioni crepuscolari di “On the Beach - Part One”, ai rituali ipnotici di “E.Z.” dove compaiono distanti e profondi movimenti percussivi, dalla sequenza vagamente melodica di “On the Beach - Part Two”, alle atmosfere tese e inquiete di “Whisper me”, per arrivare alle stasi quiete e liquide di “Closer”, che ci avvicineranno alla fine dell’ascolto, agli ultimi suggestivi minuti di chiusura di “Sign of Sunset and Death in the Sky”.  Un CD-R fortemente consigliato a tutti, probabilmente uno dei lavori più riusciti di Amon/Never Known, sicuramente uno di quelli che ho personalmente apprezzato di più. Una nota di particolare merito per la copertina in cartoncino e la confezione nel suo insieme, che, in linea con tutte le altre produzioni su CD-R di Andrea,  non consente in modo facile di distinguere la natura non “ufficiale” del prodotto stesso, eguagliando e addirittura superando la qualità della realizzazione di tanti CD di produzione ufficiale.

(Giuseppe Verticchio)

 

Never Known: Live at the Cosmic Egg 10.06.2000 (CD-R 2000 Anaemic Waves Factory)  

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CD-R, realizzato in edizione limitata a 100 copie dalla Anaemic Waves Factory, contenente la registrazione di una performance live di Never Known del 10-06-2000. Cinquantaquattro minuti di musica senza interruzioni, durante i quali l'artista presenta alcuni brani inediti alternati ad altri già ascoltati in una versione un po' differente sul CD "On the Edge of Forever", pubblicato dalla Eibon nello stesso anno. Nove tracce in tutto, un susseguirsi di emozioni e situazioni diverse, che riassumono in sè tutta la forza e la bellezza della musica che Never Known ha già esibito nei suoi precedenti lavori, e che continua a mostrarci ad ogni sua nuova realizzazione... Si passa così con grande eleganza e misura dalle atmosfere più statiche e "in sospensione" di brani come "Promenade", "Third Waiting", "Lost", o il lungo "Gateway to the Stars", a momenti più melodici, malinconici ed evocativi, come in "Spheres", "Hila", o nel finale "Thaolian Dawn/On the Edge of Forever",  passando per parti di impronta maggiormente drammatica come  in "Naked Time", o per momenti di suggestive tensioni dal sapore più "sperimentale" ricreate attraverso l'uso di suoni metallici dilatati e riverberati cui si sovrappongono altri suoni molto particolari di diversa natura... Una performance live davvero avvincente, alla quale mi sarebbe piaciuto essere presente... Per fortuna quella sera l'evento è stato registrato, e in seguito la Anaemic Waves Factory ha provveduto a pubblicare su CD-R quella registrazione...

(Giuseppe Verticchio)

 

New Risen Throne: Anointing Rite (CD-R 2003 - Autoproduzione)

[ stielh@stielh.com ]  [ http://www.stielh.com ]

 

In attesa che questo lavoro, come già programmato, esca in versione ufficiale per un' etichetta del settore, ne recensiamo qui di seguito l'edizione privata attualmente in circolazione, distribuita direttamente dall'artista. La confezione è piuttosto essenziale e non eccessivamente curata, seppure l'immagine che compare sulla copertina è piuttosto suggestiva e in linea con il contenuto musicale, e la qualità del suono del CD-R nell' attuale versione risulta affetta da alcuni problemi di equalizzazione e piccoli "click" che possono disturbare l'ascolto di chi è giustamente esigente non solo in fatto di qualità artistica ma anche in fatto di qualità del suono e della produzione in senso più generale; nell' edizione ufficiale di prossima realizzazione però questi difetti dovrebbero essere risolti, rendendo piena giustizia alla musica contenuta in questo CD-R. Tre tracce, per mezz'ora totale di ascolto, durante il quale gli oscuri rituali evocati dal titolo vengono raccontati attingendo ancora una volta ai tipici elementi della musica dark-ambient, con risultati che definirei sicuramente molto buoni, ma che forse non riescono ad eguagliare, in termini di impatto emotivo e continuità nel filo della tensione, quanto ottenuto dall'artista in altre prove, come ad esempio in "Flowing Ashes". Si tratta in ogni caso di una realizzazione più che consigliabile (magari attendendo la versione ufficiale di prossima realizzazione che colmerà alcune lacune tecniche presenti nell'attuale edizione privata...), giacchè comunque non mancano le buone idee, le situazioni ben congegnate, le atmosfere ben costruite, le emozioni insomma... Una menzione particolare per il "cerimoniale" brano di chiusura "Seeds" caratterizzato da un suggestivo andamento ossessivo in crescendo, cadenzato da potenti movimenti ritmici a base di percussioni  tuonanti e reverberate... Forse il momento più solenne dell'intero rituale...

(Giuseppe Verticchio)

 

New Risen Throne: Flowing Ashes (CD-R 2003 - Alarming Echo Beats)

[ stielh@stielh.com ]  [ http://www.stielh.com ]

 

Accompagnato da una suggestiva immagine di copertina, che anticipa molto efficacemente le atmosfere cupe ed oniriche della musica contenuta in questo CD-R, "Flowing Ashes", realizzato da New Risen Throne e prodotto dall'etichetta americana Alarming Echo Beats, è un ottimo esempio di  musica dark-ambient abbastanza pura, nel quale vengono utilizzati con grande efficacia, creatività, e capacità di emozionare, tutti quegli elementi caratteristici di questo genere musicale (basse frequenze, drones, rumori concreti, suoni metallici, voci umane...) che ormai sempre più raramente, manipolati da tanti altri artisti attivi nella medesima area musicale, riescono a produrre risultati ugualmente lodevoli... Il primo brano "Vision of Scourge",  idealmente suddiviso in due parti, è un lungo pezzo di 27 minuti, che costituisce l'ossatura principale di questo lavoro. Pur caratterizzato da un suono piuttosto "impastato" e "grumoso", come del resto gran parte degli album che fanno riferimento all'area dark-ambient, "Vision of Scourge" ci conduce immediatamente in quelle atmosfere oscure e sotterranee che ci accompagneranno per tutta la durata dell'ascolto, cominciando a colpire violentemente al cuore e allo stomaco fin dal terzo minuto, quando un imponente crescendo costituito di masse di potenti basse frequenze miscelate a suoni acidi di sottofondo e a movimenti vagamente ritmici circolari ci sospingono con prepotenza nelle più oscure profondità della terra... Poi un'ampia parte di atmosfere più statiche ma ugualmente tese, in un avvicendarsi di  immaginari e inquietanti scenari sotterranei perfettamente descritti da miscele di suoni molto articolate e stratificate, sempre cangianti, sempre in lento ma progressivo movimento... "Ritual Over Ruin" affida a potenti pulsazioni di basse frequenze a onde, al suono di una inquietante voce umana dalla timbrica metallica e deforme, e a rumorismi di fondo di vaga impronta industriale il proprio forte carico emotivo... Un pezzo davvero straordinario... Quindi la chiusura, decisamente più "quieta" ma non certo più rassicurante, con "Ashes",  brano costruito con fragili e accennati elementi melodici, elaborati con suoni di pads sovrapposti a tessiture di sottofondo sempre molto oscure a base di drones. Semplicemente un ottimo esempio di ispirata e ben costruita musica dark-ambient tutta italiana. Sicuramente da non perdere per tutti gli appassionati del genere....

(Giuseppe Verticchio)

 

Though he's only recently surfaced in the dark ambient/industrial underground, Gabriele Panci has probably been busy shaping his project in the last few years, because he's now offering some sturdy, well composed music. "Flowing ashes" is his first release on Alarming Echo Beats, and it's probably my favourite among his cdrs. Three long tracks, all very cohesive and flowing, though exploring different nuances of the dark ambient style. The especially well-done "Vision of scourge" is more drone/electronic oriented, with hypnotic circular loops and huge mind-numbing drones; my fave track for sure. "Ritual over ruin" is more industrial-tinged, ridden by pitch-shifted vocal samples and cavernous throbs, a style which NRT is further exploring in other releases (as the one on God Is Myth). "Ashes", on the other hand, closes the work in a less claustrophobic way, indulging in a depressive Caul-esque melody. What I like most is that, though desolate and nocturnal, this cd has also a kind of emotional grasp on the listener. Ok, New Risen Throne is not creating anything new, this is totally classic and "patented" dark ambient - think of Lustmord's "Heresy"/"The place...", the Troum/Yen Pox collaboration, or some Caul. But it's also very very difficult to put together some dark ambient this well. I'd easily see this little gem in the catalogue of labels like Eibon or Malignant.

(Eugenio Maggi - Chain DLK)

 

New Risen Throne: Along Endless Path of Emptiness (CD-R 2004 - Alarming Echo Beats)

[ stielh@stielh.com ]  [ http://www.stielh.com ]

 

"Al dunque il Crepuscolo muore... lascia la Notte la sua veste scarna soffocare le speranze di chi sogna dove più non sogna, se non cieli plumbei ed albe morte dissotterrate e dissacrate nei lamenti. Ora è il Sacro nel Silenzio ..." (dalle note di copertina)

Impressionante. Questo è l'aggettivo probabilmente più adatto a descrivere questo CD-R di New Risen Throne, pubblicato in un'edizione di piacevole aspetto dalla Alarming Echo Beats. Quando ho ascoltato il precedente e ottimo "Flowing Ashes", mi ero (erroneamente) convinto che si trattasse già del meglio che New Risen Throne avesse la possibilità di proporre. Ma già  poche settimane dopo mi sono reso conto che probabilmente non era così, avendo avuto la fortuna di ascoltare in anteprima un nuovo brano, davvero spettacolare, che sarà presto pubblicato su una compilation di musica dark-ambient italiana realizzata con la collaborazione di "Oltre il Suono". A conferma del mio iniziale errore di valutazione, è arrivato da poco a girare nel mio lettore CD questo nuovo "Along Endless Path of Emptiness", un lavoro che lascia letteralmente senza respiro dall'inizio alla fine... Non so dire con assoluta certezza se eguagli soltanto, o superi effettivamente il già menzionato "Flowing Ashes", ma posso garantire che l'impatto emotivo che  questo nuovo lavoro è in grado di trasmettere è davvero enorme, la sua potenza devastante...  Voci umane pesantemente processate, sussurri, drones, suoni taglienti e metallici, profondi boati, rumorismi concreti ed  elettronici, movimenti ritmici circolari di memoria industriale, attimi di stasi, lenti e progressivi "crescendo" di masse sonore cui seguono altrettanto lente sottrazioni di suoni abilmente sovrapposti e stratificati, sono solo alcuni degli elementi che concorrono a fare di questo CD-R un disco davvero imperdibile, un esempio straordinario di quel "filone" della musica dark-ambient dai connotati fortemente drammatici e d'impronta molto tetra, inquietante, quasi "orrorifica". New Risen Throne si conferma dunque come uno dei più significativi rappresentanti della nuova musica dark-ambient italiana, e ci aspettiamo davvero di poter  presto vedere pubblicato, questa volta finalmente su supporto CD, qualche suo futuro  lavoro... 

(Giuseppe Verticchio)

 

New Risen Throne/Locust Reign: Prophets from the Abyss (CD-R 2004 - Deserted Factory)

[ stielh@stielh.com ]  [ http://www.stielh.com ]

 

Nonostante il CD-R sia datato 2004, il materiale di New Risen Throne presente su questa realizzazione dell'etichetta Deserted Factory, (ricordiamo che si tratta di uno "split" CD-R in collaborazione con Locust Reign/Florent Siglieri) comprende in realtà rielaborazioni di registrazioni molto meno recenti, realizzate tra il 2000 e il 2003. Un' ora di durata, equamente suddivisa tra i due artisti, abbastanza assimilabili per genere musicale proposto, approccio compositivo e "sound".  Suono che in realtà risulta mediamente piuttosto "Lo-Fi", e talora disturbato da fastidiosi "click" che potrebbero essere dovuti sia ad una  produzione e masterizzazione dei CD-R non troppo curata da parte della Deserted Factory, sia da difetti presenti sulle registrazioni originali, nel qual caso sarebbe stata  opportuna una selezione più severa del materiale da produrre o un accurato lavoro di remastering. Da segnalare inoltre che il primo brano di New Risen Throne, "Prophet", è lo stesso già apparso sul CD-R "Anointing Rite". Tornando alla musica contenuta nel disco, e mettendo da parte le osservazioni di tipo tecnico sulla qualità del suono, possiamo nuovamente parlare di buona, pura ed evocativa musica dark-ambient, dalle atmosfere spesso tetre e apocalittiche, non troppo dissimile anche in termini di qualità artistica da quanto ascoltato nel già citato "Anointing Rite".  Particolarmente felice la scelta dei due diversi artisti da "abbinare" in questo split, data la perfetta omogeneità in fatto di stile e di atmosfere evocate dalla musica contenuta, tale da risultare persino difficile, a  tratti, distinguere la "mano" di un artista da quella dell'altro...

(Giuseppe Verticchio)

 

Three tracks from Gabriele Panci/New Risen Throne and eight from Florent Siglieri/Locust Reign, on a nice cdr released by Deserted Factory, a Japanese label dealing with industrial, dark ambient and extreme metal. As someone has pointed out, this is a very homogeneous split, almost to the point of not noticing when a project succeeds the other. Which is not necessarily a negative thing, when you're listening to well-done, brooding dark ambient. New Risen Throne has a track which is also on his recent "Chants for the cold and dying sun", and the style is in the same bleak ambient/industrial vein. Locust Reign, present with more tracks, is maybe a bit more varied - Lustmord-ian, introspective, melodic... different nuances of the dark ambient thing. If you're into it you'll surely dig this cd. New Risen Throne is a promising new name (by the way, his next release is due out on Cyclic Law), and I'm surely looking forward to hearing more from his partner.

(Eugenio Maggi - Chain DLK)

 

New Risen Throne: Chants for the Cold and Dying Sun (CD-R 2004 - God is Myth)

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Proposto in una elegante confezione in digipack nero dall'etichetta statunitense "God is Myth", questo nuovo lavoro di New Risen Throne, pur attestandosi sicuramente ad un ottimo livello, risulta forse un po' meno avvincente del precedente e splendido "Along the Path of Emptiness", probabilmente a causa dell'approccio più "minimale" alla composizione della musica, che appare a tratti meno articolata e meno ricca di stratificazioni sonore, meno "condita" di quegli elementi di particolare drammaticità, impatto emotivo e grande efficacia, caratteristici di altre precedenti produzioni di New Risen Throne. L'ascolto di questo nuovo CD-R, che condivide comunque con il precedente un' impostazione basata sulla suggestiva descrizione di atmosfere molto oscure, oniriche, e legate da un ininterrotto filo di tensione e senso di inquietudine, regala probabilmente il meglio di sè nello splendido brano "Seeds" (brano però già precedentemente pubblicato, così come anche "Prophet II" e "Obstruct", sul CD-R uscito in edizione privata "Anointing Rite"), e nell'altrettanto affascinante brano di chiusura "Approaching the Shadows". C'è da sottolineare ad ogni modo come il valore dell'intero CD-R tragga decisamente vantaggio da un ascolto effettuato a volume abbastanza sostenuto, che consenta di  percepire e apprezzare tutte le sfumature e i dettagli posti in minore evidenza nel panorama sonoro, dettagli che possono altrimenti sfuggire ad un ascolto distratto, effettuato a basso volume, o attraverso un impianto stereo di scarsa qualità. Debbo però purtroppo segnalare, come nota negativa, di aver notato piuttosto distintamente, almeno in tre brani, la presenza di alcuni piccoli "click", dovuti per lo più ad una cura non estrema nella registrazione e nella realizzazione dei singoli brani nonchè nel controllo del master audio definitivo, lacune abbastanza imperdonabili quando, d'altro canto, si è arrivati a produrre  musica di ottimo livello come New Risen Throne ha già dato prova di essere in grado fare. Personalmente sono assolutamente convinto  che alla buona qualità artistica di un CD debba necessariamente corrispondere una (almeno) altrettanto buona qualità per quanto riguarda l'aspetto tecnico e della produzione in senso generale, ed è per questo che non mi stancherò mai di esortare gli artisti e le etichette a prestare una maggiore attenzione anche a questo aspetto, soprattutto quando, a causa di piccoli difetti che avrebbero potuto  facilmente essere prevenuti o risolti, mi trovo con dispiacere a non poter definire "ottimo" un prodotto che potenzialmente avrei potuto invece definire tale…

(Giuseppe Verticchio)

 

Very recent cdr from Stielh on God Is Myth, which mainly releases underground black metal. The packaging looks nice, with b/w digipack, pro-replicated cd and printed insert: good job. And after a few listens I guess a black metal-oriented label is quite appropriate for these "Chants". Jeez, this is so bleak and cold - NRT has lost the more emotional aspect he had in "Flowing ashes" to embrace total darkness. Desolate dark ambient with a Nordic industrial feel (Nordvargr, Megaptera), based on chilling electronic wails, obsessive percussive loops ("Seeds"), pitch-altered vocal samples (the twin tracks "Prophet II" and "Rex verminorum")... NRT handles all the tools of the trade really well, and this is one more strong release under his belt. I just think it's a bit more repetitive and less memorable than the excellent "Flowing ashes", but on the other hand, its utter obscurity is fascinating.

(Eugenio Maggi - Chain DLK)

 

New Risen Throne: Whispers of the Approaching Wastefulness (CD 2007 - Cyclic Law)

[ stielh@stielh.com ]  [ http://www.stielh.com ]

 

Uno degli aspetti della musica di New Risen Throne che ricordo mi colpì fin da quando ebbi occasione di ascoltare i suoi primi CD-R, fu che mi apparve subito evidente come, pur facendo riferimento ad un'area musicale, la dark-ambient,  piuttosto vasta e "ingombra" di produzioni di tanti artisti che spesso non riescono a distinguersi dalla "massa" e ad emergere esprimendo in qualche modo una riconoscibile "impronta stilistica", un proprio sound e una propria "personalità",  New Risen Throne invece, all'opposto, risultò immediatamente in grado di caratterizzare in modo molto marcato la propria proposta musicale, rendendola assolutamente originale, riconoscibile, personale, nonchè, occorre ovviamente sottolinearlo, anche estremamente valida dal punto di vista della qualità artistica. Ascoltato un CD di New Risen Throne,  non sarà praticamente più possibile confondere il suo stile, e quindi un suo CD, con lo stile o il CD di un altro qualsiasi artista ascrivibile alla medesima area musicale, e questo mi convinse fin dai miei primi ascolti a sostenere con convinzione il progetto New Risen Throne, certo che nel giro di poco tempo si sarebbe aperto "prepotentemente" un varco nel pur affollato panorama della musica dark-ambient. Così effettivamente è stato. Qualche autoproduzione, alcuni lavori pubblicati su CD-R per piccole etichette del settore, e nel giro di pochissimi anni l'approdo in "casa" di etichette più note e prestigiose come la God is Myth, Eibon (in questo caso in collaborazione con Subinterior attraverso il progetto Konau) e Cyclic Law, imponendosi, a conferma delle mie previsioni, come uno dei più validi e interessanti progetti in area dark-ambient del  panorama internazionale. Se dal punto di vista prettamente stilistico nulla o quasi è cambiato rispetto a quel tipo di atmosfere oscure, tetre e talvolta quasi "lugubri" che New Risen Throne aveva in qualche modo già messo a punto e "fissato" fin dalla sue prime releases, certamente sono stati invece evidenti i progressi dal punto di vista tecnico per quanto riguarda la qualità del suono, unitamente ad una progressiva e parallela "crescita" per quanto riguarda la capacità di scegliere e trattare i suoni, stratificarli, assemblarli, miscelarli, dar loro una forma più articolata e complessa dal punto di vista della composizione, delle dinamiche, dei "tempi", delle progressioni... Tornando al CD oggetto di recensione, sicuramente uno dei lavori più rappresentativi e consigliati per quanto riguarda la produzione di New Risen Throne, inizia con un brano imponente, drammatico e dalla cadenza quasi "marziale", il fantastico "Signs of the Approaching Wastefulness (I)". Fondi oscuri, rumori metallici distanti e cadenzati, bassi pulsanti, voci umane corali sprofondate ed echi di altre voci trattate recitanti probabilmente oscuri rituali costituiscono gli "ingredienti" del successivo, sempre splendido, "Blowing Funeral Chant". Suoni e atmosfere tutto sommato abbastanza simili anche in "Signs of the Approaching Wastefulness (II)", dove però i fondi "corali" sono stati sostituiti da melodiche e discrete sequenze di pads di synth. Più lugubre, inquietante e onirico "Prophet III", brano in cui, su fondi sempre oscuri e a base di drones, si sovrappongono la voce enfatica e inneggiante, "deformata" e sostanzialmente trattata con delay, del "profeta", e pesanti movimenti ritmici/meccanici circolari in loop. Straordinari, nel seguente e sempre molto oscuro "Aporrheton", i suggestivi incantesimi evocati attraverso le inaspettate parti di flauto riverberato suonate da Amanda Votta. Conclude il CD (ma per i più curiosi segnalo in realtà la presenza di un'ulteriore traccia, di tipo video, fruibile attraverso PC) il brano "Signs of the Approaching Wastefulness (III)", ancora costruito con drones, evocative e lugubri parti corali, bassi pulsanti, tenui passaggi melodici a base di synth.

(Giuseppe Verticchio)

 

The latest offering and first for Cyclic Law of one of Italy's finest Black Ambient master. The main concept and transpiring feeling of this album and the title "Whispers of the approaching wastefulness" can best be described as the "steps" or "journey" leading to the acknowledgment of the approaching end of all things. "Whispers" represent doubts and thoughts about the prevalent decadence that is around and deep within us and "wastefulness" translates to the imminent, definitive end of all things, to oblivion...The album is divided into 3 chapters:

I - Oblivious to unknown threat (first signs) Tracks 1 & 2,

II - Acquisition of knowledge (signs) Tracks 3, 4 & 5,

III - Advent of a definitive wastefulness (final signs) Track 6.

NEW RISEN THRONE's latest opus offers a bleak and sorrow filled soundtrack celebrating death with little hope for rebirth...

This Enhanced CD features an exclusive bonus video clip of the track "Unknown (II)".

(Cyclic Law)

 

New Risen Throne: Crossing the Withered Regions (CD 2009 - Cold Meat Industry)

[ stielh@stielh.com ]  [ http://www.stielh.com ]

 

Già da diversi anni il progetto New Risen Throne è uno di quelli che più riesce a "colpirmi" e affascinarmi ad ogni nuova uscita. Dopo varie pubblicazioni in CD-R per diverse etichette, la efficace collaborazione con Andrea Freschi/Subinterior al CD "Speech from the Shadows" uscito nel 2006 per Eibon a sigla Konau, e lo splendido "Whispers of the Approaching Wastefulness" del 2007 per Cyclic Law, New Risen Throne "approda" ora in "casa" Cold Meat. Una sorta di "definitiva" consacrazione, il massimo "riconoscimento" per uno dei progetti dark-ambient in assoluto più significativi dell'ultimo decennio. Sicuramente l'attuale scena dark-ambient italiana sta offrendo molto negli ultimi tempi, rilasciando CD pubblicati da etichette di grande pregio e consolidata fama; penso al "collega" Vestigial e al suo "Translucent Communion" anch'esso uscito su Cold Meat, al recentissimo "In Coma" di Aethere pubblicato da Rage in Eden, ma anche al meno recente "Idolatriae" di Eidulon, uscito nel 2008 su Malignant. Con il nuovissimo "Crossing the Withered Regions" New Risen Throne rimane assolutamente "fedele" allo stile e al "sound" che, in tanti anni di attività, ha abilmente sviluppato e maturato, tanto che già dai primissimi secondi dell'emozionante brano introduttivo (Heritage of the Emptiness) è possibile riconoscere distintamente il "marchio" NRT. Tutto il CD, pur costituito di sei tracce distinte (più un'affascinante traccia video interamente realizzata in 3D), appare come un unico, lungo, suggestivo e oscuro percorso rituale, che alterna momenti più dinamici, evocativi, dagli andamenti quasi "cinematografici", spesso accentuati da lente cadenze ritmiche e bassi tuonanti profondissimi, ad atmosfere più eteree e dilatate ma ugualmente di estremo impatto e drammaticità, in cui compaiono accenni di decadenti sequenze melodiche, suoni metallici, rumori concreti, cigolìi, voci provenienti dagli abissi più profondi, lamenti inquietanti, funerei, bisbigli, cori, echi di voci recitanti segreti cerimoniali iniziatici... Un lungo viaggio attraverso le tenebre più oscure e inviolate, dominato da un senso di desolazione, angoscia e assoluta rassegnazione... Un percorso senza vie d'uscita, durante il quale tutto attorno non è possibile scorgere raggi di luce, ma buio e soltanto buio, e durante il quale ogni pur sottile filo di speranza sembra definitivamente perduto. E non aspettatevi un finale "liberatorio" o comunque diverso: la fine del tunnel è ancora molto molto lontana...

(Giuseppe Verticchio)

 

The sole member of New Risen Throne is known as Stielh, and is one of the Grand Masters of the blackened dark ambient coming from Italy recently (see also Vestigial). His exceptional black foreboding ambient creations is wellknown in the scene by now. The previous NRT release "Whispers of the approaching wastefulness" (Cyclic Law) represented the steps leading to the acknowledgment of the approaching end of all things... This new chapter "Crossing the withered Regions" is the journey thru wasted "regions" of our inner self, withered by our doubts, thoughts and fear about the end. This is the soundtrack to the world we live and experience at the very present. This is utterly dark! and there is certainly no sun in the horizon. Slit your wrists and float away...

(Cold Meat Industry)

 

New Risen Throne: Loneliness of Hidden Structures (CD 2011 - Cyclic Law)

[ http://www.stielh.com ]

 

Quando debbo recensire un nuovo CD di New Risen Throne, il timore è talvolta quello di risultare ripetitivo, di usare sempre le stesse parole, e di non trovare uno "spunto" o un'idea "diversa" e particolare per scrivere qualcosa che nella sostanza non sia estremamente simile a quanto già scritto tante volte in passato… Se da una parte infatti bisogna riconoscere a New Risen Throne il non trascurabile merito di aver  costruito negli anni uno stile musicale personale e inconfondibile, per il genere di suoni e campioni utilizzati, per  la forma compositiva, per il tipo di atmosfere che puntualmente è in grado di ricreare,  d'altra parte quando si ascolta un suo nuovo lavoro si sa già più o meno esattamente cosa ci si deve aspettare; cosicché dopo quasi un decennio di vita di questo progetto, il rischio, per chi ascolta, è quello di emozionarsi ogni volta un pochino di meno… Ad ogni modo non è detto che tutti come me già conoscano da così tanto tempo il progetto New Risen Throne, e non è detto che tutti abbiano già letto o ricordino a memoria le mie precedenti recensioni, quindi non mi asterrò dal descrivere anche il presente  "Loneliness of Hidden Structures" come un suggestivo ed ispirato album di musica tipicamente dark ambient letteralmente sprofondata tra fagocitanti masse di basse frequenze in perenne vibrazione, dalle atmosfere particolarmente lugubri e decadenti, a tratti violata da episodi di quasi marziale eppur dimessa "epicità", e nel caso specifico arricchita da due efficaci "remix" firmati rispettivamente dai ben noti Northaunt e Nordvargr, collocati in scaletta, secondo uno schema sicuramente atipico, non in fondo al CD in forma di "contributi speciali" come ci si aspetterebbe solitamente, ma in modo più indistinto e "occulto" in mezzo a tutti gli altri brani firmati dal solo New Risen Throne. Un album che sicuramente non deluderà i "fan" di uno dei pochi progetti dark-ambient italiani di "vero", indiscutibile e riconosciuto valore internazionale.

(Giuseppe Verticchio)

 

New full length album by Italy's New Risen Throne which marks a welcomed return to Cyclic Law. "Loneliness Of Hidden Structures" is the latest chapter of a series that began with "Whispers Of The Approaching Wastefulness" (Cyclic Law 2007) and continued on with "Crossing The Withered Regions" (Cold Meat Industry 2009). The first of this series is explained as the annunciation of the end, while the second part was expressing the advent of this end. Now this third chapter speaks of rebirth. Within the caves and ruins left by the destruction, there begins to form the first foundations and structures of a reconstruction that is in turn in constant evolution. The album's track listing is structurally organized in order to evoke that evolution:

1. The echoes of the end that travel through the empty regions ("Into Lungs declining structures", "Echoes from the loss")

2. New forms listening to the "silence" of a new world ("Loneliness", "New Risen Throne", "Lands filled with silence and grief")

3. Structures evolving and coming out from the shadows ("A vision of the hidden", "Breath of growing structures")

Filled with New Risen Throne's now trademark sound of deep cavernous drones, processed voices and percussive moments, this new album is a superb follow up to his now impressive discography. Features exclusive remixes by Nordvargr and Northaunt. Edition of 1000 copies. Enhanced CD with a special Video Clip of the track New Risen Throne (I), comes in a 4 panel A5 folder. 9 Tracks. Running Time 60:00.

(Cyclic Law)

 

Nimh: Lanna Memories (Mini CD-R 2002 - Taâlem)

[ giuver@yahoo.com ]  [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]

 

Questo Mini, edito dalla francese Taâlem, si discosta dalla proposta espressa da Nimh nel precedente "Line of Fire”, più per la forma che non per il concept, il quale rimane invece ancorato ad un forte richiamo all' oriente. Se le sonorità evocate dal precedente lavoro trasportavano l'ascoltatore fra le sabbie mediorientali, questo "Lanna Memories" si spinge oltre, toccando le lontane terre thailandesi. Il concept, incentrato sui miti di questo paese, viene rafforzato dall'impiego di strumenti tradizionali, che tendono - alternativamente - a distaccarsi e a fondersi col background elettronico creato dal nostro. In effetti, ciò che tende un filo rosso con "Line of Fire" è l'impiego di drones ampi e sinuosi, che attraversano le tracce modificando progressivamente la propria struttura e fornendo una solida base per la sovrapposizione degli elementi prettamente 'musicali'. Ritroviamo anche i samples d'ambiente che arricchivano le composizioni del lavoro ed esaltavano la forza descrittiva del lavoro, collocando 'visivamente' le vicende narrate. E' necessario attendere l'uscita del nuovo full per identificare pienamente il sound che Nimh sta oculatamente circoscrivendo. Nell'attesa questo Mini va fortemente consigliato a coloro che hanno apprezzato l'electro ambient di "Line of Fire".

(Francesco Gemelli - Musicboom)

 

For his latest release on French label Taâlem, Nimh exclusively uses traditional Thai instruments to create rich, organic ambiences with a subtle ethnic tint. The first piece, or “part” of this 3” CD builds from silence to a deep, breathy drone that pins the track together.  In the background there shimmers some small pieces of metallic percussion and subdued vocals, which expand the atmosphere; take it away from the heavily processed, almost electronic, drone towards some more “live” sounding and inherently human.  All the while, the piece is carried along by a repeating chanter melody that evokes the kind of romantic Oriental images that we find sewn into the prose of William Beckford and the Arabian Nights.  As the composition unravels, the drone segues to the faint harmonic tone of resonating bells as they knell the track’s closing. The second part of “Lanna Memories” finds Nimh no longer rooted in drones and moving towards the realm of processed acoustic sounds.  A small chime melody plays softly in the distance, then slowly builds through the addition of delays and further layers of sound into a almost rhythmic clamour.  The track then erupts with a snare drum roll and burst of chanters into a small journey through the Orient - voices circle all around us, while the lushly captured instrumentation maintains the loose, atmospheric vibe, which cannot fail to entrance the listener. The closing piece begins with the euphoric sound of the monsoon - a heavy blanket of rain, bringing new life and prosperity - the music, too, finds rejuvenation as it gallops forward with an upbeat percussion line which drives us on through an ambient noise collage of dissonant instruments, chanting voices and shimmering chimes.  It all has a very “found sound” feel to it, as though Verticchio had recorded this straight from the streets of Asia, such is the arrangement and depth of the sounds. This is a beautifully composed EP that flows remarkably well over its 22 minutes, never sounding hurried or truncated, yet still giving itself space to evolve and shift through various dynamic phases.  It is also refreshing to hear obscure instruments used conventionally in experimental music, as opposed to merely sampling and reducing them to anonymous drones.  Highly recommended.

(Gavin Lees - www.fleshmadeword.com/immanence)

 

Awesome "ghostly" dark drones sustained by ultra mystical vibrations from acoustic "exotic" instruments, from Nimh. Contrary to more "chaotic" / noisy ambient suffs from Nimh ("Subterranean Thoughts" for instance), this album can easily touch and haunt the listener's capacities of listening. "Part 1" starts with a hypnotic, "doom like" drone. A minimal ambience is created, then comes to the distance mysterious Asian melodies for wind instruments, sounding like a shamanic chant. "Part 2" is a gorgeous, posessed symphony for ethnic percussions & bells, voices...a resonant composition for dreamy repetition. "Part 3" starts with an avalanche of noises taken from the natural environnement, including a long linear chord, ceremonial drums...the song carries on a religious chant! weird, transcendant and ritual communion. This album is quite beautiful despite that is only 25 minutes long. Almost a classic! A must have for fans of early Popol Vuh and Deuter.

(Philippe Blache - www.progarchives.com)

 

Nimh: Frozen (CD-R 2002 Afe Records)

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Il glaciale “Frozen”, esplicativo fin dal titolo, rappresenta un’ottima escursione nel mondo dei drones. Impossibile non citare Koner, Biosphere e Hazard.

(Etero Genio - Blow Up)

 

E’ da circa dieci anni che Giuseppe Verticchio, ha cominciato ad esplorare l’ampio spettro della musica Ambient/Elettronica. Fin dalla fine degli anni ‘90 ha registrato e autoprodotto molti lavori di diverso genere, sia sotto il  proprio nome sia con lo pseudonimo Nimh, spaziando dagli umori puramente sintetici di "Fragments from the Lost Time" ai movimenti stratificati e trattati di "Distant Skylines", passando per la bellezza aborigena di "‘Tjukurpa", un album basato principalmente sul didjeridoo. "Frozen" è costruito intorno a lunghi e lenti movimenti evolutivi di drones  che vagano nell’isolamento attraverso i più freddi territori delle basse frequenze. Il titolo stesso descrive appropriatamente i contenuti musicali di questo lavoro più di altre migliaia di parole. Qualcuno la definisce “Terminal Ambient”... Ed ha ragione. Copritevi bene: il paesaggio è ghiacciato...

(Afe Records)

 

The cover is nice and appropriate, you see a solitary figure wandering in a blue snowy landscape. This perfectly matches the music, which is rather cold and minimal. The cd-r consists of one long track, lasting for an hour. This cold soundscape is based on slow drones, which sometimes swell a little in intensity and then get more quiet again. Not too much happens in the music, it never get's very obtrusive. Towards the end the volume of the low machine-like frequencies gets louder, and the effect of the deep drones becomes more ritual. Listening with full attention to this cd-r for an hour is rather intensive, despite (or perhaps because of) the fact that there are only gradual changes in sound. But certainly a skilfully sculpted long cold wave of glacial sound. Frozen music indeed.

(www.funprox.com)

 

“Maybe the title, in this case, describes exactly what you will find here. A big wall of sound that seems to stand there untouched by time, untouched by anything, as a monument too big to be perceived in its entirety. To describe it in term of ambient, i'd say 'terminal' instead of 'dark'. Stark black and white images adorn the jewel case, maybe arctic landscapes, maybe just an happy island somewhere through the filter of no-frills, cold-stared disillusion. Imagine Koner's trademark sound, grown up in a favela instead of Kohln, ending up repeating himself in an abandoned tibetan monastry, practicing sunyata with John Duncan's tunes. For the brave among you if you like it loud - and a nice droning background texture to enrich your day if you like it under -6 dB.” 

(P. Ippoliti)

 

Nimh: The Impossible Days (CD 2004 - Amplexus)

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Un disco teso e difficile, oltre la cold ambient del pur bellissimo “Frozen”. Musica tutt'altro che  consolatoria, densa dei presagi di questi giorni impossibili, come il titolo ben sottolinea. Tra elettroniche urticanti e field recordings, segnali perduti e percezioni indefinite, Nimh disegna ancora una volta una mappa sonora  senza  compromessi.

(Gino Dal Soler - Blow Up)

 

Come non rimanere incantati davanti al dissolvente astrattismo della copertina, con quelle increspature filiformi immerse in pastorali ingorghi di luce dalle cangianti tonalità purpuree, lasciapassare elettromagnetico per questi "giorni impossibili"? L'autore è Nimh (alias Giuseppe Verticchio), pulsante artista elettronico romano, che si addentra in maniera singolare nella semantica membranosa della sperimentazione più surreale e logaritmica. Si possono citare le frequenze protofoniche di "Lost Signals" (propaggine drenante del subglaciale "Frozen", uscito nel 2002 per la AFE), la fobica ciclicità di "The Impossible Day", l'escoriazione industriale di "Communicating Rooms", ed i quasi dieci minuti di immolazione modulatoria di "Back To Teheran" (con viscerali reminescenze di Vittorio Gelmetti, flagellante sperimentatore dei primi anni sessanta). Il lavoro si chiude in maniera fluorescente con l'affannoso sincretismo di "Undefined Perceptions" e la spirituale immobilità di "The Final Challenge", e Nimh (sta per 'nichel-metilidrato') si afferma quale cristallino alchimista nell'intransigente panorama 'sotteraneo' nazionale, e non solo...

(Maurizio Bianchi - idbox.it)

 

"The Impossible Days" is a mature, inspired cd combining the best characteristics of works like "Line of Fire" and "Frozen" but taking them one step ahead. Far from being repetitive, "The Impossible Days" seems to take the deep synth layers and field recordings from "Line of Fire" to a different plan; I'd say this is more meditative and indirect in its approach, though not less effective. Actually, these compositions gain strength from their rarefaction, like the brilliant incipit "Lost signals", with its minimal, hypnotic pulses, definitely my fave track here. If I had to mention some akin artists, I'd say the ritual ambient of Steve Roach, Vidna Obmana and Robert Rich at their best has left its mark here; but bear in mind Verticchio's sound easily stand on its own. Really worth checking out, like every other releases of Nimh's.

(Eugenio Maggi - Chain DLK)

 

“The Impossible Days” is a set of very deep and very dark minimalism from Giuseppe Verticchio, a.k.a. Nimh. From a bass drone, Giuseppe builds vast atmospheres with effects, processes and experimental sounds. He combines sci-fi timbres and organic textures to generate massive soundscapes. He enhances them with bizarre and bombastic samples and hints of ethnic ambience. This diverse collection of eclectic compositions is rare and worthy.

(Jim Brenholts)

 

Nimh/Nefelheim: Whispers from the Ashes (CD 2004 - Amplexus)

[ giuver@yahoo.com ]  [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]

 

Nimh e Nefelheim uniscono le forze per questo bel progetto, che pur rimanendo all'interno dei canoni di una dark ambient spettrale e droning, muove in paesaggi altri, malinconicamente contaminati da suggestioni folk. Accade nella bellissima "Age of Stakes/Cryng Bard" per esempio, con i dolenti arpeggi di una chitarra memore di arcane poesie celtiche. Simbologie nordiche e mondi sotterranei sembrano convivere felicemente, tra oscurità ed improvvisi bagliori. Come preghiere da un universo parallelo.

(Gino Dal Soler - Blow Up)

 

Ispirato al tema delle grandi inquisizioni “Whispers from the Ashes” è un concept che nasce dalla collaborazione di due oblique entità artistiche quali Nimh e Nefelheim. La cifra chiaroscurale incontra il carattere dello psicodramma nello stile narrativo delle cinque tracce, già giocate sul riflesso emozionale che esse possono  produrre nell’ascoltatore. Gli ingredienti sono quelli di una ricetta chimica a base di drones e impulsi metallici, di canti liturgici e di ritmiche marmorizzate che sconfinano nel solenne-sacrale. L’impiego dei plettri in alcuni episodi è risolutivo perché conferisce un tocco di liricità al respiro altamente noir del lavoro d’insieme.

(Aldo Chimenti -  Rockerilla)

 

Inspired by the Inquisition and witch-burning periods, "Whispers from the ashes" is a great collaborative effort by Roman artists Giuseppe Verticchio (Nimh) and Nefelheim. "Whispers..." is an inspired, flawless work which combines the best features of Cold Meat Industry-inspired dark ambient and a bit of acoustic folk, managing to avoid the n.1 problem with this genre, i.e. sounding cheesy and cliché. From the very beginning of the solemn, gregorian chant-driven "Last hours of the heretic", the listener is plunged into an atmosphere which is at the same time gloomy and epic, depressing and soothing - a quality which is common not only to good dark ambient, but also to the best black and doom metal, where Nefelheim's roots probably lie. "Age of stakes/Crying bard" rises into a menacing melody and heavy mechanical percussions, before dissolving into dripping rain and a melancholic guitar arpeggio. "Sounds from the Ossuary" is utter bass-heavy droning darkness, reminding of Nimh's solo "Frozen", but a funeral melody emerges from the final layer of distortion. "Malleus Maleficarum" goes back to the initial Raison d'Être-sounding fusion of gregorian chants, swirling drones and electronic throbs. "Peaceless Rest" closes the album with more gentle guitar picking and a thunderous underlying ambience. A very successful and cohesive work from start to end, which could reconcile many to the CMI/Northern wave of dark ambient, definitely not that thrilling over the last few years.

(Eugenio Maggi  - ChainDLK)

 

Nimh: Line of Fire (CD-R 2005 - Silentes)

[ giuver@yahoo.com ]  [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]

 

Nimh è l’altro progetto solista di Giuseppe Verticchio. La spina dorsale di questo lavoro è costituita da sintetizzatori, suppongo per lo più digitali, sebbene il suono è piuttosto ‘analogico’ in molti passaggi.  Due lunghe tracce (27’ e 25’) con molte variazioni interne e possibili sottodivisioni. A volte ci sono diversi strati con patterns aggressivi, a volte essi sono ridotti a drones oscuri e rimbombanti. Rumori d’ambiente e voci aiutano soltanto nella creazione della tensione, atmosfere mozzafiato di panico e assedio. Giudicando dalla copertina il lavoro è ispirato a scenari di guerra, efficientemente evocati da questi suoni freddi e corrosivi.

(Eugenio Maggi - Chain DLK)

 

Nimh is the other solo project of Giuseppe Verticchio. This work has its backbone in synthsizers, mostly digital ones I guess, though the sound is pretty  “analogue” in a lot of passages. Two long tracks (27' and 25') with a lot of inner variations and possible sub-divisions. Sometimes there are several layers with aggressive patterns, sometimes they are reduced to a dark rumbling drone. Environmental noises and voices  only help in creating a tense, breath-taking atmosphere of panic and siege. Judging by the cover the work is inspired by war sceneries, effectively evoked by these cold, corrosive sounds.

(Eugenio Maggi - Chain DLK)

 

Gloom, heavy electronic textures, over which islamic voices and environmental depiction of a war zone entwine. Sounds like being there in a nightmare, definitely. Static, suspended, a feeling of hopelessness and human suffering all over, pernicious, persistent. Scarcely noted, high quality colour printed sleeve, that seems to invite you to drown in the listening experience - and come out transformed. 

(P. Ippoliti)

 

Nimh: Subterranean Thoughts (CD 2005 - Silentes)

[ giuver@yahoo.com ]  [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]

 

L'album si apre con un drone di rara bellezza, che colma gli spazi auditivi, sfociando nella lunga "Recovered Memories", in cui il lato elettronico acquista lentamente più spessore. Una tensione accumulata che sfocia nell'affascinante "Back to Laudomia" e nelle successive "Subterraneann Thoughts" e "The Liquid Dream", in cui l'impiego di passaggi musicali alleggerisce un ascolto sicuramente divenuto impegnativo. Come nello stile di Verticchio, l'utilizzo di samples ambientali assume un ruolo importante in fase compositiva senza però arrivare mai a spostare l'equilibrio dei pezzi verso il puro field recording, prediligendo piuttosto la creazione di atmosfere sommesse, una elettronica non roboante, ma elegantemente sofisticata che rinfresca il concetto di "landscapes music".

(Franz Gemelli – Music Boom)

 

Nimh in "Subterranean Thoughts" testimonia il suo notevole eclettismo, passando dai registri ambientali sporcati da field recordings di "Recovered Memories" alle Lustmordiane inquietudini di "Back to Laudomia", dalla congiunzione di respiri concreti e stralci rituali di "Perpetual Cycles" all'incedere meccanico di "Subterranean Thoughts".

(Paolo Bertoni - Blow Up)          

 

Dopo circa un anno dalla realizzazione di "The Impossible Days", con il nuovo "Subterranean Thoughts" Nimh torna ad esplorare i più reconditi sentieri della sperimentazione elettronica, in un caleidoscopio di suoni ed atmosfere che spaziano dalle visioni  lisergiche di "Rewind" alle suggestioni cinematografiche di "Recovered Memories", dalle tensioni oscure di "Back to Laudomia" agli elementi rituali di  "Perpetual Cycles", dalle distorsioni ritmiche di "Subterranean Thoughts" alle stasi ipnotiche di "The Liquid Dream", per chiudere con un breve frammento di liricità nella ripresa finale della title-track.

(Silentes)

 

About one year after the release of "The Impossible Days", Nimh explores the innermost paths of electronic experimentation again with his new "Subterranean Thougths". The album showcases a kaleidoscope of many different sounds, from the lysergic visions of "Rewind" to the cinematic suggestions of "Recovered Memories", from the tight and dark atmospheres of "Back to Laudomia" to the ritual elements of "Perpetual Cycles", from the rhythmic distorsions of "Subterranean Thoughts" to the hypnotic stasis of "The Liquid Dream" and the lyrism of the title-track reprise at the end of the disc.

(Silentes)

 

Nimh's "Subterrean Thoughts" sees Verticchio's synth-based ambient in its more sombre vein, already explored in works like "Line of Fire" and "The Impossible Days". I wouldn't exactly call it "dark ambient", but the Roman musician surely prefers tension to relaxing atmospheres. To his usual array of instruments (synths, keyboards, ethnic samples, field recordings, etc.) he now adds recognizable guitar lines in "Subterrean Thoughts", a melody which also closes the cd in a piano reprise. I venture Nimh is going through a process of change and experimentation, as there are many different inputs in these tracks that could be explored further.

(Eugenio Maggi - Chain DLK)

 

Nimh/M.B.: Secluded Truths (CD 2005 - Silentes )

[ giuver@yahoo.com ]  [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]

 

Nuova collaborazione per M.B., questa volta con Giuseppe Verticchio (Nimh). Su una base concepita da Maurizio Bianchi e l’intervento successivo con effetti, loops, strumentazione acustica e remix di Verticchio, “Secluded Truths” è un percorso mirato alla ricerca di una verità spirituale sfuggente ma che non per questo condanna alla resa, varata nella spessa coltre buia che grava su “Before the Light”, per attraversare l’ambient non priva di solforosi ribollìi industriali di “Other Prayers”, le inquietudini che si riflettono nel cosmico fluire di “Secluded Truths”, il minimalismo dark ambient pregno di turbativi presagi di “The Sacred Outside”, episodio non meno che eccellente, con un piano che lentamente scolora stridìi metallici sullo sfondo, le purificanti asperità da valicare di “Leaving the Time”, ripresa anche ad epilogo come memoria rimembrata con sollevato distacco, sino ad una ascendente “The World Beyond” che nel suo multicolore turbinìo sembra preludio all’afferare quanto anelato.

(Paolo Bertoni - Blow Up)

 

"Secluded Truths", the newest production by Maurizio Bianchi and Giuseppe Verticchio (Nimh) is a really amazing work concerning the concept itself (showing similarities and parallels of Maurizio's and Giuseppe's life-path) and the structurized sound-sculpturing. Each piece shows much variety in overlapping complex sound-fields, partly combined with acoustic instruments. Starting with very clean ambiences in "Before the Light" the sedative and weightless atmosphere is very soon combined with reverse voices that constantly appear and disappear. The second track "Other Prayers" excellently underlines the similiar spiritual tendencies of both musicians by presenting two harmonic fields on each channel within the sound-panorama but at various pitches. Completely astonishing is the title-track itself with its breathless running sequence integrated into a deep cosmic field; it stays completely in the background while the gloomy cosmic texture remains the dominant acoustic factor. "The Sacred Outside" very well combines Maurizio's incomparable piano-treatments embedded in another cosmic realm of high pitched frequencies and environmental noise, whereas the CD's longest soundscape "Leaving the Time" interrupts the meditative and harmonic passages by fascinating dissonant psychedelia-modulations. Surprisingly the last two elaborations "The World Beyond" and "Leaving the Time (Reprise)" re-establish the original harmonic tendency of the whole album by beautiful melodic fragments mainly realized by acoustic and electric instrumentation. Spiritual music full of tension, innovative sound-combinations and a perfect mixture of harmonic and dissonant material. Very interesting are the slight relations to the cover-design of Maurizio's new masterpiece "Niddah Emmhna".

(Siegmar Fricke - Pharmakustik)

 

Nimh/Baghiri: Entities (CD-R 2006 - Silentes) (Baghiri Amir & Nimh)

[ giuver@yahoo.com ]  [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]

 

Primo lavoro (registrato nel 2003) in collaborazione tra l’artista iraniano Amir Baghiri e Giuseppe Verticchio / Nimh, nel quale le tipiche atmosfere ritual-ambient ricche di influenze etniche, da sempre presenti nella musica di Baghiri, trovano un punto d’incontro con analoghe trame sonore fornite da Nimh, arricchite con alcuni elementi più spiccatamente elettronici e moderatamente sperimentali. Quattro brani, per più di 70 minuti di musica, nei quali le “entità” evocate e descritte attraverso l’uso di sintetizzatori analogici e digitali, macchinari elettronici, percussioni, canti rituali, registrazioni d’ambiente, ocarine, didjeridoos e altri strumenti etnici, sono ispirate dall’immagine di copertina del CD-R, raffigurante  l’opera “Entity” dell’artista californiano Lance Green.

(Silentes)

 

First work (recorded in 2003) in collaboration between the Iranian artist Amir Baghiri and the Italian Giuseppe Verticchio / Nimh, in which the typical ritual-ambient atmospheres rich of ethnic influences, always present in Baghiri's music, find a meeting-point with similar sonorous textures provided by Nimh, enriched with some most purely electronic and moderately experimental elements. Four tracks, for over 70 minutes of music, in which the "entities" evoked and described using analog and digital synthesizers, electronic machines, percussions, ritual chants, field recordings, ocarinas, didjeridoos and other ethnic instruments, are inspired by the cover image of the CD-R, representing a painting entitled "Entity" by the Californian artist Lance Green.

(Silentes)

 

Superb ritual ambient gathering the talents of well-known artist Amir Baghiri and Giuseppe Verticchio / Nimh...  It's some of the best ritual/ethnic ambient I've listened to lately - pure drifting beauty and trance-inducing drones woven with synths, didjeridoos, percussions and field recordings. If you dig Steve Roach, Vidna Obmana, Robert Rich... look no further because this might well be one of the best releases of the year. Colour cover by Lance Green and top-notch sound quality. (Review of 2003 self-produced edition)

(Eugenio Maggi - Chain DLK)

 

Nimh: The Missing Tapes (CD 2007 - Silentes)

[ giuver@yahoo.com ]  [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]

 

A quanto pare Andrea Marutti e Giuseppe Verticchio in questo periodo sono in splendida forma, o suppongo che stiano attraversando un periodo a dir poco florido visto che, oltre ad aver stampato del materiale in duo come Amon/Nimh e come Hall of Mirrors, stanno facendo uscire anche i rispettivi materiali in solo. La Silentes di Stefano Gentile butta fuori contemporaneamente sia un rework di Aube del lavoro di Verticchio/Nimh che l'originale composto dal musicista romano, e com'era facile aspettarsi si tratta di due dischi molto diversi. "The Missing Tapes" è un disco strano all'interno della discografia di Nimh anche se in realtà credo che da un altro punto di vista potrebbe rappresentare uno dei mille modi possibili in cui poteva svilupparsi il modus operandi di Verticchio. Se lo conoscete principalmente per le sue uscite ambientali sappiate che potreste rimanere spiazzati, certo ci sono elementi ambientali e componenti etniche come in altri suoi lavori in precedenza, ma miscelati ed assemblati in modo molto diverso dal passato. Il disco nel complesso sembra maggiormente un diario sonoro di un viaggio, cosa che per altro è, dato che in buona parte è stato registrato in Thailandia, quindi field-recordings a tappeto, ambientazioni urbane che fanno da collante e dalle quali emergono strumenti etnici, suoni, strati di sibili o drones o che da questi vengono inframezzate nelle pause fra un movimento della traccia e l'altro. Nonostante sia composto di quattro tracce ho trovato che la cinquantina di minuti di questo disco assomigli maggiormente ad un flusso continuo ed in questo oltretutto va di pari passo con l'essenza freak fino al midollo del lavoro. Se per alcuni il contrasto fra suoni ad alta risoluzione e registrazioni lo-fi di field-recordings e/o alcuni strumenti possono cozzare, in realtà credo che siano proprio la caratteristica più interessante del disco e quella che in un certo modo lo distanzi molto da certi lavori di etichette come la Alluvial che, seppur grandi, talvolta finiscono per risultare un po' freddi. Non credo che Nimh li ascolti o li annoveri fra le sue influenze, eppure questo disco si potrebbe trovare idealmente fra alcuni suoi lavori, del materiale etnico e certi Jackie O' Motherfucker o certi A Short Apnea, tant'è che un po' quello un po' la componente etnica indurrebbero a pensare che si tratti quasi di un disco molto psichedelico e quasi kraut a suo modo. Non si può certo parlare di psichedelia alla leggera, ma non mi stupirebbe di scoprire che piaccia a molti amici drogherecci o ad alcuni di quelli che "come suonavano negli anni 70 non ci suoneranno mai più...". Posto che la seconda categoria spesso mi fa pensare che se uno ama così tanto il passato potrebbe coerentemente trapassare per diventarne parte, pur non essendo un fanatico del vintage mi sono ascoltato con piacere il flusso di questo disco tanto da pensare che per quel che mi riguarda si potrebbe trattare del miglior disco solista che ho visto firmare da Nimh. A tratti ruvido e martellante, "The Missing Tapes" trova nella matassa grezza la sua essenza ed il suo calore/colore, nonostante ciò non si tratta di materia non lavorata, anzi, la manifattura c'è e si sente, molto semplicemente non è troppo invasiva, come sempre succede nei molti piccoli lavori artigianali ben riusciti.

(Andrea Ferraris - Sands Zine)

 

When Giuseppe Verticchio/Nimh sent me this new cd along with Hall of Mirrors' debut, warning me that it was something completely different, I thought it would be in the wake of previous recordings of his using ethnic (mainly Thai) instruments and field recordings from his several trips to the Thailandese area. My mind went to the sadly never repressed "Distant Skylines", or to "Entities", with Amir Baghiri (now available on Silentes); but I was only partly right. "The Missing Tapes" is an altogether more conflictual work, more about layering and juxtaposing than merging; which doesn't mean that it is a lazy cut&paste of traditional instruments and electronics (quite the opposite, actually). I just think that this time Giuseppe was interested in creating some discordant, more physical soundscapes, with a few more rough edges than in the past. "Tape 1" begins with a whirlwind of minimal Jackee (a 3-string instrument) plucking, soon devastated by a layer of distortion and fragmented voices. "Tape 2" has more monochrome string picking (this time it's a Tzeebu, a Thai banjo), but the ebbing underlying ambience is given by menacing low-end sinewaves, as if a helicopter was flying low over your head. The electronics take over in "Tape 3", with percussive synth sweeps merging with a filtered mouth-organ drone and acoustic Thon Chatri drumming. Finally, "Track 4" is pure phonography, as explained by the laconic liner notes ("boat, market, temple, village, beach"). As a whole, "The Missing Tapes" was quite a surprise, and a positively jarring album. It has a wild, almost psychedelic ethnic feel which could potentially appeal to anybody going crazy for trendy, and often inferior, neo-kraut/weird folk/psych projects (which obviously doesn't mean that Verticchio intended to create a niche-friendly work), rather than traditional ethno-ambient listeners.

(Eugenio Maggi - Chaindlk)

 

L'uscita del nuovo atto di Nimh, "The Missing Tapes", rappresenta senz'altro capitolo poco assimilabile a quanto fatto sino ad oggi dal musicista romano. La componente etnica, esaltata da un utilizzo generoso di strumentazione autoctona e field recordings colti in loco, è infatti prevalente in un disco la cui premessa risale addirittura alla metà del decennio scorso con registrazioni effettuate da Verticchio in Thailandia, pur duellando nell'intero svolgimento del disco con a tratti ruvide ingerenze elettroniche, in cui sembra di poter dire che non si cerchi l'integrazione ma il conflitto, tra il secolare lignaggio degli strumenti Thai e la impassibile glacialità della tecnologia che in alcuni frangenti domina in assoluta solitudine con gravi umori in particolare in "Tape 3", tanto che il riuscito contrasto appare assumere un significativo valore simbolico dai tratteggi evidentemente drammatici.

(Paolo Bertoni - Blow Up)

 

Nimh: The Unkept Secrets (CD 2008 - Silentes)

[ giuver@yahoo.com ]  [ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]

 

Mi piacerebbe potere leggere nella mente di Giuseppe Verticchio. Comprendere fino in fondo come si può arrivare anche a solamente a concepire, immaginare, visualizzare i meandri angosciosi nei quali ogni volta i suoi mirabili viaggi empirici ci portano. I percorsi occulti di "Sator" evidentemente non sono stati sufficienti a placare la fame di sperimentazione di un personaggio che col passare del tempo sta assumendo un ruolo sempre più importante e travolgente nel processo di configurazione delle nuove coordinate della musica ambient tinta di oscuro. "The Unkept Secrets" appare come l'ennesimo coraggioso tentativo di smuovere porte, analizzare fenomeni e curiosare tra gli abissi di un suono mai così pregno di rabbia e saturo di elementi contrapposti tra loro ma stupendamente efficaci colti nell'insieme delle trame risultanti. Trascurare Nimh e il suo contributo alla scena moderna pare quasi un insulto all'intelligenza. Dobbiamo essere orgogliosi e allo stesso tempo spaventati di possedere un personaggio del genere nei fisici dintorni.

(Divine - www.dagheisha.com)

 

This is an other perfect Nimh record, a world of magnetic, somnanbulic, fuzzing, moving electronic textures and drones covered by glacially melancholic guitar parts. These recent years there have been many descent projects published under the dark ambient - prog electronic label, but The Unkept Secrets is exceptional, reaching a degree of composition and complexity rarely obtained in this specific genre. Meridians opens the album with an intimate, colourful, extatic droning minimalist guitar composition with lot of reverbs and reasonances. A majestic, almost hallucinatory electronic piece. Narrative voices & mysterious abstract noises also come into the mix. As suggested by the title, Visions in Black is a haunted, gorgeously dark piece with abundant guitar's fuzzed out static notes, ghostly dark noises. The composition ends up with an almost funeral electronic choir. Strangely beautiful, the sound of the apocalypse or forgotten memories. The call reaches the listener into a parapsychological world made of echoing guitar tricks, floating electronic waves. A more dreamy-like composition, perfectly executed and really vibrant emotionally and physically speaking. Linga is just fantastic, a real buzzing drone trip with tribal-ethnic elements. An immersive medley of acoustic / electronic elements, it makes me think about shamanic sermons & ceremonials. The title track opens the way to a really sinister, dark musical ritual that turns into a shimmering, suspensful incantation dominated by harsh guitars and doom-like epic drones. The ending nightmare is a claustrophobic, intoxicated electronic piece for loud guitars, creepy noises and acoustic exoticism. The last tune is a more relaxed, tranquil affair after an intense musica ride throw lost deep memories. A totally absorbing electronic mantra, a real pleasure for the ears. Clearly among my all time favourite experimental electronic records with a things from Maurizio Bianchi, Maeror Tri and Aeolian String Ensemble. So recommended.

(Philippe Blache - www.progarchives.com)

 

Il nuovo Nimh (Giuseppe Verticchio) è un lavoro in prima istanza sperimentale oltre che evocativo. Ha la forza di sorprendere quando meno te lo aspetti, ma allo stesso tempo riesce a creare visioni inquietanti quanto suggestive. In questi termini "The Unkept Secrets" è un paradosso, una figura retorica onomatopeica a rovescio che parte dal presupposto di essere un libro(sonoro) zeppo di termini che inquadrano un gesto, un movimento, un paesaggio, un tormento. Un insieme di sfumature elettroniche, dark, drone, etniche che formano un'azione, generano un'idea, suscitano un'emozione. Come nell'immensa "Visions In Black", tra le migliori composizioni tra quelle che ho avuto modo di ascoltare fino ad oggi di Verticchio in cui un crescendo di tensione arriva al culmine per poi dissiparsi di nuovo: e' un vento minaccioso che fa sbattere porte e finestre durante una sera d'autunno. All'improvviso ti entrano in casa figure tormentate che cantano un lamento disperato, straziante. Poi il vento cala di intensità e la casa si svuota lentamente mentre le ore passano, la notte si presenta ed il cuore ancora ti trema. "The Unkept Secrets" è un viaggio, il prosieguo di un viaggio iniziato anni fa, nei labirinti dell'anima e della mente, ma anche un viaggio nel senso letterale del termine alla ricerca di quei segreti del titolo in terre lontane, essenzialmente ad est del mondo, in quei posti dove ancora il tempo scorre certo inesorabilmente, ma molto lentamente, fino a dare la sensazione di essersi arrestato. Indicativa l'ultima traccia, "One More Ride On The Merry-Go-Round" dedicata a Tiziani Terzani, scrittore e viaggiatore che dedicò gran parte della sua vita all'Asia ed alle sue situazioni politiche, sociali e soprattutto spirituali: lui stesso affermava la vita è un giro di giostra, ed ogni giro, ogni nuovo giro, te la cambia. Come cambia anche l'ispirazione di Verticchio il quale ci rende partecipi della sua traversata virtuale proprio lì dove Terzani si fermò a vivere. Ad aiutarlo, oltre ad un set di strumenti necessario che marchiano la direzione stilistica ed emozionale, la presenza di una chitarra elettrica utilizzata quantitativamente come non mai, forse, in precedenza. Un ulteriore passo verso la ricerca di uno stato interiore ideale che probabilmente non troveremo mai, ma motivo primo per cui impegneremo ugualmente un'intera vita nel tentativo di raggiungerlo. Un ulteriore gran disco.

(Andrea "Emo" Punzo - www.hardsounds.it)

 

Nimh: Travel Diary (CD 2009 - Silentes)

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Here we go with a new release by Nimh after a small hiatus he's back with a plethora of new releases, the label is again Silentes and right after Maurizio Bianchi and Aube he's probably the most prolific artist on Silentes. According to my opinion this "travel diary" is the ideal follow up to "The Missing Tapes", the sound aesthetic of this two records is considerably different but by some means the travel-diary concept and the travel-music idea is basically the same. Clean production but with a warm feel, and if you consider in the line notes the artist wrote there's no synth and no electronic instrument involved in the production of this full-length we can assume he did a great work to produce it. The pictures of asiatic people included in the layout say a lot, infact Nimh used a bunch of singular exotic instruments with weird names like khaen, falu, bendir, soong and so on, most of them are string instruments, percussions and flutes, mouth organ. Believe it or not mixed together with field recording, some voices and with his usual touch behind the mixing desk he's been able to find out drones he's dragged around in this or that track adding an high hypnotic feel to an already oniric atmosphere. This CD features a bunch of tracks Verticchio has put out on some other releases before plus a new track and everything has been remastered, the result is great since instead of sounding like a greatest hits it all has a uniform idea that links all of the tracks of the CD. I'm tented to say some of this artist has rarefied the atmosphere of his compositions leaving field recordings floating ashore on the surface of the single song, everything is embroided with a great taste and the global result stands on the edge between soft dark-ambient and ethnic-music. I'm sure William Burroughs and mighty Bryon Gysin would have enjoyed the trip, you can bet it! 

(Andrea Ferraris - Chain DLK)

 

Nimh/Mauthausen Orchestra: From Unhealthy Places (CD 2009 – Silentes)

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Due pionieri della musica non convenzionale che s’incontrano sulla linea del fuoco dell’energia pura. Se l’eclettismo di Giuseppe Verticchio (Nimh) non si preclude a nulla, il rigore etico di Pierpaolo Zoppo (Mauthausen Orchestra) resta più che mai piantato nel solco del power-electronics nichilista che non concede sconti. La bontà del progetto licenziato col titolo “From Unhealthy Places” sta proprio qui, nel carattere di un’alleanza tanto atipica quanto intrigante, almeno a giudicare dai 3 assalti ultrasonici che incendiano i noisescapes di questi “luoghi insalubri”. E’ il lessico del rumore rivoluzionario che continua a moltiplicare atti e proseliti perché miniera inesauribile di forme espressive che parlano al presente, perché metafora del mondo che continua a crollare implodendo su se stesso.

(Aldo Chimenti – Rockerilla)

 

In coincidenza con l’uscita del retrospettivo “Sonic Deprivation” e ad un anno abbondante dalla seconda resurrezione di Mauthausen Orchestra, sancita da “Where Are You Going?” accreditato all’acronimo M.O., dopo quella non duratura della prima metà dei ’90, Pierpaolo Zoppo mostra armi ancora affilate coinvolgendo nella furibonda kermesse industrial di “From Unhealthy Places” Nimh, al secolo Giuseppe Verticchio, che ad altre sonorità ci ha abituato con una discografia di indiscusso valore. Granitiche tranche di ferreo credo industrial, “luoghi” come vengono definiti dai titoli dei pezzi, ove regna incessante tormento e indistinta, evidentemente esistenziale, sofferenza, e che scientemente alternano ferocia e terrore, con intermittenti ripiegamenti, più diffusi soltanto in “Second Place”, che più subdolamente mira la psiche, studiati esclusivamente per sferrare un nuovo assalto che, secondo le leggi imprescindibili di genere, sia proteso all’aspirazione sia finale.

(Paolo Bertoni – Blow Up)

 

The energy, the genius and the intransigence of the music of the hystoric “cult” power electronics project Mauthausen Orchestra/Pierpaolo Zoppo, united to the originalty, the eclecticism, the rigorous experimental research carried on since fifteen years by Giuseppe Verticchio, mostly with his “Nimh” solo project... Disturbing images of unhealthy places, nocturne landscapes covered with fog, psychotic nightmares, tormenting and delirious, described with sonorities of great impact and incredible dramatic force... A dark and long itinerary, to be covered wrapped in the spirals of a time that progressively seems to slow down and stop, folded on itself, just like suspended in the void, without offering any way out... A sonic adventure for brave souls... Elegantly packaged in a digipack.

(Silentes)  

 

Nimh: Krungthep Archives (CD 2011 – Silentes)

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Nonostante l'ampio utilizzo di strumenti etnici “Krungthep Archives” appare l'opera più coraggiosa di Giuseppe Verticchio o almeno quella maggiormente proiettata verso l'ignoto. Il futuro viene osservato attraverso la decadenza post moderna di Bangkok tra disegni elettronici, field recordings e drone che regalano all'ascoltatore suggestive atmosfere nelle quali la sperimentazione è protagonista indiscussa. La parte più consistente del materiale risale a quattro anni fa ma l'autore ha attinto anche da vecchie cassette e, rispetto a “Travel Diary” e “The Unkept Secrets”, si percepisce una visione globale di quello che sarà Nimh nelle prossime uscite. Il rumore del traffico, gli abusi urbanistici e il senso di solitudine trasmessa dai cartelloni pubblicitari che irrompono nell'ambiente accompagnano la stesura di cinque movimenti di rara bellezza. Lasciatevi travolgere da un incedere ieratico e meccanico ma non ponetevi mai domande sulla vostra locazione spazio-temporale perché la musica in questione ha il potere di trasportarvi lontano non garantendo il ritorno alla ferale quotidianità.

(Lorenzo Becciani “Divine” - Dagheisha)

 

In this last effort, Giuseppe Verticchio (frontman and multi instrumentalist behind Nimh) liberates the musical possibilities of noises taken from various public places and subtly interact this study with densely sonic instrumental textures (made of various ethno-cultural instruments from traditional Asia). The musical signature and general aesthetic direction are in the direct vein of the two previous releases Travel Diary and Missing Tapes: moving, symbiotic and spatial relationships between the acousmatic theater, fragmented acoustic tones and relevant organic interferencies. The opening theme rises from the distance with an exquisite, almost liturgical music procession made of hypno- minimal patterns, long sustained acoustic drones and crowdy noises that progressively come into the mix. Track 02 starts with an intense burgeoning medley of sounds, abrasive noises, timbral and polymorphic textures which combined all together create a kind of vertiginous cyclical mind trip through altered memories. Track 03 probably represents the highlight with its meticulous and well balanced dialogue between static minimalism, luminous melodies lines, sustained sonorities and an avalanche of noisy, crashing sounds. Track 04 is an hypnagogic repetitive mantra for ethno instruments and sonorous, slowly evolving drone frequencies, punctuated by cinematic noises and physical atmospheres. Track 05 closes this energetically mobile and sonic voyage with a vast collection of concrete materials and deliciously introspective acoustic chords. Krungthep Archives reveal tremendous ecological soudscapes and introduces the listener into an original trans-cultural sound monography. These archives spontaneously communicate the pleasure to re-discover in a sensitive way the micro-polyphony of everyday life. Well recommended for curious, sound ethnographers and post-industrial (neuro-electronic) listeners.

(Philippe Blache - Progarchives)

 

Nimh: This Crying Era (LP 2012 – Synästhesie Schallplatten)

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Roma ed i suoi angoli bui, molti più di quanti si sia disposti a credere. Eccovi un nuovo elemento sul quale iniziare uno studio approfondito, partendo da questo commovente debutto che segna la nascita della Synästhesie Schallplatten, nuova etichetta indipendente romana dedita al suono ambient, drone ed industrial cui fa capo Matèo Montero, dj dal gusto sopraffino e cultore di musica contemplativa. A firmare il tutto troviamo Giuseppe Verticchio, anima eretica di un'Italia sconosciuta attraverso il suo pseudonimo Nimh. Un musicista legato alla scena drones/industrial che nasconde proprio nel nostro paese i segreti migliori, all'attivo qualcosa come una ventina di album ed altrettante collaborazioni, scritti e visioni. This Crying Era, un titolo che da solo vale ogni superfluo tentativo di spiegazione e che riflette non tanto un opinabile visione della società quanto un analisi introspettiva dello stesso artista che in questi sei brani pubblicati esclusivamente su vinile mette a fuoco una serie di istantanee notturne da vivere in completo isolamento. L'isolamento è proprio la chiave di lettura del disco, che nel centro della notte sembra liberare i profumi e le sensazioni migliori. E' grigio il colore dell'iniziale “This Crying Era”, un lungo movimento noise a grana sottile che sembra farci sorvolare le rovine post belliche di qualche straziato centro abitato, dove rimangono udibili solo lontani echi metallici. E' grave anche la melodia che entra dopo il lungo meditare, il suono del piano di Philippe Blache è etereo, una candida suonata che vorrebbe portar sollievo alla cruda realtà vissuta nei primi minuti. Il secondo brano viene a chiarire la natura dell'ambientazione, “Streets Of Teheran” è il titolo che serve a renderci tutto più chiaro, fissando un focus sulla capitale Iraniana sempre al centro dell'attenzione per le difficoltà sociali che il regime di Ahmadinejad infligge da decenni. Il brano è di una bellezza struggente, una composizione di fields recordings tra voci, elicotteri, camion, automobili ed altri veicoli che ci trasportano proprio nella cruda realtà delle strade della capitale. Un approccio riflessivo è quantomeno necessario per entrare dentro la forza del brano, una testimonianza che in qualche modo diventa diretta e che sembra voler denunciare le difficoltà di un popolo che conosce la violenza fin troppo bene.“The Thanandar's Room” prosegue nel viaggio increspandosi in un suono forte e penetrante, un brano la cui potenza potrebbe togliervi la pelle, un ruggito soffocato e circoscritto in questa stanza non precisamente identificata che sembra voglia gridare ma è in qualche modo impaurita e frenata. “Dark Earth” scivola di nascosto nel sottosuolo, una serie di note che ricreano un'ambientazione cinematica di forte intensità sempre immerse in un ribollente background sporco ed apparentemente tranquillo. “A Liquid Nightmare” parte con una registrazione di quello che sembra un documentario medico/scientifico che sfuma pian piano in una zona oscura con le pareti di metallo. Un flusso compatto e potente che assorbe completamente l'ascoltatore trascinandolo in un viaggio privo di melodia se non negli attimi finali. Atmosfera che continuano nei corrosivi drones della conclusiva “The Garden Of Loneliness” un lunghissimo corridoio pervaso da punte d'acido, tuoni ovattati e dalla stridula chitarra manipolata, accompagnando l'uscita di un disco che è prima di tutto uno studio interiore oltre che un alto momento musicale da vivere lontani da ogni terreno disturbo.

(Ivo D'Antoni – Electronique.it)

 

Nimh is an avant-garde deep ambient industrial electronic project formed by the multi-instrumentalist and sound designer Giuseppe Verticchio. Nimh has evolved on the territories of truly ecstatic-drone ambient music since the 90s with a vast catalogue of releases published on various independent labels such as Afe, Silentes, Eibon Records. Within a much more sonic industrial direction, Nimh has published complex, intricate releases in collaboration with pioneers of electronic-noise music (Mauthausen Orchestra, Maurizio Bianchi). After a series of innovative releases (The Missing Tapes, Travel Diary etc.) which admit self-reflexive use of acoustic instruments and turned to ethno-ritual droning music, Nimh is back from the roots of blackened ambient music. This Crying Era clearly announces the colour with psycho-acoustic and deeply moving dark ambiences in a pure classy sounding form. This LP provides a stunning assemblage of rumbling drones, ghostly like melodic textures, background noises. A sweeping dark melancholia and an isolationist splendour prevail all along the album. The droning aesthetism seems to be focused on doomscape laments and frozen- neurotic sounds. The albums starts with the otherworldly and metaphysical “Crying Era,” an atmospheric epic tune which slowly emerges from a charged catalogue of bleak electronic noises. The leading melodious theme provides hauntingly mysterious and beautiful eerie lines taken from processed piano textures. An incredible touching and languid piece which carries on the more conceptual, cinematic but still deeply immersive “Streets of Teheran.” This soundscape features environmental sound geologies, acousmatic-drone metallic sequences. Typical sound realms followed by Nimh in the latest releases. “The Thanandar’s Room” is a breathtaking and amazingly oppressive ambience made of sustained buzzing phrases and resonating bleak interferences. A mesmeric dronescaping synthesized piece. The Side B provides burgeoning droney-aesthetic sound tapestries, made of harsh noises, doom-like ambiences and sinister guitar vibes. Very reminiscent to Giuseppe Verticchio’s collaborative works with Andrea Marutti (notably the first release of Hall of Mirrors entitled Reflections on Black). This Crying Era is a gorgeously cinematic and ominously bewitching album that will ravish fans of the most uncompromising facet of the dark ambient genre (masterful works from Lustmord, Raison d’être, Never Known…). Absolutely recommended for beginners in Nimh’s dark ambient and mystical droning minimalism.

(Philippe Blache - Igloo Magazine)

 

Nimh/Antikatechon: Out Hunting for Teeth (CD 2013 – Rage in Eden)

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Lo spettacolare “Los Caprichos” di Francisco Goya è stato scelto da Giuseppe Verticchio e Davide Del Col per descrivere in termini visuali l'incrocio di stili ed attitudine sperimentale avvenuto tra i due artisti nel corso di questi anni. Cinquanta minuti sono troppo pochi per aprire e chiudere un discorso talmente ampio ma questo non impedisce a “Out Hunting For Teeth” di candidarsi ad uscita dark ambient dell'anno tanta è la scomoda efficacia dei cinque brani proposti. In alcuni casi si ha l'impressione che la commistione di intenti sia servita per tirare fuori il meglio da entrambe le menti e la traccia che presta il titolo all'album e “All Will Fall” sono magnifici risultati di un processo evolutivo iniziato ancora prima che i due artisti si conoscessero. In altri si percepisce il desiderio di andare oltre e la lungimirante ”Those Specks of Dust” vale da sola l'acquisto di un album da ascoltare in apnea. “Sleep Overcomes Them” chiude in bellezza lasciando aperta la possibilità di altri volumi considerata l'intesa raggiunta.

(Lorenzo Becciani “Divine” - Dagheisha)

 

Nimh e Antikatechon sono due interessanti realtà del panorama dark ambient italiano. Nimh (Giuseppe Verticchio), romano di origine e thailandese di adozione, sicuramente gode di una maggiore notorietà, calcando le scene da ormai oltre un decennio, durante il quale ha largamente esplorato panorami sonori di diverso tipo, spesso contaminando la sua musica con sonorità e strumenti etnici provenienti dall'estremo oriente. Antikatechon (Davide Del Col) è invece sulle scene da meno tempo, ma il suo nome è già emerso grazie alle due pregevoli produzioni precedenti, la cui dark ambient cupa, inquietante e a tratti quasi religiosamente rituale ha fin da subito ricevuto ottimi riscontri da pubblico e critica. Il risultato della collaborazione non tradisce le prerogative fondamentali dei due paradigmi musicali, che anzi si sposano meravigliosamente fra loro, dando vita a un disco di grande spessore. L'atmosfera è spettrale, "Out Hunting for Teeth" accoglie l'ascoltatore con un crescendo di distorsioni, un tunnel infinito di frequenze elettroniche il cui loop ossessivo si arricchisce costantemente di nuovi elementi, sample vocali sembrano emergere dal tessuto sonoro che si fa sempre più fastidioso. "Those Specks of Dust" conduce a lidi maggiormente intellegibili e le reminiscenze industriali della prima metà del brano si diradano, lasciando spazio a una melodia appena accennata da un qualche tipo di strumento a corde. "You Will Not Escape", titolo quanto mai appropriato, è un brano all'apparenza più lineare, un unico flusso sonoro che si modifica e acquista nuove sfumature senza soluzione di continuità, accompagnato da una ripetitiva sezione ritmica a tratti appena percettibile. "All Will Fall" riconduce ad atmosfere più affini alla sensibilità di Antekatechon, gotiche e decadenti, con protagonista un motivo armonico dettato da un organo che progressivamente vede distorcere il proprio suono fino alla ritrovata quiete finale. Chiude l'album "Sleep Overcomes Them", brano in cui tutta la passione per la musica rituale del duo emerge con maggior forza, le atmosfere son più rarefatte, i riverberi danno un maggiore respiro alla composizione, mentre una voce sussurra formule incomprensibili. La tenue linea melodica e le percussioni che accompagnano l'ascoltatore alla conclusione mettono ancor più in evidenza la varietà di soluzioni in possesso dei due. Che siate o meno appassionati di un genere comunque criptico come quello di cui si occupano i signori in questione, la spiritualità e la profondità di "Out Hunting for Teeth" non vi lasceranno indifferenti.

(Istrice - Aristocrazia Webzine)

 

“Out Hunting for Teeth” consists of a collaborative effort between two major figures and great musical personalities of the Italian underground venturing electronic scene. Giuseppe Verticchio (alias Nimh) is a multi-instrumentalist and an influential artist in the world of esoteric-ambient droning electronic music (with a handful of recommended albums published on Silentes). He is also known for his notorious contribution in the territory of diversified acoustic exploration between sound monographies and ethno-religious stylistical improvs. Davide Del Cole is a brilliant dark ambient wizard and remarkable sound alchemist whose personal work (as Antikatechon) can be appreciated as a new standard in the spheres of moodscaping cinematic ambiences. Two singular and original musical personalities for an outstanding, tumultuous and resonant dark noise ambient manifesto. The slowly evolving sound textures and massively psych-acoustic timbres include the presence of an aesthetic equilibrium between religiously abstract procession and obsessional rumbling drama. The self-titled track is such an intense and distorted noisy-bleak sonic demonstration melted into an aural-decaying symbolist splendor. This last perfectly illustrates the painful-sinister, fantasist and strangely compelling visual fascination we can find in Goya’s realistic allegories. “Those Specks of Dust” is a brooding and effervescent dronescaping lament, hauntingly immersive with some detached-angelic acoustic based lines which escapes from the magmatic-spectacular and tragically heroic noisy background. One of my favorites from the album because of its surrounded metaphysically sounding fortress. “You Will Not Escape” is a more calm and flowing cloud of sound frequencies for electric drone guitars and distant subterranean noises which finally come to the fore to create an absolute entrancing epic and crepuscular ambience. “All Will Fall” is a more post-industrial soundscaping piece with large and absorbing synthesized chords and guided by a fabulous energetic, cavernous and sonically doom sense of unnatural sound imaginary. “Sleep Overcome Them” figures among the most truly fascinating pieces I’ve heard in the specific dark-ambient genre-a cruel, raging and spiritually elevated dronescape which leads to a true ecstatic fervor. This closing track leaves the listener in a state of complete redemption. To sum up things “Out Hunting for Teeth” is a grandiose, shimmering and nightmarish dark ambient release that will ravish fans of the genre (New Risen Throne, Hall of Mirrors, Atrium Carceri et al).

(Philippe Blache - Igloomag)

 

Nimh: Black Silences (CD 2015 – Naked Lunch Records)

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Reduce dalla stimolante esperienza di Twist Of Fate, Giuseppe Verticchio torna a rivestirsi dell’abituale alias Nimh, ritrovando oltre un’ora di rumorose elucubrazioni chitarristiche, originariamente registrate tra il 2010 e 2011 ma che solo ora vedono la luce. Di luce, tuttavia ve n’è ben poca, a livello di suggestioni nelle tre lunghe tracce di “Black Silences”, che fin dal titolo mette ben in chiaro il contenuto del lavoro, che si attesta dalle parti dei recessi più cupi della produzione dell’artista romano.

Due brani di circa diciotto minuti l’uno e la loro ideale sommatoria di trentacinque costituiscono l’itinerario sonoro proposto da Verticchio nel corso di “Black Silences”. La prima tappa del suo claustrofobico viaggio attraverso profondità oscure e sinistramente risuonanti è anche quella più maestosa e dotata di snodi compositivi, che si svolgono tra cattedrali di rumore, ronzii e correnti di elettricità statica degne di riconosciuti maestri quali Tim Hecker o Lawrence English, ai quali Verticchio mostra di avere ben poco da invidiare.

L’approccio dell’artista romano è comunque estremamente diretto ed esente da compromessi: lo dimostra appieno il carattere monolitico della sua seconda declinazione del tema portante del lavoro, dall’incedere granitico su iterazioni sferraglianti, pronte a sciogliersi nel soverchiante magma sonoro del movimento finale, nel quale pesanti oscillazioni accompagnano diversi gradi di saturazione dronica.

Al termine del viaggio non c’è luce né ritorno in superficie: solo le frequenze riecheggianti di un silenzio rumoroso, nero come la pece, dal quale le stelle restano distanti, eppure possono ben essere immaginate sulle ali di un suono tanto angoscioso quanto affascinante.

(Raffaello Russo -  Music won’t save you)

 

Newly launched independent label based in Italy Naked Lunch Records is an other fine purveyor of now legendary industrial power electronic acts (Maurizio Bianchi…) and challenging contemporary artists in the field of abstract and noisy drone ambient. It sounds quite natural that Giuseppe Verticchio, mastermind of Nimh found a warm welcome there.

With a quite singular, eclectic and dense musical production that goes from thrilling cinematic calmscapes, to ritualistic looped ambient and post-industrial drone artifacts distributed internationally (Silentes, Eibon, Rage in Eden et al.)

Nimh figures among the uncompromising icons of Italian experimental music. Despite it saw the light quite recently this album has been recorded around 2010/2011. Chronologically it is made of unreleased materials when the project was still signed by Silentes Minimal Editions and turned to its distinctive ethno-ritual sound mappings (Krungthep Archives.)

This new album has a specific charm and flavor in Giuseppe’s fruitful musical trajectory. According to me it is without any doubt the most minimalist-drenched drone album of the whole discography. The equipment is reduced to its minimum and simply based on electric guitar chords and various electronic treatments. Each track is composed around a similar stylistic schema. Super distorted drone guitars and abrasive textures are slowly moving and resonate in a rather epic, dramatic and ecstatic style. The sound aesthetics remind me of transcendental noise acts from Troum, the buzzing droned out doomscapes of Expo 70 and the post-rock atmospherics of Tim Hecker.

A relevant and seriously moody noise ambient album where guitar-orientated black noises are melted with foggy and melodiously shimmering fragments. A menacing, harsh, intrusive, nihilist and emotionally disturbing noisescapey experience which is well recommended.

(Philippe Blache - Igloomag)

 

Dopo una serie di collaborazioni e progetti personali Giuseppe Verticchio riesce a recuperare queste straordinarie registrazioni risalenti al 2010-2011 con le quali il prolifico autore scava nei retaggi più oscuri della sua produzione.

In queste tre lunghe suite l’autore si rivela più cinico che mai nell’affrontare il suo percorso sperimentale che, avvalendosi di pesanti drone e strutture atmosferiche dark ambient, si spinge in territori emotivi inconsueti.

Sfido chiunque infatti ad affermare che la musica di Nimh sia fredda e calcolatrice. E’ evidente che le macchine vengano piegate al suo volere secondo uno studio predefinito ma allo stesso tempo ‘Black Silences’, forse per questo più prossimo a Hall of Mirrors di altri capitoli della sua discografia, lascia il monolite industriale crescere di minuto in minuto seguendo un istinto scevro da condizionamenti. Un po’ come se un pittore dipingesse all’alba e si facesse guidare più dal mutamento dei colori che dal paesaggio da riportare su tela.

Il secondo episodio è quello che più travolge l’ascoltatore ma anche le desolanti e claustrofobiche derive degli ultimi dieci minuti del terzo si rivelano un colpo da maestro.

Oltre ad essere destinato ad ottenere maggiore visibilità all’estero rispetto al passato, “Black Silences” permette di riscoprire Nimh alle vette artistiche che lo hanno reso un punto di riferimento assoluto per tutta la scena italiana.

(Lorenzo Becciani  - Suffisso Core)

 

Nimh: Circles of the Vain Prayers (CD 2016 – Rage in Eden)

[ http://www.oltreilsuono.com/nimh ]

 

Ci sono pochi dubbi sul fatto che Giuseppe Verticchio (Hall of Mirrors, Maribor) stia allargando i propri orizzonti artistici. Con il passare degli anni la sua ricerca sonora lo ha spinto ad incorporare influenze folk e world music in un contesto sperimentale che all'inizio poggiava soltanto sull'elettronica di ambiente.

Le presenti quattro tracce, registrate due anni fa e distribuite anche in una pregevole edizione limitata in legno, rappresentano quanto di più tribale immesso sul mercato da Nimh fino adesso.

L'immagine in copertina è un simbolo legato alla tradizione tibetana ed infatti per l'album sono stati utilizzati strumenti come rattles, khlui, tzeebu, rawap e tombak che fanno parte della cultura asiatica e, oltre al piccolo stato guidato dai monaci, trasportano idealmente in paesi lontani e affascinanti come Thailandia (già narrata nei minimi particolari nello splendido “Krungthep Archives”) Iran e Mongolia.

A questa strumentazione si affiancano pianoforte, violino, vari oggetti metallici e l'uso di field recordings ma non sintetizzatori e questa è sicuramente una sorpresa.

“Circles of the Vain Prayers”' vede la presenza di Enrico Verticchio e “Violating the Limits” quella di Claudio Ricciardi, ma è “Touching the End” a marcare il territorio circostante con un crescendo epico in apparente contrasto con le divagazioni rumoristiche di “Black Silences”.

Quando infine si arriva a “Srivatsa” l'energia sembra avere preso possesso del nostro corpo e, credenti o non credenti, anime filosofiche o meno, è impossibile non essere trascinati da tanto fervore spirituale. Difficile immaginare dove lo porterà questo percorso ma Giuseppe Verticchio si conferma uno dei pochi musicisti di casa nostra dotato di un tocco unico e di un profilo internazionale spiccato.

(Lorenzo Becciani - Suffisso Core)

 

For those who are not yet familiar with the work of Giuseppe Verticchio (Nimh), this Rome-based artist has created a handful of ethno-ritual, soothing and ominous industrial drone releases for labels such as Silentes, Eibon and Rage in Eden.

“Circles of the Vain Prayers” appears to be his latest effort to see the light on the martial/industrial/neo-folk label Rage in Eden.

In this new release Nimh reiterates on the entrancing neo-spiritual and mystical direction of his processed and semi acoustic ambient music.

However, contrary to his past albums such as “The Missing Tapes” and “Travel Diary” which also have an inclination for ethnic droning sonographies, this new album reinforces the darkened religious facet with a great corpus of enthralling and vertiginous loops which advocates ritual trance states observable during shamanic ceremonies/catharsis processes and astral voyages.

Based on small repetition of phrases and electronically processed figures of acoustic timbres the music really seems to communicate with some invisible forces and deities from the nature.

Musical comparisons can be found at the same time in the experimental-conceptual music of Henry Flynt, Angus McLise or Lamonte Young as well as in the static dreamy ambient tracks of Rapoon.

The whole thing is enriched by diverse noisy sequences, field recordings and samples. A very sensorial and tripped out hypnotic avant-folk ambient album. An absorbing and vertical listening treat for the ears. Absolutely recommended for fans of blackened looping ambiences.

(Philippe Blache -  Igloomag)

 

Normality Edge: Inner Photographs (5+1 CD-R BOX 2002 - Afe)

[ hue@moriremotutti.com ]  [ http://www.moriremotutti.com/ne)

 

Inner Photographs è un'opera complessa. Trattandosi di materiale che è stato prodotto nel corso di un lungo periodo di tempo, e soltanto in un secondo momento raccolto in un box di 5 CD-R, più un altro disco disponibile su richiesta, esso riflette in qualche modo le diverse esperienze di vita dell'autore, le diverse circostanze,  i diversi approcci, i diversi stili e le diverse fonti di ispirazione, non solo musicali, che nel corso di più di cinque anni ne hanno influenzato e contraddistinto la vita quotidiana... L'autore stesso, nelle note interne, ci spiega che parte della musica contenuta nel box gli appare ora piuttosto distante, giacchè molto tempo è passato da allora, e aggiunge che a tratti stenta persino a riconoscere sè stesso nella persona che, molti anni fa, l'ha composta e registrata... Ciò nonostante essa è comunque parte della sua vita, ed egli ancora la ama e la apprezza sinceramente, ed è felice di aver trovato una opportunità per pubblicarla e proporla ad una cerchia di persone più vasta di quella, piuttosto ristretta, che per lunghi anni è stata a conoscenza della sua attività di autore di musica... I 6 CD-R, pur essendo accomunati da sonorità di matrice elettronica, spaziano tra generi anche molto diversi tra loro, e ad ogni "genere" è stato dedicato un CD-R. Trattandosi di una quantità di materiale enorme,  più di 4 ore, è impossibile fare una descrizione analitica e dettagliata brano per brano, ma è comunque possibile cercare di evidenziarne almeno gli aspetti  principali, soffermandomi magari maggiormente sui titoli che, stilisticamente, si avvicinano di più ai generi comunemente trattati su “Oltre il Suono”. Il CD-R "Ambient Grooves: A Drowning Fish" è sicuramente tra questi.

Suddiviso in nove brani, otto più una "extra track" che comunque rimane perfettamente integrata al contesto, Ambient Grooves: A Drowning Fish propone diversi tipi di situazioni. Si parte con "No Panic", un intro che descrive dettagliatamente una situazione di emergenza: allarmi e sirene miscelate a rumori e grida di folle in fuga disordinata, per proseguire con  "A Drowning Fish", la title track, non a caso uno dei brani migliori dell'intero CD-R, costruita con registrazioni di rumori concreti, pulsazioni sintetiche, disturbi, onde di pads e suoni elettronici dalle progressioni dilatate...  In "A Blameful Pause" compaiono affascinanti elementi ritmici sovrapposti a miscele musicali dalle tinte piuttosto oscure, così come sono sempre piuttosto "dark" le atmosfere del seguente "In White Buildings", i cui elementi fondamentali sono un substrato di suoni tesi e una voce recitante in primo piano. "Red Rose Flesh" è poco più di un frammento, meno di un minuto di durata, e vede ancora la presenza di una voce umana sovrapposta a rumori di sfondo simili a fogli di carta che vengono accartocciati.  In "Useless Garden of Anxiety" tornano degli elementi percussivi, che questa volta vanno a descrivere e ad accentuare con un andamento quasi "cerimoniale" suggestioni sonore di grande impatto e dal sapore vagamente "apocalittico". Nel seguente brano "Your Wrinkles" tornano ancora efficaci miscele di suoni elettronici, disturbi vari, e cadenzati movimenti ritmici in lontananza.  Particolarmente inquietante l'effetto della voce maschile trattata che domina la scena in "Everything Float", brano che descriverei come una sorta di strano incubo, e molto evocativa l'extra track "You Listen to Me", che chiude, direi decisamente in bellezza, questo CD-R...

Atmosfere completamente diverse in Industrial Noises: Avoid Contact. Qui la musica si fa decisamente aspra, "prepotente", i suoni saturi, distorti, impattanti... Decisamente "energico" il brano introduttivo "Last Strand", come anche il seguente breve "A Suffering", alle cui masse sonore devastanti  vanno ad aggiungersi potenti suoni percussivi. In "Stormy Stomach" compaiono momenti di maggiore quiete, ma si tratta sempre di una quiete piuttosto relativa:  di breve durata (il brano è di 3 minuti...)  e interrotta da continue percussioni "tuonanti". In "Need" le atmosfere si fanno a tratti più rarefatte, seppure in genere molto tese, a causa delle sonorità sempre piuttosto acide e graffianti... Indescrivibili quanto affascinanti le situazioni "confusionarie" e un po' surreali di "Loops", cui fanno seguito i due minuti di sequenze ritmiche di "This Shit", e i sette minuti di "No Reason to Change for", brano caratterizzato da un incedere ossessivo e un po' ipnotico. "Inner Sounds" spezza decisamente il quasi ininterrotto flusso di "straripante" energia che ha caratterizzato la musica fino a questo punto: nel silenzio assoluto emergono il suono basso e profondo di un cuore pulsante e quello di un respiro, ai quali vanno progressivamente ad aggiungersi altri rumori vari ed echi di voci umane. Seguono ancora i crudi movimenti circolari sintetici ed elettronici di "I Am", la breve versione "mix one" del già citato "Need", e l'extra track "This is a Mistake" costruita applicando pesanti effetti eco ad una voce maschile cantante/recitante.

In Dark Rhythms: Monochrome Life, è sempre abbastanza frequente  l'uso di parti ritmiche e percussioni, ma le sonorità tornano ad essere meno estreme, e decisamente "oscure".  Splendido in questo contesto il suggestivo brano di apertura, "Laudomia (City of the Deads)”, cui fanno seguito i più ritmici "Run (Authority Hunt)" e "Monochrome", quest'ultimo caratterizzato da cadenze di tipo marziale. Il brano "Ovunque" sembra un po' al di fuori del contesto del CD-R, caratterizzato come è da una cantato distorto, suoni acidi e ritmiche "crude" e pesanti. "The Tiranny of Order" torna allo stesso tipo di atmosfere più suggestive, oscure e descrittive, che hanno preceduto "Ovunque". Ancora parti ritmiche, ma questa volta sovrapposte a suoni di pads più "morbidi" ed evocativi, in "Minimal (Zu Ende Gehen)" e "Minimal (Ende)". L'extra track "Hard Enough", decisamente estranea al contesto musicale del CD-R, propone otto minuti e mezzo di materiale musicale eterogeneo variamente miscelato, e può considerarsi più una specie di esperimento che non un "brano" vero e proprio.

Il contenuto musicale del CD-R Anxiogen Dances: Instable Balance è ben descritto dal titolo. In questo disco tempi velocissimi e ritmiche piuttosto "frenetiche" dominano incontrastate la scena, accompagnate da effetti elettronici, masse di suoni spesso saturi e aggressivi, loops di sequenze armoniche rapidissime che (intenzionalmente...) non lasciano mai (o quasi...) un attimo di tregua... Abbiamo quindi il brano di apertura "Two" e il successivo "The Commercial One" che riflettono in pieno questo tipo di approccio. Segue "If You Think to Know Me" che inizia con strani rumorismi elettronici, ai quali vanno poi ad aggiungersi ulteriori effetti sintetici, effetti vocali, e una ritmica un po' meno "aggressiva" di quanto già ascoltato in precedenza. Seguono quindi "Ira" e "Weak End", anch'essi costruiti su ritmiche decisamente "prepotenti", ma che lasciano ogni tanto anche alcune brevi manciate di respiro... "Drink/Food/Cigarette/Wank" cambia completamente direzione: le pur presenti  basi ritmiche suonano in modo completamente diverso, i tempi sono lenti, l'andamento più quieto, i suoni più immateriali, le atmosfere più oscure, decadenti... "Very Instable" "aggredisce" immediatamente,  riconducendo di colpo l'ascolto verso soluzioni pesantemente ritmiche, decise e frenetiche... Seguono ancora i tre minuti scarsi di "25 Years", costruita con masse di suono rumorose e campioni trattati di grida umane dal sapore un po' "orrorifico", e il  "reverse mix" della già citata "Weak End".

Unpleasant Songs: Il Confine inizia con una traccia, "Il Confine del Tempo", che mi ha immediatamente ricordato  un certo tipo di musica elettronica, un po' melodica e sognante, diffusa nei primi anni '80; in particolare mi è venuta in mente la "Floating Music" di Robert Schröder. Un breve flash. "Song One" assume immediatamente connotati più "sperimentali", la struttura della musica si fa più astratta: pulsazioni ritmiche spezzate, suoni elettronici, disturbi, una voce, altri effetti di vario genere... "Handy Song" parte con una sequenza ritmica di batteria elettronica cui vanno ad aggiungersi progressivamente una sequenza melodica, altri giri armonici, effetti elettronici e "supplementi" ritmici-dinamici... In "Il Confine degli Amici" tornano gli elementi musicali melodici, ma in questo caso i suoni sono un po’ troppo "crudi", e le sequenze armoniche un po' troppo "geometriche"... "A Very Silly Song" sembra lambire i territori della musica ambient, disegnando a tratti affascinanti paesaggi sonori, anche con l'ausilio di tenui melodie ed elementi ritmici piuttosto discreti. "The Social Sadness" vede alcuni inserti ritmici e percussivi e vari effetti sonori  disposti in modo diverso lungo gli otto minuti di durata del brano, appoggiati su basi di suoni elettronici e di (apparenti...) chitarre elettriche distorte (forse sintetiche...). La successiva "Il Confine" propone un frammentato collage sonoro, della durata di 10 minuti, senza alcuna forma di continuità, costituito da campionamenti audio provenienti dalle sorgenti sonore più disparate. Un esperimento più che un brano, cui segue ancora un minuto e mezzo di sole sequenze ritmiche sintetiche registrate, come extra track, sotto il titolo "New Song".

In aggiunta ai cinque CD-R sopraelencati, c'è un sesto disco che è disponibile a richiesta, e che completa il box.  Si tratta di Nervous System Overload, e la particolarità di questo CD-R è che viene fornito con una copertina sul cui fronte è presente un disegno fatto a mano dall'autore, diverso per ogni copia che viene distribuita, e  quindi in sostanza "personalizzato"a seconda del richiedente. Questo lavoro racchiude undici brani che fanno prevalentemente uso di aggressivi rumorismi elettronici, suoni acidi e graffianti, loops ossessivi e ansiogeni, sibili acuti, ronzii, potenti picchi dinamici, voci umane rielaborate, disturbi di vario genere. Spesso è abbastanza percepibile la semplicità degli elementi usati per le composizioni, ma  nonostante   questo  la  musica  contenuta  nel CD-R esprime solitamente un certo fascino, pur nella sua non celata elementarità... Non mancano inoltre episodi in cui la musica cessa di "aggredire", lasciandosi andare a soluzioni meno "impattanti", e in questo ambito desidero segnalare in particolare "An Attempt of Kindness", brano particolarmente significativo nel quale le atmosfere si fanno quasi "ambient", e nel quale si scorge una maggiore cura e attenzione all'aspetto compositivo, alle progressioni e ai vari "passaggi" che caratterizzano i diversi momenti del brano. Sempre in questo ambito desidero citare ancora il seguente "Black Memory", che pur sfruttando elementi abbastanza semplici riesce a ricreare atmosfere oscure molto suggestive, e il brano di chiusura "Serial Meet Parallel", nel quale è possibile osservare una strana miscela di rumoriosmi elettronici e voci in loop disordinato ai quali dopo alcuni minuti vanno a sovrapporsi lente sequenze di accordi d'organo dal suono caldo e avvolgente, che progressivamente prendono il sopravvento mentre i rumorismi si dissolvono, e che poco oltre cambiano forma trasformandosi in rapide sequenze di note melodiche sulle quali torna in primo piano una voce umana dall'impronta timbrica in realtà molto poco "umana"... Inutile dire che, se avete acquistato il box, non è certo il caso di rinunciare a questo sesto CD-R, che ne è l’essenziale complemento...

Concludo questa lunghissima e articolata recensione, sottolineando come la realizzazione di questo ricco "box" da parte della Afe Records, sia da premiare anche per l'estrema qualità della confezione e della presentazione più in generale, aggiungendo che l'autore della musiche ha anche curato personalmente l'aspetto della grafica, davvero raffinata e perfettamente adeguata al contesto....

(Giuseppe Verticchio)

 

Normality Edge's "Inner Photographs" box-set consists of five discs and collects all the tracks produced by this project during its existence between 1996-1999. All material was reworked and put into shape in 2001 and is released here for the first time. All tracks were created by Hue using only cheap microphones, various objects, primitive sound editors and Dos sequencers. No midi machines, synths, external samplers and so on were ever used. The musical contents are different for each disc and vary from the Dark/Isolationist atmopheres of "Ambient Grooves: A Drowning Fish" to the harsh and distorted assaults of "Industrial Noises: Avoid Contact", passing through the more layered and rhythmically structured "Anxiogen Dances: Instable Balance" and "Dark Rhythms: Monochrome Life", ending with the less obsessive and gentler "Unpleasant Songs: Il Confine (The Edge)". It would really make no sense getting into the details about each track since this work must be seen/listened as a whole. The Normality Edge "Opera Omnia" is completed by a sixth disc entitled "Nervous System Overload" recorded back in 1995, which is sold separately from the box and is a mixture of Power Electronics and strange ambiences created assembling only sounds captured with microphones and without any kind of sequencer. The inspiration for all the music contained on this box is the sadness, anxiety and angst felt by the author at that time. Life changes, things get worse or better for anyone and Hue is making completely different music now with his "Sparkle In Grey" project, but  "Inner Photographs" is here and it's now: don't miss it.

(Afe Records)

 

Nosesoul: Angel Ghost & Human Shades (CD 2006 - Hic Sunt Leones) (Francesco Paladino & Opium) 

[ opium@regnodelsuono.com ]  [ http://www.regnodelsuono.com ]

 

A pochi mesi di distanza dall'uscita di "Angel's Fly Souvenir", CD di Alio Die in collaborazione con Francesco Paladino, Hic Sunt Leones propone un altro lavoro che vede protagonista lo stesso Paladino, stavolta affiancato dal ben noto e  apprezzato artista italiano Opium, uniti per questo nuovo progetto musicale battezzato "Nosesoul". Ciò che affascina e colpisce, sin dalle prime battute, è l'impronta ben riconoscibile del tipico "sound" di Opium, sempre estremamente elegante, ricco, raffinato, caratterizzato da un fantastico senso di "apertura", spazialità, profondità, limpidezza, frutto di un perfetto connubio di sonorità elettroniche, elementi acustici, sofisticata elaborazione e trattamento delle sorgenti sonore... Sicuramente uno degli artisti italiani in contesto ambient-elettronico che cura gli aspetti più spiccatamente tecnici legati alla qualità del suono con la stessa attenzione e meticolosità che riversa nell'affrontare gli aspetti meramente creativi-compositivi della musica che da molti anni produce e propone. Alle tipiche e affascinanti atmosfere in stile ambient-rituale che da sempre caratterizzano l'opera di Opium, si sovrappongono gli interventi vocali di Francesco Paladino, che con forma e soluzione diversa enfatizza e talvolta "pilota" le variazioni stilistiche e anche emozionali dei brani, indirizzandoli ora verso atmosfere d'impronta più sciamanico-cerimoniale, come nell'ottimo brano introduttivo "Preghiere", nell'altrettanto valido "Grasswall Painted Green" o  ancora in "Sunrise Overflow", ora verso situazioni più inquiete e "aspre", come ad esempio in "Light", in "Me, the Sky Sleeping" o "Lament", brani in cui compaiono suoni molto rochi e gutturali, strani vocalizzi, mugolìi e lamenti "disperati"... Analogamente a quanto avevo osservato a proposito del già citato CD "Angel's Fly Souvenir", sottolineo di aver trovato maggiormente riuscite e coinvolgenti le ampie parti in cui la voce di Paladino si appoggia su substrati sonori più materici e articolati, su fondali già pregni di forte impatto drammatico ed emotivo, riuscendo ad arricchirli e ad enfatizzarne l'efficacia attraverso ulteriori suggestivi elementi di tipo vocale ben integrati, amalgamati e talora "confusi" tra le trame sonore sottostanti. Interessante e valida collaborazione/progetto che ci auguriamo possa in futuro riproporsi nuovamente...

(Giuseppe Verticchio)

 

Olhon: Sinkhole (CD 2006 - Eibon)  (Where & Bad Sector)

[ sobolkho@yahoo.it ]  [ http://www.olhon.org ]

 

Assolutamente impressionante. Un CD di spessore "monumentale", che sembra aver preso forma direttamente dalle profondità delle più impenetrabili viscere della terra... Dietro questo indiscusso capolavoro di musica d'impronta fortemente oscura e drone-oriented, che definire però "dark-ambient" sarebbe alquanto riduttivo e impreciso, hanno "operato" gli italiani Zairo e Massimo Magrini, già conosciuti per i rispettivi progetti personali "Where" e "Bad Sector". Indispensabili alcune note esplicative, tratte dalla copertina del CD, presentato peraltro da Eibon in una elegantissima e pregiata confezione in cartoncino. Il "Pozzo del Merro" è una profonda depressione sulla superficie della terra, situata a pochi chilometri ad est di Roma. Si tratta sostanzialmente di una profonda cavità naturale verticale, in gran parte sommersa dalle acque, che termina a forma di imbuto nella parte superficiale, apparendo come un piccolo lago del diametro di circa trenta metri. La parte asciutta e imbutiforme di questo "pozzo", ricoperta di rigogliosa vegetazione, arriva ad una profondità di circa 70 metri rispetto al suolo cirostante. La parte più stretta e sommersa invece, che è stata esplorata diverse volte nel corso degli ultimi anni per determinarne la profondità, si spinge ulteriormente nel sottosuolo ancora per 392 metri, come evidenziato dall'ultima rilevazione effettuata nel marzo del 2002;  ma non si tratta in realtà dell'effettivo limite estremo, in quanto sembra che attraverso un più stretto e ricurvo percorso sotterraneo l'abisso si spinga ancora più in profondità... Zairo, attraverso l'utilizzo di particolari microfoni e speciali apparecchiature, ha contribuito alla realizzazione di questo CD effettuando delle incredibili registrazioni in loco, sia nella parte "asciutta" di questa depressione, sia nella zona superficiale della più profonda area sommersa. Magrini, come anche lo stesso Zairo,  ha successivamente rielaborato in studio il materiale sonoro originale, attraverso l'applicazione di vari processi ed effetti quali pitch shifting, filtraggi, riverberi, missaggi, dissolvenze... Il risultato finale, come già anticipato, è assolutamente incredibile e straordinario, per impatto, per la qualità del suono, per profondità, per dinamica... Vivamente consigliato in questo caso specifico un "doppio ascolto" del CD; uno in stato di assoluto "isolamento" dall'ambiente esterno, attraverso una buona cuffia in grado di riprodurre le frequenze più basse altrimenti non percepibili attraverso il vostro (seppur ottimo...) impianto stereo, l'altro invece, più "naturale", a volume piuttosto sostenuto attraverso i diffusori, esperienza che vi regalerà incredibili vibrazioni "fisiche", colpendo dritto allo stomaco nei momenti di maggiore dinamica e impatto, e consentendovi di percepire concretamente, anche a a livello "tattile" e "corporeo", le incredibili metamorfosi sonore delle dieci tracce  presenti su questo CD, tutte idealmente ispirate all'espolorazione in profondità di questo oscuro abisso naturale ancora parzialmente inviolato.   

(Giuseppe Verticchio)

 

One Sound Duo: The Way Becoming (CD 2014 – Tide)

[ http://www.oltreilsuono.com/claudioricciardi ]

 

Dopo qualche anno di silenzio, e alcuni interessanti lavori autoprodotti su CD-R realizzati tutti tra il 2013 e il 2014, Claudio Ricciardi (già membro in passato di formazioni quali Prima Materia, Handance, Timelines) stavolta insieme all’amico/musicista Orlando Lostumbo (anch’egli ex membro di Handance e tutt’ora componente dei Cosmogram) realizza come “One Sound Duo” questo nuovo CD pubblicato attraverso Tide Edizioni. Se negli anni passati Claudio Ricciardi è stato noto soprattutto per le sue varie attività ruotanti “intorno” al didjeridoo (con album pubblicati, esibizioni dal vivo, pubblicazione di uno dei primi e fondamentali libri in lingua italiana sull’argomento, costruzione dello strumento in vari materiali…), negli ultimi anni, grazie soprattutto all’acquisizione di specifiche competenze nell’ambito dell’audio editing e del montaggio/mixing al PC, ha notevolmente ampliato il suo raggio d’azione, realizzando, oltre ai già citati CD-R in solo, questo nuovo e affascinante album collaborativo. Otto tracce di difficile collocazione stilistica, dove comunque i riferimenti più significativi possono essere colti nella musica ambient, intesa in senso lato, e nella musica di matrice etnico/rituale.

Così mentre i brani “Kindred Spirits on the Sea” e il seguente “Becoming Way” rimangono abbastanza “sospesi”, tra “discrete” melodie di disco armonico, rumore di onde marine, morbidi accompagnamenti e melodie di sintetizzatore, “grappoli” di note di basso elettrico e contrabbasso, il successivo “Basho’s Hermitage” punta in una direzione spiccatamente rituale, descrivendo, attraverso voci recitanti, cori, percussioni, e inserti elettronici, una sorta di ipnotico e coinvolgente cerimoniale.    

“Terrestrial Core” vira in altra direzione ancora, abbinando il suono “quieto” e aritmico del didgeridoo di Claudio Ricciardi a substrati e inserti spiccatamente elettronici: quasi cinque minuti di pura “stasi” “dronico-elettronica”.

In “Jumping Fifth” tornano di nuovo protagoniste le melodie metalliche e riverberate del disco armonico di Claudio Ricciardi abbinate alle pulsanti sequenze ritmiche di basso elettrico e contrabbasso di Orlando Lostumbo. Sul fondo ancora fondi di synth, ma il brano assume connotati improvvisamente più “incisivi” laddove inaspettatamente entra in primo piano una “prepotente” melodia di organo.

Segue “The Voice in the Room”. La voce (canto armonico), la stanza e le note di chitarra sono quelle di Claudio Ricciardi, così come il trattamento della medesima sorgente sonora, talvolta stratificata su più piani, mentre ulteriori, “sommesse” elaborazioni e l’aggiunta di suoni elettronici di arricchimento sono evidentemente ad opera di Orlando Lostumbo.

“Lovers” vede l’accostamento di delicate sequenze di piano digitale, disco armonico, “morbidi” fondi sintetici, gocciolii d’acqua… Sei minuti di pure, quiete e sospese atmosfere ambientali…    

“The Cave” si addentra invece in antri cupi e sotterranei, dipingendo attraverso profondi drones, campionamenti di rumori naturali e suoni di synth atmosfere oscure, inquietanti ed evocative, concludendo con grande efficacia questo lungo e variegato “viaggio sonoro”.

Non perdete di vista questa formazione: per l’inverno sono in programma esibizioni live cui consiglio vivamente di non mancare.

(Giuseppe Verticchio)

 

To produce and compose music in the very moment of its execution: in a sense, One Sound Duo was born thus, by letting a time made of silences and sounds free to flow, until a music happens, like a sudden answer to some question. There is no time to think, no arrangement before; one’s own instrument becomes the expression of the self, of individual history, listening to many years, many sounds. The way becoming is a path that initially leads nowhere, with no fixed intentions; it creates itself in the very moment one travels through it. Even mistakes are unpredictable elements introducing to new directions, helping to find new solutions.  The presence of the Other, the hearing of the Other, the positive and comfortable sound produced by the Other, leads to travel through the same path more than once; it is not a repetition but a new way towards new solutions, before coming back to silence; a freedom of expression that finds in itself the limits of its own path. Spacedrum and double bass, two instruments so far apart for their acoustics, look for a fusion into one sound; they ask questions and propose solutions. The first belongs to the grouping of the handpans: it is a melodic metal percussion that puts the rhythm into play with a scale of notes, and that, in the range of its limitations, permits a harmonic discovery on which the second, the bass belonging to the grouping of the stringed instruments, inserts itself with its deep notes; they fuse together, as in a blacksmith melting, linking quality of notes, pauses of silence, manifold leaps of other harmonic intervals.

Later, the compositions blend with electronic sounds and field recordings; thanks to reverberations and several other effects, they create the illusion of a wider sound, becoming once again something else. It is an always-moving arrangement that, even without any staff, travels through, enters into, and goes beyond electronics. A non-rational way that originates from and rests on that vital energy accompanying every one of us since our birth. Pauses are inside, silence at the end.

(Tide - Label Press)

 

Opium: The Reborn of the Rebel Angel (CD 2001 - Hic Sunt Leones)

[ opium@regnodelsuono.com ]  [ http://www.regnodelsuono.com ]

 

Con questo primo lavoro da solista, Opium ci mostra in modo evidente le due diverse "anime" che si "contendono" lo spazio per l'intera durata del CD:  una squisitamente "ambient", che tende a fornire substrati costituiti da morbidi suoni di pads,  onde cicliche,  e nitide registrazioni di rumori naturali, l'altra invece decisamente più dinamica ed elettronica, che si manifesta con giri di sequencers e parti ritmiche concatenate che ora emergono e ora sprofondano nel plasma sonoro sottostante, mutando continuamente forma e colore... Talvolta le parti ritmico-dinamiche dominano la scena sonora, proponendo situazioni molto coinvolgenti e misuratamente "energiche", talvolta sono invece le sonorità più dilatate a prevalere, offrendo altrettanto efficaci momenti di quiete e stasi... Le registrazioni sono molto nitide e dettagliate, e Opium riesce a "sposare" splendidamente queste due esigenze, facendo in modo che il continuo alternarsi di situazioni  differenti riesca a sottolineare e mettere in risalto le qualità sonore ed emotive di tutte le parti...  "One Second Ago" introduce splendidamente l'ascolto, proponendo sei minuti di ipnotici loops elettronici miscelati in vario modo con  pads di sfondo, rumore d'acqua, e altri suoni di diversa natura... Nella seconda traccia, sovrapposti a sfondi di pads in qualche modo simili a quelli del brano precedente, compaiono delle strane parti ritmiche dall'andamento un po' disarticolato... Il terzo brano propone scie di suoni caldi e avvolgenti sui quali si inseriscono di nuovo interventi ritmici molto efficaci ed eteree parti vocali. Segue quindi una traccia decisamente più "ambient", costituita da onde in evoluzione libera dall'andamento più quieto, ma forse, per la stessa ragione, anche un po' più anonima...  Ovattate parti ritmiche e pulsazioni elettroniche di "Schulziana" memoria sono gli elementi fondamentali della quinta traccia: undici minuti di atmosfere molto suggestive che non passeranno certo inosservate... Ancora ritmi miscelati a suoni elettronici, questa volta però organizzati in modo meno efficace, nel brano che segue; quindi la chiusura affidata ad una traccia caratterizzata da sonorità spiccatamente "ambient", tese, oscure, e vagamente dissonanti. Un lavoro particolarmente interessante, che riesce ad unire felicemente e con grande gusto una misurata dose di energia e una discreta componente dinamica ad una musica che vede comunque nel genere "ambient" il suo principale punto di riferimento.

(Giuseppe Verticchio)

 

Opium: Floatdownstream (CD-R 2005 - Silentes)

[ opium@regnodelsuono.com ]  [ http://www.regnodelsuono.com ]

 

Nuova conferma per Opium, qui alla sua seconda prova solista, che pur allontanandosi  in quest'occasione da quelle sonorità  più eterogenee, a tratti più elettroniche e molto dinamiche che hanno caratterizzato ampie parti del precedente "The Reborn of the Rebel Angel", ci propone un ottimo e ispirato lavoro di "classica" ambient rituale dalle atmosfere generalmente dilatate e piuttosto oscure. Pur allineandosi a schemi abbastanza collaudati (ma non per questo meno degni di merito o considerazione...), questo CD-R,  originariamente uscito come autoproduzione nel 2003 e ora ristampato dall’etichetta italiana Silentes, stupisce ugualmente per l'eleganza e la cura con la quale è stato realizzato... Perfetti e misurati i passaggi tra le diverse atmosfere, le dissolvenze tra le parti, i mixaggi, splendidamente omogenea ma mai ripetitiva o noiosa la miscela sonora, ottima cura del dettaglio, della composizione, ed evidente la capacità di saper dosare e integrare fra loro a perfezione gli "ingredienti" utilizzati: basi di pads fluttuanti, tessiture elettroniche, voci, percussioni, strumenti etnici a volte molto rielaborati e quasi indistinguibili quali flauti, sitar, didjeridoo, strumenti ad arco, registrazioni di rumori naturali... Le cinque traccie sono legate tra loro, senza pause di silenzio tra i brani, a costituire un suggestivo continuum sonoro per quasi un'ora di durata. Chi sia alla ricerca di sperimentazioni estreme o grandi novità, potrebbe non comprendere il reale valore di questo disco, ma se desiderate, più semplicemente, ascoltare un ottimo lavoro di musica ambient-rituale in grado di condurvi tra splendide atmosfere, perfettamente costruite e sicuramente emozionanti, non mancate di procurarvi questo CD-R...

(Giuseppe Verticchio)

 

Opium/Corder Jason: The Present Day (CD-R 2006 - Practising Nature)

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Cinquantacinque minuti di flusso sonoro ininterrotto, seppure suddiviso in sette indici, durante il quale, in modo pressochè ciclico, si alternano tre o quattro "situazioni tipo" che, in forma di volta in volta leggermente variata, si rincorrono e si ripropongono per l'intera durata del CD-R. Ed ecco quindi, in apertura, prendere forma atmosfere ambientali para-statiche molto calde, "aperte", emozionanti ed evocative, arricchite di indecifrabili e talora sommersi suoni e rumori derivanti da registrazioni ambientali, riconoscibilissime, "tipiche" e ricorrenti in tanta musica già siglata Opium. Gli strati sonori si arricchiscono progressivamente di nuovi elementi, fino a che, discretamente dal fondo, appaiono i primi accattivanti giri di sequencer. In questa prima "comparsa" si mantengono "discreti" in termini di impatto e "presenza", pur "conquistandosi" presto nel panorama sonoro un posto in primo piano, ma nelle ricorrenze successive le linee di basso del sequencer si arricchiscono spesso di sincroni ritmi di batteria sintetica e paralleli strati di suoni spiccatamente elettronici organizzati in articolate e più incisive parti di groove machines... Nella maggior parte dei casi il tutto evolve in un progressivo e dinamico "crescendo", durante il quale ai caldi substrati sonori ambientali, ai sommersi echi delle field-recordings, e alle emergenti parti ritmiche e di sequencer, si sommano via via una quantità indescrivibile di suoni e rumori, per lo più di origine elettronica, anch'essi organizzati in un progressivo, talvolta anche molto invadente, "rumoroso" e pseudo-caotico "crescendo": disturbi, ronzii, sibili, scricchiolii, scie sonore, gorgoglii, pulsazioni, frammenti impazziti di suoni spezzati... Il tutto talora sfocia in una vera e propria esplosione di dinamica, ricca di microsuoni affastellati, cristallini dettagli, valorizzato peraltro da una pulizia timbrica e da una qualità del suono straordinaria; altre volte invece cresce in modo più moderato e "sommesso", per poi comunque "spegnersi", in ogni caso, con un progressivo "acquietarsi" di ritmi e suoni, e concludersi lasciando spazio nuovamente, per alcuni minuti, a quelle stesse atmosfere statiche e ambientali tipiche di Opium già descritte poco sopra, atte ad allentare temporaneamente la tensione emotiva e dinamica, e a fungere da "ponte" per il successivo "movimento"...  Sicuramente nulla da eccepire sulla qualità delle musica e sulla qualità tecnica della registrazione, il tutto indiscutibilmente di alto livello, e ben abbinato ad un impatto sonoro/emotivo garantito... Ciò che soltanto mi sentirei di osservare è un senso di sottile "prevedibilità", dovuta probabilmente alla ripetitività delle soluzioni e dei suoni adottati. Questo in realtà si percepisce, durante l'ascolto del CD, soprattutto nella seconda metà, quando cioè soluzioni e suoni sono stati ormai in qualche modo già tutti "rivelati", e nel prosieguo tendono un po' a "riciclarsi" senza aggiungere nulla di sostanzialmente "nuovo" e marcatamente caratterizzante. In ogni caso un CD-R sicuramente consigliato, che, grazie anche all'insostituibile apporto di Jason Corder, va ad arricchire la già nutrita e validissima serie di CD e CD-R firmati da Teo Zini/Opium. 

(Giuseppe Verticchio)

 

Opium: Algorithms (CD 2007 - Silentes)

[ opium@regnodelsuono.com ]  [ http://www.regnodelsuono.com ]

 

Straordinario ritorno di Opium, con un CD, di nuovo pubblicato dall'etichetta italiana Silentes, che sicuramente  risulta essere in assoluto una delle sue prove migliori. Stilisticamente sempre coerente con una musica ambient "morbida" e fluttuante ma mai "anonima", nonchè estremamente curata e dal consistente impatto emotivo, in quest' opera Opium trova il perfetto connubio tra staticità e movimento, tra quiete e dinamica, in una miscela straordinaria e perfettamente integrata di suoni sintetici, pads, elementi acustici ed elettronici, suoni naturali, registrazioni ambientali, echi appena sussurrati di componenti di matrice etnica. Un equilibrio che si mantiene costante dall'inizio alla fine, un flusso sonoro emozionante in grado di mantenere sempre alta l'attenzione, grazie ad un sottile e apparentemente invisibile quanto in realtà robusto filo di tensione che tiene saldamente legate le infinite particelle sonore che costituiscono, nel loro insieme, questa ora di ambient music di altissmo livello. Nessun attimo di "rilassatezza" eccessiva, nessuna autocompiacente e poco fantasiosa "lungaggine", come capita di riscontrare spesso in altri album di ambient music che condividono con questo CD di Opium sostanziali analogie stilistiche. Nessun suono "fuori posto"; anche laddove emergono alcuni elementi di più spiccata matrice elettronica il tutto è perfettamente "misurato" e ben amalgamato... Nessuna "spigolosità", nessun eccesso, ma al tempo stesso nessuna "leggerezza" o ricorrente e mal celata carenze di idee. Fluido, elegante, raffinato, emozionante. Sicuramente da non perdere.

(Giuseppe Verticchio)

 

A stunning new offering by Opium. Classically elegant and extremely refined ambient music. Multi-dimensional sounds that are warm and enveloping. An emotional travelogue, starting dramatically, then taking the listener down a slower path, comfortably easing you into a long and fascinating sonic trip, where the sounds grow wide and large, and finally crumble inward, then regenerate, returning for another phase. A new sonic alchemy, and an entirely new world of soothing sounds for the adventurous listener to visit.

(Silentes)

 

Opium: Watercolors (CD-R 2007 - Practising Nature)

[ opium@regnodelsuono.com ]  [ http://www.regnodelsuono.com ]

 

Debbo ammettere di avere qualche difficoltà ultimamente nel recensire le nuove uscite di Opium, e non perchè non le trovi sufficientemente valide o interessanti, quanto perchè ormai da anni l'artista ha trovato un suo "standard" stilistico e qualitativo ben stabile e definito, per cui mi riesce piuttosto difficile descrivere i suoi lavori senza correre il rischio di ripetermi, di utilizzare in sostanza le stesse espressioni, gli stessi termini, giungendo poi, in conclusione, alle "solite" (positive) conclusioni. In tempi abbastanza recenti ha fatto un po' eccezione il CD-R "The Present Day", realizzato insieme a Jason Corder, CD-R che, probabilmente proprio perchè trattavasi di una esperienza collaborativa, non era esattamente assimilabile a quanto solitamente propone Opium quando lavora in solo. In "Watercolors" invece i suoni, le atmosfere, le dinamiche, tornano a rispecchiare fedelmente la "classica" ambient music "by Opium", costituita da un mix eterogeneo, raffinato ed elegante, di suoni sintetici, registrazioni di suoni naturali, elementi elettronici tenuti sempre discretamente in secondo piano o che comunque non risultano mai predominanti o "invadenti",  drones, pads, onde sonore dai movimenti lenti e circolari, occasionali suoni metallici distanti e riverberati, talvolta tracce di confuse parti ritmiche destinate a rimanere prudentemente "seppellite" all'interno delle ricche e articolate stratificazioni sonore... Utilizzando questa "formula" Opium ha già realizzato molti CD, ma un elemento "chiave" che spesso li differenzia e li caratterizza è, di volta in volta, una minore o maggiore propensione a lasciare andare i freni, a "spingere" a tratti verso movimenti più dinamici, drammatici e "impattanti" piuttosto che mantenere la musica costantemente sospesa tra atmosfere più crepuscolari, quiete, statiche e introspettive... Talvolta Opium appare più "coraggioso", e "osa" maggiormente, sia per quanto riguarda la scelta dei suoni, sia per quanto riguarda una maggiore "incisività" dal punto di vista delle composizioni; talvolta invece prevale un atteggiamento più intimista e "moderato", più vicino ad una musica ambient che, rifuggendo il ruolo di "protagonista", è orientata invece a fungere più che altro da discreto e quieto sottofondo sonoro "di riempimento". Personalmente tendo a preferire Opium nelle sue versioni un po' più "audaci" (anche se "audace" non è forse il termine più adeguato...), e parlando in particolare di "Watercolors", direi che rispetto a questo discorso si pone su un piano intermedio, seppure forse un po' più incline alla "moderazione" che non all'esigenza dinamica e alla sperimentazione. In ogni caso un nuovo valido lavoro che tutti gli estimatori di Opium e della sua musica non mancheranno  di apprezzare.  

(Giuseppe Verticchio)

 

Opium/Sostrah Tinnitus: Stain (CD 2011 – Silentes)

[ http://www.silentes.net ]

 

Atmosfere oscure e al tempo stesso sognanti, progressioni lente e dilatate, sonorità morbide e avvolgenti, tappeti fluttuanti… Lo scorrere del tempo scandito dal ticchettìo di un orologio, imprevedibili e indecifrabili suoni aspri e taglienti che violano il quasi-silenzio; una nebbia che avvolge inquietanti paesaggi notturni confondendone i contorni e distorcendone le forme… Poi ancora la stasi e la quiete, interrotta da rumori percussivi riverberati, metalli risonanti, movimenti di indefinibili masse materiche sferraglianti, echi di suoni saturi e distorti … Sempre in equilibrio tra tessiture sonore più distese e spiccatamente ambientali ed evocazioni di più tetre e oscure suggestioni notturne, gotiche e decadenti, il connubio tra l’apporto dei due protagonisti di questo CD collaborativo, i ben noti progetti Opium e Sostrah Tinniutus, appare assolutamente perfetto e ottimamente calibrato. Un continuum sonoro di grande fascino che non scontenterà sicuramente chi già conosce e apprezza la musica dei due partecipanti nelle loro precedenti esperienze in solo, e che ugualmente si farà apprezzare da chi si avvicini a questo imponente album collaborativo senza avere contezza dei trascorsi musicali dei singoli artisti.

(Giuseppe Verticchio)

 

Warm, involving, deep and penetrating sounds... Flowing sounds patterns, vibrating drones permeated by a discreet sense of tension, evolving in dark, obscure, foggy, nocturnal atmospheres, violated by raven voices, mysterious noises and sounds of metal objects in motion... And then concrete noises, confused and elusive melodies, feeble light flashes, buried echoes of human voices, distant whispers, sudden passages of rough sounds, undefined nuisances, subliminal and hypnotic sequences, just like a recollection of unreal and dusty sounds from an old carillon... An extraordinary and not to be missed journey in the darkness, lead with great skill by two of the most remarkable artists coming from the Italian ambient/dark-ambient scene of the last decade.

(Silentes)

 

Orchestra Vuota: Naïve Music for Border-Line People (CD-R 2002 - Autoproduzione)

[ salvatpecoraro@tiscali.it ]  [ http://www.oscillator707.net/sal-vat ]

 

Ascoltando questo CD-R, la prima cosa che si percepisce  è la varietà di stili e influenze musicali che hanno sicuramente contribuito, almeno a livello di ispirazione o di stimolo più o meno conscio, a fornire le basi per il concepimento e la realizzazione dei 10 brani in esso contenuti. Il lavoro infatti, caratterizzato fondamentalmente da sonorità elettroniche, attinge di certo da  esperienze musicali di tipo diverso,  ad ampio raggio. Si passa infatti dalle atmosfere vagamente psichedeliche, come nel suggestivo e originale brano d’apertura “Naïvemusic” e nel più “scioccante” e volutamente “confusionario” “70’s Disaster”,  alle pulsazioni elettroniche e ai patterns ritmici della splendida “Lifeafterlife”, di “Commercial #3”, e del (meno originale) “LostP”;  dai “bozzetti” elettronici e sperimentali delle brevi “Commercial #2” e “Commercial #4”, quasi degli “spunti” per brani che non sono stati sviluppati in forma più ampia, alle sonorità ibride di “Whitejazz”, dove suoni elettronici e una base ritmica sintetica dal (molto vago...) sapore jazz si uniscono a costituire nove minuti di musica dall’indefinibile classificazione stilistica; dalle progressioni più descrittive e drammatiche del buon brano “Lovelyday”, alle sonorità “leggere” e “disimpegnate” del brevissimo “Commercial #1”, che pur lasciando decisamente disorientati al primo ascolto (essendo oltretutto posizionato nel CD-R subito dopo la tutt’altro che “semplice e disimpegnata” “Naïvemusic”...), trova comunque una ragione di essere nel contesto generale dell’opera, soprattutto se  lo si interpreta  come una specie di breve “omaggio” a quelle  soluzioni Elettro-Pop che hanno caratterizzato ampia parte della musica elettronica più “di consumo” negli anni ’80. Musica dai molti volti e dalle mille sfaccettature quindi, che potrà essere apprezzata a pieno soprattutto da chi è in grado di ascoltare e valutare un’ opera con un atteggiamento di assoluta assenza di pregiudizi e preclusioni  mentali a sonorità che traggano origine e ispirazione da universi musicali anche molto diversi fra loro… Una interessante realizzazione di musica elettronica, di buona qualità media, nata  da una mentalità aperta che guarda verso il futuro...  

(Giuseppe Verticchio)

 

This is the 4th CD-R released by Salvatore Pecoraro under the name of Orchestra Vuota (...) and it also comes with a great title which saves me part of the trouble of describing the music… Orchestra Vuota is a bizarre electronic creature with a strong kraut feel and a taste for unconventional cut-ups and arrangements. Manipulated samples (an acoustic guitar, gregorian chants, other people's records…) are mashed with digital rhythms and textures in an often disquieting whole. Longer tracks interspersed with shorter Can-inspired "commercials". Pecoraro has a lot of good ideas and a selection of his works could well give birth to a great album.

(Eugenio Maggi - Chain DLK)

 

Orchestra Vuota: Ethnological Electronic Research Volume I° (CD-R 2003 - Autoproduzione)

[ salvatpecoraro@tiscali.it ]  [ http://www.oscillator707.net/sal-vat ]

 

Molto particolare questo nuovo lavoro di Orchestra Vuota, che proponendo qualcosa di completamente diverso dal precedente "Naïve Music for Borderline People" si avventura questa volta in un universo fatto di sonorità etniche e contaminazioni elettroniche. Undici brani piuttosto semplici nella loro essenza, che vedono fondamentalmente campioni di musica etnica più o meno rielaborati, organizzati, sfruttando spesso la tecnica del loop, e miscelati ad altre sonorità  di evidente impronta elettronica. Un approccio abbastanza semplice, essenziale, così come molto semplice è la struttura e la forma dei brani, i quali però stupiscono ugualmente per la loro efficacia, per la loro capacità di evocare immagini e suscitare emozioni...  L'andamento spesso ipnotico e rituale dei brani, accentuato dall'uso frequente di brevi frammenti musicali o ritmici mandati in ciclo, contribuisce a creare una strana atmosfera, e ad evocare immagini di epoche antiche e mondi lontani, nel tempo e nello spazio...  Pur sfruttando in gran parte suoni e fraseggi campionati di strumenti etnici, ciò che si apprezza in  particolar modo è il fatto che questo CD-R è ben lungi dall'apparire come una sorta di esperimento di "clonazione" di musica etnica, un tipo di esercizio che ovviamente non avrebbe alcun senso,  e riesce invece a mantenere l'impatto emotivo molto "diretto" che può derivare dall'ascolto di musica etnica "genuina", combinandolo con semplicità ma efficacia ad elementi sonori di tipo diverso e strutture musicali di tutt'altra derivazione.  L' approccio piuttosto "diretto" e non troppo artificioso alla composizione e alla realizzazione della musica tipico dell'autore, è però riscontrabile (e questo è l'unico appunto che mi sento di fare a questo lavoro di Orchestra Vuota...) anche sotto  forma di alcune "imprecisioni" e lacune a livello prettamente tecnico per quanto riguarda la qualità della registrazione, che ovviamente possono in qualche modo "disturbare" l'ascolto di chi ricerchi, in un CD, non solo della buona musica, ma anche una  registrazione assolutamente fedele ed  esente da disturbi e imperfezioni. In ogni caso un lavoro di sicuro interesse, del quale attendo con molta curiosità l'uscita di un secondo volume....

(Giuseppe Verticchio)

 

Ornament: Adorers (CD-R 1999 - Oktagon)

[ ornament@libero.it ]  [ http://www.ebriarecords.com/ornament ]

 

Un’opera davvero interessante, prodotta da Oktagon,  per un artista che,  tra atmosfere ora più oscure e dilatate, ora più  percussive e ipnotiche,  costruisce la sua musica intorno a lunghi e suggestivi loops, talvolta lasciati  risuonare a lungo,  in modo crudo e privo di substrato musicale, in una sorta  di rituale ossessivo e alienante, a volte invece inseriti in contesti più elaborati e organici, avvolti tra suoni di tappeti morbidi dall’incedere discreto ma al tempo stesso drammatico e fortemente evocativo, come nel meraviglioso e suggestivo “Terminal Equinox”. Atmosfere diverse quindi, ma equilibrate nelle progressioni ed in una perfetta coerenza stilistica dall’inizio alla fine del disco… Si passa così dalle atmosfere oscure introduttive di “Feed the Fortress of Hate”, ai loops percussivi e ipnotici dal sapore industriale di “Burning Blood-Vessels”, dalle atmosfere quasi rituali di “New Flash for your Incarnation” e del  già citato  “Terminal Equinox” alle inquietanti tessiture sonore di “The Absent God”, dalle progressioni geometriche e alienanti di “Plague-Spreader” e di “The Finger” alla chiusura caotica e imponente di “Chasm”, costruita su un crescendo di  loops di suoni taglienti, rumori metallici reverberati, sequenze circolari di suoni percussivi in lontananza,  il tutto collocato su  un substrato  sonoro a base di  frequenze basse e profonde che descrivono efficacemente la collocazione atmosferica oscura e sotterranea degli spazi evocati… Un CD-R fortemente consigliato a tutti gli amanti del genere, e, ovviamente, anche a tutti gli altri...

(Giuseppe Verticchio)

 

Very evocative and dark, this Ornament album makes this band a must for every dark wave lover. Drum loops, hypnotising drones and other cyclic sounds paint eight painful and powerful canvases. Each track has a specific sound and rhythm and even if other bands’ tracks that follow this way of composing are boring, Ornament succeed where others fail. Feed The Fortress Of Hate, Burning Blood Vessels, New Flesh For Your Incarnation, Terminal Equinox, The Absent God, Plague-Spreader, The Finger and Chasm are the tracks that are waiting for your next mind exploration. Landscape music for escaping people…

(Maurizio Pustianaz - Chain DLK)

 

Ornament: Yzaniaveis (CD-R 2002 - Blade Records)

[ ornament@libero.it ]  [ http://www.ebriarecords.com/ornament ]

 

Una confezione che non passa inosservata: due lastre di materia plastica trasparente, con un effetto a rilievo simile a gocce di pioggia che scivolano sul vetro di una finestra... Le due lastre sono tenute insieme attraverso una vite di ferro e un controdado, che le tengono serrate quasi a proteggerne il prezioso contenuto... Con un po’ di pazienza e tanta curiosità mi accingo a prendere un paio di pinze, per rimuovere questa sorta di sigillo... Tra le lastre infatti è alloggiato il CD-R, avvolto all’interno di un cartoncino dall’ottima qualità di stampa, a sua volta protetto da una bustina di cellophane... L’impressione è quella di un pezzo da collezione, qualcosa che ricorda vagamente la prima versione del CD “Early Man” di Steve Roach, custodito tra due lastre di lavagna nera...  Finalmente riesco ad estrarre il dischetto, sicuramente faticando di più di quanto abbia mai fatto con qualsiasi altro CD che mi sia capitato di voler ascoltare... ma è uno sforzo che faccio volentieri. Sono convinto di avere tra le mani un disco che sarà all’altezza della sua confezione, ed anche che qualcosa è probabilmente cambiata nella musica di Ornament... Così è infatti. Ornament sembra aver messo da parte quasi completamente le ormai già deboli influenze industrial, e si tuffa in un’ambient-music sempre molto oscura, profonda e al tempo stesso sempre più matura... Non che non abbia apprezzato gli elementi industrial che hanno caratterizzato in parte i suoi precedenti lavori, ma questo cambio di direzione introduce un elemento di originalità nella musica di Ornament, e ciò che impressiona positivamente è la migliorata capacità nel miscelare e movimentare le masse sonore... I passaggi sembrano più fluidi, meno spigolosi, più naturali. Le progressioni sembrano vivere di vita propria, generalmente ben  dosate, armoniose nel loro incedere, precise. La coesione tra i diversi elementi si fa sempre più accurata, e diventa sempre più difficile trovare un suono fuori posto, troppo in primo piano come volume, o  troppo aggressivo come timbro,  dall’ingresso troppo precipitoso o dal fade-out troppo brusco...  In genere nelle recensioni mi piace segnalare qualche brano che ho particolarmente apprezzato, ma in questo caso più che mai bisogna considerare il CD-R come un’entità unica e indivisibile, nella quale la suddivisione in tracce avrebbe potuto anche non esserci: tanto è l’organicità dell’opera nel suo insieme, e tanto è necessario ricorrere ad un ascolto completo, senza interruzioni dall’inizio alla fine. Eppure c’è un momento in cui ho provato davvero la cosiddetta “pelle d’oca”, e che non posso fare a meno di svelarvi. Aspettate pazientemente di arrivare verso la metà del brano di chiusura, “Lame”, e lasciate che la musica vi guidi verso il baratro... Un unico difetto? Forse proprio la sfumatura finale del suddetto brano,  che chiude il disco lasciando con un po’ d’amaro in bocca... ma non sentitevi giustificati a non procurarvi questo CD-R della Blade Records per così poco... 

(Giuseppe Verticchio)

 

Ornament: Unicorn Lullaby  (CD-R 2005 - Afe)

[ ornament@libero.it ]  [ http://www.ebriarecords.com/ornament ]

 

Realizzato originariamente nel 2000 in una edizione privata dall'aspetto piuttosto "spartano" circolata in poche copie, "Unicorn Lullaby" esce finalmente, grazie all'italiana Afe Records, in una nuova forma che rende piena giustizia al valore di questo CD-R, per l'occasione rimasterizzato e  notevolmente migliorato e arricchito dal punto di vista della grafica e della confezione. Il suono di Ornament è  immediatamente riconoscibile, lo stile inconfondibile,  così come i riferimenti musicali ad una dark-ambient con (rare in questo caso...) venature  industriali. Un' opera nella quale questa volta  prevalgono le parti statiche, costruite su sonorità basse e profonde, rispetto alle parti più ritmiche,  costruite su loops più o meno ossessivi, che emergono chiaramente soltanto in "Masked Complicity" e in "Only Life Remains". Questa impronta più oscura, nella quale il protagonista non è la sequenza ritmica ciclica o prepotenti e freddi suoni metallici, è finemente elaborata attraverso la costruzione di ambientazioni sonore che  offrono il meglio di sè soltanto attraverso un ascolto attento e ad un volume discretamente sostenuto. Il substrato sonoro infatti è ricco di sottili sfumature,  echi di rumori distanti, elementi sonori tenuti intenzionalmente (ed elegantemente...) in secondo piano: tutte componenti destinate a perdersi durante un ascolto disattento o ad un volume troppo basso, che a tratti lascerebbe percepire masse di basse frequenze soltanto apparentemente informi e senza evoluzione. Fatta questa constatazione "strategica" sulle migliori condizioni d'ascolto, posso soltanto confermare il mio più pieno apprezzamento per un'opera estremamente interessante,  che conferma il giudizio positivo già espresso a proposito di "Adorers" e "Yzaniaveis".  Trovo in "The Heretic's Heritage" e "High Density of Grief" gli apici espressivi ed i momenti maggiormente emozionanti dell'intero CD-R, ma è necessario anche menzionare le stupende, fragili e appena accennate melodie di "Unicorn Shaped Labyrinth", le atmosfere rarefatte e cangianti di "Noctifer", le tensioni inquiete di "High Density of Grief", le pulsazioni ritmiche dei già citati "Masked Complicity" e "Only Life Remains", la parte più scura e tenebrosa del CD-R, rappresentata da "I Opened my Eyes in the Liquid Room", "Fiendish Ego" e "Under Shivering Columns". Un CD-R nuovamente consigliato a chiunque. 

(Giuseppe Verticchio)

 

It's a more mature work, less death industrial-oriented and more focused on creating dark, obsessive atmospheres with mind numbing reiterations (Masked Complicity, High Density Of Grief) or paralizing static environments (From Concealed Gardens, with upsetting animal sounds). Gloomy dark ambiances for deep onirical states. If you're into the releases of labels like Cold Meat Industry, Dragon Flight or Cold Spring you should definitely check this one out.

(Eugenio Maggi - Chain DLK)

 

Papi Moreno/Tanni: In the Beginning (CD 2001 - Didjeridu Italia)

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Un buon CD tutto italiano, di puro e "classico" didjeridu, prodotto dalla "Didjeridu Italia", etichetta fondata nel 1997 dallo stesso Moreno Papi e specializzata nella realizzazione di CD incentrati sul noto strumento di origine australiana. Otto tracce nelle quali Moreno Papi e "Tanni" Walter Mandelli propongono, con diverse soluzioni, efficaci e spesso articolati "duetti" di didjeridu, mostrando, oltre ad un grande talento e un'ottima tecnica, anche la grande versatilità di questo strumento, e affrontando con uguale disinvoltura sia parti d'impronta più spiccatamente ritmica, sia parti più sospese e dilatate, maggiormente orientate alla percezione del suono e degli armonici nella loro essenza più pura, ad un tipo di ascolto più marcatamente intimo e introspettivo, in un certo senso più "profondo"... Data l'assoluta essenzialità, in termini di strumentazione usata e struttura generale dei brani, c'è forse poco da descrivere a riguardo di questo CD, ma sicuramente c'è molto da ascoltare, soprattutto per gli appassionati di questo strumento, e in particolar modo per chi ama il suono del didjeridu nella sua forma più pura e originaria, al di fuori di qualsiasi forma di contaminazione di stampo moderno. 

(Giuseppe Verticchio)

 

Papi Moreno/Smith Monica: Sweet (CD 2004 - Didjeridu Italia)

[ info@papimoreno.com ]  [ http://www.papimoreno.com ]

 

Uno splendido lavoro, nato dall'incontro tra il didjeridu di Moreno Papi e il fascino impareggiabile del suono di strumenti come il tavolo e l'arpa monocorde, le crystal bowls, la tampura e il koto, qui suonati da Monica Smith. Quasi settanta minuti di emozioni acustiche, splendidamente registrate in presa diretta, e prive di successivi trattamenti di editing digitale, nelle quali il didjeridu di Moreno Papi rinuncia al ruolo di protagonista assoluto, per fondersi più discretamente in una magnifica simbiosi e in un perfetto equilibrio cromatico con il suono ipnotico e profondo (inteso in senso emotivo e non come frequenze sonore basse) che Monica Smith estrae dai suoi strumenti, ora pizzicando delle corde, ora sfiorando delicatamente le campane di cristallo, ora unendo il suono della propria voce a quella dello stesso  Moreno Papi, come avviene in un brano, "Crepuscolo", nel quale gli artisti hanno scelto di inserire anche parti di canto armonico. Uno splendido viaggio al confine del suono, tra atmosfere ora più tese ora più quiete, dove più che ritmi o melodie il protagonista quasi assoluto è il suono stesso, le sue sottili vibrazioni, le variazioni armoniche,  il timbro, la voce degli  strumenti... Un ottimo lavoro che vede il duo  Moreno Papi/Monica Smith accostarsi con grande efficacia ad un genere di musica che, come riportato tra le note di copertina, conduce l'ascoltatore verso una forma di ascolto interiore: "Il Suono precede la musica e ogni frequenza si apre su una nuova dimensione, ma la percezione esterna non è tutto, c'è anche un ascolto interiore. In questo modo si rivelano grandi spazi in noi, che risuonano silenziosamente risvegliando il nostro Suono interiore...".

(Giuseppe Verticchio)

 

Pecorelli Daniele: Theatrical Works  (CD-R 2002 - Autoproduzione)

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Questo lavoro è una raccolta di brani nati prevalentemente per opere teatrali, più precisamente spettacoli di danza. Essi sono raggruppati in sezioni, ognuna delle quali relativa ad uno specifico lavoro teatrale.  I tre brani di chiusura del CD-R, non appartenendo a nessuna delle suddette sezioni, sono stati inseriti perchè hanno avuto la funzione di temi principali per brani poi rielaborati, o perchè avrebbero dovuto essere utilizzati per future coreografie. Il materiale è piuttosto eterogeneo, e al di là di questa suddivisone di tipo tematico, sotto il punto di vista più prettamente musicale il disco può essere invece suddiviso in due parti. La prima, preponderante, della durata di circa 45 minuti, include gli undici brani più interessanti, che per sonorità e suggestioni  trovano una più appropriata collocazione tra le pagine di Oltre il Suono. Particolarmente efficaci e ben congegnate le progressioni delle tre parti di “Asylum” (Intro, Part 1 e Part 2), con suoni a tratti sussurrati e vicini al silenzio, a tratti estremamente acuti, acidi e graffianti; coinvolgente il pur breve frammento  narrativo di “Rising sun” (un brano sulle cui poche e abbozzate sonorità sarebbe stato possibile realizzare un intero CD di meravigliosa e dilatata deep music: Daniele, perchè in un tuo prossimo lavoro non provi a muoverti in una direzione di questo genere?); discorso analogo anche per quanto riguarda “Damasco”, frammenti di voce femminile trattata, dai quali avrebbe potuto scaturire molto di più di quello che è possibile ascoltare nei quattro minuti e mezzo della durata del brano; ancora affascinanti e surreali le atmosfere di “Sortilegio”, sei minuti e mezzo di materiale sonoro dai movimenti  imprevedibili e a tratti inquietanti. La seconda parte del CD, più breve e costituita di cinque brani,  si addentra invece  in soluzioni e sonorità generalmente più melodiche e ordinarie,  un pò al di fuori di quelli che sono i generi proposti da Oltre il Suono. E’ sicuramente la parte che verrà apprezzata di meno da chi predilige ascolti più introspettivi, crepuscolari, o anche sperimentali, e in generale caratterizzati da sonorità e soluzioni più desuete.  Quello che emerge da questo lavoro, è un forte potenziale artistico e compositivo, nonchè una lodevole dedizione, evidente però soltanto in alcune parti, alla ricerca di sonorità e soluzioni  fuori dall’ordinario. Questa è secondo me la direzione da seguire nel futuro, unitamente all’impegno nella realizzazione di opere dal carattere più organico e omogeneo, da ricercare soprattutto in una maggiore dilatazione temporale delle  numerose idee e degli efficaci spunti compositivi,  e in una univoca direzione stilistica che non conceda nulla al “facile” ascolto.

(Giuseppe Verticchio)

 

Punck: MU (CD-R 2002 - Autoproduzione)

[ info@punck.net ]  [ http://www.punck.net ]

 

Dopo aver esplorato in passato altri generi musicali, sempre comunque in un ambito elettronico inteso in senso lato, Adriano Zanni mette a punto, e ci propone, il CD-R “MU",  un breve lavoro suddiviso in 5 brani, per una durata totale di 20 minuti. Le sonorità sono prevalentemente elettroniche, pur essendo presenti in diverse parti frammenti di rumori concreti, registrazioni di vita reale, nonchè un drammatico documento sonoro (in "090578") relativo alla telefonata con la quale nel lontano 1978 veniva comunicata l'avvenuta uccisione di Aldo Moro unitamente alle indicazioni necessarie al ritrovamento del corpo. Con questo lavoro Punck dimostra di essere in grado di ricreare suggestive atmosfere sospese, miscelando e alternando elementi e situazioni sonore che sembrano  descrivere ambientazioni futuribili  e claustrofobiche, a tratti alienanti e quasi opprimenti, ma intendendo dare a questi termini che ho utilizzato un significato assolutamente positivo. Improvvisi cambi di sonorità,  e quindi di "ambientazione",  restituiscono  un andamento quasi "cinematografico" alle progressioni musicali di Punck, disegnando scenari sempre diversi ma legati da un'impronta fortemente drammatica, da una sensazione continua di inquieta tensione. Un buon CD-R che dimostra ancora una volta come sia possibile realizzare un'efficace  musica elettronica sfruttando un approccio "discreto", senza ricorrere a tutti quegli elementi quali linee di basso, sequenze melodiche, soluzioni ritmiche, loops di sequencer, ed effetti troppo "speciali",  che spesso finiscono per "appiattire", anonimizzare, e quindi banalizzare gran parte della musica prodotta con  l'uso di strumenti elettronici e computers.

(Giuseppe Verticchio)

 

The music is parted in 5 tracks that sound different, but have a similar  feeling. It starts with some kind of  neo-sinewave-ambient. The second track has something  that sounds like odd and cut real-sound effects,  repeated in a good and amusing way during the track.  Then some ambients appear, made of very clear,intense, sharp and harmless stretched sounds, with additional continuously present alien sound effects. In one track even a phone conversation in italian appears. Having in mind that pop interpretations of  experimental music can be a bit boring and repetitive  sometimes, it's great to hear experimental music like this Punck release, without pop signs.

(Microsound.org)

 

Punck: A Movie Without Images (Mini CD-R 2004 - Autoproduzione)

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A circa un anno e mezzo di distanza dall'uscita di "MU", Adriano Zanni ci propone un nuovo lavoro  che sia per la durata (anche questa volta si tratta di un Mini CD-R di venti minuti...) sia per alcuni elementi di carattere prettamente musicale, mostra sicuramente diversi punti di contatto con il precedente CD-R d'esordio siglato Punck. Riscontriamo infatti ancora una spiccata prevalenza di atmosfere tese e claustrofobiche, cariche di una certa drammaticità, espressa attraverso una miscela di pochi suoni, piuttosto discreti, in parte di origine elettronica, in parte frutto di campionamenti e registrazioni microfoniche. In un contesto generale di fondamentale semplicità ed essenzialità, e nonostante le analogie con il lavoro precedente, c'è da sottolineare come "A Movie Without Images", costituito stavolta di un'unica lunga traccia, appaia in realtà un passo avanti rispetto al precedente "MU", risultando sicuramente meno frammentario, più fluido e "organico", sicuramente più maturo... Più accurata che nel passato la scelta dei suoni, maggiormente ricercati e misurati, migliore la costruzione dei vari passaggi, l'equilibrio in senso generale, per un CD-R che, seppure di breve durata e d'impronta piuttosto minimale, non manca di un suo fascino e di una certa personalità... In attesa di un altro lavoro, già annunciato dall'autore, che ci auguriamo possa finalmente concretizzarsi nella forma di un CD-R di durata normale, e quindi anche in una prova sicuramente più impegnativa e rivelatrice, il giudizio d'insieme su questo "film senza immagini", che definirei piuttosto una sorta di "cortometraggio sonoro",  non può che essere positivo... Attendiamo però con grande curiosità e interesse la prossima uscita, dalla quale ci auguriamo possano emergere in modo più deciso il "carattere" e le effettive capacità artistiche e tecniche di Punck: quaranta minuti di musica pubblicata in un anno e mezzo di attività, suddivisi in due CD-R, sono ancora pochi per poter esprimere con assoluta convinzione un giudizio definitivo...  

(Giuseppe Verticchio)

 

Punck: Nowhere Campfire Tapes (CD 2005 - Afe/Ctrl+Alt+Canc)

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Dopo due mini CD-R realizzati tra il 2002 e il 2004, attraverso i quali Punck ha iniziato ad esplorare l'universo della sperimentazione elettronica, giunge ora la prima prova un po' più "impegnativa" dell'artista di Ravenna, nella forma di un primo CD di lunga durata, (56:21, inclusi dieci minuti di silenzio assoluto presenti nella quarta traccia...), interamente autoprodotto con la collaborazione della Afe Records. In questo nuovo lavoro Punck sembra riprendere il proprio discorso esattamente  lì dove si era interrotto con "A Movie Without Images", proponendo nuovamente una "formula" musicale sostanzialmente invariata, basata su situazioni  sonore d'impronta piuttosto minimale e para-statica con alternanza di diversi scenari  che si compongono ed emergono lentamente in modo equilibrato e discreto,  descrivono atmosfere attraverso suoni ben scelti e registrati, facendo leva anche su un buon lavoro di assemblaggio e missaggio delle parti, e tornano quindi a sprofondare nel buio, per cedere il passo al nuovo "capitolo" del libro, o se vogliamo alla successiva scena del film... Le sonorità, soprattutto quelle d'impronta spiccatamente elettronica, sono spesso piuttosto fredde, taglienti, quasi glaciali (molto in linea con le splendide foto scelte per le grafiche del CD), ma l'efficace mix di tali suoni con substrati sonori più profondi e dettagliate, "vive" e "calde" registrazioni ambientali riescono a restituire alla musica il necessario equilibrio, senza sbilanciare troppo (cosa purtroppo piuttosto frequente in altri CD che mirano a descrivere gelide atmosfere...) verso le frequenze alte e medio-alte il "centro" delle masse sonore proposte da Punck. Qualcosa che forse ci saremmo aspettati in più, da questa primo CD di lunga durata, è forse un "guizzo" di maggiore fantasia e creatività, giacchè, pur ben costruita, la musica contenuta in "Nowhere Campfire Tapes" sembra spesso suggerire possibili e più intriganti evoluzioni, per poi invece ripiegarsi più "modestamente" su sè stessa, senza trovare uno "sbocco" un po' più deciso, una forma un po' più caratterizzante e, se vogliamo, un po' più "coraggiosa". Le mie preferenze vanno comunque per i brani "Almost Anything" e  "Almost Nothing", mentre ho trovato particolarmente estraneo al contesto globale del CD l'inserto in "Tsunami Notes" di una voce maschile ben intellegibile ma poco espressiva che recita un testo in lingua italiana, scarsamente efficace dal punto di vista prettamente "musicale", nonchè (pur non volendomi improvvisare recensore d'arte poetica...) piuttosto inconsistente nei contenuti e nella forma.

(Giuseppe Verticchio)

 

For me this is the third time I encounter the music of Adriano Zanni, a.k.a. Punck, but this is the first "real" CD; his sound-sources still consist of laptop, objects, field recordings, contact microphones and samples... In the eighties he started playing music, going electronic in the nineties and using the internet to distribute his work. I think that with "Nowhere Campfire Tapes" he has reached his most refined moment. Playing around with his sources quite clearly (the rain in "Almost Anything" or the water sound in "Tsunami Notes"), each on its distinct part of the sound spectrum, the four pieces are lengthy, microscopic and detailed precise pictures. Whereas his previous works had industrial music elements, this is all gone here and replaced by a more than excellent work along the lines of Richard Chartier or Roel Meelkop, but with even clearer diversification of the sound sources. A very fine work!

(Frans De Waard - Vital Weekly)

 

Regivar: Colonna Sonora per un Film Immaginario (CD-R 2002 - S'agita Recordings)

[ regivar@libero.it ]

 

Finalmente ristampato dalla S'agita Recordings in 150 copie numerate, questo magnifico lavoro di Raffaella Graziosi "Regivar", precedentemente realizzato in edizione privata sotto lo pseudonimo "Kekszakallu". Presentato in una nuova veste grafica, con una bella copertina in elegante cartoncino a rilievo con venature, questo lavoro racchiude al suo interno tre brani che riflettono le diverse influenze musicali che hanno ispirato l'artista nel realizzare quest'opera....  Attraverso progressivi e curati cambi di scena e sonorità, Regivar ci conduce tra atmosfere ora più oscure, ora più marcatamente elettroniche, ora più statiche e dilatate, ora più sperimentali , ora vagamente melodiche e "musicali". Il brano iniziale, quasi sei minuti di durata, stupisce per l'immediatezza con la quale riesce a portarci "dentro" il film che la stessa musica vuole descrivere... Quindi la seconda parte (22 minuti), prima più oscura e statica, poi più sperimentale ed elettronica, poi giocata su loops ipnotici, quindi ancora un ritorno a sonorità più elettroniche, attimi di tenui accenni melodici, di nuovo suoni elettronici a dominare prepotentemente la scena sonora, quindi  una chiusura nuovamente oscura e statica, un ritorno quasi "circolare" alle atmosfere che hanno caratterizzato l'inizio del brano... La terza parte, dodici minuti circa, è dominata inizialmente da sequenze di accordi dal suono caldo e avvolgente, poi si inarca in una zona più sperimentale che conduce progressivamente verso gli abissi ... Una zona oscura e profonda, costruita su strati sonori sovrapposti, basse frequenze, deboli suoni acuti in lontananza, probabili echi di voci... sicuramente gli istanti più magici e suggestivi dell'intero CD-R.

(Giuseppe Verticchio)

 

"Colonna sonora per un film immaginario" ("Soundtrack for an imaginary movie") is Raffaella Graziosi's debut as Regivar. With a background in photography, Raffaella has been one of the main promoters of the brilliant Oltre il Suono webpage and forum; now her 1999 recordings see the light on Logoplasm's S'Agita Recordings, with the usual care for visual presentation (this time it's a minimal layout on cream marbled carboard) and a limited edition on 150 copies. "Colonna sonora..." is a fascinating work mainly based on synth waves and loops, with a kind of free-flowing stream of different fragments and atmospheres; at times concrete sounds (a rewound tape, drops of water...) crawl in, contributing to the feel of mystery... I like to think of this cd as a kind of intimistic sci-fi soundscape: the sense of wonder, subtle bewilderment or trascendental peace is all there, but moving within an inner universe... Sharing some "poetic" similarities with her label-mate AAL, especially in his more "cosmic" side, and I'll repeat myself for the 100th time by quoting Tarkovskij as an ideal counterpart for these dream-like sounds... 

(Eugenio Maggi - Chain DLK)

 

Regivar: Afairytaleelatyriafa (2 CD-R 2003 - S'agita Recordings)

[ regivar@libero.it ]

 

Sono passati ormai tre anni da quando la versione originale dell'interessante CD-R d'esordio di Regivar (allora ancora “Kèkszakàllù”) "Colonna Sonora per un Film Immaginario" ha visto la luce per la prima volta... Tre lunghi anni di silenzio interrotti soltanto dall’ apparizione nella compilation "Beyond the Sound", alla quale Regivar ha partecipato con lo splendido brano "Visioni". Mi sono quindi apprestato all'ascolto di questo nuovo lavoro con una particolare curiosità, e, soprattutto, con grandi aspettative. L'inizio mi suona familiare... il CD-R infatti sembra ripartire laddove si era interrotto il già citato brano "Visioni", riprendendone nei minuti iniziali alcuni suoni e alcuni campionamenti...  La musica sembra subito volare alta, e provo immediatamente  un senso di grande benessere e soddisfazione...  I suoni e le atmosfere cambiano e si evolvono lentamente, e in questo ritrovo e riconosco subito la grande capacità già dimostrata in passato da Regivar  nel costruire passaggi sonori e situazioni magiche, eteree ed impalpabili... Per i primi 12 minuti nulla interviene a interrompere questo magnifico flusso di emozioni, ma poi emerge per alcuni istanti una pulsazione elettronica dal sapore un po' troppo "spaziale/fantascientifico" che mi lascia un attimo perplesso... Verso il quindicesimo minuto tornano di nuovo sonorità ed effetti elettronici di tipo analogo, che questa volta però si spostano decisamente in primo piano, diventando il "soggetto" della scena sonora... Suoni che non ascoltavo più in un CD da molti anni, e che, dopo averne fatto enormi "scorpacciate" nella seconda metà degli anni '80, consideravo ormai "consegnate" definitivamente alla musica del passato... Dal ventesimo minuto la musica torna a scorrere di nuovo lungo binari completamente diversi, ripiegando nuovamente su sonorità e atmosfere decisamente più emozionanti e originali... Emerge ogni tanto quella pulsazione elettronica troppo "ad effetto" già ascoltata pochi minuti prima, ma senza compromettere troppo l'ascolto. In questa ampia parte si alternano momenti più musicali, a tratti  lievemente melodici, registrazioni ambientali, gocciolii d'acqua, rumore di un treno in corsa... La forte presenza di registrazioni di rumori dalla vita reale è un elemento abbastanza nuovo nella musica di Regivar, e pur non trovando in esse un senso di continuità "logica" nella narrazione, il risultato ottenuto, sotto il punto di vista puramente emotivo e sonoro, è comunque in genere molto affascinante...  Al quarantacinquesimo minuto del CD-R c'è un ritorno a quelle sonorità  "spaziali/fantascientifiche" già menzionate poco sopra, che saranno propotentemente protagoniste dei successivi cinque minuti... Quindi alcuni momenti di atmosfere intense e crepuscolari, descritte da vaghe e indistinte voci corali femminili in lontananza su sfondi sintetici molto "oscuri",  qualche breve ritorno di effetti elettronici, alcuni minuti di "immagini sonore" evocative e sognanti, e gli ultimi sette minuti durante i quali la musica torna  in modo quasi "circolare" alle sonorità e alle atmosfere che hanno aperto questo primo disco... Il secondo CD-R (più breve, circa 38 minuti) si apre splendidamente, con una manciata di minuti di ambienze molto "dark", profonde e suggestive, ma dopo un po' torna nuovamente a sfruttare alcuni suoni ed effetti elettronici che continuo a trovare un po' "datati"... Quindi compaiono alcuni rumori concreti, una sorta di "strofinamento" di qualche materiale, una melodia in loop che fuoriesce dai solchi di un vecchio disco in vinile, una lunga parte caratterizzata principalmente da suoni elettronici che sembrano descrivere passaggi di navicelle spaziali,  di nuovo rumori concreti e il suono in loop del disco in vinile; quindi una miscela di campionamenti di cori e orchestra d'archi,  e la chiusura affidata nuovamente a sonorità oscure che riprendono in qualche modo le atmosfere iniziali di questo secondo disco. Al termine di questo lungo ascolto, insieme alla rinnovata consapevolezza di quanto Regivar sia spesso in grado di elaborare e assemblare materiale sonoro con grande sensibilità e abilità, ho tuttavia avuto l'impressione che questo doppio CD-R sia stato "confezionato" con una eccessiva "fretta", seppure questa constatazione può apparire paradossale, dal momento che sono passati ben tre anni dall'uscita del suo precedente "Colonna Sonora per un Film Immaginario"... Probabilmente la "dimensione" del doppio CD-R è un po' eccessiva, e la mia impressione  è che Regivar avrebbe potuto ottenere un risultato migliore facendo una selezione più "severa" del materiale da includere in questo lavoro, da pensare comunque come CD-R singolo, curando maggiormente la scelta dei suoni, e cercando di dare all'insieme un'impronta un po' più omogenea.  In ogni caso non perdete l'occasione di ascoltare i 100 e oltre minuti di musica di "Afairytaleelatyriafa", soprattutto se, come me, amate da tempo la musica di  Raffaella/Regivar, e attendevate con ansia la sua nuova uscita…

(Giuseppe Verticchio)

 

A new release by Raffaella Graziosi/Regivar after "Colonna sonora per un film immaginario"; this time it's a double CD-R, with circa 90 minutes of music. "Afairytaleelatyriafa" follows the steps of "Colonna sonora...", with its mix of deep cosmic ambient and eerie concrete material crawling in here and there. But, in a way, I feel this is a much more mature, and more daring, release. Possibly even darker, though it's probably a matter of personal perception. Definitely akin to past greats like Klaus Schulze or Edgar Froese, but still "modern" in its approach, I'd immediately associate this release with label-mate AAL's "In Luce"; they share the same hallucinated, but soothing mix of light and darkness. 

(Eugenio Maggi - Chain DLK)

 

Revglow: Liquid Pearls (CD 2009 – Artesuono)

[ http://www.myspace.com/revglow ]

 

Quasi per caso, soltanto pochi giorni fa, ho scoperto su Myspace la pagina del progetto “Revglow” di Lilium e Francis M. Gri. Avendo già apprezzato molto, in un passato abbastanza recente, il CD “Across the Empty Night” dello stesso Francis, uscito a nome “Apart” per Final Muzik, mi sono immediatamente incuriosito, e ho deciso così di contattarlo per chiedergli (anche un po’ “sfacciatamente”…) se avesse piacere di propormi anche questo CD. Decisamente un’ ottima idea. Seppure in questo caso il “soggetto” principale del CD è indubbiamente la voce, sicuramente affascinante, eclettica, versatile, “trainante”  di Lilium, il contributo di Francis appare comunque assolutamente determinante. La raffinatezza delle parti strumentali di “sfondo” e di contorno, in buona parte costruite con suoni sintetici ma efficacemente arricchite da suoni di strumenti acustici (piano, chitarra…), l’eleganza delle composizioni e degli arrangiamenti, l’estrema pulizia del suono, la cura dei dettagli, la capacità di costruire atmosfere introspettive e “rarefatte” ma al tempo stesso estremamente evocative e coinvolgenti dal punto di vista emotivo, sono tutte qualità che questo CD condivide con il già citato CD “Across the Empty Night”  del solo Francis/Apart, il quale evidentemente “marca” con un’ impronta molto personale e poco confondibile la propria presenza in questo progetto collaborativo con Lilium. Una straordinaria conferma, e per me una nuova piacevolissima scoperta, non solo per quanto riguarda il progetto Revglow cui auguro lunga vita e grande fortuna, ma anche per quanto riguarda la sola Lilium, artista e voce dalle straordinarie qualità a me ancora sconosciuta prima dell’ascolto del presente “Liquid Pearls”.

(Giuseppe Verticchio)

 

Ricciardi Claudio: Blue Outlines (CD-R 2003 - Autoproduzione)

[ ricciardi@katamail.com ]  [ http://www.oltreilsuono.com/alberochecanta ]

 

Interamente registrato nel 2003, anche con la collaborazione di Giuseppe Verticchio, Cosimo Marino Curianò e Simone Fiaccavento, attuali compagni d'avventura di Claudio Ricciardi nel nuovo progetto musicale "Timelines", "Blue Outlines" raccoglie sette brani, per una durata totale di 55 minuti, nei quali il didgeridoo si fonde e si mescola in modo diverso a suoni di altri strumenti come saz,  flicorno, ocarina, elementi percussivi, trame di sintetizzatori, pur rimanendo sostanzialmente protagonista principale dei singoli brani.  Le situazioni  ruotano fondamentalmente intorno a sonorità di tipo ambient-rituale con evidenti influenze di musica etnica, alternando parti più eteree e dilatate, nelle quali sembra prevalere l'intento di descrivere e ricreare particolari ambientazioni e atmosfere, a parti invece dai contorni più precisi e definiti, caratterizzate da un incedere più deciso, parti più orientate a movimenti ritmici, presenza di elementi discretamente melodici.

(Label Press)

 

Riparbelli Pietro/Franck Yannick: Whinny Muir (CD 2011 –  Silentes)

[ http://www.silentes.net ]

 

Sorprendente collaborazione tra Pietro Riparbelli (K11, PT-R) e Yannick Franck (Y.E.R.M.O., Idiosyncrasia), in un album costituito di una sola lunga traccia, costruita attraverso un sapiente e suggestivo lavoro di raccolta, selezione, stratificazione e mixing di suoni; per lo più onde radio, feedbacks, voci, spesso pesantemente trattate e rielaborate con effetti e filtri.  I frammenti più spiccatamente “musicali” che emergono talora tra i suoni solitamente profondi, oscuri, dilatati, spesso violati da “correnti”  fruscianti e distorte, sono rielaborazioni di frammenti sonori del compositore italiano barocco Alessandro Scarlatti (1660-1725). Un continuum sonoro di grande fascino e di grande impatto, in cui i movimenti lenti, progressivi, dalle variazioni talora quasi impercettibili, conducono con grande accortezza ed efficacia da un silenzio quasi assoluto alle più ”potenti”, devastanti, “aggressioni” dinamiche, talora a base di profonde, pulsanti basse frequenze, talora a base di suoni invece più aspri, saturi e “abrasivi”…  Una nuova, significativa conferma per Pietro Riparbelli; un album sicuramente da non perdere.

(Giuseppe Verticchio)

 

A single, long, deeply moving, slow and expanded drone-track, built on everchanging sonic masses, low frequencies, strong electric/electronic sounds, field recordings, feedbacks, buzzes, hisses, rough distortions, sunken organ chords, subdued inserts of strings orchestral parts. Alternation of progressive crescendos, ambiental stasis, sudden, dramatic and catching dynamic shocks... An involving and extraordinary "trip" across an obscure sonic path, convincingly assembled in collaborative form by italian Pietro Riparbelli (K11, PT-R) and belgian Yannick Franck (Y.E.R.M.O., Idiosyncrasia).

(Silentes)

 

Saffron Wood: Platonica Filosofia della Temperanza (CD 2006 - Hic Sunt Leones)

[ saffronwood@fastwebnet.it ]  [ http://www.saffronwood.net ]

 

Straordinario CD dalle sonorità d'impronta ambient-ipnotico-rituale magistralmente realizzato facendo largo impiego di strumenti etnici dalle sonorità ricercate, suggestive ed originali. Strumenti a fiato, ad arco, cembali, percussioni... Bansuri, rabab egiziano, corni tibetani, flauti di bamboo, oboe, shakuhachi, dan moi vietnamita... Un album affascinante e crespuscolare, sospeso nel tempo, firmato da Saffron Wood, aka Lorenzo Scopelliti, artista che comparì per la prima volta su un CD prodotto da Hic Sunt Leones sin dal lontano 1993, nella storica compilation "The Promise of Silence", insieme ad artisti allora già più noti quali Vidna Obmana, Jeff Greinke, Robert Rich, Temps Perdu, Hybryds, Alio Die, Walter Maioli. "Platonica Filosofia della Temperanza", molto diverso per stile e sonorità dalla maggior parte delle produzioni Hic Sunt Leones, solitamente orientate a sonorità ambient di tipo più "tradizionale", si distingue sicuramemente dalla media, risultando essere uno degli album migliori pubblicati dall'etichetta in questi ultimi anni. Atmosfere magiche e sonorità ricche di vibrazioni, che risaltano in particolar modo in brani quali "Nel Ventre della Verginità", in "Assopito Sole Scaleno dei Ciclopi" e nella spettacolare title track "Le Platoniche Filosofie della Temperanza", riportando alla mente lavori di artisti di grande spessore come il "maestro" Stephan Micus e il già menzionato Walter Maioli. Un CD assolutamente consigliato a chiunque, in particolar modo a chi ricerchi sonorità d'impronta ambientale arricchite da un più spiccato spirito di ricerca, per chi cerchi un "Suono" più acustico e che non sia assolutamente condizionato e talvolta "sottomesso" all'uso quasi esclusivo di sintetizzatori, computers, campionatori, ed altre apparecchiature elettroniche.

(Giuseppe Verticchio)

 

Scala Stefano: Nel Mondo non del Mondo (CD 1997 - SC)

[ essescala@tiscali.it ]  [ http://www.stefanoscala.com ] 

 

Questo interessante e particolare lavoro di Stefano Scala è costituito di sedici tracce interamente realizzate facendo uso di strumenti etnici, molti dei quali di fattura molto primitiva, originari delle più diverse aree geografiche del pianeta. Nato da un lavoro, evidentemente appassionato, di ricerca antropologica e musicologica, questo CD sembra a tratti assumere quasi i connotati di un "documento sonoro" piuttosto che quello di un tradizionale CD musicale, come se l'autore avesse deciso di "tradurre in musica" piuttosto che in testo scritto il risultato di un proprio personale lavoro di ricerca e approfondimento volto alla scoperta di tradizioni musicali e strumenti etnici originari delle più diverse popolazioni abitanti gli angoli più remoti della terra. Sessantasette minuti circa di musica, registrata  dall'artista con la collaborazione di altri strumentisti, dalle sonorità etniche abbastanza "pure", dove appaiono esempi di brani più fedelmente riconducibili per stile e strumentazione usata alle regioni geografiche e alle tradizioni culturali e musicali da cui i brani stessi traggono ispirazione, quali  ad esempio quelli ispirati ai nativi d'America realizzati con flauti Lakota e frame drums, e altri invece che vedono forme di "contaminazione" tra strumenti originari di etnie e aree geografiche diverse, come nei brani idealmente ispirati alle tradizioni degli aborigeni australiani, dove però compaiono anche suoni di flauti di diversa origine geografica,  nonchè (in "Il luogo della vita dopo la morte") il suono di una moderna versione a pitch variabile (probabilmente di materiale plastico e struttura telescopica) del più tradizionale didgeridoo australiano in legno di eucalipto scavato dalle termiti. La qualità della registrazione è per la maggior parte delle tracce molto buona e dettagliata, e durante l'ascolto si alternano brani sicuramente più riusciti e curati nella forma e nella struttura, a brani che invece sembrano proporre una sorta di più semplice e frammentaria "galleria dei suoni". Il lavoro nel suo insieme è comunque più che apprezzabile, ed è consigliabile soprattutto a chi, conoscendo poco o nulla di musica etnica e relativi strumenti, desideri avvicinarsi a questo sorprendente e sempre affascinante universo musicale.  Unica nota davvero "stonata" dell'intero CD è il brano "La danza del mare", dove compare una parte di sax dal sapore molto "New Age" assolutamente estranea al contesto generale. Il suddetto brano è però collocato (opportunamente) in chiusura di CD, e pertanto non interrompendo la continuità dell'ascolto non disturba più di tanto, e non compromette il giudizio sostanzialmente positivo che mi sento di dare di "Nel mondo non del mondo".

(Giuseppe Verticchio)

 

Scala Stefano: Bagliori dell'Anima (CD 2001 - Pongo)

[ essescala@tiscali.it ]  [ http://www.stefanoscala.com ]

 

Un interessante e intenso lavoro, basato fondamentalmente su canto armonico arricchito da vari elementi percussivi d'impronta rituale e suoni di altri oggetti e strumenti etnici (ocarine, shakers, semi, metalli, bamboo oscillanti...), che rispecchia fedelmente le scelte, non solo artistiche e musicali ma anche di vita, che attraverso un lungo percorso hanno condotto l'autore a realizzare questo lavoro. Le atmosfere evocate delle cinque tracce di questo CD (cui bisogna aggiungere una brevissima traccia introduttiva con voce femminile recitante) trasmettono sempre un forte senso di equilibrio e spiritualità, assumendo a tratti quasi la forma di antichi cerimoniali sacri, suggestivi riti ancestrali... La musica, o meglio la voce di Stefano Scala, fluisce con movimenti lenti, discreti e grande senso della misura, in modo quasi ininterrotto, per tutti i quaranta minuti di durata di questo lavoro, proponendo sia parti in cui l'autore si concentra in modo quasi esclusivo sulle variazioni delle componenti armoniche del canto, come ad esempio  in "Part I", o "Part IV", quest'ultima sicuramente una delle tracce più "ipnotiche" e riuscite dell'intero CD, sia parti in cui viene lasciato maggiore spazio agli aspetti più prettamente melodici, come ad esempio nella splendida "Part II", una delle mie tracce preferite, nella quale appare evidente l'influenza di artisti come Stephan Micus, non a caso menzionato per primo nelle note di copertina tra gli artisti di riferimento, oppure nella più lunga "Part III", traccia che invece "cede" un pochino, soprattutto nella seconda metà, "soffrendo" di una certa caduta di tensione... Particolarmente intenso, ben realizzato e ben registrato il brano di chiusura, "Part V", dove canto,  percussioni, suoni di oggetti naturali e richiami si appoggiano ad un efficace drone di sottofondo che arricchisce il brano di un senso di respiro, profondità e atmosfera davvero particolare...

(Giuseppe Verticchio)

 

Scala Stefano: Unsui - Il Sentiero dei Bambù (CD 2004 - Pongo)

[ essescala@tiscali.it ]  [ http://www.stefanoscala.com ] 

 

Un'opera matura e affascinante, in assoluto un ottimo CD, e sicuramente il miglior lavoro realizzato fino ad ora da Stefano Scala, il quale, con la collaborazione di altri due musicisti (il giapponese Akira Yokohama e il franco-cinese Laurent Fu) propone una reinterpretazione di brani di musica tradizionale giapponese e cinese, oltre a due brani di sua creazione. Se da una parte può apparire inconsueto che un musicista italiano decida di proporre un CD di musica tradizionale giapponese e cinese, e ci si potrebbe  chiedere per quale ragione dovremmo accostarci a questo tipo di musica attraverso la "mediazione" di un artista italiano e non piuttosto, come forse appare più logico, attraverso registrazioni realizzate interamente da musicisti direttamente appartenenti a determinate aree geografiche e culturali, d'altra parte è possibile comprendere questa scelta sottolineando come Stefano Scala, appassionato musicista, compositore, musicoterapista, ricercatore musicale ed etnomusicologo, sia approdato alla realizzazione di questo CD attraverso un lungo percorso di studio, documentazione, e di esperienze di vita, che lo ha condotto gradualmente a trovarsi quasi in una sorta di "simbiosi" con quella stessa musica tradizionale che l'artista ha scelto di interpretare e proporre in "Unsui". Uno splendido booklet ricco di informazioni e immagini accompagna gli otto brani raccolti in questo CD, quattro dei quali di origine giapponese, due cinese, e due, composti in prima persona da Stefano Scala, comunque perfettamente integrati al resto del materiale. Il suono dello shakuachi e atmosfere piuttosto contemplative sono i  principali protagonisti dei brani tradizionali giapponesi, mentre il suono di altri flauti e movimenti molto più veloci sono alla base dei due brani tradizionali cinesi; tutta la musica presente nel CD è comunque arricchita da una gran quantità di suoni di altri strumenti etnici, più o meno primitivi, di percussioni, di richiami, di rumori prodotti da semplici oggetti come pigne, semi, foglie... Tecnica esecutiva e qualità del suono assolutamente impeccabili, oltre ad un evidente grande spirito di ricerca e profonda passione e senso di ispirazione,  fanno di questo CD un’ opera davvero eccelsa, e se aggiungiamo che una parte dei proventi delle vendite sono destinati al sostegno di una cooperativa di artigiani di Srinagar, nella parte indiana del Kashmir, un territorio tormentato da anni di guerre relative alle rivendicazioni di India e Pakistan, possiamo suggerire un altro buon motivo in più per acquistare questo CD.

(Giuseppe Verticchio)